Tony Dallara - Romantica

TRIBUTO A TONY DALLARA (Campobasso, Italia, 30-6-1936)

El cantante italiano Tony Dallara cumple hoy 82 años. Con inconfundible timbre de voz, entre 1957 y 1967 fue un popular urlatore, denominación que en su país de origen se daba a los intérpretes que se desenvolvían cantando en tonos muy altos. Vencedor en Sanremo 1960, también lo fue dos veces consecutivas en Canzonissima y tuvo notables éxitos fuera de Italia grabados en varias lenguas. En la actualidad es el superviviente más anciano de cuantos ganaron el Festival de Sanremo.

Hijo de un corista de la Scala de Milán y una ex ama de llaves, Antonio Lardera (su nombre real) se crió en la ciudad de Milán. A poco de dejar la escuela tuvo que ponerse a trabajar, primero en un bar y después como empleado. Admirador de la música popular americana, decidió formar el grupo I Campioni para debutar profesionalmente como cantante. En 1957 trabajaba como recadero para una casa discográfica y su director, tras escuchar en una actuación a Antonio y sus compañeros, decidió contratarlos, editando sus discos bajo el nombre de Tony Dallara con I Campioni, formación que llegaría a publicar más de dos decenas de singles, hasta que su voz solista se independizó para grabar con orquesta dos años después.

Su primer gran éxito fue Come prima (1957), que alcanzó el nº 1 de las listas italianas y vendió 300.000 copias, todo un record para la época. La canción se hizo muy popular también fuera de Italia, particularmente en España y Latinoamérica (por Los 5 Latinos), Francia (con versión francesa de Dalida), Gran Bretaña (registrada en inglés por Malcolm Vaughan) y Estados Unidos (con versiones a cargo de Dean Martin o The Platters). Mientras Tony cumplía el servicio militar se sucedieron otros éxitos como Ti dirò (1958), Brivido blu (1958, Per un bacio d’amor (1958), Non partir (1958), Julia (1959) o Ghiaccio bollente (1959). En esos años y los siguientes, Dallara también apareció en varias películas de las llamadas musicarelli.

El espaldarazo definitivo a su carrera se lo dió su participación en el Festival de Sanremo 1960 con las canciones Noi  (7º puesto) y, sobre todo, Romantica (ganadora), también interpretadas respectivamente por Jula de Palma y Renato Rascel.  Siendo Dallara y Rascel debutantes en el certamen, el segundo, uno de los autores de Romantica, la cantó después en el Festival de Eurovisión con escasa fortuna, pero en la voz de Dallara fue nº 1 en Italia y se convirtió en el mayor éxito internacional de toda su discografía. Incluso con la misma fue ganador en Canzonissima, concurso televisivo que al año siguiente vencería de nuevo con Bambina bambina. Entre una edición y otra de dicho programa, participó junto a Gino Paoli en Sanremo 1961 con Un uomo vivo, clasificada décima en la final, y logró su tercer nº 1 en Italia con su versión de La novia, anteriormente popularizada en castellano por el chileno Antonio Prieto en los países de habla hispana. Otro éxito de entonces fue Norma (1962). En 1964, por tercera y última vez concurrió en Sanremo con Come potrei dimenticarti, que llevó a la final en doble ejecución con Ben E. King. 

A medida que su popularidad en Italia disminuía, Tony Dallara probó suerte en el mercado hispanoparlante, grabó discos en castellano y se presentó con éxito en varios festivales españoles. Así en el de la Canción Mediterránea de Barcelona, donde en 1965 fue segundo junto a Pino Donaggio con Si chiama Maria; en el de Mallorca, que venció en 1966 con Margarita y en 1970 con E' colpa mia, o el de Benidorm, en el que la canción Entre los dos, interpretada por él y la española Bettina, consiguió el primer premio en 1967.

El auge de la música beat y los cambiantes gustos del público marcaron una sensible merma en la venta de sus discos, por lo que Dallara se fue alejando del mundo musical para dedicarse a la pintura. Ocasionalmente, merced a diversas operaciones revivalistas en los años 80 y 90, efectuó algunas reapariciones discográficas y, ya en el siglo XXI, como contertulio televisivo.

Los dos primeros premios consecutivos logrados por Domenico Modugno en Sanremo en las ediciones de 1958 y 1959 con "Nel blu dipinto di blu" y "Piove" habían propiciado una gran proyección internacional del Festival de la canción italiana. Desde 1955 la red de Eurovisión venía transmitiendo la final del mismo y en 1960 ya contaba con una amplia expectación. Alrededor de treinta millones de europeos presenciaron en sus televisores el triunfo de Romantica, composición de Dino Verde (letra) y Renato Rascel (música) que en la voz de éste último y Tony Dallara arrolló en la finalissima contra todo pronóstico. Detrás quedaron las canciones presentadas por Modugno (el favorito), Joe Sentieri, Nilla Pizzi o Mina. La versión de Dallara resultó luego un gran éxito dentro y fuera de Italia y, a comienzos de 1961, el cantante consiguió con ella su primera victoria en Canzonissima. Romantica fue popularizada en francés por Dalida y en inglés por Jane Morgan y se tradujo a diversas lenguas, incluido el japonés. 

Bernard Herrmann - Overture "North by Northwest" (1959)

RECORDANDO A BERNARD HERRMANN

En su aniversario natal recordamos al compositor estadounidense Bernard Herrmann, autor entre otras muchas de las bandas sonoras de siete películas de Alfred Hitchcock. Una de ellas fue "Con la muerte en los talones" (1959), de cuya trepidante partitura podemos aquí escuchar su obertura.

Mauro Bolognini (Pistoia, Toscana, Italia, 28-6-1922 / Roma, Italia, 14-5-2001): In memoriam

ESTETA Y ADAPTADOR LITERARIO

Hoy es aniversario natal del director y guionista cinematográfico italiano Mauro Bolognini. Culto, sensible, elegante y siempre atento a la literatura italiana, llevó a la pantalla numerosas obras importantes con personal formulación estética, atención al detalle y refinamiento visual. El suyo es un cine realista y emotivo que se inspira en las vicisitudes históricas de su país para trazar un cuadro sociológico del mismo. En su obra se acercó tanto a los decadentes comportamientos de las clases opulentas como al pulso de sectores populares que no ocultaban un activo compromiso político; hubo momentos en que apostó por el cine de fuerte contenido testimonial y otros (sobre todo los últimos tramos de su carrera) en los que se volcó sin ambages al erotismo estetizado. También dejó su firma en comedias de tono melancólico, episodios en films colectivos y melodramas de un romanticismo intenso y a veces recargado. Destacó asímismo como hábil director de actores. Entre los reconocimientos que recibió figuran un David di Donatello al mejor director y otro honorífico por el conjunto de su carrera en 1999.

Después de estudiar Arquitectura en la Universidad de Florencia, Mauro Bolognini pasó al Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma para hacer cursos de guión. Ya diplomado se orientó a la realización, ejercitándose entre 1948 y 1952 como ayudante del director italiano Luigi Zampa y luego, en Francia, de Yves Allégret y Jean Delannoy. Después comenzó a dirigir sus propias películas, en principio fundamentalmente comedias en las que colaboró con otros guionistas. La primera de ellas fue Los esperamos en la galería (1953), comedia musical con Carlo Dapporto, Nilla Pizzi y Sophia Loren.

Entre sus siguientes títulos figuran: También yo te quiero (1955), melodrama con Märta Torén y Richard Basehart, Los enamorados (1956), comedia sentimental con Gino Cervi, Cosetta Greco y Nino Manfredi, Guardias de Roma (1956), comedia con Alberto Sordi, Peppino De Filippo, Aldo Fabrizi y Gino Cervi, Marisa, la coqueta (1957), comedia con Marisa Allasio, Renato Salvatori y Francisco Rabal, Maridos jóvenes (1958), comedia coral con Isabelle Corey, Antonio Cifariello, Franco Interlenghi, Raf Mattioli, Gérard Blain, Ennio Girolami, Rosy Mazzacurati, Anna Maria Guarnieri, Antonella Lualdi y Sylva Koscina que ganó el premio al mejor guión en el Festival de Cannes, o Arrangiatevi (1959), comedia con Peppino De Filippo y Totò. Tras estas comedias populares contó con Pier Paolo Pasolini como coguionista en sus tres más ambiciosos siguientes films: La noche brava (1959), drama con  Rosanna Schiaffino, Elsa Martinelli, Laurent Terzieff y Jean-Claude Brialy, El bello Antonio (1960), drama con Marcello Mastroianni y Claudia Cardinale, uno de sus mayores éxitos, y Un día de locura (1960), drama con Jean Sorel y Lea Massari. Siguieron otras obras que confirmaron su reputación como personal y esmerado adaptador literario: La calle del vicio (1961), intenso drama con Jean-Paul Belmondo y Claudia Cardinale, Senilidad (1962), drama con Claudia Cardinale, Anthony Franciosa, Betsy Blair y Philippe Leroy, o Agostino (1962), drama que adaptaba una novela de Alberto Moravia, con Ingrid Thulin, Paolo Colombo y John Saxon.

Tras realizar La corrupción (1963), drama con Alain Cuny, Rosanna Schiaffino y Jacques Perrin, participó como director en varias películas colectivas de episodios: Mi señora (1964), Tres perfiles de mujer (1965), Las muñecas (1965), Las cuatro brujas (1966), Las brujas (1967), El oficio más viejo del mundo (1967) y Capricho a la italiana (1968). Varios de estos trabajos fueron intercalados con films propios: Mademoiselle de Maupin (1966), comedia de aventuras con Catherine Spaak, Robert Hossein y Tomas Milian, Arabella (1967), comedia con Virna Lisi, Margaret Rutheford y James Fox, Un bellísimo noviembre (1969), drama con Gina Lollobrigida, Gabriele Ferzetti y André Lawrence, o L'assoluto naturale (1969), drama con Laurence Harvey, Sylva Koscina e Isa Miranda.

A partir de los años 70 restableció su gusto esteticista en producciones (a menudo de época) como Metello (1970), drama adaptador de una novela de Vasco Pratolini, con Massimo Ranieri, Ottavia Piccolo, Tina Aumont y Lucia Bosè que ganó el David di Donatello a la mejor película, Bubu de Montparnasse (1971), drama con Massimo Ranieri y Ottavia Piccolo, Proceso a un estudiante acusado de homicidio (1972), drama con Massimo Ranieri y Martin Balsam, La gran burguesía (1974), drama judicial con Giancarlo Giannini y Catherine Deneuve  por el que obtuvo el David di Donatello al mejor director, Libertad, amor mío (1975), drama con Claudia Cardinale y Bekim Fehmiu, Por las antiguas escaleras (1975), drama con Marcello Mastroianni, Françoise Fabian y Marthe Keller, La herencia Ferramonti (1976), drama con Anthony Quinn, Dominique Sanda, Luigi Proietti y Fabio Testi, Sólo Dios sabe la verdad (1977), drama de terror con Shelley Winters, Max von Sydow, Renato Pozzetto, Alberto Lionello y Laura Antonelli, La verdadera historia de la dama de las camelias (1981), inspirada en la novela de Alexandre Dumas, con Isabelle Huppert y Gian Maria Volonté, La veneciana (1986), comedia erótica medieval con Laura Antonelli, Monica Guerritore y Jason Connery, Adiós Moscú (1987), drama político basado en hechos reales, con  Liv Ullmann, Daniel Olbrychski y Aurore Clément, o La villa de los viernes (1992), adaptación de una novela de Alberto Moravia, con Marco Di Stefano, Joanna Pacula y Julian Sands, que fue su última obra para la gran pantalla. 

Asímismo se distinguió como director escénico de óperas en la Scala de Milán, el Teatro Bolshoi de Moscú, la Opera de Roma o La Fenice de Venezia. En la última etapa de su carrera también realizó trabajos para la televisión, destacando entre ellos la miniserie La cartuja de Parma (1982), según la novela de Stendhal, con Marthe Keller, Andrea Occhipinti, Gian Maria Volonté y Georges Wilson. 
Homosexual discreto, Mauro Bolognini falleció en su casa romana tras una larga enfermedad a los 78 años.

Allan Jones - Alone

ALLAN JONES (Old Forge, Pennsylvania, US, 14-10-1907 / New York City, US, 27-6-1992): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen veintiséis años del fallecimiento del actor y cantante estadounidense Allan Jones. Accedió al cine por su apostura física y su educada voz de tenor. En M.G.M. se convirtió en estrella (fugaz) de varios musicales, para pronto pasar a otros estudios en producciones cada vez de menor coste y difusión, por lo que su carrera en Hollywood declinó pronto y su filmografía es reducida. No obstante, continuó cantando en otros medios: nightclubs, teatro, radio y televisión hasta casi el final de su vida.

Nacido Theodore Allen Jones, era hijo y nieto de mineros y él mismo lo fue hasta 1926, año en que, apoyado por su familia, pasó a estudiar canto en la Universidad de Nueva York. Bien parecido y entrenado en el género operístico, logró abrirse camino en Broadway actuando en musicales y operetas hasta 1935, momento en el que fue contratado por Metro-Goldwyn-Mayer, estudio que le dio un pequeño papel en La indómita (1935) de Victor Fleming, comedia protagonizada por Jean Harlow y William Powell. 

Su primer rol relevante en una película de Hollywood lo obtuvo con Una noche en la ópera (1935) de Sam Wood, disparatada comedia en la que asímismo debutaron en el estudio del león los Hermanos Marx, que venían de Paramount. La asímismo cantante Kitty Carlisle fue su pareja en la cinta. A continuación actuó en Rose Marie (1936) de W. S. Van Dyke, musical que incluía fragmentos operísticos, con el protagonismo de Jeanette MacDonald y Nelson Eddy; después, prestado a Universal, desempeñó un rol protagonista (Gaylord Ravenal, el más importante de su carrera en la pantalla) en Magnolia (1936) de James Whale, primera versión sonora del famoso musical "Show Boat" de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, con Irene Dunne, Charles Winninger, Paul Robeson y Helen Morgan, todo un clásico insuperado hoy día. De nuevo en M.G.M., volvió a aparecer junto a los Hermanos Marx en Un día en las carreras (1937) de Sam Wood, comedia en la que tuvo como pareja a Maureen O'Sullivan. En La espía de Castilla (1937) de Robert Z. Leonard, musical de época ambientado en los momentos inmediatamente anteriores a la Guerra de la Independencia española, compartió créditos con Jeanette MacDonald y Warren William, y dio a conocer la famosa canción "The donkey serenade", distintiva en su repertorio y luego devenida standard. Everybody sing (1938) de Edwin L. Marin, musical con Judy Garland y Fanny Brice, fue su útimo film en M.G.M,  pasando después a Paramount o Universal para rodar sus siguientes títulos: Un novio para tres novias (1939) de Edward H. Griffith, comedia con Fred MacMurray y Madeleine Carroll, Celos de gloria (1939) de Andrew L. Stone, musical con Mary Martin y Walter Connolly, Muchachos de Siracusa (1940) de A. Edward Sutherland, largometraje inspirado en "La comedia de los errores" de Shakespeare, con  Martha Raye, Joe Penner y Rosemary Lane, Noche en el trópico (1940) de A. Edward Sutherland, musical con  Nancy Kelly, Abbott & Costello y Robert Cummings, Música mágica (1941) de Andrew L. Stone, musical con Susanna Foster, Chicas al frente (1942) de Charles Lamont, musical con Jane Frazee, Gloria Jean, Donald O'Connor y Peggy Ryan, o Burla burlando (1945) de Frank R. Straye, musical con Bonita Granville y Jess Barker.
Durante la II Guerra Mundial fue uno de los primeros entertainers que voluntariamente cantaron para las tropas de ultramar y después abandonó Hollywood y anduvo de gira por Gran Bretaña durante dos años. A su vuelta volvió a las tablas y actuó en varios musicales off-Broadway. El resto de su carrera trabajó en el circuito de nightclubs, grabó muchos discos e intervino en programas radiofónicos y televisivos. Entre las producciones teatrales que protagonizó figuran "El hombre de La Mancha" (su mayor éxito, durante ocho años), "Paint your wagon", "Guys and dolls" y "Carousel". También se dedicó a la crianza de caballos en un rancho en California.
Allan Jones  tuvo cuatro esposas, divorciándose de las tres primeras. Estas fueron: Marjorie Annette Bull (1929-1936), madre de su hijo Ted; Irene Hervey (1936-1957), actriz con la que tuvo a su hijo Jack Jones (futuro cantante pop famoso en los años 60, que ganaría dos premios Grammy); Mary Florsheim Picking (1957-1964) y Esther Marie Villavinci, con la que convivió desde 1967 hasta su muerte en 1992. Esta se produjo a los 84 años por un cáncer pulmonar.

 

Allan Jones estrenó a dúo con Kitty Carlisle la canción Alone (Arthur Freed / Nacio Herb Brown) en la película Una noche en la ópera (1935), pero no la grabó en solitario hasta 1949.

Chris Isaak - Can't help falling in love

EL ROCKER ACTUAL MÁS AUTÉNTICO Y COOL

Si en estos tiempos existe un auténtico epígono de Elvis Presley y otros grandes del rock & roll, ese es el californiano Chris Isaak, que hoy cumple 62 años y a quien en este video de 2011 podemos admirar en su encantadora versión de Can't help falling in love (Peretti / Creatore / Weiss), hermosa e inolvidable balada grabada por Elvis en 1961 e incluida en el cincuenta años posterior álbum Beyond the sun de Isaak. Todo un caballero y figura de gran credibilidad artística en cuanto hace, que continúa manteniéndose internacionalmente como rocker de culto.

Anne Revere (New York City, US, 25-6-1903 / Locust Valley, New York, US, 18-12-1990): In memoriam

DISTINGUIDA SECUNDARIA VÍCTIMA DE LA CAZA DE BRUJAS

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Anne Revere. Procedente del teatro, se estableció en Hollywood ya veterana y, subestimada en un principio, en la década de los 40 fue una de las actrices de carácter más solicitadas y prestigiosas. De semblante adusto, severo y procupado, se especializó en figuras matriarcales invariablemente solícitas, sabias y estoicas, pero su  polifacético  talento amplió sus registros a personajes más duros de mujeres neuróticas, desequilibradas e incluso dementes. Actuó en películas de todos los géneros, apareciendo en alrededor de una decena de clásicos, algunos de ellos filmados por importantes directores. Tres veces nominada al Oscar a la mejor actriz secundaria, lo ganó en su segunda candidatura. A pesar de ser víctima de la paranoia ocasionada por la guerra fría en su país, demostró el mismo  aguante, coraje y firmeza exhibido en la pantalla cuando, incluida en las listas negras de Hollywood, rehusó colaborar con el Comité del senador McCarthy, lo que arruinó su carrera y la condenó al ostracismo profesional. Parcialmente rehizo después su trayectoria en el teatro, llegando a ganar un premio Tony como actriz de reparto.

Hija de un corredor de bolsa en Manhattan, Anne Revere se crió en Westfield (New Jersey) y en 1926 se graduó en arte dramático en el Wellesley College, una universidad femenina en Massachusetts. Luego amplió sus estudios en otro centro, teniendo como profesores a Maria Ouspenskaya y Richard Boleslavsky. Su debut en Broadway se produjo en 1931, extendiéndose allí su actividad escénica a lo largo de toda la década. Una de las obras en que participó fue llevada al cine, repitiéndo su papel en la película Double door (1934), que dirigió Charles Vidor, drama con Evelyn Venable, Mary Morris y Kent Taylor. En 1935 se casó con su colega de tablas, el actor y director Samuel Rosen, a quien permanecería unida hasta que enviudó en 1984. El matrimonio no tuvo descendencia.

No le llegó otra oferta de Hollywood hasta Pasión de libertad (1940) de Frank Lloyd, drama histórico sobre la Guerra de Independencia Americana que protagonizaron Cary Grant y Martha Scott, a la que siguieron otros pequeños roles de carácter en películas como La noche plena (1940) de Irving Reis, drama con reparto de actores desconocidos, Más allá de la tumba (1941) de Edward Dmytryk, film de terror protagonizado por Boris Karloff, La llama de Nueva Orlens (1941) de René Clair, comedia de aventuras de época con Marlene Dietrich, Bruce Cabot y Roland Young, La ciudad de los muchachos (1941) de Norman Taurog, drama con Spencer Tracy y Mickey Rooney, Recuerda aquel día (1941) de Henry King, drama romántico con  Claudette Colbert y John Payne, Conflicto matrimonial (1942) de Norman Taurog, comedia con Ray Milland y Betty Field, Contigo pan y cebolla (1942) de Alfred E. Green, comedia con William Holden y Frances Dee, o El Halcón inicia el vuelo (1942) de Irving Reis, thriller de intriga con George Sanders y Lynn Bari.

En los años siguientes fue a menudo requerida para desempeñar papeles de madre de la actriz o actor protagonistas. Así fue en La canción de Bernadette (1943) de Henry King, drama religioso con Jennifer Jones, William Eythe, Charles Bickford, Vincent Price, Lee J. Cobb y Gladys Cooper por el que obtuvo su primera candidatura al Oscar a la mejor actriz secundaria, lo que hizo despuntar su carrera en la pantalla. Después apareció en Vieja amistad (1943) de Vincent Sherman, drama sobre la rivalidad entre dos amigas que encarnaron Bette Davis y Miriam Hopkins, Amor sin refugio (1944) de Sidney Lanfield, comedia con Paulette Goddard, Fred MacMurray, Edward Arnold y Roland Young, La favorita de los dioses (1944) de Ralph Murphy, comedia musical con Dorothy Lamour, Eddie Bracken y Gil Lamb, Sucedió un domingo (1944) de Lloyd Bacon, drama bélico con  Anne Baxter y John Hodiak, Fuego de juventud (1944) de Clarence Brown, drama hípico con Mickey Rooney, Donald Crisp y Elizabeth Taylor por el que Revere ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria, Las llaves del reino (1944) de John M. Stahl, drama religioso con Gregory Peck, Thomas Mitchell y Vincent Price, El hombre delgado vuelve a casa (1944) de Richard Thorpe, comedia criminal de intriga con William Powell y Myrna Loy, Don Juan Quilligan (1945) de Frank Tuttle, comedia con  William Bendix, Joan Blondell y Phil Silvers, ¿Ángel o diablo? (1945) de Otto Preminger, noir con Alice Faye, Dana Andrews y Linda Darnell, El castillo de Dragonwyck (1946) de Joseph L. Mankiewicz, drama de época con Gene Tierney, Walter Huston y Vincent Price, Su alteza mi secretaria (1947) de George Seaton, musical con Betty Grable y Dick Haymes, Carnaval en Costa Rica (1947) de Gregory Ratoff, musical con Dick Haymes, Vera-Ellen, Cesar Romero y Celeste Holm, Cuerpo y alma (1947) de Robert Rossen, intenso drama boxístico con  John Garfield, Lilli Palmer y Hazel Brooks donde interpretó uno de sus mejores papeles, Ambiciosa (1947) de Otto Preminger, drama ambientado en la Inglaterra del siglo XVII, con Linda Darnell, Cornel Wilde, Richard Greene y George Sanders, La barrera invisible (1947) de Elia Kazan, drama sobre racismo ganador del Oscar a la mejor película de entre ocho nominaciones (una de ellas, la tercera, para Anne Revere como actriz secundaria), Secreto tras la puerta (1948) de Fritz Lang, thriller psicológico con Joan Bennett y Michael Redgrave, Tormentas de odio (1948) de F. Hugh Herbert, comedia dramática con June Haver y Lon McCallister, Sombras en el mar (1948) de Henry King, drama con Dana Andrews, Jean Peters, Cesar Romero y Dean Stockwell, El gran robo de Missouri (1951) de Gordon Douglas, western con  Wendell Corey, Macdonald Carey, y Ward Bond, o Un lugar en el sol (1951) de George Stevens, drama ganador de seis premios Oscar que adaptaba por segunda vez a la pantalla la novela "Una tragedia americana" de Theodore Dreiser, con Elizabeth Taylor, Montgomery Clift y Shelley Winters.

Abruptamente su filmografía se interrumpió cuando, debido a su militancia comunista, el nombre de Anne Revere fue incluido como uno de los trescientos en las infames listas negras de Hollywood. Acogiéndose a la Quinta Enmienda constitucional, ella se negó a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, lo que le supuso estar veinte años sin trabajar en el cine. De hecho, su papel en Un lugar en el sol, la última película en que había intervenido, fue reducido a un cameo. Para subsistir, ella y su marido se encargaron de una escuela de arte dramático en Los Angeles antes de trasladarse a Nueva York, donde tuvieron que arreglárselas para conseguir empleo en producciones teatrales regionales o de repertorio hasta su regreso a Broadway. Finalmente Revere volvió a destacar como actriz de carácter en la obra "Toys in the attic" (1960) de Lillian Hellman y fue premiada con un Tony. En los años 60 apareció en varias series televisivas, pero no se la vió en una pantalla grande (y en un papel muy menor) hasta Dime que me amas, Junie Moon (1970) de Otto Preminger, comedia dramática con Liza Minnelli, Ken Howard, Robert Moore, James Coco, Kay Thompson y Fred Williamson, seguida por Macho Callahan (1970) de Bernard L. Kowalski, western con David Janssen, Jean Seberg, Lee J. Cobb y James Booth. Trascurrieron seis años antes que apareciese en su última película, Tiempo de abedules (1976) de Delbert Mann, drama con Eddie Albert y Rip Torn.
Anne Revere llevaba mucho tiempo retirada cuando contrajo neumonía a los 87 años, lo que provocó su fallecimiento. Atras dejó toda una galería de intensos y variopintos personajes que en sólo una década - los años 40- sedujeron a plateas de todo el mundo antes de su caída en desgracia.