Volker Schlöndorff (Wiesbaden, Hessen, Deutschland, 31-3-1939)

REPRESENTANTE DEL NUEVO CINE ALEMÁN

El cineasta alemán Volker Schlöndorff cumple hoy 78 años. Prominente representante del llamado Nuevo Cine Alemán, a finales de los 60 y primeros 70, ha realizado películas también en Francia y Estados Unidos. Reflexiones sociales, políticas e históricas componen la práctica totalidad de su filmografía de autor. Su obra más conocida, El tambor de hojalata, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. En el año 2002 fue nombrado Oficial de la Legión de Honor francesa.

Hijo de un médico, Volker Schlöndorff se trasladó en 1956 con su familia a París, donde se graduó en ciencias políticas en la Universidad de la Sorbona, al tiempo que también se instruyó en cinematografía. En los primeros años 60 fue ayudante de direción de cineastas franceses como Alain Resnais, Louis Malle o Jean-Pierre Melville. Su primer largometraje de ficción fue El joven Torless (1966), drama con Mathieu Carrière y Barbara Steele que adaptaba una novela de Robert Musil que indaga sobre los males generados por el nazismo, a través de unos chavales en un internado. El film consiguió una gran repercusión fuera de las fronteras alemanas, ganando el premio FIPRESCI en el Festival de Cannes y convirtiendo a Schlöndorff en uno de los puntales, junto a Rainer Werner Fassbinder o Werner Herzog, del nuevo cine alemán. 

Entre sus sucesivas películas destacan El rebelde (1969), drama medieval basado en una novela corta de Heinrich von Kleist sobre un tratante de caballos que se rebela contra el feudalismo, con David Warner y Anna Karina; La repentina riqueza de los pobres de Kombach (1971), drama ambientado en el siglo XIX, rodado para televisión pero exhibido en salas de cine, considerado en su día como ejemplo de realismo crítico; Fuego de paja (1972), drama conyugal que desvela los mecanismos de represión de la mujer por el hombre, para el que contó como co-guionista y protagonista con su entonces esposa, la también directora Margarethe von Trotta, quien asímismo co-dirigió con él su siguiente film, El honor perdido de Katharina Blum (1975), drama con Angela Winkler basado en una novela de Heinrich Böll concebido para denunciar la prensa sensacionalista y los métodos policiales en contradicción con los principios de un estado liberal; o Tiro de gracia (1976), adaptación de una novela de Marguerite Yourcenar ambientada en la Primera Guerra Mundial, con Margarethe von Trotta, Matthias Habich, Rüdiger Kirschstein y Mathieu Carrière.

Su proyecto más ambicioso, El tambor de hojalata (1979), drama basado en la novela de Günter Grass, con David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler y Katharina Thalbach, supuso en su día uno de los mayores éxitos del cine alemán. La película consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Después Schlöndorff dirigió Círculo de engaños (1981), drama antibélico con Bruno Ganz y Hanna Schygulla, y El amor de Swann (1983), adaptación de una novela de Marcel Proust, con Jeremy Irons, Ornella Muti y Alain Delon. Tanto Muerte de un viajante (1985), nueva versión de la famosa obra teatral de Arthur Miller, con Dustin Hoffman y John Malkovich, como Viejos recuerdos de Luisiana (1987), drama sureño sobre racismo, con Louis Gossett Jr., Holly Hunter y Richard Widmark, fueron hechas para televisión por cable, pero en Europa se distribuyeron en salas.

Menor repercusión han obtenido sus restantes films a partir de los años 90, entre los que se cuentan El cuento de la doncella (1990), distopía  futurista con Natasha Richardson, Faye Dunaway y Robert Duvall, El viajero (1991), drama itinerante en los años 50 de tono existencialista, con Sam Shepard, Julie Delpy y Barbara Sukowa, El ogro (1996), drama contemporáneo a la II Guerra Mundial, con John Malkovich, Seducción letal (Palmetto) (1998), neo-noir con Woody Harrelson, Elisabeth Shue y Gina Gershon, El silencio tras el disparo (2000), drama sobre la banda terrorista de los 70 Fracción del Ejército Rojo, con Bibiana Beglau, Martin Wuttke, Nadja Uhl y Harald Schrott, El noveno día (2004), drama histórico sobre un sacerdote superviviente del campo de concentración nazi de Dachau, con Ulrich Matthes, August Diehl, Bibiana Beglau y Hilmar Thate, Strike (2006) drama sindical en Polonia, con Katharina Thalbach, Ulzhan (2007), drama viajero con Philippe Torreton, o Diplomacia (2014), drama histórico sobre el París ocupado por los nazis, con André Dussollier y Niels Arestrup.  

Volker Schlöndorff estuvo casado entre 1971 y 1991 con la actriz, guionista y directora Margarethe von Trotta. Su actual esposa, desde 1992, es Angelika Gruber, con la que tuvo una hija.

 

Vintage delights (LXXXI)

Greta Garbo ("Romance", 1930)

Mae West ("I'm no angel", 1933)

Claudette Colbert ("Cleopatra", 1934)

Carole Lombard & William Powell ("My man Godfrey", 1936)

Jeanette MacDonald & Nelson Eddy ("Maytime", 1937)

Olivia de Havilland & Errol Flynn ("The adventures of Robin Hood", 1938)

Cary Grant, James Stewart, John Howard &  Katharine Hepburn ("The Philadelphia story", 1940)

Humphrey Bogart & Dooley Wilson ("Casablanca", 1942)

Orson Welles, Margaret O'Brien & Joan Fontaine ("Jane Eyre", 1943)

Charles Boyer & Ingrid Bergman ("Gaslight", 1944)

John Garfield & Lana Turner ("The postman always rings twice", 1946)

Stephen McNally & Jane Wyman ("Johnny Belinda", 1948)

Patricia Hitchcock, Farley Granger, Ruth Roman & Leo G. Carroll ("Strangers on a train", 1951)

Audrey Hepburn & Gregory Peck ("Roman holiday", 1953)

Marilyn Monroe ("The seven year itch", 1955)

Elizabeth Taylor & James Dean ("Giant", 1956)

Dawn Addams & Charlie Chaplin ("A King in New York", 1957)

Joan Crawford & Linda Hutchings ("The best of everything", 1959)

Laurence Olivier & John Gavin ("Spartacus", 1960)

Omar Sharif & Peter O'Toole ("Lawrence of Arabia", 1962)

Clint Eastwood & Marianne Koch ("Per un pugno di dollari", 1964)

Doris Day, Eric Fleming & Dom DeLuise ("The glass bottom boat", 1966)

Claude Jade & Michel Subor ("Topaz", 1969)

Elliott Gould, Bobby Troup & Donald Sutherland ("M.A.S.H.", 1970)

Paul Henreid (Triest, Imperio Austrohúngaro, 10-1-1908 / Santa Mónica, California, US, 29-3-1992): In memoriam

EL HÉROE EUROPEO

Hoy se cumplen veinticinco años del fallecimiento del actor cinematográfico austriaco (nacionalizado estadounidense) Paul Henreid. Alto y de porte aristocrático, llegó a Hollywood eludiendo la guerra en Europa. Su interpretación de Victor Laszlo, el marido de Ingrid Bergman en Casablanca, le hizo pasar a la mitología del séptimo arte. Hasta comienzos de los años 50 sus papeles más habituales fueron de galán romántico, de europeo e incluso de nazi. El maccarthysmo afectó a su carrera y propició su declive, acabando por incorporar roles de reparto.

Nacido Paul George Julius Hernreid von Wasel Waldingau en la actual ciudad italiana de Trieste, entonces perteneciente al Imperio Austrohúngaro, era hijo de un banquero vienés que fue consejero de finanzas del emperador Franz Josef. Cuando su padre murió durante la I Guerra Mundial, la fortuna de la familia se vio disminuida. Criado en Viena, Paul estudió en la prestigiosa Academia Maria Theresa y en el Instituto de Artes Gráficas. Durante cuatro años trabajó como traductor y diseñador de libros en un equipo dirigido por Otto Preminger, mientras por las noches se entrenaba como actor. Protegido del famoso Max Reinhardt, en 1933 debutó en la escena en un "Fausto" dirigido por él. Simultáneamente continuó actuando sobre las tablas y desempeñó pequeños papeles en películas austriacas, alemanas o británicas.

Ferviente anti-nazi, tras ser declarado "enemigo oficial del Tercer Reich", abandonó su país por Gran Bretaña. Entre los films allí rodados figuran Adiós, Mr. Chips (1939) de Sam Wood, drama con Robert Donat y Greer Garson, o Tren nocturno a Munich (1940) de Carol Reed, thriller de espionaje con Margaret Lockwood y Rex Harrison. Con el estallido de la II Guerra Mundial temió ser detenido o deportado como enemigo extranjero, por lo que se desplazó a los Estados Unidos, donde debutó con éxito en Broadway con la obra "Vuelo al oeste". El estudio RKO lo contrató para protagonizar junto a Michèle Morgan el drama bélico Juana de París (1942) de Robert Stevenson y ese mismo año adquirió la ciudadanía estadounidense.

Sus siguientes trabajos fueron para Warner Bros., así La extraña pasajera (1942) de Irving Rapper, drama con Bette Davis, Casablanca (1942) de Michael Curtiz, mítico drama romántico nominado a ocho Oscars y ganador de tres, con Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, donde interpretó al  líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, su papel más recordado, Entre dos mundos (1944) de Edward A. Blatt, drama de intriga con John Garfield, Sydney Greenstreet y Eleanor Parker, Los piratas del mar Caribe (1945) de Frank Borzage, producción de aventuras de RKO con  Maureen O'Hara y Walter Slezak, Predilección (La vida de las hermanas Brontë) (1946) de Curtis Bernhardt, drama biográfico con Ida Lupino, Olivia de Havilland y Sydney Greenstreet, Cautivo del deseo (1946) de Edmund Goulding, adaptación de la novela "Servidumbre humana" de Somerset Maugham, con  Eleanor Parker y Alexis Smith, o Engaño (1946) de Irving Rapper, drama con Bette Davis y Claude Rains. Ya para otros estudios protagonizó Pasión inmortal (1947) de Clarence Brown, drama biográfico donde encarnó al compositor Robert Schumann, con Katharine Hepburn como Clara Wieck y Robert Walker como Johannes Brahms, La cicatriz (1948) de Steve Sekely, thriller criminal con Joan Bennett, Soga de arena (1949) de William Dieterle, noir con Burt Lancaster, Claude Rains y Peter Lorre, u otros films menores.

A comienzos de los años 50 fue incluído en las tristemente célebres listas negras como "simpatizante comunista" por unirse a las protestas contra las acciones del Comité de Actividades Antiamericanas, lo que, sin duda perjudicó su carrera. En Francia rodó Idilio en el castillo (1952) de Marcel Cravenne, comedia con Merle Oberon, y en Inglaterra  Cara robada (1952), drama criminal con Lizabeth Scott, y La trampa (1953), drama de intriga con Lois Maxwell, Kieron Moore, Hugh Sinclair y Kay Kendall, ambos dirigidos por Terence Fisher. En el cine americano se le pudo volver a ver en modestas producciones de aventuras como La sirena de Bagdad (1953) de Richard Quine y La princesa (1955) de Felix E. Feist, las dos con  Patricia Medina como coprotagonista, y ya como actor de reparto en otras como ¡Viva Las Vegas! (1956) de Roy Rowland, musical con Dan Dailey y Cyd Charisse, Diez mil dormitorios (1957) de Richard Thorpe, comedia con Dean Martin, Vacaciones para enamorados (1959) de Henry Levin, comedia con  Clifton Webb, Jane Wyman, Jill St. John y Carol Lynley, o Cuando hierve la sangre (1959) de John Sturges, drama bélico con Frank Sinatra, Gina Lollobrigida y Steve McQueen.

Su último papel importante lo realizó en Los cuatro jinetes del apocalipsis (1962) de Vincente Minnelli, adaptación de la novela de Vicente Blasco Ibáñez, con Glenn Ford, Ingrid Thulin, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Después apareció en Operación Crossbow (1965) de Michael Anderson, film bélico con Sophia Loren, George Peppard, Trevor Howard, John Mills, Richard Johnson y Tom Courtenay, La loca de Chaillot (1969) de Bryan Forbes, comedia dramática según una obra de Jean Giraudoux, con protagonismo de Katharine Hepburn, y El exorcista 2: el hereje (1977) de John Boorman, film de terror con Linda Blair, Richard Burton, Louise Fletcher y Max von Sydow. También dirigió media docena de películas, entre las que destaca Su propia víctima (1964), un thriller con Bette Davis, Karl Malden y Peter Lawford,  trabajó en la televisión y volvió al teatro.

Paul Henreid estuvo casado desde 1936 hasta su muerte en 1992 con Elizabeth Gluck, con quien tuvo dos hijas. El actor falleció de neumonía a los 84 años.

 

Eugène Ionesco (Slatina, Rumania, 26-11-1909 / Paris, France, 28-3-1994): In memoriam

REPRESENTACIÓN DEL ABSURDO Y LA CONFUSIÓN EXISTENCIAL

Hoy se cumplen veintitrés años del fallecimiento del dramaturgo y escritor rumano Eugène Ionesco, máximo exponente (con Samuel Beckett) del llamado teatro del absurdo. Uno de los autores teatrales más singulares e innovadores del siglo XX, con un humor mordaz y agudo consiguió trasladar al medio escénico las técnicas expresivas procedentes del surrealismo. De ese modo abrió nuevos caminos al teatro en una sociedad fragmentada y progresivamente dividida en compartimentos estancos, caminos que han sido seguidos por otros autores. Sus aportaciones son trascendentales aunque aún no apreciadas en su justa medida.

Eugène Ionesco era hijo de un abogado rumano y de una francesa. En 1914 se marchó de Rumanía para residir junto a sus padres y su hermana menor en París, donde transcurriría la mayor parte de su infancia. Dos años después el padre volvió a Bucarest cuando Rumania se incorporó a la Primera Guerra Mundial, mientras el resto de la familia permanecía en Francia. Tras finalizar la guerra no tenían ninguna noticia del padre y pensaron que había muerto en el frente. En 1925, y tras el divorcio de sus progenitores, Eugène regresó a su país de origen, quedando bajo custodia paterna. En Bucarest estudió la carrera de Letras y en los años siguientes impartió clases de francés al mismo tiempo que daba inicio a su dedicación literaria escribiendo poesía y crítica. En el verano de 1936 contrajo matrimonio con Rodica Burileanu y en el otoño falleció su madre. Dos años después vuelve a marchar a Francia a fin de completar allí su tesis doctoral, adquiriendo el mismo año la nacionalidad gala, pero se queda poco tiempo, pues con el estallido de la Segunda Guerra Mundial retorna a Rumanía, permaneciendo allí entre 1939 y 1942, año en que decide volver a Francia, viviendo en Marsella hasta la liberación de París. En 1944 nacería su hija Marie-France. Finalizada la contienda se establece con su familia en la capital francesa. La vida es difícil y el trabajo escaso en aquella etapa. Ionesco trabaja como corrector de pruebas para un editor administrativo. Entre 1945 y 1949 traduce los trabajos de Urmuz, poeta rumano precursor del surrealismo, de la literatura del absurdo y de la anti-prosa. Se empleó en una editorial, después en un banco y empezó una tesis doctoral sobre la muerte en la poesía francesa, que no terminaría. Se relacionó con el grupo de la revista literaria Cahiers du Sud antes de dedicarse por entero a su producción dramática.

Admirador de patafísicos, dadaístas y surrealistas, sus obras teatrales describen la ridícula y fútil existencia humana en un universo totalmente impredecible, en el cual, debido a sus innatas limitaciones, las personas son incapaces de comunicarse entre sí. Su pesimismo existencial forma parte de la base del teatro del absurdo, movimiento teatral que se lamenta de la falta de sentido de la condición humana. A pesar de las serias intenciones de Ionesco, sus obras rezuman humor y abundan en ellas las escenas cómicas. En este teatro de vanguardia, que introduce obras de un sólo acto, Ionesco y otros autores utilizan recursos tales como el ambiente sofocante, el lenguaje sin sentido y las situaciones ilógicas para enfatizar la extrañeza, la alienación y el aislamiento humanos. En todo caso, su principio esencial es subvertir los procedimientos de trasposición literal de la realidad.

En 1950 se representó su primera obra, La cantante calva (1948), que pese a no ser un éxito entonces, le granjeó la amistad de intelectuales como André Breton, Luis Buñuel, Jean Anouilh, Raymond Queneau y otros. Se trata de una sátira contra el modelo de familia burguesa de la época, que exagera algunos aspectos de la vida cotidiana con el fin de demostrar la falta de sentido del diálogo entre los personajes: éstos forman un gran galimatías al hablar y se muestran incapaces de comunicarse unos con otros de manera efectiva. Ionesco utiliza la misma técnica en La lección (1950), en la cual, un profesor lunático asesina a sus alumnos. En Las sillas (1952) dos ancianos hablan con dos personajes inexistentes. Amadeo o cómo salir del paso (1953) trata sobre una pareja dentro de la cual los sentimientos que una vez tuvieron el uno hacia la otra, muertos ya, van produciendo un cadáver que crece amenazadoramente hasta que consigue atraparlos a ambos. El nuevo inquilino (1956) se centra en un personaje confinado en el espacio de un sillón. En El rinoceronte (1959), quizá su obra más conocida, los habitantes de una pequeña ciudad se transforman en rinocerontes. El personaje principal, prototipo del hombre normal al comienzo de la obra, va siendo apartado de la vida de la pequeña sociedad de su ciudad a medida que lucha contra el conformismo de sus habitantes. En El rey se muere (1962) un hombre con una vida de excesos a sus espaldas ve como éstos vuelven para rendirle cuentas mientras espera la muerte. La sed y el hambre (1964) retrata a un hombre que, hastiado de un matrimonio estable, busca satisfacción por doquier, aunque sin éxito alguno. Además de otra docena de obras, escribió abundantes textos sobre teatro, memorias, y la novela El solitario (1974).

En 1970 fue elegido miembro de la Academia Francesa y antes y después obtuvo diversos premios literarios, que, en sus últimos años, serían frecuentes, como sería frenética también su actividad en defensa de sus convicciones intelectuales y artísticas por toda Europa y América hasta el momento de su muerte, acontecida a los 84 años.

 

Sarah Vaughan - Misty

AND TOO MUCH IN LOVE

Recordamos a la desaparecida cantante estadounidense Sarah Vaughan en su aniversario natal con Misty (Erroll Garner), un jazz standard que la gran intérprete de New Jersey grabó en 1959 y que apareció en single y formando parte de su álbum Vaughan and violins.

Aldo Ray (Pen Argyl, Pennsylvania, US, 25-9-1926 / Martinez, California, US, 27-3-1991): In memoriam

EL FORNIDO SEX SYMBOL DE LA COLUMBIA

Hoy se cumplen veintiséis años del fallecimiento del actor estadounidense Aldo Ray. Rubio, atractivo, hipermasculino, de fuerte complexión y voz ronca, accedió al cine por casualidad e intervino en una decena de películas importantes a lo largo de los años 50, en la mayoría de las cuales exhibió un rudo sex-appeal. Luego siguió una modesta carrera dentro y fuera de su país que duró cuatro décadas, especializándose en películas de acción y en trabajos televisivos, para terminar participando en producciones de bajo presupuesto.

Nacido Aldo Da Re en el seno de una familia de inmigrantes italianos con seis hijos varones y una hembra, era hijo de un obrero que se trasladó con los suyos a Crockett, un pueblo al norte de California donde trabajó en una refinería azucarera. De estudiante, Aldo destacó como deportista y a los dieciocho años, durante la segunda Guerra Mundial, se alistó en la Marina, sirviendo como buceador en el Pacífico hasta 1946. Tras licenciarse comenzó a estudiar ciencias políticas en la Universidad de Berkeley pero lo dejó para ponerse a trabajar como agente del orden.

El azar le orientó a la profesión de actor cuando el director David Miller, que buscaba atletas para que apareciesen en su película El ídolo (1951), un drama deportivo protagonizado por John Derek y Donna Reed, le recomendó para una prueba en Columbia Pictures, estudio que le contrató y donde debutó en un pequeño papel. Luego de otros roles menores, desempeñó su primer papel importante emparejado a Judy Holliday en la comedia Chica para matrimonio (1952) de George Cukor, al que siguieron otros en títulos como La impetuosa (1952) de George Cukor, comedia deportiva con Spencer Tracy y Katharine Hepburn, Amor a medianoche (1953) de Alexander Hall, remake musical de la comedia "La pícara puritana" (1937) de Leo McCarey, con Jane Wyman y Ray Milland, La bella del Pacífico (1953) de Curtis Bernhardt, musical dramático basado en una historia de Somerset Maugham, con  Rita Hayworth y José Ferrer, Más allá de las lágrimas (1955) de Raoul Walsh, film bélico basado en una novela de Leon Uris, con Van Heflin, Mona Freeman, Nancy Olson, James Whitmore, Raymond Massey, Tab Hunter, Dorothy Malone y Anne Francis, No somos ángeles (1955) de Michael Curtiz, comedia con Humphrey Bogart y Peter Ustinov, Al caer la noche (1957) de Jacques Tourneur, noir con Brian Keith y Anne Bancroft, La colina de los diablos de acero (1957) de Anthony Mann, film bélico ambientado en la Guerra de Corea, con Robert Ryan y Brian Keith, Los desnudos y los muertos (1958) de Raoul Walsh, film bélico basado en una novela de Norman Mailer, con Cliff Robertson y Raymond Massey, o La pequeña tierra de Dios (1958) de Anthony Mann, drama con Robert Ryan y Tina Louise.

La muerte en 1958 de Harry Cohn, el presidente de Columbia Pictures y su principal valedor, afectó decisivamente la carrera de Ray, pues el estudio, que desaprobaba su excesiva afición a la bebida, no renovó el contrato del actor, que decidió alejarse de Hollywood e internacionalizar su filmografía (trabajando también en la televisión). A partir de entonces, las películas en que intervino casi nunca alcanzaron el nivel de calidad anterior. Entre las de la siguiente década figuran El robo al Banco de Inglaterra (1960) de John Guillermin, thriller británico con Elizabeth Sellars y Peter O'Toole, Johnny X (1961) de Nigel Patrick, drama británico con Nigel Patrick, Yvonne Mitchell y William Bendix, Sylvia (1965) de Gordon Douglas, drama con Carroll Baker y George Maharis donde interpretó un papel secundario, Pesadilla bajo el sol (1965) de Marc Lawrence, thriller criminal con Ursula Andress, John Derek y Arthur O'Connell, ¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1966) de Blake Edwards, comedia bélica con James Coburn, Dick Shawn, Sergio Fantoni y Giovanna Ralli, Ladrón y amante (1966) de Bernard Girard, comedia criminal con James Coburn, Infierno en Sunset Street (1967) de Arthur Dreifuss, drama contracultural con Mimsy Farmer, Una bala para el diablo (1967) de Burt Kennedy, western con Henry Fonda y Janice Rule, Los violentos (1967) de Fernando Lamas, drama criminal con Fernando Lamas y Tommy Sands, Cargamento de la muerte (1967) de Michael D. Moore, drama aventurero con Jack Palance y Fernando Lamas, El poder (1968) de Byron Haskin, thriller de ciencia-ficción con George Hamilton y Suzanne Pleshette, Boinas verdes (1968) de John Wayne y Ray Kellogg, film de propaganda bélica sobre la guerra de Vietnam, con John Wayne, David Janssen y Jim Hutton, o Comandos (1968) de Camillo Bazzoni, comedia bélica italiana con Tano Cimarosa.

Después su carrera prosiguió en franco declive con películas de escasa calidad, entre ellas: Como liebre acosada (1972) de René Clément, policiaco francés con Jean-Louis Trintignant, Robert Ryan y Lea Massari, Más valientes que los hombres (1974) de Earl Bellamy, western familiar con Dewey Martin, Berlín 1976 (1975) de Peter Duffell, thriller de acción con Telly Savalas, Robert Culp y James Mason, Lo que el Oeste se llevó (1975) de Bernard Girard, western con James Caan y Stefanie Powers, Experimentos humanos (1979) de Gregory Goodell, thriller de terror con Linda Haynes, Geoffrey Lewis y Ellen Travolta, No vayas cerca del parque (1981) de Lawrence D. Foldes, subproducto de terror con Meeno Peluce, El ejecutor de New York (1984) de James Bryan, drama de acción con Christopher Mitchum, Experimento secreto (1985) de Fred Olen Ray, mezcla de terror y ciencia-ficción con Angelique Pettyjohn, Demonios de la noche (1985) de Mardi Rustam, otro producto de terror y ciencia-ficción de serie B, con Neville Brand, Julie Newmar, John Carradine y Tina Louise, Terror en Alcatraz (1987), subproducto gore con Veronica Porche Ali y Sandy Brooke, El siciliano (1987) de Michael Cimino, adaptación de una novela de Mario Puzo sobre la mafia, con Christopher Lambert y Terence Stamp, Sangre roja (1989) de Peter Masterson, western con Eric Roberts, Giancarlo Giannini, Dennis Hopper y Burt Young, o Hasta la muerte (1991) de Mark Freed, thriller musical de terror con Traci Lords y Troy Donahue.

Aldo Ray se casó y divorció tres veces, siendo sus esposas Shirley Green (1947-1953), con quien tuvo una hija; Jean Donnell (1954-1956); y Johanna Bennett (1960-1967), con la que tuvo dos hijos y una hija. El actor falleció a los 64 años de complicaciones de un cáncer de garganta y neumonía.