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sábado, 31 de mayo de 2014

Tribute to Clint Eatwood (San Francisco, California, US, 31-5-1930)

EL ÚLTIMO GRAN CINEASTA CLÁSICO

El actor, director, guionista, músico y productor norteamericano Clint Eastwood cumple hoy 84 años. Aunque le llevó casi diez años conseguir el estrellato en la gran pantalla, llegó a ser el actor más taquillero de su tiempo y se convirtió en un icono de cierto tipo de masculinidad. Como director, su valoración por la crítica ascendió de forma lenta pero creciente y, a partir de los años 80, se le considera globalmente una figura capital del cine de la segunda mitad del siglo XX y lo que va del XXI. Consiguió dos veces el Oscar a la mejor película y al mejor director, tres Globos de Oro, tres premios César, dos BAFTA, entre infinidad de galardones y reconocimientos. En 1996 recibió el premio a toda una vida del American Film Institute. En 2007 fue investido con la mayor distinción civil de la República Francesa, la Legión de Honor, que le entregó en París el presidente francés Jacques Chirac tras afirmar que el actor encarna 'lo mejor de Hollywood' y en 2010 el presidente de los Estados Unidos, Barack Obama, le galardonó con un premio de artes y humanidades.

La siguiente sembanza biográfica esta tomada (con algún retoque) de la página decine21:

Fatalismo y redención
por Juan Luis Sánchez (4-5-2005)

Priman en Hollywood hoy día los movimientos continuos de cámara y los montajes frenéticos, pero él fija el plano para que se luzcan los actores. En el cine comercial se llevan las historias de consumo rápido, ultraligeras y dirigidas a un público adolescente, pero él apuesta y gana con relatos adultos llenos de sentimientos. No cabe duda, Clint Eastwood es el último heredero de John Ford y William Wyler. El último clásico. Representa una forma de hacer cine que casi se ha perdido. Y es que se trata de un cineasta contracorriente que parece hacer suya una frase de John Wilson, su personaje en Cazador blanco, corazón negro: “No dejaré que ocho millones de comedores de palomitas me digan lo que tengo que hacer”.
La violencia, la soledad y la fatalidad son los grandes temas de sus películas. Pero, sobre todo, la redención, en un cineasta que precisamente parece querer redimirse de la imagen que tenía hace poco más de una década. Por aquel entonces Eastwood era conocido por el Magnum 44, el pistolón de Harry el sucio y sus frases del estilo “Alégrame el día”. Protagonizaba subproductos como Duro de pelar (1978) y todos sus personajes eran tipos impasibles y toscos que apenas movían un músculo de la cara. Pero entonces decidió entristecernos el día, con historias tan duras como el propio Harry pero llenas de verdad. Para la crítica, ha dado un giro en su carrera, pero el estilo y los temas recurrentes de Eastwood han estado presentes en su filmografía desde hace muchos años.
Aunque en su momento estaban considerados como subproductos propicios para programas dobles de cines de barrio, los tres spaguetti western que Clint Eastwood rodó en Almería a las órdenes de Sergio Leone son apreciados hoy día por selectos cinéfilos, y homenajeados por Tarantino y otros cineastas de prestigio. Por aquel entonces, el joven Clinton Eastwood, Jr., nacido en San Francisco (California), el 31 de mayo de 1930 llevaba unos años ejerciendo de actor. Tras licenciarse en el ejército se apuntó a un cursillo de interpretación organizado por Universal, y entre otros trabajos menores fue reclutado para coprotagonizar la serie Rawhide. Como esta serie le dio cierta fama en Estados Unidos, y el joven Eastwood cobraba todavía poco, era el candidato ideal para que el italiano Leone, interesado en un actor estadounidense para poner su nombre encabezando los carteles, le reclutara para protagonizar Por un puñado de dólares (1964), una producción de poco presupuesto, versión en clave de western de Yojimbo, de Akira Kurosawa. El éxito del film propició dos secuelas, con más medios y otros actores internacionales, pues Lee Van Cleef se incorporó a la saga en La muerte tenía un precio (1965) y Eli Wallach, en El bueno, el feo y el malo (1966). Sin lavarlo siquiera, Eastwood usó el mismo poncho en las tres películas, que daban un aire nuevo al género, incorporando humor, personajes heroicos propios del cómic, y tiroteos propios de los recuerdos infantiles de las grandes obras del género.
Si su encuentro con Leone fue crucial para la carrera de Eastwood, igualmente importante fue su trabajo con el estadounidense Don Siegel. Es bien sabido que Sin perdón está dedicada a Sergio (Leone) y Don (Siegel). Su primer encuentro con Siegel fue La jungla humana (1968), revisión de su personaje de heroico cowboy sin nombre a los tiempos modernos. Después de salir airoso de un musical, La leyenda de la ciudad sin nombre (1969), donde cantaba, como otro de los más duros de Hollywood, Lee Marvin, repetiría con Siegel en Dos mulas y una mujer (1970), un western bastante clásico y El seductor (1971), también del mismo género, pero más realista. Tan prometedora carrera estuvo a punto de truncarse cuando Eastwood cogió una infección en el cuello, durante el rodaje en Italia de Los violentos de Kelly (1970). El actor estuvo muy cerca de la muerte, pero fue sometido a una operación quirúrgica con éxito.
Para no depender del todo de los grandes estudios, y poner en marcha Cometieron dos errores, en 1968 Clint Eastwood fundó su propia productora, que se llamó Malpaso, al igual que su rancho de California, Malpaso Creek, donde una laguna situada en medio del terreno dificulta el paso. Desde ese momento Eastwood coprodujo a través de Malpaso todas sus películas, hasta que en 1971, decidió dar un buen paso, hacia la dirección. Su debut tras las cámaras fue Escalofrío en la noche (1971), un thriller convencional sobre un locutor de radio acosado por una oyente psicópata. Ese año arrasaba en las carteleras con Harry el sucio (1971), de nuevo dirigido por Siegel. A partir de ese momento, protagoniza títulos que, sin ser memorables, tienen calidad: Joe Kidd (1972) de John Sturges, Un botín de 500.000 dólares (1974) de Michael Cimino, La fuga de Alcatraz (1979) de Don Siegel, En la cuerda floja (1984) de Richard Tuggle y las diferentes continuaciones de Harry el sucio: Harry el fuerte (1973), Harry el ejecutor (1976), Impacto súbito (1983) y La lista negra (1988) y dirige títulos que van creciendo en interés: Infierno de cobardes (1973), Primavera en otoño (1973), que fue la primera que no protagonizó, Licencia para matar (1975), El fuera de la ley (1976), Ruta suicida (1977), Firefox (1982), hasta llegar a la magnífica El aventurero de medianoche (1982), su primera obra de madurez, en la que también interpretaba al protagonista, un cantante de country enfermo de tuberculosis durante los años de la Gran Depresión. Igualmente redonda es El jinete pálido (1985), deudora de títulos clásicos como Raíces profundas. Después dirige y protagoniza la apreciable El sargento de hierro (1986) y rinde tributo a su gran afición al jazz en Bird (1988), uno de sus mejores títulos, recreación de la vida del saxofonista Charlie Parker, por el que la crítica empezó a considerarle 'el último cineasta clásico'. Su siguiente obra maestra, tras  la correcta Cazador blanco, corazón negro (1990) y la mediocre El novato (1990), fue Sin perdón (1992), una visión desmitificadora y crepuscular del western, reconocida por la Academia con cuatro Oscar, incluyendo mejor director y mejor película.
Tenía por entonces 62 años, pero Eastwood seguía tan en forma que se mantuvo toda la década de los 90 y el inicio del nuevo milenio en el candelero, con películas muy diferentes. “Mi trabajo es contar historias, no importa de qué trate ni a qué género ni época pertenezca. Me atrae hacer cosas nuevas”, ha comentado. Como actor, director, o ambas ocupaciones, ha seguido combinando productos poco pretenciosos: Poder absoluto (1997), Ejecución inminente (1999), Space Cowboys (2000), Deuda de sangre (2002), con grandes títulos: En la línea de fuego (1993) de Wolfgang Petersen, o las suyas Un mundo perfecto (1993), Los puentes de Madison (1995), Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) y Mystic River (2003). Y por supuesto, Million dollar baby (2004), ganadora de cuatro Oscar y probablemente su mayor obra maestra.

Como quiera que el texto anterior fue escrito hace nueve años, resulta obligado añadir los films de Eastwood estrenados desde entonces: Banderas de nuestros padres (2006), Cartas desde Iwo Jima (2006), El intercambio (2008), Gran Torino (2008), Invictus (2009), Más allá de la vida (2010) y J. Edgar (2011), en los que, a pesar de su avanzada edad, continúa demostrando su buen hacer.

Entre 1986 y 1988 ocupó el cargo de alcalde de la población californiana de Carmel. Aunque sólo se casó dos veces, Eastwood tiene ocho hijos de seis mujeres diferentes.



Tribute to Colin Farrell (Castleknock, Dublin, Irlanda, 31-5-1976)

TALENTO IRLANDÉS EN HOLLYWOOD

El actor irlandés Colin Farrell, ganador de un Globo de Oro, cumple hoy 38 años.
Es hijo del jugador de fútbol Eamonn Farrell y sobrino de Tommy Farrell que jugaron para el club irlandés de fútbol de Shamrock Rovers en los años 60. Cursó estudios de interpretación en la Gaiety Scholl of Drama de Dublín y comenzó su carrera en series de la televisión británica. En el cine, tras aparecer como extra en un par de películas obtiene su primer papel en Drinking crude (1997) e interviene en La zona oscura (1999) y  Criminal y decente (2000).
Su debut en los Estados Unidos se produjo como protagonista de Tigerland (2000), bajo la dirección de Joel Schumacher, cinta con la que consigue llamar la atención del público dando vida a un rebelde soldado. Interpretó a continuación a Jesse James en el largometraje Forajidos (2001) y más tarde, intervino junto a Tom Cruise en Minority report (2002), a las órdenes de Steven Spielberg, y en Daredevil (2003). En Ultima llamada (2003), de nuevo con Joel Schumacher, su actuación llamó poderosamente la atención. Trabajó junto Al Pacino en La prueba (2003) y al lado de Samuel L. Jackson rueda el largometraje SWAT, Los hombres de Harrelson (2003). En Intermission (2003) que obtuvo un notable éxito de taquilla para ser una película independiente de origen irlandés, encarnó a un criminal que planea el saqueo de un banco y en Una casa en el fin del mundo (2004), basada en la novela de Michael Cunningham, interpretó a un personaje bisexual. Con su carrera cada vez más en alza, le llaman Oliver Stone para protagonizar Alejandro Magno (2004) y Terrence Malick para El nuevo mundo (2005), que no obtienen el éxito esperado. Más comercial resultó Corrupción en Miami (2006) de Michael Mann, coprotagonizada por Jamie Foxx, al contrario que Pregúntale al viento (2006) de Robert Towne, junto a Salma Hayek. En el drama criminal El sueño de Casandra (2007) fue dirigido por Woody Allen, con Ewan McGregor como coprotagonista. Posteriormente rueda Cuestión de honor (2008), con Edward Norton y Jon Voight y Escondidos en Brujas (2008), comedia negra en la que interpretaba a un asesino a sueldo, por la que recibió un Globo de Oro.
En Triage (2009) era un fotógrafo de guerra, en Corazón rebelde (2009), Tommy Sweet, un cantante estrella del country protegido de Jeff Bridges. En El imaginario del Doctor Parnassus (2009), fantasía de Terry Gilliam, interpretaba el papel de Tony, un personaje también encarnado en el mismo film por Heath Ledger, Johnny Depp y Jude Law, y en la película de Peter Weir Camino a la libertad (2010) era uno de los soldados que escapaba de un gulag soviético en la Segunda Guerra Mundial.
Otros films incluyen Como acabar con tu jefe (2011), Noche de miedo (2011), Desafío total (2012) Siete psicópatas (2012), Al encuentro de Mr. Banks (2013) o Cuento de invierno (2014).
Colin Farrell contrajo matrimonio en julio del año 2001 con la actriz Amelia Warner, de la que se separó cuatro meses después. Posteriormente fue pareja de la modelo Kim Bordenave (con la que tuvo un hijo que padece una enfermedad genética llamada Síndrome de Angelman) y de Alicja Bachleda-Curus, actriz polaca con la que tuvo otro. Actualmente es dueño de un propiedad cerca de Phoenix Park, en Dublín, pero vive en Los Angeles para estar cerca de su hijo enfermo.


viernes, 30 de mayo de 2014

Howard Hawks (Goshen, Indiana, 30-5-1896 / Palm Springs, California, 26-12- 1977): In memoriam

UN MAESTRO DEL CINE CLÁSICO

Aniversario natal del gran cineasta estadounidense Howard Hawks, uno de los grandes de la era clásica de Hollywood. En 1975 fue galardonado con un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.

Perfil biográfico tomado de la página El Criticón:

Aviador, diseñador aeronáutico o automovilista fueron algunos de los oficios que ejerció Howard Hawks antes de dedicarse al mundo del cine. Con comedias como La fiera de mi niña, westerns como Río Rojo, títulos de cine negro como El sueño eterno, musicales como Los caballeros las prefieren rubias, o películas de aventuras como Hatari, Hawks se convirtió en una de las figuras más importantes que ha conocido el séptimo arte en toda su historia.
Howard Winchester Hawks nació el 30 de mayo de 1896 en la localidad de Goshen, Indiana (Estados Unidos). Cuando era un adolescente su familia se trasladó a California y se estableció en la ciudad de Pasadena. Después de acabar sus estudios secundarios, Hawks estudió Ingeniería Mecánica en Cornell, pasando los veranos en los estudios de Hollywood tras conseguir un trabajo como atrecista para la Famous Players-Lasky. En el año 1917 comenzó a hacer labores de director de segunda unidad. La Primera Guerra Mundial llevó al joven Howard a unirse al ejército del aire, participando en el conflicto y logrando la categoría militar de teniente.
A mediados de los años 20 retomó su carrera en el cine trabajando como productor con su Associated Producers, guionista, montador y asistente de dirección. Hawks escribió el guión de su primera película como director, un film mudo de la 20Th Century Fox titulado El espejo del alma (1926), protagonizado por Carole Lombard. Otros títulos de su período mudo fueron Hojas de parra (1926), Donde las dan, las toman (1927) o Una novia en cada puerto (1928), comedia protagonizada por Victor McLaglen y Louise Brooks.
El título bélico La escuadrilla del amanecer (1930) fue la primera película totalmente hablada dirigida por Hawks. El asunto resultaba muy familiar para el director de Indiana, quien utilizó como protagonistas a Richard Batherlmess y Douglas Fairbanks Jr. El film, sin ser uno de los mejores de su autor, consiguió el Oscar al mejor guión. Tras El código penal (1931), melodrama carcelario que adaptaba una obra de Martin Flavin con Walter Huston como protagonista, Howard Hawks consiguió rodar uno de sus mejores títulos con Scarface, el terror del hampa (1932), film de gangsters protagonizado por Paul Muni. En Scarface, Howard, que solía aparecer sin acreditar en esta tarea, colaboró por primera vez en el guión con Ben Hecht, quien también escribió, junto a Charles McArthur, La comedia de la vida (1934), película con John Barrymore y Carole Lombard que definió la screwball comedy. Con anterioridad Howard Hawks había dirigido Avidez de tragedia (1932), un drama automovilístico con James Cagney y Joan Blondell, y Pasto de tiburones (1932), film de aventuras protagonizado por Edward G. Robinson.
En los años 30 Hawks se asentó definitivamente como un excelente director que abordó una gran variedad de géneros. Jamás buscó la parafernalia visual en sus films, sino que abogaba por un estilo sobrio y directo en el trabajo de cámara, concediendo mayor importancia a la dirección de actores, siendo significativos el detalle en los gestos y acciones triviales de sus intérpretes, que podían definir muy bien su personalidad o sentir en ese momento. Su estilo narrativo era lineal, tenso y enérgico, con un singular y vertiginoso uso de los diálogos. En sus diferentes géneros se aprecia un distinto tratamiento psicológico al tema tratado. En los westerns o filmes de acción se centra principalmente en el retrato del hombre, con especial significación por la camaradería, los códigos de honor y el comportamiento del grupo en situaciones creadas en ambientes hostiles. En las comedias, los caracteres femeninos suelen ser más fuertes y decididos que sus partenaires masculinos, a los que manejan como marionetas arrastrándolos hacia conductas irresponsables.
Otros títulos en los años 30 de Hawks fueron Vivamos hoy (1933), película con Gary Cooper y Joan Crawford que escribió William Faulkner, Viva Villa! (1934), biopic co-dirigido con Jack Conway, La ciudad sin ley (1935), con Miriam Hopkins, Edward G. Robinson y Joel McCrea, Águilas heróicas (1936), con James Cagney y Pat O’Brien, Camino a la gloria (1936), con Fredric March, Warner Baxter y Lionel Barrymore o Rivales (1936), película que terminó Howard tras despedir Sam Goldwyn a William Wyler.
Dos años después, Hawks coincidió por primera vez con uno de sus actores favoritos, Cary Grant. Los dos, junto a Katharine Hepburn y los guionistas Hagar Wilde y Dudley Nichols, fueron los principales artífices de La fiera de mi niña (1938), una de las mejores comedias jamás rodadas. Con Grant volvió a encontrarse para filmar Sólo los ángeles tienen alas (1939), título de aventuras y romanticismo co-protagonizado por Jean Arthur, Thomas Mitchell y Rita Hayworth. Howard y Cary coincidieron también en la comedia Luna nueva (1940), brillante sátira y screwball comedy escrita por Ben Hecht y Charles McCarthur que ya había sido llevada al cine con anterioridad por Lewis Milestone. En la película, Cary Grant estaba acompañado por Rosalind Russell y Ralph Bellamy.
En los años 40 Hawks rodó obras importantes en su filmografía, como El Sargento York (1941), drama bélico protagonizado por Gary Cooper que le valió su única nominación como director al premio Oscar. En la película también aparecía uno de los intérpretes más utilizados por Howard, Walter Brennan. Cooper, que ganaría el Oscar por El Sargento York, volvió a ser protagonista para Hawks en Bola de fuego (1941), comedia co-protagonizada por Barbara Stanwyck. Air force (1943) retomaba su pasión por la aviación y Tener y no tener (1944), adaptación de una novela de Ernest Hemingway, le asoció por primera vez con la pareja Humphrey Bogart y Lauren Bacall, quienes se enamoraron durante el rodaje. Bogart y Bacall volvieron a coincidir con Howard Hawks en el clásico de cine negro El sueño eterno (1946), con William Faulkner adaptando a Raymond Chandler.
En Río Rojo (1948) Hawks trabajó por primera vez con el actor John Wayne, asiduo rostro de muchas de sus futuras películas. En el western, uno de los clásicos del género, también aparecía un bisoño Montgomery Clift. Nace una canción (1948) fue un estupendo remake musical de su película Bola de fuego con Danny Kaye y Virginia Mayo como pareja estelar. Su última película de la década volvió a encontrarle con Cary Grant: La novia era él (1949), divertida comedia bélica con Ann Sheridan como principal intérprete femenina y Howard travestiendo a Cary de mujer.
A partir de los años 50 su producción menguó en cantidad. La heterogeneidad de estilos de Hawks se advierte en las películas que rodó durante este decenio. Hawks firmó el western Río de sangre (1952), con Kirk Douglas, la screwball comedy Me siento rejuvenecer (1952), con Cary Grant, Ginger Rogers y Marilyn Monroe, la comedia Los caballeros las prefieren rubias (1953), con Marilyn y Jane Russell, y el film épico sobre Egipto Tierra de faraones (1955), con Joan Collins y Jack Hawkins.
En 1959 dirigió Río Bravo (1959), western con John Wayne, quien protagonizó casi todos los últimos títulos de la carrera de Hawks, como Hatari! (1962), con música de Henry Mancini, El Dorado (1966) y Río Lobo (1970), su última película. Otros títulos de la parte final de la trayectoria de Howard Hawks fueron la comedia Su juego favorito (1964), con Rock Hudson y Paula Prentiss, y el título de acción protagonizado por James Caan Peligro… Línea 7000 (1965).
En 1928 Howard contrajo con la actriz canadiense Athole Shearer, hermana de Norma Shearer, de quien se divorció en 1940. Al año siguiente se casó con Nancy Gross, con quien estuvo unido hasta 1949. Por tercera vez, se casó en el año 1953 con la actriz Dee Hartford. La pareja se divorció en 1959. Tuvo tres hijos. Dos de su matrimonio con Athole Shearer, Barbara y David, y uno con Nancy, la diseñadora de interiores Kitty Hawks.
El 26 de diciembre del año 1977 Howard Hawks fallecio a la edad de 81 años.

Howard Hawks

"Una novia en cada puerto" (1928)

"La escuadrilla del amanecer" (1930)

"El código penal" (1931)

"Scarface, el terror del hampa" (1932)


"Avidez de tragedia" (1932)

"Vivamos hoy" (1933)



"La comedia de la vida" (1934)

"La ciudad sin ley" (1935)

"Aguilas heroicas" (1936)

"Camino a la gloria" (1936)

"Rivales" (1936)

"La fiera de mi niña" (1938)

"Sólo los ángeles tienen alas" (1939)

"Luna nueva" (1940)

"El Sargento York" (1941)

"Bola de fuego" (1941)

"Tener y no tener" (1944)

"El sueño eterno" (1946)

"Río Rojo" (1948)

"Nace una canción" (1948)

"La novia era él" (1949)

"Río de sangre" (1952)

"Me siento rejuvenecer" (1952)

"Los caballeros las prefieren rubias" (1953)

"Tierra de faraones" (1955)

"Río Bravo" (1959)

"Hatari" (1962)

"Su juevo favorito" (1964)

"Peligro... Línea 7000" (1965)

"El Dorado" (1966)

"Río Lobo" (1970)

Christopher Marlowe quotes

CHRISTOPHER MARLOWE (Canterbury, bautizado el 26-2-1564 / Deptford, 30-5-1593): IN MEMORIAM

Christopher Marlowe fue un dramaturgo, poeta y traductor inglés del período isabelino. Popularizó el verso blanco incorporándolo a su teatro. Suyas son obras como Doctor Fausto, El judío de Malta, Eduardo II o La matanza de París. Es considerado como el gran predecesor de Shakespeare. Actualmente existe un debate sobre su autoría en varias obras del Bardo.






jueves, 29 de mayo de 2014

Marilyn Monroe - Happy Birthday Mr. President

THE LATE MARILYN MONROE
Hoy se cumplen 97 años del nacimiento del Presidente de los Estados Unidos de America, John Fitzgerald Kennedy (29-5-1917 / 22-11-1963). Con ocasión de la celebración (el 19 de mayo de 1962, diez dias antes) de su 45 aniversario, tuvo lugar esta espectacular felicitación en el Madison Square Garden de Nueva York. En un acto multitudinario, tras su presentación por el actor Peter Lawford, apareció una demorada pero sugestiva Marilyn Monroe dispuesta a cantar a su "Happy Birthday, Mr. President" entre el regocijo general. La primera dama Jacqueline Kennedy no asistió al evento. 
La actriz y sex symbol, a quien 20th Century Fox tenía bajo contrato, había desoído la prohibición del Estudio de viajar a Nueva York, dado los retrasos que ella llevaba originando en el rodaje de su última (e inacabada) película. La consecuencia de su rebeldía fue que la productora la despidió. Poco después, Marilyn murió, el 5 de agosto de ese mismo año.

Tribute to Rupert Everett (Norfolk, England, 29-5-1959)

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE RUPERT

El actor británico Rupert Everett cumple hoy 55 años. Además de su participación en diversos eventos como icono de la comunidad gay, ha ejercido como activista político en otras causas.

Perfil biográfico basado en la página El Criticón:

Rupert James Hector Everett, hijo de Sarah Everett y del empresario Anthony Everett, antiguo miembro del ejército británico, nació en el seno de una familia adinerada que le envió a estudiar al English Roman Catholic School de Ampleforth. Después de abandonar el centro religioso, cursó interpretación en la London's Central School of Speech and Drama, pero fue expulsado por mal comportamiento. Tras su expulsión se trasladó a Glasgow en donde formó parte del grupo de teatro Citizen's Theatre.
Después de intervenir en varios telefilms, captó la atención del público en 1984 cuando interpretó a un joven estudiante abiertamente homosexual en la película Otro país de Marek Kanievska, tras haber protagonizado el mismo papel en la obra teatral en 1981. También apareció en otras películas europeas como Bailar con un extraño (1985) de Mike Newell, Ansias de vivir (1986) de Andrei Konchalovsky o Crónica de una muerte anunciada (1987) de Francesco Rosi.
Traladado a París en 1989, revela publicamente su homosexualidad, lo que perjudicó su trayectoria. Volvió al ojo público con películas como El placer de los extraños (1990) de Paul Schrader o La locura del Rey Jorge (1994), pero su carrera no se revitalizó hasta La boda de mi mejor amigo (1997), película en la que interpretaba a un editor amigo de Julia Roberts, que supuso el mayor éxito comercial de su carrera y por la que fue nominado a un Globo de Oro. Tras un breve papel (como Christopher Marlowe) en Shakespeare enamorado (1998), protagonizó Un marido ideal (1999) de Oliver Parker, según la obra de Oscar Wilde, por la que fue candidato al Globo de Oro por segunda vez, e intervino interpretando a Oberon en una poco afortunada versión de El sueño de una noche de verano (1999) de Michael Hoffman.
Con la cantante Madonna compartió protagonismo en Algo casi perfecto (2000) de John Schlesinger y Oliver Parker le volvió a dirigir en otra adaptación de Oscar Wilde, La importancia de llamarse Ernesto (2002). Otros títulos de su filmografía incluyen Tercera identidad (2004), con Sharon Stone, Laberinto de mentiras (2005), con Emily Watson o Stardust (2007). En 2009 debutó en Broadway con "Un espíritu burlón" de Noel Coward, junto a Angela Lansbury.
Además de alternar cine, televisión y teatro, también escribe y ha publicado varios libros, entre ellos las novelas "Hello, darling, are you working?" y "The hairdressers of Saint Tropez".



Romy Schneider (Viena, 23-9-1938 / París, 29-5-1982): In memoriam

UNA MUJER SINGULAR

Hoy se cumplen 32 años del fallecimiento de Romy Schneider, actriz nacida en Austria durante la ocupación de la Alemania nazi. Nunca solicitó la ciudadania austriaca y mantuvo la nacionalidad alemana de su madre y también poseyó la nacionalidad francesa. Fue en Francia precisamente donde realizó sus trabajos más importantes y consiguió dos veces el premio César a la mejor actriz.

Perfil biográfico tomado (con algunas variaciones) de la página El Criticón:

De nombre auténtico Rosemarie Magdalena Albach, nació el 23 de septiembre de 1938 en Viena, hija de los actores Wolf Albach-Retty, austríaco, y Magda Schneider, alemana. Sus padres se divorciaron cuando Romy todavía era una niña.
Logró la popularidad gracias a sus películas como Sissí  y sus secuelas que, con el co-protagonismo de Karlheinz Böhm, idealizaban el romance de Isabel de Baviera con el emperador Francisco José I de Austria.
La primera fue Sissí (1955), film de Ernst Marischka en el que su madre en la ficción era también su madre real, Magda Schneider. Más tarde llegaron Sissí, Emperatriz (1956) y El destino de Sissí (1957). Antes de convertirse en Sissí, Romy fue dirigida por Kurt Hoffman en la comedia musical Sueños de circo (1954) y por el propio Marischka en Los jóvenes años de una reina (1954), en donde interpretó a la reina inglesa Victoria, y en La panadera del Emperador (1955). A finales de los años 50 apareció al lado de Lilli Palmer en Corrupción en el internado (1958) e intervino junto a Alain Delon en Amoríos (1958). Alain y Romy iniciaron una relación amorosa que llevó a la actriz vienesa a fijar su residencia en Francia. Rompieron su romance en 1963.
En esta década destacó en Boccaccio 70 (1961), película de episodios, con Romy dirigida por Luchino Visconti, El proceso (1962), film de Orson Welles que adaptaba a Franz Kafka, el drama bélico Los vencedores (1963) de Carl Foreman, El cardenal (1963) de Otto Preminger, con Tom Tryon en el papel principal, Préstame tu marido (1964) de David Swift, comedia con Jack Lemmon, ¿Qué tal Pussycat? (1965) de Clive Donner, otra comedia con Peter Sellers y Peter O’Toole o La piscina (1969), intriga criminal de Jacques Deray, que volvió a reunirla en la pantalla con Alain Delon. 
Los títulos más importantes que Romy rodó en los años 70 fueron Las cosas de la vida (1970) de Claude Sautet con Michel Piccoli, Max y los chatarreros (1971), nuevo encuentro entre Sautet, Romy Schneider y Piccoli, Ella, yo y el otro (1972), una vez más dirigida por Sautet pero con Yves Montad como partenaire, Luis II de Baviera, el rey loco (1972), film de Visconti protagonizado por Helmut Berger en el que Romy volvió, con un enfoque muy diferente, a encarnar a Isabel de Baviera (Sissí), Anna Kauffman (1973) de Pierre Granier-Deferre, El trío infernal (1974) de Francis Girod,  Lo importante es amar (1974) de Andrzej Zulawski, drama romántico que rodó junto a Fabio Testi y Jacques Dutronc, Inocentes con manos sucias (1975) de Claude Chabrol, El viejo fusil (1975) de Robert Enrico, intriga ambientada en la Segunda Guerra Mundial con la presencia de Philippe Noiret, Una mujer en la ventana (1976) de Pierre Granier-Deferre, Una vida de mujer (1978), su quinto film con Claude Sautet, Una mujer singular (1979) de Costa-Gavras o La muerte en directo (1979), mezcla de drama y ciencia-ficción con dirección de Bertrand Tavernier.
Algunas de sus últimas películas fueron La banquera (1980) de Francis Girod, Fantasma de amor (1981) de Dino Risi o Testimonio de mujer (1982) de Jacques Rouffio, film co-protagonizado por Michel Piccoli.
En el año 1966 Romy Schneider se casó con el actor y director teatral Harry Meyen, de quien se divorció en 1975. La pareja tuvo un hijo en 1966 al que llamaron David, quien fallecería en 1981 al perforarse la arteria femoral cuando quería subir una reja con puntas. Harry Meyen se suicidó en el año 1979. Estas tragedias llevaron a Romy a un consumo excesivo de alcohol y de somníferos.
En 1975 la actriz austríaca contrajo matrimonio con su secretario Daniel Biasini, con quien rompió en 1981. En 1977 nació su hija Sarah Biasini.
Los excesos en fármacos y alcohol provocaron un fatal infarto cardíaco que la llevó a la muerte el 29 de mayo de 1982. Tenía 43 años.