Voces para la Paz - Overture 1812 (P.I. Tchaikovsky)

EVOCACIÓN DE TCHAIKOVSKY

En el 185 aniversario del nacimiento del gran compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski recordamos el fragmento final de su solemne Obertura 1812, escrita en 1880 y estrenada en 1882 para conmemorar la victoria de la resistencia rusa en 1812 frente a las tropas napoleónicas que habían llegado a tomar Moscú.

 

La ejecución corresponde aquí a la orquesta y coros de Voces para la Paz con dirección de Miguel Roa en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en junio de 2010.

 

 

Concierto Voces para la paz 2018 - En er mundo (pasodoble, Juan Quintero Muñoz)

JUAN QUINTERO MUÑOZ (Ceuta, España, 19-6-1903 / Madrid, España, 26-1-1980); IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor español Juan Quintero Muñoz, uno de los principales autores de bandas sonoras de las películas que se produjeron en las décadas siguientes a la posguerra española. En las mismas, además, se encargó de la orquestación, la dirección, la contratación de los músicos y la grabación de la música. También fue autor de partituras para revistas de Celia Gámez, componiendo canciones tan populares como Mírame. Anteriormente, en los años 30 creó otros éxitos como el pasodoble En er mundo o Morucha.

Juan Quintero Muñoz  fue hijo de un funcionario de Correos y Telégrafos y de una ama de casa, ambos nacidos en la localidad gaditana de San Roque. Su nacimiento en la ciudad africana fue un hecho circunstancial, pues la familia se encontraba allí por motivos laborales. A los tres meses volvieron a San Roque y allí transcurrió la infancia de un niño que desde muy tempano mostró su inclinación hacia la música. A los seis años, por decisión de su padre, comenzó a tomar lecciones de solfeo y piano con una profesora particular. Nuevamente por motivos de trabajo se trasladó con su familia a Madrid cuando tan sólo contaba con nueve años. En esta ciudad continuó su formación musical y posteriormente desarrollaría su actividad artística y profesional.

Su padre, guitarrista aficionado, supo reconducir el interés lúdico que el niño demostraba por la música hacia el estudio, a pesar de que quisiera para su hijo un puesto de funcionario. Su hermano mayor le regaló un magnífico piano que fue pagando a plazos con enorme sacrificio. Con tan sólo nueve años Juan ya interpretaba pequeñas piezas clásicas. Por estas fechas ingresó como niño de coro en la Capilla Gregoriana de Madrid. A los once años compuso un cuplé titulado "El monoplano", con letra de un amigo de su hermano, que fue incluso editado y estrenado en un cabaret. En 1915 ingresó en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Estudió armonía con Abelardo Bretón y composición con Amadeo Vives. También estudió piano y violín. Finalizó la carrera en 1925 y obtuvo el premio extraordinario de piano. 

Desde entonces hasta el fin de la Guerra Civil se dedicó preferentemente a la interpretación; como era habitual en esta época, no existía entre los intérpretes una delimitación estricta en los repertorios, de tal manera que un pianista podía ofrecer recitales de obras clásicas y en otras ocasiones música ligera. Quintero comenzó realizando suplencias en las orquestas de varios teatros madrileños como violinista. Como concertista de piano ofreció recitales en Madrid y en giras por España. También acompañó a artistas como el tenor argentino Spaventa, y a la futura vedette Celia Gámez en una de sus primeras visitas a España.

A principios de los años treinta compuso, junto al violinista Jesús Fernández Lorenzo, una de sus obras más conocidas, el pasodoble torero En er mundo, creado para un saxofonista cubano conocido como Aquilino, que triunfaba entonces en Madrid. En 1932 compuso Morucha, otra de sus canciones más populares. Durante esta etapa compuso otras canciones, tangos y pasodobles como Desencanto, Ojitos de luto, A mi madre, Talento, Frenazo, Abisinia, etc. 

Al estallar la guerra tuvo que compaginar su trabajo como pianista acompañante y violinista en la orquesta del cine Capitol y en el teatro Alcalá con las obligaciones militares. Aunque no enviado al frente, fue movilizado y estuvo desempeñando labores administrativas para el ejército republicano en un cuartel de Madrid. En 1938 contrajo matrimonio con Francisca Martos. Cuando terminó la guerra comenzó lo que podríamos denominar su etapa de madurez, caracterizada en primer lugar por sus exitosas incursiones en la comedia musical y por su incorporación al campo de la música cinematográfica. 

Teatro musical

El 14 de marzo de 1941 se estrenó en el Teatro Eslava la 'zarzuela cómica moderna en dos actos' titulada "Yola", que fue compuesta para Celia Gámez. Fueron sus libretistas, José Luis Sáenz de Heredia y Federico Vázquez Ochando, los que ofrecieron al joven maestro la composición de los números musicales, en colaboración con José María Irueste. De esta obra se hicieron muy populares la canción Mírame y la Marcha de la cacería. En septiembre de 1942, se habían alcanzado las 500 representaciones con lleno absoluto. El éxito fue tal que Juan Quintero también fue llamado a componer otra de las comedias musicales de Celia Gámez, "Si Fausto fuera Faustina", con libreto de Sáenz de Heredia y Vázquez Ochando y la participacion del maestro Fernando Moraleda. También estrenada en el Eslava, en noviembre de 1942, de la misma destacaron la marchiña ¿Qué le vas a hacer?, el fox-trot Un millón o el fox lento Contigo iré. En 1946 compuso dos comedias musicales, "Ayer estrené vergüenza" y "Matrimonio a plazos", respectivamente estrenadas en Valencia y en Madrid. 

Música para el cine

A pesar del éxito obtenido con estas, Juan Quintero dejó de lado la composición para el teatro lírico y se decantó por la cinematográfica, al considerar que el cine ofrecía nuevas posibilidades para su talento. Su inicio en el cine fue bastante casual. Juan Quintero vivía en el mismo edificio que la actriz Guadalupe Muñoz Sampedro, en la calle Lope de Rueda. En casa de esta actriz coincidió con el actor Juan de Orduña, que luego sería uno de los más importantes directores de posguerra. Juan de Orduña escuchó al maestro Quintero interpretar su Suite granadina, y le propuso realizar un documental sobre Granada basándose en la música. Quintero orquestó la obra y el documental se estructuró a partir de la partitura.

La primera partitura que compuso expresamente para el cine fue la que acompañaba al cortometraje de Carlos Arévalo titulado Ya viene el cortejo, basado en el poema de Rubén Darío. Fue Juan de Orduña, que recitaba el poema, quien le proporcionó el trabajo. Ya en su primera intervención en la música cinematográfica demostró sus dotes para la descripción visual, que Méndez-Leite calificaría como "maravillosa partitura que subrayaba el simbolismo heroico de las imágenes". En el año 1940 participó, junto al maestro Ruiz de Azagra, en la música de la película La gitanilla, dirigida por Fernando Delgado. Meses más tarde compuso en solitario la música de La florista de la reina (1940), película dirigida por Eusebio Fernández Ardavín. Para este director también compondría la música de Unos pasos de mujer (1941).

La trayectoria cinematográfica del maestro Quintero aparece desde sus comienzos unida al director Juan de Orduña. Para éste compuso las bandas sonoras musicales de películas como Porque te vi llorar (1941), ¡A mí la Legión! (1942), El frente de los suspiros (1943), Deliciosamente tontos (1943), Rosas de otoño (1943), Tuvo la culpa Adán (1944), La vida empieza a medianoche (1944), Ella, él y sus millones (1944), Misión blanca (1946), Un drama nuevo (1946), Locura de amor (1948), Pequeñeces (1950), Tempestad en el alma (1950), Agustina de Aragón (1950), La leona de Castilla (1951), Alba de América (1951), Cañas y barro (1954), Zalacaín el aventurero (1954) y El padre Pitillo (1954).

Asímismo fueron numerosas sus partituras para películas de Rafael Gil: Viaje sin destino (1942), Huella de luz (1943), Eloísa está debajo de un almendro (1943), Lecciones de buen amor (1944), El clavo (1944), El fantasma y Doña Juanita (1944), Tierra sedienta (1945), La pródiga (1946), Mare Nostrum (1948), Aventuras de Juan Lucas (1949), Teatro Apolo (1950), La Señora de Fátima (1951), De Madrid al cielo (1952), Sor Intrépida (1952), La otra vida del capitán Contreras (1954), El canto del gallo (1955) y Rogelia (1962). También para películas de Luis Lucia: Currito de la Cruz (1948), La Duquesa de Benamejí (1949), De mujer a mujer (1950), Lola la Piconera (1951), Cerca de la ciudad (1952), La hermana San Sulpicio (1952), Gloria Mairena (1952), Aeropuerto (1953), Jeromín (1953), Un caballero andaluz (1954), La lupa (1955), La vida en un bloc (1956) y Un marido de ida y vuelta (1957).

Otros directores para cuyos films también escribió la música fueron Jerónimo Mihura: Castillo de naipes (1943), Maldición gitana (1953), La copla andaluza (1959); Benito Perojo: Yo no soy la Mata-Hari (1948), Antonio Román: Último día (1952), Congreso en Sevilla (1955); Ramón Torrado: ¡Che, qué loco! (1952), La alegre caravana (1953), Nadie lo sabrá (1953), María de la O (1958); Rafael J. Salvia: El pórtico de la gloria (1953); Luis García Berlanga: Novio a la vista (1954); Ladislao Vajda: Aventuras del barbero de Sevilla (1954); José Luis Sáenz de Heredia: Faustina (1956), El grano de mostaza (1962); Luis César Amadori: La violetera (1958); Luis Marquina: Ventolera (1961), Valiente (1964). La última película a la que aportó su música fue la coproducción hispano-italiana Escándalo en el internado (1965) de Marino Girolami.

A finales de los cincuenta redujo sus intervenciones en el cine y se dedicó a labores administrativas. El cine había tomado otros derroteros y se abandonó la estética de las superproducciones de la posguerra; la música sinfónica desapareció prácticamente de las pantallas y se sustituyó por los ritmos modernos del pop y el jazz. La salud de Quintero había empeorado y la sordera dificultaba su trabajo compositivo. El compositor murió en Madrid a los 76 años, dejando tras de sí alrededor de un centenar de bandas sonoras para películas.

El valor de la música cinematográfica

No es muy arriesgado afirmar que lo mejor del cine español de los años cuarenta es su música. El cine de la posguerra estuvo mediatizado por la situación política derivada de la contienda civil; las posibilidades para crear un cine de calidad fueron mermadas por la debilidad de la industria, las restricciones de la censura para la exhibición de cine extranjero o la elección de temas y guiones, que reflejan los principios y los intereses doctrinarios del régimen franquista. Sin embargo, la música cinematográfica española de aquellos años, inmersa en los dramas históricos de cartón piedra o las comedias de teléfonos blancos que poco tenían que ver con la realidad social española, evidencia la maestría de sus compositores y manifiesta un nivel equiparable al de otros países europeos.

En España fueron Juan Quintero, Manuel Parada y Jesús García-Leoz los músicos más representativos del cine de la postguerra. Entre los tres realizaron la mayor parte de las bandas sonoras y, algunas de ellas, sorprenden por su calidad y espectacularidad. La estructura de la producción nacional durante estos años pretendió emular los logros de la industria norteamericana y contribuir al control y propaganda de un régimen con una ideología nacionalista y reaccionaria. Pero si en los contenidos el cine se caracterizó por la elección de unas temáticas pasadas por el tamiz ideológico del franquismo -como fueron los dramas históricos-, la música adoptó el lenguaje internacional iniciado por los compositores de la industria norteamericana. Los músicos españoles de la postguerra no aportaron soluciones novedosas o sorprendentes, ni crearon un lenguaje específico para el cine español; siguieron las pautas iniciadas por los maestros de Hollywood con gran habilidad y consiguieron una música efectiva que enriquece las imágenes y aporta nuevos significados.

Juan Quintero compuso libremente a pesar de las limitaciones de la industria y la técnica. Y es posible que si las condiciones políticas y económicas hubieran dado lugar a otro cine, el valor de su música seguiría siendo el mismo. Quintero utiliza lo que podemos llamar un esquema clásico de organización del material musical. Todas sus películas se abren con un bloque musical para acompañar los títulos de crédito, con un propósito muy parecido al que tenían las oberturas del teatro lírico o las sinfonías en el comienzo de las funciones teatrales. Pero aunque aparezca al principio de la película, era el último bloque que se componía, pues se realizaba a partir de los fragmentos más característicos de los bloques insertos en el desarrollo dramático. La 'obertura' de la película, que anuncia y predispone a la comprensión del film, no está escrita en la partitura sino que se ensambla en el momento mismo de la grabación a partir de bloques o fragmentos destinados a escenas concretas. La música está presente en secuencias completas y, en muchas ocasiones, éstas se encadenan y se yuxtaponen bloques musicales diversos en su carácter y significación. En este proceso de encadenamiento se producen cortes bruscos, en el caso que así lo requiera el desarrollo dramático, o enlaces a través de la unión mediante un elemento musical. Uno de los recursos de transición más utilizados por Juan Quintero es el glisando del arpa.

Dentro de cada secuencia la música suele articularse mediante una melodía bien definida en sus contornos. Cada bloque musical se identifica generalmente con una secuencia y se articula a través de una melodía que trata de encerrar el contenido expresivo de la imagen. En los momentos requeridos por la narración dramática se producen los típicos efectos de sincronización entre la imagen y la música que constituyen una de las características definitorias de la música cinematográfica. En otro nivel hay que destacar la utilización de la orquesta como 'instrumento' musical o, mejor dicho, como el vehículo expresivo sobre el cual se asienta toda la música de Juan Quintero, al igual que los compositores cinematográficos europeos y americanos de la época. En cierto sentido la orquesta sinfónica pasó directamente del teatro al cine de la misma manera que el cine fue introduciéndose poco a poco en los teatros. La orquesta sirvió de enlace entre la tradición del espectáculo teatral y el nuevo género cinematográfico. De los recursos expresivos del teatro lírico hicieron acopio los compositores cinematográficos para facilitar la comprensión del nuevo lenguaje audiovisual.

El valor añadido que la música aporta a la imagen puede realizarse de diferentes maneras. Un ejemplo es la identificación entre un personaje, una idea o cualquier otro elemento dramático-visual y una secuencia musical merced a un proceso de simbolización, o sea, el leitmotiv, usado con propósitos estructurales y expresivos (así el tema central de Locura de amor, vinculado narrativamente al personaje de la reina Juana, expresa el alejamiento de la realidad, la frontera entre la cordura y la locura). En otras ocasiones el tema asignado a un personaje aporta un valor añadido debido a su identificación con un periodo histórico o cultura (es el caso de la secuencia musical que acompaña a la escena de la muerte de Isabel la Católica en dicha película o las apariciones de la princesa árabe Aldara). Los instrumentos también ayudan en la identificación de los elementos dramáticos: las escenas militares se acompañan de trompetas y demás instrumentos de viento; una cacería será ineludiblemente subrayada por el sonido de las trompas. La intensificación dramática se logra también mediante efectos de sincronía entre música e imagen. Unas inesperadas notas en fortísimo en los metales sirven para centrar la atención en un episodio dramático concreto. Juan Quintero utiliza el catalogo de efectos que fueron elaborando desde el comienzo del cine sonoro los compositores más relevantes.

La asignación de la música a las imágenes se realiza, en definitiva, siguiendo un código comprensible de signos que busca la identificación rápida del espectador. Juan Quintero es uno de los músicos cinematográficos españoles más importantes, no solamente por el volumen de su producción, sino por la calidad y efectividad de su música.

Texto tomado del artículo «Juan Quintero. Hacia una historia sonora del cine español» de Julio Arce), aparecido en el disco Clásicos del Cine Español, vol.1. Juan Quintero. Madrid. Iberautor, 2000.

"En er mundo" es un españolísimo y muy popular pasodoble compuesto (sin letra) por Juan Quintero a comienzos de los años 30. La ejecución aquí corresponde al Concierto Voces para la Paz 2018 en el Teatro Monumental de Madrid con orquesta dirigida por Enrique García Asensio.

Concierto Voces para la Paz 2014 - Auld lang syne

LA FUERZA DE LA MÚSICA POR UN MUNDO MÁS JUSTO

Auld lang syne, algo así como "Por los viejos tiempos", antigua balada tradicional escocesa con texto de Robert Burns añadido en 1788, viene utilizándose primordialmente desde hace tiempo inmemorial como himno para despedir cada año finalizado y recibir al nuevo, no sólo en paises anglosajones sino en muchos otros en todo el mundo. La primera gabación comercial de esta canción la efectuó Frank C. Stanley en 1910.

 

La peculiar versión que aquí se muestra corre a cargo de Voces para la Paz (Músicos Solidarios), con orquesta dirigida por Andrés Salado y la participación especial de un coro de sordomudos, que incluye niños, empleando su lengua de signos. Esta asociación de ayuda humanitaria, fundada en 1998 por Juan Carlos Arnanz Villalta, año tras año ofrece conciertos en Madrid. Está compuesta por músicos de las principales orquestas y coros de España, que utilizan la música como medio para recaudar fondos que les permitan realizar proyectos que contribuyan a la erradicación de la pobreza y a la mejora de las condiciones de vida de las personas y comunidades más vulnerables y desfavorecidas en todo el mundo. Gracias a su música se han recogido alimentos o enseres personales y construido carreteras, puentes, escuelas, bibliotecas, dispensarios sanitarios, orfanatos, pozos de agua, sistemas de regadío, etc. en países de Africa, Asia o América Latina.

 

En esta ocasión reproducimos aquí este fragmento del Concierto de 2014 para despedir el 2023 y dar la bienvenida al Nuevo Año 2024. En todo caso no queremos dejar de mencionar los crímenes de guerra, la terrible destrucción y la infame situación a que se están viendo sometidas las poblaciones civiles (mujeres, niños y ancianos en su mayoría) de Palestina y Ucrania, respectivamente masacradas por órdenes de los malignos líderes actuales de Israel y Rusia, y expresar nuestro deseo de que algún día éstos respondan ante la Justicia.

 

¡Paz en el mundo y feliz 2024 a tod@s las personas de buena voluntad!

Concierto Voces para la Paz 2001 - Preludio de "La Revoltosa" (Ruperto Chapí)

RECUERDO A RUPERTO CHAPÍ

 

En el aniversario natal del compositor español de zarzuelas Ruperto Chapí (Villena, Alicante, 27-3-1851 / Madrid, 25-3-1909) recordamos el célebre preludio de su obra más conocida, La Revoltosa, que con libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw se estrenó en el madrileño Teatro Apolo en 1897. 

 

Aquí puede ser escuchado en el Concierto Voces para la Paz 2001 en el Teatro Monumental de Madrid con orquesta dirigida por Miguel Roa.

Concierto Voces para la Paz 2011 - Introducción Así habló Zarathustra (Richard Strauss)

RECUERDO A RICHARD STRAUSS

 

Hoy es aniversario natal del compositor clásico y músico alemán Richard Strauss (Munich, Kingdom of Bavaria, 11-6-1864 / Garmisch-Partenkirchen, West Germany, 8-9-1949). Su obra más conocida es Así habló Zarathustra (Also sprach Zarathustra), poema sinfónico estrenado en Frankfurt  en 1896 inspirado en la novela filosófica homónima de Friedrich Nietzsche y dividido en once secciones. La primera de ellas, titulada Amanecer, representa la salida del sol y su duración apenas llega al minuto y medio. Se hizo mundialmente famosa cuando el director cinematográfico Stanley Kubrick la utilizó al inicio de su película  "2001: Una odisea del espacio" (1968). 

Aquí podemos apreciar su ejecución en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en el concierto de 2011 a cargo de la asociación Voces para la Paz (Músicos Solidarios), con dirección de Miguel Roa.

Concierto Voces para la Paz 2003 - Coro a bocca chiusa ("Madama Butterfly", Puccini)

RECORDANDO A GIACOMO PUCCINI

Con ocasión del aniversario natal del compositor operístico italiano Giacomo Puccini recordamos el Coro a boca cerrada, correspondiente al final del Acto II del los tres que componen su ópera "Madama Butterfly", estrenada en la Scala de Milán en 1904. La interpretación corre a cargo de la Orquesta y Coro de "Voces para la Paz" (Músicos Solidarios) en su concierto en Madrid de 2003.

Concierto Voces para la Paz 2013 (castañuelas: Lucero Tena) - Intermedio de "El baile de Luis Alonso" (Gerónimo Giménez)

PORTENTOSA CONCERTISTA DE CASTAÑUELAS

La incomparable Lucero Tena cumple hoy 83 años. Tras su retiro como bailaora se convirtió en excepcional concertista de castañuelas, instrumento que ella  introdujo en el mundo orquestal. Aquí podemos admirar su arte en el Intermedio de El baile de Luis Alonso, zarzuela con música de Gerónimo Giménez estrenada en Madrid en 1896. Su actuación se enclava en el concierto benéfico "Voces para la Paz" (Músicos Solidarios) de 2013 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, con dirección de Enrique García Asensio.

Concierto Voces para la paz 2003 - Danza ritual del fuego ("El amor brujo", Manuel de Falla)

RECORDANDO A MANUEL DE FALLA

En el aniversario de su fallecimiento recordamos al compositor español Manuel de Falla con esta célebre pieza que conforma una de las trece escenas de su ballet "El amor brujo", estrenado en Madrid en 1915. En el video dirige la orquesta José Ramón Encinar en el Teatro Monumental de Madrid.

Concierto Voces para la paz 2014 - Danzas Polovtsianas de "El Príncipe Igor" (Borodin)

ALEKSANDR BORODIN (San Petersburgo, Imperio Ruso, 12-11-1833 / Ibid, 27-2-1887): IN MEMORIAM

Tal día como hoy en 1887 falleció el compositor ruso Aleksandr Borodin. Como la mayoría de sus compañeros del Grupo de los Cinco (Mily Balakirev, Cesar Cui, Modest Musorgski, Rimski-Korsakov y él mismo) no fue un músico profesional. Químico de reconocido prestigio internacional en su día y autor de importantes tratados sobre esa disciplina, su dedicación al arte de los sonidos se vio siempre supeditada a su labor científica, lo que explica su no demasiado extensa producción musical. Familiarizado desde su infancia con las obras de los clásicos vieneses, enfocó su obra hacia un estilo específicamente ruso inspirado en el folklore de su país. De formación casi autodidacta, se consideraba a sí mismo un simple aficionado a la música con cierto talento. Sin embargo, hoy es recordado por sus tres sinfonías, sus cuartetos de cuerda y, sobre todo, por su ópera El Príncipe Igor, que forman parte del repertorio universal de la música clásica.

Aleksandr Porfírievich Borodin era hijo bastardo de Luka Gedianov, un príncipe de Georgia, y de su amante Avodotya Antonova. Como era costumbre en aquella época, cuando ocurrían estas situaciones, el niño fue inscrito a nombre de uno de los vasallos del noble, Porfiri Borodin, de quién tomó el nombre y condición social. Aleksandr vivió con sus padres adoptivos hasta que pronto se separaron, pasando a vivir con su madre al casarse ella con un médico militar retirado. Poco antes de la muerte del príncipe, Borodin fue liberado de su condición de siervo.

Recibió una educación esmerada, en la que se incluía la música, para la cual mostraba una buena predisposición, y llegó a tocar el piano, el violonchelo, el oboe y la flauta. En 1842 compuso su primera pieza, una polka, y a los catorce años hablaba con soltura alemán, francés, inglés e italiano. Quizá por influencia de su padrastro también sintió la llamada de la ciencia. A los dieciséis ingresó en la Academia Médico-Quirúrgica de San Petersburgo, donde estudió botánica, zoología, cristalografía, anatomía y química, interesándose especialmente por esta última. En 1856 terminó los estudios de Medicina y fue nombrado profesor ayudante de Patología General, logrando el grado de Doctor en 1858. Trabajó en un hospital pero pronto marchó a Alemania con una beca estatal para profundizar sus estudios en la Universidad de Heidelberg. Sus trabajos se especializaron en el campo de la Química Orgánica y en 1860 participó en el Congreso de Karlsruhe, la primera conferencia internacional de química del mundo. Borodin realizó diversos viajes profesionales con sus amigos químicos, visitando entre otros lugares París e Italia.

En mayo de 1961 conoció a una pianista rusa de 29 años, Ekaterina Sergeyevna Protopopova, enviada a Alemania para un tratamiento curativo de la tuberculosis. A su lado descubrió el repertorio de Chopin, Schumann y Liszt. La amistad entre ambos se transformó en amor y durante una visita a Baden Baden se comprometieron. En el mes de octubre realizaron un viaje a Italia, aconsejado para mejorar la salud de la muchacha. La idea inicial era dejar a Ekaterina en Pisa, pero la separación resultaba demasiado dolorosa. Por suerte conoció a dos químicos italianos que le ofrecieron trabajar en su laboratorio. Esto le resultaba doblemente beneficioso, estar junto a su amada y poder realizar sus experimentos científicos. Aleksandr y Ekaterina permanecieron en Italia durante el invierno y la primavera siguiente. Pero Borodin no olvidó la música, empleando su tiempo libre en la composición y las relaciones con otros músicos. Su prometida mejoró y ambos pudieron regresar a Rusia, llegando a su patria a finales del verano de 1862. Ekaterina volvió a su hogar en Moscú, pero el trabajo de Borodin, que es nombrado asistente de la cátedra de Química Orgánica de la Academia Militar de San Petersburgo, los separa, aunque su relación no se apaga con la distancia.

Un acontecimiento importante para Borodin es su encuentro en el otoño de 1862 con Mily Balakirev, mediante el cual entra en contacto con el famoso Grupo de los Cinco. Balakirev lo impulsa hacia la composición de más obras, entre ellas la de una sinfonía. Pero su trabajo como investigador en el campo de la Química no le permite dedicar demasiado tiempo al papel pautado. Su sinfonía se desarrollará lentamente. En abril de 1863 Borodin se casa con Ekaterina. Un feliz matrimonio que produjo tres hijos y sólo la muerte del compositor separaría.

La Sinfonía nº 1 en mi bemol mayor no fue completada hasta mediados de 1967. A comienzos del año siguiente Balakirev dirigió una audición semiprivada de la obra, que no convenció demasiado. Pero en enero de 1869 es interpretada con éxito en un concierto de la Sociedad Musical Rusa. Entretanto, la actividad de Borodin es intensa en el campo de la Química, trabajando en la síntesis de los aldehidos. A partir de 1869 empieza a dedicar más tiempo a la composición. Tras el éxito de su primera sinfonía, piensa en la escritura de una nueva, terminando el primer movimiento de la segunda en 1871. Pero se encuentra frenado por la ilusión de componer una ópera, empezada también en 1869 y en la que trabajó hasta su muerte: El Príncipe Igor.

En 1876 la Sociedad Musical Rusa le pide una nueva obra sinfónica. Entonces intenta recuperar la sinfonía que había dejado inacabada, pero no consigue encontrar los movimientos primero y cuarto. Debe reescribirlos nuevamente. Por suerte encuentra los bocetos de los movimientos centrales. La obra contiene fragmentos pensados en un principio para El Príncipe Igor, que como se ha dicho estaba escribiendo conjuntamente. En marzo de 1877 se estrena la Sinfonía nº 2 en si menor con poca fortuna. La obra fue revisada, interpretándose en 1879 con gran éxito bajo la dirección de Rimsky-Korsakov. Ese año finalizó su Cuarteto de Cuerda nº 1 y al siguiente su obra comenzó a trascender fronteras a partir de que su amigo, el compositor híngaro Franz Liszt, hiciese un arreglo de la Sinfonía nº 1 y la difundiese en varios países europeos.

En 1880 compuso el poema sinfónico En las estepas de Asia Central; en 1881 el Cuarteto de Cuerda nº 2, célebre por su nostálgico Nocturno; en 1885 la Pequeña suite y el pequeño Scherzo en la bemol mayor, ambas composiciones para piano; en 1886 la Serenata alla spagnola para cuarteto de cuerdas e inició la composición de una tercera sinfonía, que dejaría inacabada. Postumamente la Sinfonía nº 3 en la menor sería completada en 1887 por Aleksandr Glazunov. Este y Rimsky-Korsakov se encargarían también de terminar el mismo año El Príncipe Igor.

En sus últimos años de vida Borodin sufrió de mala salud. En 1884 se le diagnosticó el cólera, que superó. Tras dos fallos cardiacos murió repentinamente de un infarto durante un baile en la Academia de San Petersburgo del que él mismo había sido uno de los organizadores. Contaba 53 años de edad. Su esposa le sobrevivió cinco meses. 

La apasionada música y riqueza armónica de Borodin influyó en los jóvenes compositores franceses  Debussy y Ravel. El musical americano "Kismet" (1953) adaptó piezas del compositor ruso, como las canciones "Stranger in paradise" o "This is my beloved".

La ópera en cuatro actos y un prólogo El Príncipe Igor es considerada la primera epopeya nacional rusa y la obra más importante de Borodin, autor de su música y libreto. Basada en un poema épico ruso del siglo XII, fue estrenada postumamente en 1890 en San Petersburgo. Esta ópera contiene las ampliamente conocidas Danzas polovtsianas, siendo éste un fragmento comúnmente interpretado por sí mismo, tanto en su versión coral como orquestal. El video reproduce su ejecución en un concierto de Voces para la Paz en 2014, con dirección de Andrés Salado.

Concierto Voces para la Paz 2005 (castañuelas: Lucero Tena) - Danza Española nº 1 de "La vida breve" (Manuel de Falla)

DE LA DANZA A LAS CASTAÑUELAS EN CONCIERTO

Lucero Tena, incomparable artista de origen mexicano, residente en España desde hace sesenta años y ciudadana española, celebra hoy su 80 cumpleaños. Desde que dejó de bailar, ha seguido una segunda carrera como internacionalmente aclamada concertista de castañuelas, que ella ha introducido como instrumento orquestal.

La Primera danza española es la parte más conocida de la ópera en dos actos "La vida breve" de Manuel de Falla, estrenada en Niza (Francia) en 1913. Es común su interpretación de manera separada de la obra completa, ya en arreglos para piano, violín u orquesta. Aquí se puede admirar su brillante ejecución a cargo de la extraordinaria crotalista Lucero Tena, actuando en el año 2005 en el Teatro Monumental de Madrid con orquesta dirigida por Jesús López Cobos.

 

Concierto Voces para la Paz 2002 - Preludio de "Agua, azucarillos y aguardiente" (Federico Chueca)

RECORDANDO A FEDERICO CHUECA

A ciento diez años de su defunción recordamos al compositor español Federico Chueca con su popularísimo Preludio de la zarzuela "Agua, azucarillos y aguardiente", aquí ejecutado en el Teatro Monumental de Madrid con orquesta dirigida por Miguel Roa.

Concierto Voces para la Paz 2014 - Coro di zingari ("Il trovatore", Verdi)

RECORDANDO A GIUSEPPE VERDI

El insigne compositor italiano Giuseppe Verdi falleció tal día como hoy en 1901. Para rememorar su figura hemos escogido esta famosa pieza de su ópera "Il trovatore", estrenada en Roma en 1853 y que, junto con "Rigoletto" y "La traviata", conforma la llamada 'trilogía popular' del célebre autor.  Vedi! le fosche notturne spoglie... , conocido como Coro de los gitanos o Coro del yunque, corresponde al Cuadro I del Acto II de dicha ópera y es aquí interpretado en el Auditorio Nacional de Música de Madrid durante el Concierto Voces para la Paz 2014 con orquesta y coros dirigidos por Víctor Pablo Pérez.

Concierto Voces para la Paz 2014 (castañuelas: Lucero Tena) - Obertura y Marcha de "Carmen" (Georges Bizet)

LA MEJOR CROTALISTA DEL MUNDO

Recordamos el 79 cumpleaños de la gran Lucero Tena con su brillante ejecución a las castañuelas de esta conocidísima pieza de la ópera "Carmen" de Bizet en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en junio de 2014. José Ramón Encinar dirige la Orquesta y Coros de la agrupación Músicos Solidarios.

Concierto Voces para la Paz 2007 (castañuelas: Lucero Tena) - Intermedio de "La boda de Luis Alonso" (Gerónimo Giménez)

TRIBUTO A LUCERO TENA (Durango, México, 16-9-1938)

La bailarina, bailaora de flamenco y tañedora de castañuelas hispanomexicana Lucero Tena cumple hoy 78 años. Dotada de una excepcional y disciplinada expresividad, además de triunfar con su danza como primera figura en tablaos, teatros, espectáculos televisivos y salas de conciertos en España y multitud de países extranjeros, ha destacado por dar a las castañuelas carácter de instrumento solista en la interpretacion de obras musicales clásicas. Su trayectoria se ha visto reconocida con la Medalla del Círculo de Bellas Artes y con el Lazo de Isabel la Católica. Ella es, en la actualidad, la mejor crotalista del mundo.

Hija de padres españoles residentes en México, María de la Luz Tena Alvarez sufrió a los cuatro años de fiebres maltesas por una intoxicación alimentaria. El médico que la atendió, una vez desaparecieron los signos de esa enfermedad, creyó conveniente aconsejarla que, para su más rápido y total restablecimiento, debía practicar algunos ejercicios físicos. Así fue como empezó la pequeña Lucero a tomar lecciones de baile. Estudió ballet clásico con Nina Chestakova durante ocho años y danza española con la bailarina madrileña Emilia Díaz, quien le enseñó los bailes del folclore español y las danzas clásicas de compositores españoles como Falla, Albéniz, Granados, Turina, etc.

Practicó mucho, actuó en funciones de aficionados, hasta que en 1954, muy ilusionada, quiso conocer a la legendaria Carmen Amaya, la más grande bailaora flamenca de su tiempo, que se hallaba actuando en México. La joven aspirante a emular el arte flamenco, una vez fue recibida por aquella genial gitana, le pidió que le diera clases, a lo que ésta se negó. No obstante, Carmen Amaya, para no desilusionarla, la dejó asistir a sus ensayos durante meses. Ocurrió que una hermana de la gran artista, primera bailarina de su compañía, cayó enferma de hepatitis, circunstancia que le permitió a Lucero Tena sustituirla. Lo hizo muy bien y así permanecería casi tres años con el elenco de aquella sensacional artista surgida en el Somorrostro barcelonés. Con su compañía realizó giras por distintas ciudades de México y después por USA, incluyendo el Carnegie Hall de Nueva York.

Con todo lo que había aprendido de Carmen Amaya, en 1958 Lucero Tena llegó a Madrid, contratada por Manuel del Rey, empresario de un tablao que había inaugurado con éxito dos años antes, El Corral de la Morería. Allí, Lucero Tena desplegó su arte supremo durante un cuarto de siglo y formó su propio cuadro flamenco. Precisamente en aquel local conocería un día al doctor Carlos Mendoza, con quien contraería matrimonio en 1977. La popularidad adquirida le permitió grabar diversos discos donde dejó la impronta de su habilidad con los palillos (1): Lecciones de castañuelas, El barroco español en castañuelas, Palillos flamencos, Música española con castañuelas… Toda su maestría quedó muy reconocida al ser nombrada profesora del Conservatorio de Música de Madrid. - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/ - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/Cuando dejó de bailar se dedicó solamente a exhibir su arte como concertista de castañuelas, bien en el mencionado local con repertorio flamenco, o participando en los entonces populares Festivales de España, con música clásica. Si en la primera de esas facetas la acompañaba el guitarrista Serranito y el cantaor Gabriel Moreno, en la otra actuaba con grandes orquestas de todo el mundo. En esas circunstancias fue dirigida por eminentes maestros: Rostropovich, Frübeck de Burgos, López Cobos… Recorrió sesenta y cinco países, donde su arte era siempre aclamado. Puede decirse que Lucero Tena fue la introductora de las castañuelas como instrumento orquestal. Diversos compositores han escrito obras para ella, entre las que destacan Dos Danzas Españolas del maestro Joaquín Rodrigo - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/. - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/ - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuela Ocurrió, pasados unos días, que una hermana de la gran artista, primera bailarina de su compañía, cayó enferma de hepatitis, circunstancia que le permitió a Lucero Tena sustituirla. Lo hizo bien y permanecería tres años con el elenco de aquella sensacional artista surgida en el Somorrostro barcelonés. Al año siguiente, Lucero Tena llegó a Madrid, contratada por Manuel del Rey, empresario de un tablao que había inaugurado con éxito dos años antes, El Corral de la Morería. Allí, Lucero Tena desplegó su arte durante un cuarto de siglo. Cuando dejó de bailar se dedicó solamente a exhibir su arte como concertista de castañuelas, bien en el mencionado local con repertorio flamenco, o participando en los entonces populares Festivales de España, con música clásica. Si en la primera de esas facetas la acompañaba el guitarrista Serranito y un cantaor, Gabriel Moreno, en la otra actuaba con grandes orquestas. En esas circunstancias fue dirigida por eminentes maestros: Rostropovich, Frübeck de Burgos, López Cobos… Recorrió sesenta y cinco países, donde su arte era siempre bien recibido. Puede decirse que Lucero Tena fue la introductora de las castañuelas como instrumento orquestal - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/ Ocurrió, pasados unos días, que una hermana de la gran artista, primera bailarina de su compañía, cayó enferma de hepatitis, circunstancia que le permitió a Lucero Tena sustituirla. Lo hizo bien y permanecería tres años con el elenco de aquella sensacional artista surgida en el Somorrostro barcelonés. Al año siguiente, Lucero Tena llegó a Madrid, contratada por Manuel del Rey, empresario de un tablao que había inaugurado con éxito dos años antes, El Corral de la Morería. Allí, Lucero Tena desplegó su arte durante un cuarto de siglo. Cuando dejó de bailar se dedicó solamente a exhibir su arte como concertista de castañuelas, bien en el mencionado local con repertorio flamenco, o participando en los entonces populares Festivales de España, con música clásica. Si en la primera de esas facetas la acompañaba el guitarrista Serranito y un cantaor, Gabriel Moreno, en la otra actuaba con grandes orquestas. En esas circunstancias fue dirigida por eminentes maestros: Rostropovich, Frübeck de Burgos, López Cobos… Recorrió sesenta y cinco países, donde su arte era siempre bien recibido. Puede decirse que Lucero Tena fue la introductora de las castañuelas como instrumento orquestal - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/s-12765 Ocurrió, pasados unos días, que una hermana de la gran artista, primera bailarina de su compañía, cayó enferma de hepatitis, circunstancia que le permitió a Lucero Tena sustituirla. Lo hizo bien y permanecería tres años con el elenco de aquella sensacional artista surgida en el Somorrostro barcelonés. Al año siguiente, Lucero Tena llegó a Madrid, contratada por Manuel del Rey, empresario de un tablao que había inaugurado con éxito dos años antes, El Corral de la Morería. Allí, Lucero Tena desplegó su arte durante un cuarto de siglo. Cuando dejó de bailar se dedicó solamente a exhibir su arte como concertista de castañuelas, bien en el mencionado local con repertorio flamenco, o participando en los entonces populares Festivales de España, con música clásica. Si en la primera de esas facetas la acompañaba el guitarrista Serranito y un cantaor, Gabriel Moreno, en la otra actuaba con grandes orquestas. En esas circunstancias fue dirigida por eminentes maestros: Rostropovich, Frübeck de Burgos, López Cobos… Recorrió sesenta y cinco países, donde su arte era siempre bien recibido. Puede decirse que Lucero Tena fue la introductora de las castañuelas como instrumento orquestal - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/65195/

(1) Las castañuelas o palillos, que es como las llaman en Andalucía, son un instrumento musical de percusión, fabricado en madera, que ya eran conocidas en tiempos de los fenicios, hace de esto tres mil años. Los egipcios también habían creado los crótalos, de similar sonido. - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuelas-1276565195/Con el tiempo, fueron cambiando de forma y se convirtieron en lo que ahora llamamos castañuelas. Este instrumento de percusión viene siendo usado desde hace muchos años por todas las bailarinas de España, populares o clásicas, algunas de las cuales han sobresalido por la elegancia de su toque, pero ninguna de ellas ha hecho de este 'sonar' un arte en si mismo, es decir un reino de expresión estética, pleno de valores emocionales y sensibles. Ese mérito habría de corresponder a Lucero Tena. Para llegar a la creación de este arte era necesario que se reunieran en una persona las dotes esenciales que admiramos en Lucero Tena: sensibilidad rítmica, calibración justa de las intensidades sonoras y, sobre todo, una maestría única en su tañer de castañuelas. El 'toque' de Lucero es el más perfecto, uniforme y ritmado que haya podido escucharse. En este sentido, ha acuñado el término 'concertista de castañuelas', muy apropiado a la actividad que desarrolla.

En el video se puede admirar la maestría artística de Lucero Tena interpretando el famoso Intermedio de la zarzuela "La boda de Luis Alonso" del compositor sevillano Gerónimo Giménez en una actuación en el Auditorio Nacional de Música (Madrid, 10 de junio de 2007) con la orquesta dirigida por Enrique García Asensio.-Para llegar a la creación de este arte, era necesario que se reunieran en una persona las dotes esenciales que admiramos en LUCERO TENA: sensibilidad rítmica, calibración justa de las intensidades sonoras y, sobre todo, una maestría, única en su mundo, en su tañer de castañuelas. El “toque” de LUCERO es el más perfecto, igual y ritmado que haya podido escucharse. Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2016-01-10/lucero-tena-mas-de-seis-decadas-tocando-las-castanuela

Voces para la Paz - Suspiros de España (Antonio Alvarez)

"SUSPIROS DE ESPAÑA": HOMENAJE AL PASODOBLE DE PASODOBLES

"Suspiros de España" es un popular pasodoble español compuesto por el maestro Antonio Álvarez Alonso (Martos, Jaén, 11-3-1867 / Cartagena, Murcia, 22-6-1903) en la ciudad española de Cartagena y estrenado en 1902. En 1938 se le añadiría letra por Juan Antonio Álvarez Cantos (1897-1964), sobrino del compositor, para ser cantada en una película por Estrellita Castro. En los exilios provocados por la Guerra Civil Española este inmortal pasodoble simbolizó la nostalgia del país perdido. Hoy día, su tan bellísima melodía, interiorizada por los españoles, e identificada con las esencias emocionales más genuinamente patrias, es incluso reclamada por algunos como himno nacional.

En el video se puede apreciar tal y como lo concibió su autor en ejecución orquestal a cargo de la agrupación musical Voces para la Paz en una actuación en el Auditorio Nacional de Música de Madrid (13 de Junio de 2010) bajo la dirección de Miguel Roa.

Voces para la Paz (Músicos Solidarios), fundada en 1998 por Juan Carlos Arnanz, es una asociación independiente de ayuda humanitaria que utiliza la música como medio para realizar y apoyar proyectos que contribuyan a la erradicación de la pobreza y a la mejora de las condiciones de vida de las personas y comunidades más vulnerables y desfavorecidas. Voces para la Paz (Músicos Solidarios) está compuesta principalmente por músicos que forman parte de las agrupaciones musicales más importantes de España. (Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Madrid, Banda Sinfónica Municipal de Madrid, Coro del Teatro de la Zarzuela, etc.)