A modo de recordatorio del cuarenta aniversario de la muerte a los 40 años de la infortunada Jean Seberg, actriz icónica de la década de los 60, he aquí esta sucesión de imágenes de sus películas.
Recordamos el cincuentenario del fallecimiento del gran actor estadounidense Montgomery Clift con este video evocador que recoge imágenes de su vida y carrera.
Greta Garbo, La Divina, falleció en Nueva York el 15 de abril de 1990 a los 84 años. La recordamos con este video que muestra bellas imágenes de sus películas.
Jeanne Moreau, legendaria actriz francesa, cumple hoy 87 años. Ella irrumpió en la pantalla en el momento justo, cuando el fulgor de las estrellas que hasta entonces habían reinado en la cinematografía francesa languidecía a pasos agigantados. Moreau encarnaba, con su apariencia de mujer con experiencia, su voz grave y su indudable inteligencia, a la heroína ciertamente moderna, seductora y cerebral. Casi todos los creadores dispuestos a la renovación del cine francés vieron en ella a la intérprete ideal de sus obras. Dueña de un estilo propio e inclasificable, sensual e intuitiva, elegante y auténtica, desplegó su talento en buen número de films que la convirtieron en icono del cine europeo de los años 60.
La recordamos con esta reseña procedente (corregida y ampliada) de la página mcnbiografías:
Considerada una de las actrices más importantes del cine francés, Jeanne Moreau era hija de padre francés, propietario de un restaurante, y de una exbailarina inglesa. Descubrió su vocación a los 16 años cuando asistió con tres amigas a escondidas de su padre a la primera representación teatral de su vida, la de Antígona de Jean Anouilh, y creció como intérprete en el prestigioso Conservatorio de París. Desempeñó diversos papeles en los montajes teatrales de la Comedie Française y del Teatro Nacional Popular, antes de dar el salto definitivo al mundo del cine. Intervino inicialmente en pequeños papeles que la llevaron a formar parte del reparto de numerosas películas en los primeros años cincuenta. Al dar muestras de su fotogenia y buena disposición dramática en films como Una chica en el desván (1953) de Marc Allégret o Ascensor para el cadalso (1957) de Louis Malle, los cineastas de la nouvelle vague la incluyeron con frecuencia en sus repartos como musa del citado movimiento y sucesivamente intervino en títulos de notable repercusión comercial o crítica como Los amantes (1958) de Malle, Relaciones peligrosas (1959) de Roger Vadim, Diálogos de carmelitas (1960), Moderato cantabile (1960) de Peter Brook, La noche (1960) de Michelangelo Antonioni o Une femme est une femme (1961) de Jean-Luc Godard, con los que se consagró como la gran actriz francesa de su tiempo y logró renombre internacional.
Dirigida por François Truffaut protagonizó Jules y Jim (1961), una de las películas más representativas del cine francés de la década. Con esa fama, se incorporó a proyectos tan singulares y complejos como Eva (1962) de Joseph Losey, El proceso (1962) de Orson Welles, La bahía de los ángeles (1962) de Jacques Demy, Fuego fatuo (1963) de Louis Malle, Diario de una camarera (1964) de Luis Buñuel, El tren (1965) de John Frankenheimer, Viva María! (1965), de nuevo con Malle y con Brigitte Bardot de coprotagonista, Campanadas a medianoche (1966) de Welles, La novia vestía de negro (1967) de Truffaut o Una historia inmortal (1968), su tercer Welles. Atraidos por su renombre en Europa, los productores de Hollywood contaron con ella en El último magnate (1976) de Elia Kazan, y otros títulos de interés. Con el tiempo, por sus magníficas cualidades como actriz de reparto, fueron numerosos los cineastas que la requirieron durante las décadas de los ochenta y noventa. De este período destaca su trabajo en Querelle (1982) de Rainer W. Fassbinder. Toda su carrera ha estado muy ligada al cine de autor.
Moreau ha trabajado también televisión y en teatro como actriz y directora. Asímismo dirigió dos películas: Lumière (1976) y L’adolecente (1980). Estuvo casada con los cineastas Jean-Louis Richard (1949-1951, separación, 1964, divorcio) y William Friedkin (1977-1979). De su primer matrimonio nació su único hijo, Jérôme.
Entre otros muchos galardones, incluyendo premios de interpretación en Venecia, Cannes y un BAFTA, ganó un César a la mejor actriz en 1992. A partir de ahí se multiplicaron los reconocimientos al conjunto de su carrera en los festivales de Venecia (1992), San Sebastián (1997), Berlín (2000) y Cannes (2003), así como honoríficos César, BAFTA y Premio del Cine Europeo. El 10 de enero de 2001 se convirtió en la primera mujer que ingresó como miembro de pleno derecho en la Academia de Bellas Artes de Francia.
He aquí un video con imágenes retrospectivas de su trayectoria en la gran pantalla:
EPÍLOGO
Jeanne Moreau fue encontrada muerta por su asistenta la mañana del 31 de julio de 2017 en su apartamento en París. Contaba 89 años de edad.
GUY MADISON (19-1-1922 / 6-2-1996): EL HOMBRE MÁS GUAPO DEL CINE
Cuando Mae West hablaba de hombres de 'devastadora' belleza, debía
estar pensando en este semidiós, actor de profesión, nacido en
Bakersfield, California y fallecido en Palm Springs, en el mismo Estado,
a los 74 años. Lució su impresionante físico (sin necesidad de workout)
en films como "Hasta el fin del tiempo" (1946), "Honeymoon" (1947),
"Texas, Brooklyn and Heaven" (1948), "Massacre River" (1949), "Tambores
de guerra" (1951), "La carga de los
jinetes indios" (1953), "Retaguardia" (1954), "5 contra la banca"
(1955), "Desierto salvaje" (1955), "Hilda Crane" (1956), "Un hombre
duro" (1957), "La mujer del látigo" (1958), "Jet sobre el Atlántico"
(1959) o "La esclava de Roma" (1961). Trabajó también en televisión.
Alguien en YouTube se refiere a él como "The absolute all-time all-timer
of male perfection to ever come out of Hollywood".
HUMPHREY BOGART (New York, 25-12-1899 / Los Angeles, 14-1-1957): IN MEMORIAM
Tal día como hoy hace 58 años falleció el mítico actor estadounidense Humphrey Bogart. Ganador de un Oscar, la historia del cine americano y, en particular, el cine negro no podrían entenderse sin su icónica figura. Su tipología de hombre cínico y moralmente dudoso en muchos de sus personajes, el eterno cigarrillo siempre entre sus dedos y
su condición de galán poco convencional son algunos de los rasgos más
recordados de su extensa filmografía de 75 títulos, donde abundan los clásicos. Según el American Film Institute Bogart está considerado la primera
estrella masculina más importante de los primeros cien años del cine
norteamericano.
He aquí, a modo de tributo, esta semblanza biográfica a partir de la página El Criticón:
Humphrey DeForest Bogart nació en el seno de una familia acomodada en la
que creció sin problemas económicos. Su padre DeForest Bogart era un
importante cirujano y su madre Maud era una conocida ilustradora de
revistas. En principio el deseo de sus padres era que estudiase
medicina, pero su mal comportamiento en la escuela provocó su expulsión
de la Academia Phillips y su ingreso en la marina americana. Cuando
estaba luchando en la Primera Guerra Mundial, Bogart sufrió un accidente en
una embarcación que dejó paralizado su labio superior, convirtiendo
esta tara física en una significativa manera de hablar. Después de
concluir la Gran Guerra, Bogart regresó a la Gran Manzana y comenzó su
carrera como actor teatral. Tras pasar por Broadway sin demasiado éxito
se trasladó a Hollywood para intentar buscar fortuna en el cine,
consiguiendo debutar en un corto musical llamado "Broadway's like that"
(1930), al que seguirían películas como Río arriba (1930), una comedia carcelaria dirigida por John Ford y El conquistador (1930) de Irving Cummings.
Su clásica tipología de duro se estableció en esos años 30, cuando
protagonizó para la Warner un buen número de títulos en los que la
psicología de sus caracteres venía definida por una actitud inclemente y
raramente imperturbable. Entre ellos, películas como El bosque petrificado (1936) de Archie Mayo, basada en la obra teatral del mismo título de Robert E. Sherwood, en la
que también intervenían Leslie Howard y Bette Davis, Balas o votos (1936) de William Keighley, film de gangsters co-protagonizado por Edward G.
Robinson, La legión negra (1937) de Archie Mayo, melodrama con Ann Sheridan, Kid Galahad (1937) de Michael Curtiz, film de boxeo con Edward G. Robinson y Bette Davis, La mujer marcada (1937) de Lloyd
Bacon, drama criminal con Bette Davis, Callejón sin salida (1937), drama social dirigido por William Wyler, con Sylvia Sidney y Joel McCrea, Siempre Eva (1937) de Tay Garnett, comedia con Leslie Howard y Joan Blondell, Ambición rota (1938) de Lloyd Bacon, drama criminal con George Brent y Gloria Dickson, El sorprendente Dr. Clitterhouse (1938), un
curioso y magnífico título de intriga dirigido por Anatole Litvak en el que
compartía créditos de nuevo con Edward G. Robinson, Angeles con caras
sucias (1938) de Michael Curtiz, thriller gangsteril con James Cagney y Pat O'Brien como
compañeros de reparto, El rey del hampa (1939) de Lewis Seiler, policíaco de serie B con Kay Francis, El chico de Oklahoma (1939) de Lloyd Bacon, western con James Cagney, Amarga victoria (1939) de Edmund Goulding, drama con Bette Davis y George Brent, o Los violentos años veinte (1939), excelente thriller criminal dirigido por
Raoul Walsh que estaba protagonizado por James Cagney.
Humphrey Bogart
era un actor muy socorrido para la Warner pero su status distaba mucho
de ser una gran estrella de Hollywood. Los años 40 comenzaron como
acabaron los 30, mostrando a Bogie de gángster en El hermano orquídea
(1940) de Lloyd Bacon, de nuevo con Edward G. Robinson además de Ann Sothern. Antes de protagonizar los dos títulos que le
elevaron al estrellato, Bogart apareció en La pasión ciega (1940), thriller dirigido por un gran director, Raoul Walsh, en la que
interpretó a un transportista hermano de George Raft, mientras que Ann Sheridan y Ida Lupino eran las chicas de la película. Con Walsh
protagonizó también El último refugio (1941), espléndido y tenso thriller que se
convertiría en uno de los trabajos más aclamados de su protagonista,
aclamación confirmada por su protagonismo en el debut como director de
John Huston, El halcón maltés (1941), film noir en el que Bogart interpretó
al detective Sam Spade. A partir de este período el actor neoyorquino
se convirtió en uno de los grandes iconos del cine. Casablanca
(1942) de Michael Curtiz haría de él un ídolo y un mito para todas las
generaciones cinéfilas. En el film compartió protagonismo con Ingrid
Bergman, Paul Henreid y Claude Rains y con él obtuvo su primera candidatura al Oscar.
Con Rains y Michael Curtiz volvería a coincidir en Pasaje a Marsella
(1944), película antinazi en la que Bogart interpretó a un periodista
francés. La cantidad de magistrales títulos que Bogart protagonizó en la
década de los 40 es abrumadora: Sahara (1943) de Zoltan Korda, Tener
y no tener (1944), título clave de Howard Hawks que le sirvió para
conocer al amor de su vida, Lauren Bacall, El sueño eterno (1946),
clásico noir también dirigido por Hawks y con Bacall de coestrella, Callejón sin salida (1947) de John
Cromwell, otro noir en el que la coprotagonista era Lizabeth Scott, Las dos señoras Carroll (1947) de Peter Godfrey, noir en que tuvo por compañeras a Barbara Stanwyck y Alexis Smith, La senda tenebrosa (1947), noir de
Delmer Daves en que cambiaba de rostro (en la ficción) tras una
operación de cirugía estética, su tercer título con Bacall, El tesoro de Sierra
Madre (1948), dramático western dirigido de nuevo por Huston, Cayo Largo (1948) de John Huston, noir con Edward G. Robinson y Lauren Bacall, o Llamad a cualquier puerta (1949) de Nicholas Ray, drama judicial co-protagonizado por John Derek.
Afable, amante del deporte, independiente (había montado su propia
productora llamada Santana Pictures) y comprometido (fue uno de los
principales impulsores de la protesta en Washington contra la Caza de
Brujas), Bogie era también una celebridad y un personaje muy querido
fuera de la pantalla.
Si los años cuarenta fueron buenos para su
carrera cinematográfica, los cincuenta continuaron por la misma senda: En un lugar solitario (1950) de Nicholas Ray, noir con Gloria Grahame, La
reina de Africa (1951) título de aventuras dirigido por su amigo John Huston, junto a
Katharine Hepburn, donde interpretó un rudo capitán de barco con tendencia a la bebida, papel por el que ganó el Oscar al mejor actor, El
cuarto poder (1952), drama criminal sobre periodismo firmado por
Richard Brooks, con Ethel Barrymore y Kim Hunter, La burla del diablo (1953) de John Huston, comedia de aventuras con Jennifer Jones y Gina Lollobrigida, El motín del
Caine (1954), drama bélico de Edward Dmytryk, con José Ferrer, Van Johnson y Fred MacMurray, y su tercera
candidatura al Oscar, Sabrina (1954) de Billy Wilder, comedia romántica con Audrey
Hepburn y William Holden, La condesa descalza (1954) de John L. Mankiewicz, drama con
Ava Gardner, No somos ángeles (1955) de Michael Curtiz, comedia de presidiarios fugados con Aldo Ray y Peter Ustinov, La mano izquierda de Dios (1955) de Edward Dmytryk, drama en el que interpretó a un sacerdote, con Gene Tierney, Horas desesperadas (1955) de William Wyler, thriller con Fredric March, y
su último film, la obra maestra de Mark Robson ambientada en el mundo
del boxeo Más dura será la caída (1956) suponen los últimos títulos de
una filmografía extraordinaria.
Aunque se casó en cuatro
ocasiones, la mujer más importante para Bogey siempre fue Lauren Bacall,
con la que contrajo matrimonio en 1945. La pareja tuvo dos hijos:
Stephen Humphrey (1949) y Leslie (1952). Antes de casarse con Lauren,
Bogart había estado casado con las actrices Helen Menken (1926-1927), Mary Phillips (1928-1937) y
Mayo Methot (1938-1945). Bogie falleció el 14 de enero de 1957 en Hollywood a causa de un cáncer de esófago. Tenía 57 años.
Finalmente, un video con imágenes de su carrera cinematográfica:
JEAN SEBERG (Marshalltown, Iowa, US, 13-11-1938 / Paris, France, 30-8-1979): IN MEMORIAM
Hija
de de un farmacéutico y una profesora, descendientes de ancestros
suecos, ingleses y alemanes, su mayor vocación era ser actriz de cine. A
los 17
años, cuando estudiaba en la Universidad de Iowa, fue seleccionada entre
18.000 candidatas para protagonizar la película SantaJuana(1957), dirigida porOtto Premingersegún la obrade
George Bernard Shaw sobre la vida de Juana de Arco. La película y el
trabajo de Jean fueron duramente criticados, sobre todo por los sectores más
fundamentalistas cristianos estadounidenses. No obstante, al año
siguiente, Otto Preminger la vuelve a elegir para protagonizar la
versión cinematográfica de la novela de Françoise Sagan de moda en
aquel momento, Bonjour tristesse (1958), junto a David Niven y
Deborah Kerr. Para interpretar a su personaje se había pensado en un
principio en Audrey Hepburn. Su siguiente trabajo fue en la comedia
satírica Un golpe de gracia (1959) de Jack Arnold, con Peter Sellers. Ese mismo año Jean-Luc Godard la elige como protagonista de su ópera prima: Al final de la escapada
(1960), formando una inolvidable pareja con Jean Paul Belmondo. La
película fue un gran éxito dentro y fuera de Francia, los chicos se
enamoran de su estrella y las chicas la imitan; inluso François Truffaut
declaró:"Jean es la mejor actriz de Europa". Con 21 años
Jean Seberg se convirtió en icono de la Nouvelle Vague francesa y el
film en hito básico del movimiento y símbolo de modernidad. Después se estrenaron Que nadie escriba mi epitafio (1960) de Philip Leacock, drama con Burl Ives, Shelley Winters, James Darren y Ricardo Montalban y Confidencias de una doncella (1961) de Jean Valère, drama con Maurice Ronet.
En 1958 se había casado con el director francés François Moreuil quien la dirigiría en El recreo (1961), drama donde tuvo como pareja a Christian Marquand.
Su matrimonio sólo duró dos años, tal vez a causa de la violencia
ejercida sobre Jean por su marido o porque ella ya se había fijado en
otro hombre. Sea como fuere, en 1962 se casa con el novelista,
intelectual y diplomático francés
de origen lituano Romain Gary, superviviente del Holocausto, héroe de
guerra y único escritor dos veces ganador del premio Goncourt, veinticuatro años
mayor que ella, con quien durante sus ocho
años de matrimonio mantendría una tormentosa relación, jalonada con las
múltiples infidelidades de Jean. En julio de 1962 nació en
Barcelona su hijo Alexandre Diego.
Desde
su triunfo con Godard, los siguientes títulos europeos de la actriz
habían obtenido mucha menor repercusión, al igual que el film americano Al estilo francés (1963) de Robert Parrish, drama con Stanley Baker. Con Jean Becker rueda en España A escape libre (1964), film de aventuras que la vuelve a emparejar con Belmondo y en el que ella ofrece una imagen más sofisticada. Después viaja a Hollywood para trabajar con Warren Beatty y Peter Fonda en el sensible drama Lilith
(1964) de Robert Rossen, donde interpreta a una seductora paciente
esquizofrénica recluída en una institución mental, papel por el que
sería nominada al Globo de Oro. Al terminar, regresa a Francia para trabajar de nuevo con Jean-Luc Godard en un episodio de la película Las más famosas estafas del mundo(1964) y en la coproducción europea Mil millones en un billar (1965) de Nicolas Gessner. Requerida en Hollywood, protagoniza el film de suspense Momento a momento (1966), último título en la carrera del director Mervyn LeRoy, y la comedia dramática Un loco maravilloso (1966)
de Irvin Kershner, junto a Sean Connery y Joanne Woodward. De nuevo en
Francia, Claude Chabrol la dirige en dos películas junto a Maurice
Ronet: La línea de demarcación (1966) y La ruta de Corinto (1967), trabajando también a las órdenes de su marido Romain Gary en Las aves van a morir al Perú
(1968), psicodrama sexual con Maurice
Ronet que tuvo el dudoso honor de ser el primer
film comercial en obtener la clasificación X en los EEUU, adonde vuelve
en 1969 para protagonizar junto a George Peppard el thriller Péndulo (1969) de George Schaefer y el afamado western musical La leyenda de la ciudad sin nombre (1969)
de Joshua Logan, con Lee Marvin y Clint Eastwood. Con este último,
durante el rodaje, mantuvo un romance que precipitó que su marido Romain
Gary le pidiera el divorcio. A lo largo de su carrera, Jean mantuvo relaciones esporádicas con desconocidos con quienes coincidía en rodajes o en escapadas nocturnas a fiestas de excesos alcohólicos y experimentación con alucinógenos. Uno de sus amantes fue el escritor mexicano Carlos Fuentes,
que sucumbió a sus encantos y quedó hechizado por ella. Ambos
mantuvieron una tórrida relación, descrita por él muchos años después en
la novela Diana o la cazadora solitaria (1994).
La
década siguiente comienza para Jean Seberg con tres estrenos sucesivos:
el exitoso film de catástrofe con reparto multiestelar Aeropuerto (1970) de George Seaton, la producción italiana Ola de calor (1970)
de Nelo Risi, y el western Macho Callahan (1970) de Bernard L. Kowalski, con David Janssen, pero resultaría fatídica para ella en el ámbito personal.
En esa época, Jean había comenzado a apoyar a la Asociación Nacional
para el
Progreso de las Personas de Color, a los grupos de Nativos Americanos y a
los Panteras Negras, convirtiéndose en voz pública de éstos últimos. Al
igual que en el caso de otros famosos como John Lennon, Jane Fonda o
Vanessa Redgrave, su activismo políticollamó
la atención de J Edgard Hoover, el director del FBI, que la
consideraba como una amenaza a los intereses norteamericanos y a la
seguridad nacional. El 23 de abril de 1970, Hoover emitió una orden para
que Seberg, "esa amante de los negros", fuera "neutralizada" por el
Programa de Contrainteligencia
(COINTELPRO). Gracias a las investigaciones del FBI, Hoover se enteró de
que Seberg
estaba embarazada y aprovechó la ocasión para desacreditarla: creó el
rumor de
que el hijo que esperaba era de Raymond Hewitt, líder de los Panteras
Negras. El 27 de abril de 1970 se autoriza a un agente del FBI para
colocar
la historia falsa en Los Angeles Times y en la revista Newsweek,
teniendo repercusión en todos los medios de Estados Unidos. Jean, que
era una chica muy frágil, no pudo soportar el escándalo
mediático que se produjo e intentó suicidarse con una sobredosis de
barbitúrcos, lo que le provocó un parto prematuro el 23
de agosto de 1970. La niña, que iba a llamarse Nina, murió a los tres
días. Jean Seberg tomó al cadáver más de doscientas fotos que distribuyó
a la prensa en una conferencia luego del funeral en el que la niña fue
velada en un ataúd de cristal
para que todos pudieran comprobar que no era negra.Después del
trágico incidente, continuó el hostigamiento del FBI, que la acusó de
abortista y Jean se mudó nuevamente a París. Nunca
se recuperó de su depresión y en adelante manifestó brotes psicóticos.
Cada año, al llegar el aniversario de la pérdida de su
hija, lo conmemoraba con un intento de suicidio.
En adelante no trabajaría más en Hollywood, participando sólo en producciones europeas, como el thriller de espionaje Matar (1971) dirigido por
su ex marido Romain Gary, con Stephen Boyd y James Mason, las italianas Esa clase de amor (1972) de Alberto Bevilacqua, drama con Ugo Tognazzi, y Camorra (1972) de Pasquale Squittieri, policiaco con Fabio Testi, o el El atentado
(1972) de Yves Boisset, thriller político coprotagonizado por Yves Montand y Michel
Piccoli, donde realiza una breve pero intensa actuación. En 1972 se casa
de nuevo con otro director (también guionista y actor ocasional), el
norteamericano Dennis Berry. Más tarde viaja a España para ser dirigida por Juan Antonio
Bardemen la película La corrupción de Chris Miller(1973),donde interpreta a la madre de Marisol.Durante
el rodaje, conoce a Ricardo Franco, joven director español que a la
sazón comenzaba su carrera, y mantienen una relación apasionada y
secreta. En 1974, Jean se puso por primera y última vez detrás de las
camaras:
Sería para rodar como directora una película que permanece inédita
titulada "The ballad of the kid". También apareció en el film mudo
experimental en blanco y negro Les hautes solitudes (1974) de Philippe Garrel, junto a su amiga la cantante Nico, esposa del director, y asímismo intervino con Kirk Douglas en el film televisivo "La tercera víctima"(1974) de Daniel Petrie.Después protagoniza Blancos caballos de agosto (1975) de Raimondo Del Balzo, drama con Frederick Stafford, El gran delirio(1975),un drama dirigida por su marido Dennis Berry, y El pato salvaje (1976) de Hans W. Geissendörfer, producción austriaca que adaptaba el drama homónimo de Ibsen, con Bruno Ganz.
En 1979 se divorcia de Berry
cuando ya había comenzado una nueva relación con Ahmed Hasni, argelino
mitómano vinculado al tráfico de estupefacientes que se ofrece para
representarla y la persuade para vender su piso en París, quedándose con
su dinero. Viajan juntos a España y a los pocos días Jean regresa sola a
París y
comienza a esconderse y huir de Hasni, que la había maltratado. La etapa
final de su vida transcurrió entre psiquiátricos y las casas de
sus pocos amigos (Nico y Garrel sobre todo), sumida en una gran
depresión, sobrellevada a base de barbitúricos y alcohol y agravada con repetidos intentos de suicidio. Le bleu des origines (1979) de Philippe Garrel fue su último film completado.
A fines de agosto de 1979 desaparece y es encontrada muerta once días
después, el 8 de septiembre, en el asiento trasero de su Renault que se
encontraba aparcado cerca del apartamento que había compartido con Hasni,
envuelta en un poncho y con el cuerpo en avanzado estado de
descomposición y quemado por cigarrillos, lo que provocó que corrieran
rumores sobre un posible asesinato. Según los informes policiales, Jean habría tomado una masiva sobredosis de
barbitúricos y alcohol (8 gr. por litro en la sangre). Se encontró una
nota de suicidio aparentemente dirigida a su hijo Alexander Diego que
decía "Perdóname, yo no puedo vivir más así".Fue enterrada en el cementerio de Montparnasse en Paris. A su funeral
asistieron sus tres maridos, Hasni, Jean Paul Belmondo, Jean Paul Sartre
y Simone de Beauvoir. Muchos aún sostienen a día de hoy que su muerte está envuelta en
misteriosas circunstancias que conectan con el episodio relacionacido
con el FBI de una decáda atrás. Un año después, su ex maridoRomain
Gary se quitó la vida con un disparo en la cabeza, aunque dejó una nota
explicando que su suicidio no tenía nada que ver con la actriz. Había
empapelado una habitación entera con sus fotos. Los informes del FBI que demostraban que
Jean fue sometida a vigilancia y que su teléfono había estado
intervenido fueron desclasificados en 1982.
Alexandre Diego Gary, el hijo de Jean, publicó en 2009 un
libro en el que habla de la relación con sus padres. Él no cree que su
madre fuera asesinada: "Me dejó una nota en la que confesaba que no podía seguir viviendo por culpa de los nervios", explicó Gary. Aseguró que el FBI empujó a su madre a suicidarse con una sobredosis de drogas."Se sentía perseguida",
afirma Gary, en alusión a una campaña psicológica "desestabilizadora"
del FBI contra la actriz, por su apoyo a los Panteras Negras. "Hubo
momentos en que tenía mucho miedo. Incluso contrató a dos guardaespaldas
para que la protegieran porque había recibido muchas amenazas". Tambien cuenta como su madre se deslizó poco a poco hacia la locura: "A veces hablaba, sentada, con el frigorífico".
En 1995, Guy Pierre-Geneuil, exguardaespaldas de la actriz, publicó Mi estrella asesinada. Según
él, cree que el alcohol de su sangre le fue inyectado. Para Geneuil hay
muchas incongruencias entre los datos de la investigación policial y
las conclusiones: "A Jean la encontraron desnuda, dentro de su coche, mal aparcado en la calle del General Appert, cerca de su apartamento", "Ocho
gramos de alcohol en la sangre es una dosis letal, incluso para alguien
que bebía como ella. En cualquier caso, en el interior del coche no
había ninguna botella de alcohol. Con ocho gramos no se puede andar. No
hace falta ser Sherlock Holmes para comprender que una conclusión se
impone", "A finales de los setenta Jean iba a menudo a Argelia. Un día, medio
en broma, me dijo que igual acababa siendo la esposa del presidente de
aquel país. Era muy amiga del Ministro de Exteriores argelino y número
dos del régimen", explicaba Guy-Pierre en su libro. "Pocos días
antes de morir Jean, que seguía manteniendo muy buena relación con
Romain aunque llevaban tiempo separados, le envía una carta que es una
llamada pidiendo socorro. Jean dice estar presa en la mayor red
argelina de tráfico de drogas". Su ex se puso en contacto con
Jacques Chirac, del que era amigo, para que averiguase qué había de
cierto en los temores de su ex mujer. Pero no quisieron remover el
asunto precisamente porque el poder argelino estaba detrás. Trágico e
incierto final para Jean Seberg, aquella rubia chica angelical que,
peinada a lo garçon y vestida con camiseta del Herald Tribune y pantalón
pitillo, vendía periódicos en los Campos Elíseos. Sea como fuere, es
probable que nunca lleguemos a saber la verdad.
Como homenaje a esta bella e inolvidable actriz fallecida tragicamente a los 40 años, este video con el tema "I love Paris" de Cole Porter como fondo musical.
JOAN FONTAINE (Tokio, Japón, 22-10-1917 / Carmel, California, 15-12-2013): IN MEMORIAM
Aniversario natal de Joan Fontaine, sensible y elegante actriz estadounidense, de exquisito porte aristocrático, fallecida en 2012 a los 96 años de edad.
De nombre real Joan de Beauvoir de Havilland, era hija de un abogado que trabajaba en Japón. Cuando tenía dos años, sus
padres se divorciaron y su madre se trasladó a E.E.U.U. con ella y su
hermana mayor (la que sería también actriz y rival Olivia de Havilland).
En Los Angeles estudió arte dramático con Max Reinhardt y trabajó en
teatro con el nombre de Joan Burfield hasta que fue contratada por RKO, estudio en el que debutó en 1935. Su intervención en la
comedia producida por M-G-M Mujeres (1939) de George Cukor llamó la
atención de David O. Selznick, el productor que había contratado a
Alfred Hitchcock para su debut en Hollywood con Rebeca (1940).
Superadas las pruebas, la actriz consiguió el papel de Mrs. De Winter,
que la lanzó al estrellato, consiguiendo, además, la primera de sus tres
nominaciones a los premios de la Academia de Hollywood. Repitió con
Hitchcock en Sospecha (1941) y ganó el Oscar al año siguiente, un
premio que ningún otro actor o actriz conseguiría nunca trabajando a las
órdenes del director británico. No obstante, el mejor papel y film de
su carrera fue Carta de una desconocida (1948), obra maestra de Max
Ophuls, basada en un relato de Stefan Zweig y cumbre del cine romántico
de todos los tiempos.
Otras películas: Señorita en desgracia
(1937) y Gunga Din (1939), ambas de George Stevens, Sé fiel a tí
mismo (1942) de Anatole Litvak, La ninfa constante (1943) de Edmung
Goulding, su tercera nominación al Oscar, Jane Eyre (1944) de Robert
Stevenson, El pirata y la dama (1944) de Mitchell Leisen, De hoy en
adelante (1946) de John Berry, Abismos (1947) de Sam Wood, El valsdel emperador (1948) de Billy Wilder, Nacida para el mal (1950) de
Nicholas Ray, Cariño, ¿por qué lo hiciste? (1951) de Mitchell Leisen, Una razón para vivir (1952) de George Stevens, Ivanhoe (1952) de
Richard Thorpe, El bígamo (1953) de Ida Lupino, La gran noche de
Casanova (1954) de Norman Z. McLeod, Dos pasiones y un amor
(Serenade) (1956) de Anthony Mann, Más allá de la duda (1956) de
Fritz Lang, Una isla al sol (1957) de Robert Rossen, Mujeres
culpables (1957) de Robert Wise, Una cierta sonrisa (1958) de Jean
Negulesco, Viaje al fondo del mar (1961) de Irwin Allen, Suave es la
noche (1962) de Henry King o Las brujas (1966) de Cyril Frankel.
Joan Fontaine estuvo casada en cuatro ocasiones: con el actor Brian
Aherne (1939-1945), el productor William Dozier (1946-1951), con quien
tuvo una hija, el guionista y también productor Collier Young
(1952-1961) y finalmente con el periodista Alfred Wright Jr.
(1964-1969). En 1951 adoptó a una nña peruana.
Cuando dejó de hacer cine, continuó trabajando en teatro y televisión. En 1978 escribió su autobiografía "No bed of roses".
La imagen corresponde a su rol
inolvidable de Liza Berndle en "Carta de una desconocida", película
seleccionada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para
su preservación.
El video reúne una sugestiva colección de imágenes de la trayectoria de
esta gran dama del séptimo arte.
IRENE DUNNE (Louisville, Kentucky, US, 20-12-1898 / Los Angeles, 4-9-1990): IN MEMORIAM
Hoy se cumplen 24 años de la desaparición de la actriz estadounidense Irene Dunne, una de las más exitosas en los años 30 y 40,
especializada tanto en melodramas como en comedias. Fue candidata al
Oscar en cinco ocasiones, aunque nunca lo consiguió. Se la recuerda en películas como Lausurpadora, La pícara puritana, Serenata nostálgica o Nunca la olvidaré. Fue una actriz
sensible, dúctil, versátil, sobria y de porte elegante, una gran dama
del cine. Se retiró en 1952 y vivió hasta los 91 años.
Semblanza biográfica (con retoques) procedente de la página El Criticón:
Su padre se dedicaba a supervisar
barcos de vapor y su madre era pianista. Fue su progenitora (su padre
falleció en 1910) quien le inculcó un profundo amor hacia la música y
quien le propuso estudiar canto. El primer deseo de Irene, que tenía voz de soprano, fue ser intérprete de ópera, pero tras fracasar
en el intento de formar parte del Metropolitan de Nueva York, terminó
apareciendo en multitud de comedias musicales de Broadway durante la
década de los 20. En 1928 contrajo matrimonio con el dentista Francis Griffin, el único
amor de su vida y con quien estuvo casada hasta 1965, año del
fallecimiento de Francis. La pareja adoptó una hija a la que llamaron
Mary Frances.
Después de muchas actuaciones teatrales, la actriz y cantante de
Kentucky logró firmar un contrato en 1930 con la RKO, después de que
un cazatalentos del estudio la contemplara cantar e interpretar a
Magnolia Hawks, el personaje principal del famoso musical "Show boat" de
Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, que Florence Ziegfeld le había
dado a protagonizar encabezando la compañía que representaba la obra en
gira. Su debut cinematográfico se produjo con Leathernecking (1930), una comedia musical dirigida por Edward F. Cline.
Durante toda la década de los 30 Irene alternó comedias, musicales,
dramas, películas románticas, westerns... Sus títulos más importantes
son Cimarron (1931) de Wesley Ruggles, western basado en un novela de Edna Ferber que ganó el Oscar a la mejor película, con Richard Dix, La melodía de la vida (1932) de Gregory La Cava, drama según una historia de Fannie Hurst, con Ricardo Cortez, La usurpadora (1932) de John M. Stahl, melodrama que adaptaba una novela de Fannie Hurst, con John Boles, Dos amores (1933), drama con Joel McCrea, Ana Vickers (1933), drama según una novela de Sinclair Lewis, con Walter Huston, y Este hombre es mío (1934), drama romántico con Constance Cummings y Ralph Bellamy, las tres de John Cromwell, La edad de la inocencia (1934) de Philip Moeller, adaptación de la novela de Edith Warton, con John Boles, Roberta (1935) de William A.
Seiter, musical romántico con Fred Astaire, Ginger Rogers y Randolph Scott, Sublime obsesión (1935) de John M. Stahl, melodrama con Robert Taylor, Magnolia
(1936) de
James Whale, considerada la mejor traslación a la pantalla del musical
"Show boat" (que ella ya habría representado sobre las tablas seis años
antes),con Allan Jones, Charles Winninger, Paul Robeson y Helen Morgan, Los pecados de Teodora (1936) de Richard Boleslawski, comedia con Melvyn Douglas, La pícara puritana (1937) de Leo McCarey, sofisticada comedia con Cary Grant y Ralph Bellamy, probablemente su mejor película, La furia deloro negro (1937) de Rouben Mamoulian, western con Randolph Scott, El placer de vivir (1938) de Tay Garnett, comedia con Douglas Fairbanks Jr., la primera versión de Tú y yo (1939), de Leo McCarey, melodrama con Charles Boyer, o Invitación a la felicidad (1939) de Wesley Ruggles, drama romántico con
Fred MacMurray.
En La pícara puritana coincidió por primera vez con el actor Cary Grant,
con quien irradió química en ésta y en sus siguientes colaboraciones:
la comedia Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin y el drama familiar Serenata nostálgica (1941) de George Stevens. Con Charles Boyer inició una asociación en Tú y yo, que continuó con Huracán (1939) de John M. Stahl y Otra vez juntos (1944) de Charles Vidor. En los años 30 Irene fue nominada al Oscar a la mejor actriz en cuatro ocasiones: por Cimarrón, Los pecados de Teodora, La pícara puritana y Tú y yo.
En la década de los 40 Irene intervino en películas con menos constancia que en la
precedente, con papeles muy diversificados aunque con mayor querencia
por la comedia. Además de los títulos citados con Grant y Boyer, las mejores películas de Dunne fueron Ansia de amor (1941) de Gregory La Cava, comedia con Robert Montgomery, y Una dama en apuros (1942), comedia con Patric Knowles, ambas de
Gregory La Cava, Dos en el cielo (1943) de Victor Fleming, título bélico con Spencer Tracy, Las rocas blancas de Dover (1944) de Clarence Brown, drama con Alan Marshal y Roddy McDowall, Locamente enamorada (1945) de Charles Vidor, comedia con Alexander Knox y Charles Coburn, Ana y el rey de Siam
(1946) de Johm Cromwell, drama biográfico con Rex Harrison y Linda Darnell, Vivir con papá (1947) de Michael Curtiz, comedia familiar de época, con William Powell y Elizabeth Taylor, y Nunca la olvidaré (1949) de George Stevens, drama sobre una familia de inmigrantes noruegos en San Francisco, con Barbara Bel Geddes. Por este último título Irene fue nominada por quinta y última vez al
Oscar. De nuevo la fortuna fue esquiva y la estupenda actriz y cantante
se quedó sin su premio. Muchos años después, Irene Dunne ha sido descrita como la mejor actriz que nunca ganó un Oscar.
En la siguiente década, tras protagonizar The mudlark (1950) de Jean Negulesco, drama de época con Alec Guinness, ¡Qué vida ésta! (1950) de George Marshall, comedia con
Fred MacMurray, y It grows on trees (1952) de Arthur Lubin, comedia fantástica con Dean Jagger, se alejó del cine. Tras su retiro voluntario, Irene se dedicó a causas humanitarias y a colaborar con las Naciones Unidas. Falleció nonagenaria en Los Angeles a causa de problemas cardiacos en 1990.
CLAUDETTE COLBERT (Saint Mandé, Francia, 13-9-1903 / Speightstown, Barbados, 30-7-1996) : IN MEMORIAM
Esta actriz americana de origen francés era hija de un banquero y fue
trasladada a E.E.U.U. cuando contaba tres años. Estudió Arte Dramático y
debutó en el teatro en 1923. Cuatro años más tarde comenzó en el cine a
las órdenes de Frank Capra, quien en 1934 le daría su papel más
recordado en Sucedió una noche, comedia con Clark Gable por la que ganó un Oscar, premio al
que fue candidata otras dos veces.
Destacó en la comedia sofisticada; incluso en las situaciones más
extravagantes, mantenía la elegancia, el refinamiento aristocrático y la
moderación. Con la madurez sus personajes se hicieron más profundos y
graves, pero sin perder la compostura, la sonrisa y su mirada maliciosa.
Realizó trabajos memorables en: El teniente seductor (1931) de Ernst Lubitsch, comedia con Maurice Chevalier, El
signo de la cruz (1932), con Fredric March, y Cleopatra (1934), con Warren William y Henry Wilcoxon, producciones épico-históricas ambas dirigidas por Cecil B. DeMille,Imitación de la vida
(1934) de John M. Stahl, melodrama con Warren William,Mundos privados (1935) de Gregory La Cava, comedia con Charles Boyer por la que obtuvo su segunda nominación al Oscar, Bajo dos banderas (1936) de Frank Lloyd, melodrama de aventuras coloniales con Ronald Colman, Tovarich (1937) de Anatole Litvak, comedia con Charles Boyer,La octava mujer de Barbazul (1938) de Ernst Lubitsch, brillantísima comedia sofisticada con Gary Cooper, Zaza
(1939) de George Cukor, drama con Herbert Marshall, Medianoche (1939) de Mitchell Leisen, genial comedia con Don Ameche y John Barrymore, Corazones indomables (1939) de John Ford, histórica exaltación patriótica ambientada en la Guerra de la Independencia Norteamericana, con Henry Fonda, Fruto dorado (1940) de Jack Conway, título de aventuras con Clark Gable, Spencer Tracy y Hedy Lamarr, Adelante mi amor (1940) de Mitchell Leisen, comedia romántica con Ray Milland, Un marido rico (1942) de Preston Sturges, deliciosa comedia con Joel McCrea, Mary Astor y Rudy Vallee, No hay tiempo para amar (1943) de Mitchell Leisen, comedia romántica con Fred MacMurray, Sangre en Filipinas (1943) de Mark Sandrich, drama bélico con Paulette Goddard y Veronica Lake, Desde que te fuiste (1944) de John Cromwell, drama romántico con Jennifer Jones, Joseph Cotten y Shirley Temple que le supuso su tercera nominación al Oscar, Bodas blancas (1944) de Mitchell Leisen, comedia romántica con Fred MacMurray, Lo que desea toda mujer (1945) de Sam Wood, comedia romántica con Don Ameche,El huevo y
yo (1947) de Chester Erskine, comedia romántica conFred MacMurray, Pacto tenebroso (1948) de Douglas Sirk, thriller psicológico con Robert Cummings y Don Ameche, Regresaron tres (1950) de Jean Negulesco, drama bélico con Patric Knowles, Tempestad en la cumbre (1951) de Douglas Sirk, drama de intriga con Ann Blyth, o Parrish (1961) de Delmer Daves, drama con Troy Donahue y Karl Malden. Cuando a
mediados de los años 50 el cine dejó de contar con ella, continuó
trabajando en teatro y televisión, donde ganó un Globo de Oro en 1988. Entre 1930 y 1935 estuvo casada con el actor y director Norman Foster y, tras el divorcio, ese mismo año se casó con el médico y cirujano Joel Pressman, matrimonio que duró hasta la muerte de él en 1968. Claudette Colbert falleció a los 92 años, dejando atrás
una espléndida carrera en la que actuó en peliculas de muchos de los
mejores directores de Hollywood. Hoy hace 18 años que murió.
