Historia de un crimen (Infamous, 2006)

REIVINDICACIÓN DE UN MAGNÍFICO FILM QUE EN SU DÍA FRACASÓ INJUSTAMENTE EN TAQUILLA

Tal día como hoy, el 13 de octubre de 2006, se estrenó en los Estados Unidos la película "Infamous", dirigida por Douglas McGrath, sobre un guión propio basado en un libro biográfico acerca de Truman Capote, publicado por George Plimpton en 1997. En su reparto estelar figuran los nombres de Toby Jones, Sandra Bullock, Daniel Craig, Peter Bogdanovich, Jeff Daniels, Hope Davis, Isabella Rossellini, Juliet Steveson y Sigourney Weaver, amén de un cameo de Gwyneth Paltrow cantando una canción de Cole Porter al principio del film, ubicado en el club 'Morocco' de Nueva York. En el mercado hispanoamericano se comercializó con el título de "Infame", mientras que en España la titularon "Historia de un crimen".

Poco más de un año antes, el 30 de septiembre de 2005, había tenido lugar el estreno de "Capote", película dirigida por Bennett Miller sobre un guión de Dan Futterman basado en la biografía sobre el célebre escritor de New Orleans, publicado por Gerald Clarke en 1988. El reparto, encabezado por Philip Seymour Hoffman, incluía los nombres de Catherine Keener, Clifton Collins Jr., Chris Cooper, Bruce Greenwood, Bob Balaban y Mark Pellegrino.

De estas dos películas, la primera en estrenarse, "Capote", obtuvo un notable éxito de taquilla: su producción costó 7 millones de dólares y recaudó 49'92 millones. Además de amplia aclamación crítica logró numerosos premios y reconocimientos, entre ellos cinco nominaciones al Oscar, galardón que recibió como mejor actor Philip Seymour Hoffman, quién también fue premiado con un Globo de Oro y un BAFTA.

Por el contrario, "Infamous", film al que obviamente le perjudicó tratar del mismo personaje protagonista y los mismos hechos en periodos similares (entre finales de 1959 y 1965) resultó un tremendo fracaso de taquilla: Producción más cara que la anterior, costó 13 millones de dólares, pero sólo recaudó 2.689.800 (más de la mitad fuera de Estados Unidos). La mayoría de las críticas fueron positivas, pero eso no contribuyó a alentar a un público más mayoritario a acudir a las salas de cine.

Como espectador he de decir que en su día visioné las dos películas (por orden cronológico) y que me resultó mucho más intensamente emocionante "Infamous" que "Capote". El tremendamente injusto fracaso comercial de "Infamous" me ha conducido a reivindicar en este artículo su interés y valores por encima de "Capote". Para ello he revisionado ambas varias veces recientemente, y también "A sangre fría" (1967) de Richard Brooks, film en blanco y negro que adapta la asombrosa novela de Capote de modo mucho más cercano en el tiempo. 

Como ya he dicho, la temática de ambos títulos se centra en los mismos hechos: Tras leer una breve reseña en el New York Times el 16 de noviembre de 1959 dando cuenta del cuádruple asesinato de los Clutter, una familia granjera (un matrimonio de mediana edad y sus hijos, chico y chica, de 15 y 16 años) en Holcomb, una pequeña población en Kansas, perpretado en la madrugada del día anterior. La voluntad de investigación de Truman Capote (que a la sazón escribía para el New Yorker) sobre el impacto en la población de tan brutales crimenes le conduce a desplazarse a Holcomb en un principio, acompañado de su amiga escritora Harper Lee, cuya colaboración resultaría decisiva. Mientras Capote y Lee pasan las Navidades en el pueblo y con persistente esfuerzo consiguen avanzar lentamente en sus indagaciones, los asesinos, Perry Smith y Dick Hickock, fueron arrestados el 30 de diciembre en Las Vegas, conducidos a Kansas y juzgados entre el 22 y el 29 de marzo de 1960 y rapidamente condenados a morir en la horca. Desde el juicio hasta su ejecución, agotados todos los sucesivos recursos ante los tribunales, los convictos pasaron casi cinco años en el corredor de la muerte en la prisión de Lansing. Toda la sucesión de acontecimientos dio lugar a numerosas visitas de Capote a esa cárcel para entrevistarse con los reos y conseguir ganarse su confianza a fin de sonsacarles la mayor parte de información posible, con la que finalmente redactaría con todo lujo de detalles "A sangre fría", su obra maestra y la más famosa novela del siglo XX, que además estableció un nuevo género literario, la novela-testimonio. Personalmente pienso que la novela de Capote supuso algo semejante a lo que "Psicosis" (1960) de Hitchcock había supuesto años antes: la espeluznante sensación de indefensión del ciudadano americano, al que una muerte por asesinato puede llegarle en cualquier momento inesperado. Además, ambas meticulosas obras maestras crearon un antes y un después en el modo de narrar cinematográfico y literario.

Considero que "Capote" es una película más académica, solemne y monótona. Principalmente se centra en los repetidos encuentros en la cárcel entre Capote y Smith a lo largo de los años y la relación de afinidad psicológica que se va estableciendo entre ambos, sustentada por la dolorosa coincidencia de que ambos proceden de familias desestructuradas y en su niñez fueron abandonados por sus padres. Pero este film cuestiona constantemente la ética del escritor, un hombre vanidoso y engreído que no duda en presionar, manipular y engañar repetidamente a su interlocutor con tal de hacerle confesar todo cuanto necesita para su libro. Para Capote lo más esencial es su obra, muy por encima de todo, incluso de la vida de los condenados. En el tramo final también vemos a un Capote atormentado por la culpa: no ha hecho lo suficiente para salvarlos de la condena a muerte y se muestra muy ansioso por que la pena se efectúe cuanto antes, elemento dramático fundamental que contribuirá al rotundo éxito de su obra. 

El contenido formal de "Infamous" es más audaz, sintético, entretenido, fascinante, complejo, cálido y emotivo (posiblemente con más licencias 'poéticas'). Para empezar, Toby Jones, el menudo actor inglés (todo un hallazgo) que encarna a Capote, se asemeja mucho más a su modelo que Hoffman (éste medía 1'75 m. mientras que Capote medía 1'60 m.) y su voz aguda y nasal, humor chocante y notorio afeminamiento es más similar al personaje real. Asombrosamente se introduce en la piel del personaje y se transforma en él. La primera parte del film, con un resuelto tono de comedia, nos presenta el glamour y sofisticación de su ámbito vital, además de los divertidos cotilleos con su círculo de amistades de la jet set neoyorquina y cómo Capote con ingenio y simpatía se convierte siempre en el centro de atención. Rasgos que también mostrará luego en Holcomb para seducir incluso al inspector policía, investigador de los crímenes, y todo su entorno. Los pasajes más dramáticos los marcan sus visitas a Lansing, donde en una minúscula celda surge una relación romántica entre Capote y Perry Smith, que incluye momentos de inusitada tensión sexual. Perry (excelente Daniel Craig) acaba por confesar que Truman ha llegado a ser el único amor de su vida. Aunque aquí también prevalece el interés de Capote por su novela, el personaje muestra mayor compasión y empatía por los condenados y se interesa por comprender la coexistencia de sensibilidad y crueldad en el hombre cuyo corazón ha conquistado, lo que le plantea un dilema moral entre lo personal y profesional. También hay que destacar los diversos testimonios que sobre la personalidad del escritor ofrecen sus seres más allegados en Nueva York. Entre ellos destaca una muy convincente Sandra Bullock dando vida a Harper Lee, amiga de Capote desde la infancia. 

Obviamente fue inevitable que los críticos comparasen las dos versiones de la misma historia, narrada desde ángulos diferentes. Bastantes de ellos (como el crítico de Los Angeles Times) prefirieron "Infamous", así como Rex Reed, del New York Observer, quien opinó: "Dieron el Oscar al Truman Capote equivocado", destacando el titánico talento de Toby Jones, que se convierte literalmente en Capote, y que "Infamous" muestra el alma del hombre.

 

He aquí el trailer de "Infamous", un film de muy recomendable visión.

"Les parapluies de Cherbourg" (trailer)

PRIMERA DAMA DEL CINE FRANCÉS

Catherine Deneuve, primera dama del cine francés, cumple hoy 80 años. Apenas con 21 alcanzó el estrellato con su protagonismo en el musical dramático "Los paraguas de Cherburgo" (1964) de Jacques Demy, que obtuvo un gran éxito internacional. Aquí puede verse el trailer de dicho film restaurado, con la estrella parisina en pleno esplendor de su juventud y belleza, a los radiantes acordes de la espléndida música de Michel Legrand.

Maria by Callas - Trailer subtitulado en español

LA DUALIDAD DE LA DIVINA

Recientemente he visionado el film documental Maria by Callas (2017) de Tom Volf, producción francesa de casi dos horas de duración estrenada en salas de cine de cuarenta y cinco países de todo el mundo para supremo deleite de los fans de la Divina, de los amantes de la ópera o de adoradores de legendarios personajes 'bigger than life'. Incluso para los no iniciados en el género lírico puede resultar atractivo. Es decididamente recomendable la contemplación de esta impactante sucesión de imagenes y sonidos que reproduce en grado sumo la belleza, elegancia y dignidad de una gran dama y artista genial, Maria Callas, irrepetible icono universal del bel canto, así como también de la moda y el refinamiento.

Se trata de un documental atípico donde no hay narrador, ni testimonios visuales de bustos parlantes al uso. Es la propia Callas quien, mediante un hábil montaje a modo de puzzle, cuenta su propia historia más o menos cronológicamente a través de recurrentes flash-backs. Para su realización, el joven cineasta francés Tom Volf dedicó obsesivamente tres años de su vida en recopilar una asombrosa cantidad de material inédito o poco conocido sobre la más grande celebridad operística de la historia (videos con entrevistas y actuaciones, imágenes de archivo o películas domésticas, fotografías, cartas íntimas  y documentos personales (1), etc), realizando con él un trabajo de orfebrería. El conflicto entre la doble personalidad de Maria, quien ansiaba una sencilla vida familiar que nunca logró, y la autoexigente búsqueda de lo absoluto de Callas, carismática diva bajo constante presión mediática, es mostrado aquí con sugestiva fluidez, sutileza y no pocos momentos de desbordante emoción. Volf intenta hacernos comprender a la mujer que, desde la grandeza de su estatus de máxima celebridad mundial y pese a su porte mayestático, ocultaba un corazón muy vulnerable. Y lo más esencial: Callas se nutrió de los poderosos  sentimientos y emociones de Maria para alcanzar con su canto apasionado las más altas cotas del arte en escenarios y grabaciones. Ese vínculo la posibilitó llegar a un amplio público de diferentes edades y culturas y convirtió su obra en sublime e inmortal.

(1)  En la versión original en francés los escritos de Maria Callas son leídos por la actriz  Fanny Ardant (quien la interpretó en la película "Callas forever" de Franco Zeffirelli, estrenada en 2002). En la versión inglesa, por la cantante lírica estadounidense Joyce DiDonato.

James Whale's "Show Boat" (1936) Trailer

LA MEJOR DE LAS TRES VERSIONES FÍLMICAS DEL MÁS CLÁSICO MUSICAL AMERICANO

Hoy se conmemora el 130 aniversario natal del director británico James Whale. Se le recuerda principalmente por sus clásicas películas de terror para Universal Pictures ("Frankenstein" "El caserón de las sombras", "El hombre invisible" o "La novia de Frankenstein"). Después de todas éstas, Carl Laemmle, jefe de la productora, le encomendó dirigir la adaptación a la pantalla del musical "Show Boat", basado en la novela homónima de Edna Ferber, que con libreto y música de Oscar Hammerstein II, música de Jerome Kern y lujosa producción de Florenz Ziegfeld se había estrenado en 1927 con gran éxito en Broadway y repuesto en 1932. El estudio ya había producido una primera versión parcialmente sonora dirigida por Harry A. Pollard y estrenada en 1929, pero Laemmle había quedado insatisfecho con ella y quería producir una completamente sonora. Para el reparto Whale contó con el protagonismo de Irene Dunne como Magnolia Hawks y Allan Jones como Gaylord Ravenal. Tanto Charles Winninger (Andy Hawks) como Paul Robeson (Joe) y Helen Morgan (Julie LaVerne) habían interpretado sus papeles en la versión escénica original, mientras que Dunne lo había hecho en la gira por el país comenzada en 1929. Otros actores originales en roles secundarios también fueron incorporados al rodaje, así como el orquestador y el director musical de la función. Aun con la introducción de algunos cambios, Whale fue muy respetuoso con el material de partida y se aseguró de la completa autenticidad de decorados y vestuario. El resultado fue una magnífica película, la mejor y más fiel de las tres adaptaciones producidas en Hollywood del mítico musical, sensiblemente superior a la versión en color dirigida por George Sidney que M.G.M. produjo en 1951. Desde los años 40 la compañía del león quería producir un remake y a tal fin compró los derechos y todas las copias del film de Whale, con lo que la cinta despareció de circulación durante décadas y no pudo volver a ser exhibida mayoritariamente hasta su emisión en televisión por cable en 1983 y años después en otras cadenas.

En 1996, sesenta años después de su estreno, Show Boat (1936) de James Whale fue seleccionada para su preservación por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica y estéticamente significativa". 

Norman Jewison's "Fiddler on the roof" (1971) Trailer

RECORDANDO A NORMAN JEWISON

Con ocasión del 93 cumpleaños del director y productor cinematográfico canadiense Norman Jewison recordamos su película de mayor éxito en taquilla, "El violinista en el tejado" (1971), adaptación del musical estrenado en Broadway en 1964 con libreto de Joseph Stein y canciones de Jerry Bock (música) y Sheldon Harnick (letra), de la que aquí puede verse el trailer.

Cry-Baby unofficial trailer

TRANSGRESOR CINEASTA DE CULTO

El cineasta estadounidense John Waters, conocido por sus transgresoras películas independientes, cumple hoy 72 años. Uno de sus títulos más celebrados (y hoy film de culto que hasta ha dado lugar a un musical de Broadway) es Cry-Baby (1990), comedia paródica de los musicales de adolescentes en los inicios de la era del rock & roll y ambientada en Baltimore durante los años 50, que protagonizaron Johnny Depp y Amy Locane.

Norman Jewison's "Moonstruck" (1987) Official trailer

MA PER FORTUNA E' UNA NOTTE DI LUNA

El cineasta canadiense Norman Jewison cumple hoy 91 años. Una de sus películas más exitosas fue Hechizo de luna (1987), nominada a seis Oscars y ganadora de tres y cuyo trailer está contenido en el video siguiente.

Tim Burton's Ed Wood (1994) Official trailer

TRIBUTE TO TIM BURTON (Burbank, California, 25-8-1958)

El director, productor y guionista estadounidense Tim Burton celebra hoy su 56 cumpleaños. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Con fans en todo el mundo, en 2010 recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.

Perfil biográfico procedente (con algún retoque) de la página El Criticón:

Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor.

Tim es hijo de la comerciante Jean Burton y de Bill Burton, un ex jugador de béisbol y trabajador del parque de su localidad natal, Burbank. Desde niño el mundo del pequeño Burton se nutría de cómics y antiguas películas de terror y fantasía, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos: Edgar Allan Poe. Desarrolló en su juventud talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979.

La Disney, quien había becado a Burton en su segundo curso, le contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional. En 1982 rodó su corto “Vincent” (1982), un título de seis minutos con apariencia expresionista y animación stop-motion en el que aparecía como narrador el mismísimo Vincent Price. Ese mismo año adaptó para televisión los cuentos de Aladino y la lámpara maravillosa y de Hansel y Gretel para televisión en la serie “Los cuentos de las estrellas”. En 1984 apareció, de nuevo en la Disney, uno de sus cortos más recordados, “Frankenweenie” (1984), historia de humor negro que narraba en blanco y negro la historia de un joven llamado Victor, quien, tras perder a su perro en un accidente de tráfico, decide revivirlo al estilo de Frankenstein.

La gran aventura de Pee-Wee (1985) se convirtió en el primer largometraje dirigido por Tim Burton. El film adaptaba las andanzas de un conocido personaje televisivo en los Estados Unidos que estaba encarnado por Paul Reubens, quien quedó encandilado con “Frankenweenie” y requirió a Burton para dirigir el film. La película, que ya muestra el proceder visual de su director y el protagonismo de un singular personaje, cuenta con la música de Danny Elfman, compositor que colaboró en casi todos los proyectos de Burton. En Bitelchús (1988) coincidió en los créditos por primera vez con el actor Michael Keaton en el papel principal. Era una comedia de corte fantástico con toques de humor negro que contaba con el co-protagonismo de Winona Ryder, Alec Baldwin y Geena Davis. Gracias el éxito de esta película Tim Burton salió del anonimato y comenzó a ser considerado por su indudable habilidad para construir singulares historias. Batman (1989), la adaptación del famoso cómic ideado por Bob Kane, se convirtió en su título más taquillero. Sometido a los rigores de la historia desarrollada, el film despliega parte de la particularidad de su autor en el trato a los personajes y especialmente en la creación estética y atmosférica, con una sombría apariencia gótica. El mismo año del estreno de Batman, Tim contrajo matrimonio con la pintora Lena Gieseke, de quien se divorció en 1991.

La siguiente década se inició con una de sus mejores obras y uno de sus trabajos más personales, Eduardo Manostijeras (1990), cuento fantástico de gran belleza y sensibilidad que reunía muchas de las constantes estéticas y culturales de su autor. Estaba protagonizado por Johnny Depp, rostro habitual en sus próximas películas. Después de retomar las aventuras del hombre murciélago en Batman vuelve (1992), idear junto a Chris Buck la serie de dibujos animagos “Family Dog” (1992) y producir y escribir Pesadilla antes de Navidad (1993), título de animación dirigido por Henry Selick, Tim estrenó otra de sus cumbres como autor, Ed Wood (1994), un afectivo biopic sobre la figura del denominado peor director de cine de todos los tiempos, Ed Wood Jr. El film obtuvo dos premios Oscar, uno al mejor maquillaje y otro para Martin Landau como mejor actor secundario por su estupenda encarnación de Bela Lugosi. En 1996 volvió a colaborar con Selick al producir James y el melocotón gigante (1996), una adaptación del conocido libro de Roald Dahl, y rodó Mars attacks! (1996), comedia de ciencia-ficción proyectada como tributo a las películas de serie B de los años 50. Tres años después apareció Sleepy Hollow (1999), un film que trasladaba a la pantalla una historia creada por Washington Irving sobre un fantasmal jinete sin cabeza que causa terror en una pequeña villa del siglo XVIII. En esta ocasión Burton rememoró las películas de la Hammer y le concedió un papel a Christopher Lee, uno de los nombres legendarios del estudio británico.

El planeta de los simios (2001) resultó decepcionante. La visión de la novela de Pierre Boulle carece de originalidad e inventiva visual, algo impensable en la trayectoria de su director. Con Big Fish (2003) Tim Burton prosiguió su senda de adaptaciones llevando al cine un texto de Daniel Wallace.

El siguiente fue Roald Dahl y su libro Charlie y la fábrica de chocolate (2005), adaptado con anterioridad al cine en 1971 por Mel Stuart.

En cuanto a su vida sentimental y tras su separación de Lena Gieseke, Burton mantuvo una larga relación entre 1994 y 2001 con la modelo y actriz Lisa Marie, quien apareció en Ed Wood (interpretando a Vampira), Mars attacks!, Sleepy Hollow y El planeta de los simios. En el rodaje del último título citado el vínculo entre Tim y Lisa se rompió, comenzando el director una relación con la actriz Helena Bonham Carter, que ha aparecido en todas las películas de Burton desde entonces. La pareja ha tenido dos hijos: Billy Raymond (nacido en el año 2003) y Nell (nacida en el 2007).

La novia cadáver (2005), una película de animación de género fantástico que Burton codirigió con Mike Johnson, obtuvo un resonante éxito. Con Johnny Depp como principal protagonista estrenó Sweeney Tood (2007), adaptación al cine del musical de Stephen Sondheim, que ganó un Globo de Oro en la categoría de mejor comedia o musical y otro para su actor protagonista en el mismo apartado. Posteriormente colaboró con la Disney para dirigir dos películas en animación 3-D. La primera fue una adaptación de la novela de Lewis Carroll Alicia en el país de las maravillas (2010); la segunda, Frakenweenie (2012), remake amplificado de su corto del mismo título veintiocho años anterior. Entre ambas se estrenó la comedia gótico-dramática Sombras tenebrosas (2012), de nuevo con Johnny Depp al frente del reparto.

Tim Burton, imaginativo cineasta de culto cada vez más extendido, consiguió su película más redonda en 1994: Ed Wood

Irving Berlin's "There's no business like show business" (1954) - Movie trailer

IRVING BERLIN (Mogilev, Bielorrusia, 11-5-1888 / Nueva York, 22-9-1989): IN MEMORIAM

Tal día como hoy hace 126 años nació el gran compositor estadounidense Israel Baline, más conocido como Irving Berlin (el apellido por el que se hizo célebre se debió a un error de imprenta en una de sus primeras partituras), uno de los más prolíficos y famosos de la historia. Con 70 años de carrera dedicada a la música, Berlin vivió hasta los 101 años, edad a la que falleció mientras dormía.

He aquí una reseña de su vida según la página Biografías y Vidas:

Nacido en el seno de una familia judía, Berlin y sus parientes escaparon de un pogrom cuando él contaba cuatro años de edad y decidieron instalarse en Estados Unidos. En 1896, año en que murió su padre, tuvo que ponerse a trabajar cantando por las calles y los bares. Comenzó a ganarse la vida como camarero-cantante en un prestigioso restaurante de Chinatown y aprendió a tocar el piano de forma autodidacta.

Su primera letra de canción fue “Marie from Sunny Italy”, con música de Michael Nicholson. Durante la primera década del siglo escribió sobre todo canciones en yiddish para artistas como Eddie Cantor o Fanny Brice, así como numerosas melodías para la industria editorial de música centrada en Nueva York entre la calle 32 y Broadway, popularmente conocida como Tin Pan Alley. Su interés por el ragtime le llevó a componer en 1911 la letra y música de su primer gran éxito: la canción titulada “Alexander's Ragtime Band”. Al año siguiente se casó con Dorothy Goetz, que falleció pocos meses después a causa de una neumonía.

Sus primeras canciones se incluyeron en espectáculos como Hanky-Panky o en las populares Ziegfeld Follies, hasta que en 1914 escribió la partitura completa para el musical Watch your step, compuesta íntegramente en ragtime. Durante la Primera Guerra Mundial escribió canciones de tono patriótico entre las que destacan “When I get back to the USA” y “For your country and my country” y compuso también algunos temas para el musical Yip, Yip, Yaphank, concebido para el entretenimiento de las tropas estadounidenses.

En 1921 se asoció con el productor Sam M. Harris para construir su propio teatro, el Music Box Theatre, y representar allí comedias musicales. En 1926 contrajo matrimonio con Ellin Mackay, una joven católica de la alta sociedad neoyorquina que fue desheredada por su padre cuando supo la noticia. La pareja tuvo tres hijas —Mary Ellin Barrett, Linda Emmett y Elizabeth Peters— y un hijo, Irving Berlin, Jr., que murió de niño un día de Navidad. Durante la década de los años veinte, Berlin dedicó a su esposa baladas como “All alone”, “How about me?” o “The song is ended”.

Durante la década de los años treinta participó como compositor en el musical As thousands cheer (1933) y se dedicó a escribir canciones para las primeras películas musicales de RKO protagonizadas por Fred Astaire y Ginger Rogers, entre las que destacan Sombrero de copa (1935), para la que escribió la popular “Cheek to cheek”; Sigamos la flota (1936) o Amanda (1938). 20th Century Fox llevó al cine Alexander's Ragtime Band (1938), en la que aparecía su antigua canción del mismo título.

Al comenzar la Segunda Guerra Mundial compuso “God bless America”, que se convertiría en una de las canciones patrióticas más famosas de los Estados Unidos, así como el musical sobre tema soldadesco This is the Army, del cual procede la canción “This is the army, Mr. Jones”. Berlin comenzó la década de los años cuarenta con el musical de Broadway Lousiana purchase y realizó las canciones del film Holiday Inn (1942), protagonizado por Bing Crosby y Fred Astaire, incluyendo entre ellas su popular villancico “White Christmas”.

En 1946 creó la partitura que se considera su obra maestra: la música para el espectáculo teatral Annie get your gun, basado en la vida del personaje del Oeste Annie Oakley y protagonizado por Ethel Merman y Ray Middleton, entre cuyas canciones sobresale "There's no business like show business". Dicha partitura fue encargada en su momento a Jerome Kern, pero murió antes de acabarla y Berlin fue elegido para sustituirle. Tres años más tarde, en 1949, compuso la música de otro musical titulado Miss Liberty, que resultó bastante menos exitoso que el anterior.

Comenzó la siguiente década poniendo música a la película Call me Madam (1951), cuya protagonista fue Ethel Merman, y continuó con otros dos filmes: White Christmas (1954) y There's no business like show business (1954), que incluía alguno de sus antiguos éxitos. En 1962 compuso la partitura de la comedia musical Mr. President y, cuatro años más tarde, la canción “An old fashioned wedding” para una reposición de Annie get your gun en el Lincoln Center de Nueva York. Después de esa fecha Berlin se retiró de la escena musical y vivió recluido en su casa de Nueva York.

A pesar de sus escasos conocimientos musicales técnicos, Berlin compuso más de 1.500 canciones. No era capaz de leer partituras (su asistente era quien transcribía sus melodías) y al tocar el piano solamente utilizaba las teclas negras. Para componer con más facilidad se hizo con un instrumento llamado “piano transpositor”, que podía cambiar de tonalidad si se accionaba un mecanismo que poseía en su interior.

Su contribución a la música norteamericana fue esencial; de ahí la famosa frase del también compositor Jerome Kern: “No hay un lugar para Irving Berlin en la música americana, él es la música americana”. En 1955, en reconocimiento a su patriotismo, el presidente Eisenhower le otorgó una medalla de oro, y en 1968 fue galardonado con un premio Grammy por su larga carrera dedicada al teatro musical.

Otras famosas canciones suyas son: "A couple of swells", "A pretty girl is like a melody", "After you get what you want, you don't want it", "Always", "Blue skies", "Change partners", "Easter Parade", "I got lost in his arms", "Isn't this a lovely day", "I've got my love to keep me warm", "I used to be color blind", "Let's face the music and dance", "Let yourself go", "No strings", "Puttin' on the Ritz", "Shakin' the blues away", "Steppin' out with my baby", "They say it's wonderful", "Top hat, white tie and tails", "You'd be surprised"...

Una de las canciones más memorables de Irving Berlin es "There's no business like show business", con letra de Dorothy Fields, un tema escrito para el musical Annie get your gun, estrenado en Broadway en 1946 bajo la dirección de Joshua Logan y protagonizado por Ethel Merman, quien más que nadie convirtió el cantable en un emocionante y legendario himno al showbiz.

La canción fue presentada en la espectacular película del mismo título, protagonizada por Merman y convertida en su principal número musical. He aquí el trailer del film producido por 20th Century Fox en 1954.

Alexander's Ragtime Band (1938) Official trailer (starring Tyrone Power & Alice Faye)

ALICE FAYE (Nueva York, 5-5-1915 / Rancho Mirage, California, 9-5-1998): IN MEMORIAM

99 Aniversario natal de Alice Jeanne Lepert, más conocida como Alice Faye, actriz y cantante estadounidense, una de las famosas 'rubias de la Fox'.

Resumen biográfico extraído de la página El Criticón:

Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo actuando como corista en las tablas de Broadway hasta que el famoso cantante y actor Rudy Vallee la incorporó a su orquesta y la llevó hasta Hollywood para que debutara en el musical George White Scandals (1934), película que protagonizaba el propio Vallee.

Lanzada por la 20th Century Fox como la nueva Jean Harlow, Alice se convirtió en una importante estrella del panorama cinematográfico musical estadounidense a lo largo de la segunda mitad de la década de los 30 y la primera de los 40.

Sus títulos más significativos fueron A las ocho en punto (1935) de Raoul Walsh, On the avenue (1937) de Roy del Ruth, Chicago (1938) y Alexander's Ragtime Band (1938), ambas de Henry King y como pareja de Tyrone Power, La reina de la canción (1940) y Aquella noche en Río (1941), las dos de Irving Cummings, A La Habana me voy (1941) de Walter Lang, Toda la banda está aquí (1943) de Busby Berkeley, o ¿Angel o diablo? (1945), un thriller dirigido por Otto Preminger que estaba co-protagonizado por Dana Andrews y Linda Darnell.

En el año 1945 Alice decidió retirarse de la gran pantalla tras confrontaciones con el magnate de la Fox, Darryl F. Zanuck, quien le encontró sustituta al contratar a Betty Grable. Alice volvió a rodar décadas después algunas películas menores.

La rubia actriz se casó en dos ocasiones. La primera en 1936 con el cantante y actor Tony Martin, con quien compartiría créditos en cuatro películas. En 1940 terminaron divorciándose. Su segundo esposo fue el también vocalista y ocasional intérprete Phil Harris. Con Harris tuvo un feliz matrimonio que transcurrió entre 1941 y 1995, año en el que el cantante la dejó viuda. Tuvieron dos hijas llamadas Alice y Phyllis. Tres años después de enviudar, Alice Faye falleció a causa de un cáncer de estómago en la localidad de Rancho Mirage, California. Tenía 83 años.

El video nos muestra el trailer de la película del mismo título que la célebre canción escrita en 1911 por Irving Berlin. Incluye imágenes del tumultuoso estreno de este film de 20th Century Fox protagonizado por Tyrone Power y Alice Faye, con la asistencia de bastantes estrellas de la época.

John Water's Hairspray (1988) Trailer

HAPPY BIRTHDAY, JOHN WATERS!

El director de cine estadounidense John Waters (Baltimore, Maryland, 22-4-1946) cumple hoy 68 años. Su transgresora y desvergonzada filmografía, completamente al margen de los cánones hollywoodenses, ha hecho las delicias de varias generaciones de amantes del kitsch más desatado. Lanzó a estrellas como Divine o Johnny Depp. Idolo de freaks y referente de la queer culture, su influencia es notable en cineastas como Pedro Almodóvar.

La página El Criticón describe así su trayectoria:

Apodado por el escritor de la generación beat William Burroughs 'El Papa del Trash', John Waters se convirtió en un director de culto en los años 70 gracias a sus comedias inmundas, groseras, satíricas e irreverentes.

Con títulos como Pink flamingos, Polyester o Hairspray el director, guionista, productor, actor, fotógrafo y montador de Baltimore es un referente básico del cine undergound más sucio, fresco, desvergonzado y camp, es decir, como afirmaba Susan Sontag, la expresión artística conscientemente artificiosa, estrafalaria, divertida y exagerada.

John Waters es hijo de Pat y John Waters. Después de trabajar como marionetista para niños, Waters filmó en el instituto sus primeras películas. Allí, junto a un puñado de amigos, creó un grupo al que denominó The Dreamland Players y con una cámara de 8 mm. comenzó a rodar historias que intentaban subvertir los valores del ciudadano medio estadounidense.

Influenciado por gente tan diversa como William Castle, Federico Fellini, Rainer Werner Fassbinder, Russ Meyer o Andy Warhol, Waters realizo y escribió cortos a mediados de los años 60. Entre ellos “Hag in a black leather jacket” (1964), “Roman candles” (1966), “The Diane Linkletter story” (1969) o “Eat your make up” (1969), film rodado en 16 mm con un curioso argumento que seguía a unos secuestradores que raptaban a modelos para que éstas se comieran su maquillaje.
En “Roman candle” aparecía por primera vez en sus películas Divine (Harry Milstead), drag queen que se convirtiría en asiduo de sus producciones, al igual que intérpretes como David Lochary, Mary Vivian Pearce o Mink Stole. También intervenía en “Roman candles” la actriz Mona Montgomery, quien fue durante un tiempo pareja sentimental de John Waters hasta que éste rompió su relación para iniciar un noviazgo con John Liesenring, actor que aparecía en su primer largometraje, Mondo trasho (1969), comedia negra rodada con los 2.000 dólares que le prestó su padre en la cual Waters se ocupaba de todos los aspectos técnicos. Antes había asistido a la Universidad de Nueva York, pero en el centro duraría más bien poco. Un día lo pillaron fumando marihuana y al siguiente ya estaba de patitas en la calle con una carta en la que sus profesores le recomendaban a los padres de Waters que su hijo necesitaba acudir a un psiquiatra.

Después de Mondo trasho Waters rodaría en los años 70 títulos como Multiple maniacs (1970),  Pink flamingos (1972), uno de sus títulos más populares, Female trouble (1974) y Desperate living (1977).

Con Polyester (1981), comedia satírica en la cual aparecía junto a Divine el actor Tab Hunter, y Hairspray (1988), posteriormente convertida en músical de Broadway, alcanzaría otros éxitos entre sus numerosos incondicionales, ampliando su audiencia con Cry Baby (1990), título protagonizado por Johnny Depp en el cual aparecían el rockero Iggy Pop y la ex estrella del porno Traci Lords.

Posteriormente su cine ha atemperado sus aristas más sicalípticas con títulos de enfoque más comercial como Los asesinatos de mamá (1994), película con Kathleen Turner, Pecker (1998), film protagonizado por Edward Furlong, o la paródica Cecil B. Demented (2000) con Melanie Griffith y Stephen Dorff. Su última película es Los sexoadictos (2004), comedia sexual protagonizada por Tracey Ullman, Johnny Knoxville y Selma Blair.

He aquí el trailer de Hairspray, una de sus 'cult movies' más afamadas.

Nebraska - Official trailer

A POCAS HORAS DE LA ACADEMY AWARDS CEREMONY
 

Candidata a 6 Oscars, esta sensible película, que a mi me trajo a la memoria "The last picture show" de Peter Bogdanovich o "The Straight story" de David Lynch, ofrece con emoción serena y contenida pero efectiva una certera mirada sobre la America profunda. Sólido guión, primorosa fotografía y eficaz puesta en escena, amén de un casting impecable (Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach... ed altri), entre sus muchos valores, la sitúan claramente para mí en cabeza de las producciones optantes este año a los codiciados Academy Awards. La estructura de road-movie alberga y potencia un hermoso canto al amor filial. El mayor logro artístico de Alexander Payne: Un clásico desde ya.