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jueves, 31 de marzo de 2016

Tribute to Shirley Jones (Charleroi, Pennsylvania, US, 31-3-1934)

LA CHICA DE AL LADO

La actriz y cantante estadounidense Shirley Jones cumple hoy 82 años. Aunque participó en films de diversos géneros, en cierta medida su imagen fílmica aparece asociada a la “girl next door”, la chica buena y corriente que al final se queda con el chico protagonista. Ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria. Su carrera cinematográfica fue alternada con grabaciones discográficas, actuaciones teatrales y, especialmente, con series televisivas. La pequeña pantalla fue el medio en el que alcanzó su mayor éxito.
Shirley Mae Jones mostró desde muy niña un talento natural para la música perfeccionado con asistencias a clases de canto. Tras finalizar sus estudios secundarios se trasladó a Nueva York para someterse a unas pruebas de audición para los célebres compositores Richard Rogers y Oscar Hammerstein, quienes le ayudaron a iniciarse en el mundo de la comedia musical tras escuchar su voz. Después de pasar brevemente por las tablas de Broadway, Shirley tuvo la oportunidad de debutar en el cine con Oklahoma (1955) de Fred Zinnemann, un musical basado en una obra de los citados Rogers y Hammerstein, con Gordon MacRaeGloria Grahame, Gene Nelson, Charlotte Greenwood, Eddie Albert, James Whitmore y Rod Steiger. Seguidamente rodó otros musicales: Carrusel (1956) de Henry King, con Gordon MacRae y Cameron Mitchell, April love (1957) de Henry Levin, con Pat Boone, y Nunca robes cosas pequeñas (1959) de Charles Lederer, con James Cagney. En 1956 se casó con el cantante y actor Jack Cassidy, con quien tuvo tres hijos, Shaun, Patrick y Ryan, adoptando a David, hijo de un matrimonio anterior de Cassidy.
Por su actuación como una prostituta vengativa en El fuego y la palabra (1960) de Richard Brooks, drama religioso con Burt Lancaster y Jean Simmons, fue galardonada con un Oscar en la categoría de mejor actriz secundaria. Otras películas sucesivas fueron Pepe (1960) de George Sidney, comedia con Mario Moreno "Cantinflas" y Dan Dailey, Dos cabalgan juntos (1961) de John Ford, western con James Stewart y Richard Widmark, Vivir de ilusión (1962) de Morton Da Costa, musical con Robert Preston, El noviazgo del padre de Eddie (1963) de Vincente Minnelli, comedia con Glenn Ford y Stella Stevens, La intriga (1964) de George Marshall, film de misterio con Rossano Brazzi, Dos seductores (1964) de Ralph Levy, comedia con Marlon Brando y David Niven, Un león en mi cama (1965) de Earl Bellamy, comedia con Tony Randall, A la cumbre por las faldas (1965) de Andrew L. Stone, comedia con Stella Stevens, Honor Blackman, James Booth y Lionel Jeffries, Con los ojos cerrados (1969) de Richard Brooks, drama con Jean Simmons, John Forsythe, Lloyd Bridges y Teresa Wright, El golfo (1969) de Vicente Escrivá, coproducción hispano-mexicana a mayor gloria del cantante español Raphael, o El club social de Cheyenne (1970) de Gene Kelly, western cómico con James Stewart y Henry Fonda.
En los años 70 se volcó casi exclusivamente en la televisión, logrando triunfar con la serie "Mamá y sus increíbles hijos" (1970-1974), emisión que hizo de su hijastro David Cassidy una estrella de la pequeña pantalla. Divorciada de Jack Cassidy en 1974, se casó con el actor Marty Ingels en 1977, de quien enviudaría en 2015.
Otras películas en las que apareció esporádicamente fueron Más allá del Poseidón (1979) de Irwin Allen, film de aventuras marinas con Michael Caine y Sally Field, El tanque (1984) de Marvin J. Chomsky, comedia de acción con  James Garner y C. Thomas Howell, Gideon (1999) de Claudia Hoover, drama con Christopher Lambert y Charlton Heston, El rey del mando (2006) de Nicholaus Goossen, comedia con Linda Cardellini, Allen Covert, Peter Dante y Shirley Knight, o Fin de semana en familia (2013) de Benjamin Epps, comedia con Kristin Chenoweth y Matthew Modine.



miércoles, 30 de marzo de 2016

Frankie Laine - I believe

FRANKIE LAINE (Chicago, Illinois, US, 30-3-1913 / San Diego, California, US, 6-2-2007): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del cantante estadounidense Frankie Laine. Apodado "Mr. Rhythm", su potente voz de barítono le hizo enomemente popular en los años 40 y 50. A lo largo de su carrera, que abarcó más de setenta años, colocó más de sesenta canciones de diferentes estilos en las listas de éxitos, vendió más de 250 millones de discos y ganó 21 discos de oro.
Nacido Francesco Paolo LoVecchio, era el mayor de los ocho hijos de una pareja de inmigrantes sicilianos establecidos en Chicago. Su padre fue barbero personal de Al Capone. Gracias a sus habilidades vocales, ya en los años 20 un Frankie todavía adolescente, admirador de Enrico Caruso, Carlo Buti y Bessie Smith, era invitado a cantar en fiestas y clubs de baile y pronto se hizo profesional de la música, cantando con diversas orquestas y grabando su primer disco en 1944.
Uno de los crooners más famosos de América, triunfó con multitud de hits como That's my desire (1947), Shine (1948), That lucky old sun (1949), Mule train (1949), The cry of the wild goose (1950), Jezebel (1951), Rose, Rose, I love you (1951), Jealousy (1951), High noon (1952), I believe (1953), Hey Joe (1953), Answer me (1953), The kid's last fight (1954), Cool water (1955), A woman in love (1955), Moonlight gambler (1956), The 3:10 to Yuma (1957) o Rawhide (1959), que alcanzaron puestos elevados en las listas de Billboard y (a partir de 1952) también en Gran Bretaña, donde su popularidad fue inmensa. Asímismo cantó los temas principales de siete westerns y, entre 1949 y 1956, actuó en ocho películas. Invitado frecuente en muchos shows televisivos, tuvo también los suyos propios. En 1964 compitió en el Festival de Sanremo con dos canciones, ambas clasificadas para la final: Che me ne importa a me (junto a Domenico Modugno) y Una lacrima sul viso (junto a Bobby Solo). En adelante prosiguió su carrera con giras, actuaciones y grabaciones hasta 2006, año en que hizo su última aparición pública.
Frankie Laine estuvo casado con la actriz Nan Grey desde 1950 hasta 1993, año en que ella murió. Dos hijas de un matrimonio previo de ella fueron adoptadas por el cantante. En 1999 se volvió a casar (a los 86 años) con Marcia Ann Kline, matrimonio que duró hasta el fallecimiento de Laine de un fallo cardiaco a los 93 años.



I believe, canción escrita por Ervin Drake, Irvin Graham, Jimmy Shirl y Al Stillman en 1953, alcanzó en la voz de Frankie Laine el nº 2 en las listas de Bilboard durante tres semanas. En el Reino Unido fue nº 1 durante más de cuatro meses. Desde entonces se convirtió en un popular standard cantado por muchos otros artistas e incluso adoptado como himno religioso.

I believe (lyrics)

I believe for every drop of rain that falls a flower grows
I believe that somewhere in the darkest night a candle glows
I believe for everyone who goes astray
Someone will come to show the way, I believe, yes, I believe
I believe above the storm the smallest prayer will still be heard
I believe that someone in the great somewhere hears every word
Every time I hear a newborn baby cry or touch a leaf or see the sky
Then I know why I believe
Every time I hear a newborn baby cry or touch a leaf or see the sky
Then I know why I believe.


martes, 29 de marzo de 2016

Pearl Bailey - Takes two to tango

PEARL BAILEY (Southampton County, Virginia, US, 29-3-1918 / Philadelphia, Pennsylvania, US, 17-8-1990): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal de la cantante y actriz estadounidense Pearl Bailey. Con gran carisma escénico y voz grave y potente, fue una polifacética y admirada entertainer en teatro, cine y televisión. Ganó un Tony teatral por la versión de Hello, Dolly! (1967) con todo el reparto de raza negra y un Emmy televisivo.
Hija de un reverendo, Pearl Mae Bailey hizo su debut como cantante en un escenario a los quince años. Su hermano Bill Bailey, que estaba comenzando su propia carrera como bailarín de tap, le recomendó presentarse a un concurso amateur en Philadelphia, que ella ganó, así como otro después en el Apollo Theater en Harlem, lo que la animó a convertirse en entertainer profesionalmente, cantando y bailando en nightclubs para negros en Philadelphia y otras ciudades de la costa este. Durante la Segunda Guerra Mundial anduvo de gira por el país actuando para las tropas y después se estableció en Nueva York. Allí trabajó en nightclubs, primero en solitario y, más adelante, junto a Cab Calloway y Duke Ellington. En 1946 debutó con éxito en Broadway en el musical de Arlen/Mercer St. Louis Woman. Después apareció por primera vez en la pantalla en los musicales Variety girl (1947) de George Marshall y Isn't It Romantic? (1948) de Norman Z. McLeod. En 1948 se casó con John Randolph Pinket, de quien se divorció en 1952, para casarse a continuación con el baterista de jazz de raza blanca Louie Bellson, con quien adoptaría un niño y una niña. El matrimonio duró hasta la muerte de ella en 1990.
En las décadas siguientes combinó grabaciones de discos (con más de treinta álbumes publicados) y actuaciones en cine, teatro y televisión. En la gran pantalla destacó especialmente en Carmen Jones (1954) de Otto Preminger, traslación de una producción teatral de 1943 adaptada a tiempos contemporáneos, con libreto de Oscar Hammerstein II basado en la novela "Carmen" de Prosper Mérimée. Harry Belafonte y Dorothy Dandridge fueron los protagonistas de este musical con reparto constituido exclusivamente por actores de raza negra. Luego Bailey intervino en la comedia Esa extraña sensación (1956) de Melvin Frank, protagonizada por Bob Hope, Eva Marie Saint y George Sanders, St. Louis blues (1958) de Allen Reisner, musical donde también aparecían Nat "King" Cole, Eartha Kitt, Cab Calloway, Ella Fitzgerald y Mahalia Jackson, Porgy & Bess (1959) de Otto Preminger, adaptación al cine de la ópera americana de los hermanos Gershwin con libreto de DuBose Heyward, con Sidney Poitier, Dorothy Dandridge y Sammy Davis, Jr., y Los jóvenes caníbales (1960) de Michael Anderson, drama protagonizado por Robert Wagner, Natalie Wood, Susan Kohner y George Hamilton.
En Broadway protagonizó musicales como House of flowers (1954), Call me Madam (1966) y Hello, Dolly! (1967, que le hizo ganar un Tony especial, y su reposición en 1975). En los años 70 tuvo su propio show en televisión y colaboró en algunas películas de cine. También escribió varios libros y en 1975 fue designada embajadora especial en Naciones Unidas por el presidente Gerald Ford. Se licenció en Teología por la Universidad de Georgetown en Washington, DC en 1985. Un año después ganó un Emmy televisivo y en 1988 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad.
Pearl Bailey falleció de arteriosclerosis coronaria a los 72 años.



Takes two to tango (Hoffman/Manning) fue en 1952 el mayor hit en la carrera discográfica de Pear Bailey.

lunes, 28 de marzo de 2016

Vintage delights (LVIII)

Marilyn Monroe

Natalie Wood & Warren Beatty

Agnes Moorehead

Virna Lisi

Cyd Charisse

Ginger Rogers

Cybill Shepherd

Romy Schneider

Charlton Heston

Twiggy

Dolph Lundgren

David Bowie

Burt Reynolds

Mistinguett

Angela Lansbury

John Phillip Law

Myrna Loy

Elsa Lanchester

Eleanor Powell

Hurd Hatfield

George Raft

Miriam Hopkins

Bette Davis

Jennifer Jones

domingo, 27 de marzo de 2016

Farley Granger (San José, California, US, 1-7-1925 / New York City, US, 27-3-2011): In memoriam

EL ACTOR QUE COMPRÓ SU LIBERTAD Y DESTROZÓ SU CARRERA EN HOLLYWOOD

Hoy se cumplen cinco años del fallecimiento del actor estadounidense Farley Granger, recordado principalmente por dos películas en las que fue dirigido por Hitchcock y una por Visconti. Generalmente caracterizado en papeles de joven atractivo de complicada psicología, después de 1955 abandonó Hollywood y no volvió a rodar ningún film de interés.
Farley Earle Granger nació en el seno de una acaudalada familia que se vió obligada a vender la mayoría de sus posesiones tras el crash de 1929 y desplazarse a Los Angeles, donde su padre encontró empleo. La infancia de Farley fue difícil porque sus padres eran ambos alcohólicos y se peleaban con frecuencia. Su madre quería que el chico fuese bailarín de tap y lo matriculó en el mismo estudio donde habían comenzado Shirley Temple y Judy Garland. Siendo todavía un adolescente fue descubierto por un director de casting de  Samuel Goldwyn y debutó en el cine con un pequeño papel en La estrella del norte (1943) de Lewis Milestone, drama de propaganda bélica con Anne Baxter y Dana Andrews, al que siguió otro de parecidas características, El corazón púrpura (1944), también de Milestone, con Dana Andrews y Richard Conte.
Al término de su segunda película se alistó en la Marina de los Estados Unidos y fue destinado a Honolulu. Durante los diecisiete días de travesía sufrió de mareos crónicos, perdió más de diez kilos, y a su llegada a Hawaii fue ingresado en el hospital por deshidratación. En consecuencia, el resto de su servicio militar transcurrió en tierra. En Honolulu vivió experiencias sexuales con hombres y mujeres y aceptó sin problemas sus inclinaciones bisexuales. En el futuro viviría episodios amorosos con personalidades como Leonard Bernstein o Ava Gardner.
De vuelta en Los Angeles finalizada la guerra, encontró que sus padres había moderado su afición por la bebida y se trataban mejor. Pronto se integró con facilidad en la comunidad artística de Hollywood y trabó amistad con muchos de sus miembros. La primera película que rodó fue Los amantes de la noche (1948) de Nicholas Ray, magnífica combinación de noir y drama romántico con Cathy O'Donnell y Howard Da Silva, a la que siguió La soga (1948) de Alfred Hitchcock, thriller psicológico que adaptaba una obra teatral de Patrick Hamilton, con James Stewart y John Dall, donde su director mostró un singular alarde técnico en su primer film en color (todo el metraje parece rodado en una sola toma). El dramaturgo Arthur Laurents, guionista de la película, y Granger estaban enredados en una relación sentimental que duró un año y que se transformó en amistad de por vida. Luego se estrenaron Hechizo (1948) de Irving Reis, drama romántico con David Niven, Teresa Wright y Evelyn Keyes, Roseanna McCoy (1949) de Irving Reis, drama con Joan Evans, Side Street (1950) de Anthony Mann, noir con Cathy O'Donnell, James Craig y Paul Kelly, Vida de mi vida (1950) de David Miller, melodrama con Ann Blyth y Joan Evans, Nube de sangre (1950) de Mark Robson, noir con Dana Andrews y Joan Evans, Extraños en un tren (1951) de Alfred Hitchcock, otro memorable thriller del maestro del suspense, en este caso basado en una novela de Patricia Highsmith, con Ruth Roman y Robert Walker, que supuso el mayor éxito comercial en la carrera de Granger, Pórtate bien (1951) de George Beck, comedia con Shelley Winters, No quiero decirte adiós (1951) de Mark Robson, drama con Dana Andrews y Dorothy McGuire, El fabuloso Andersen (1952) de Charles Vidor, musical sobre el famoso autor danés de cuentos, con Danny Kaye y Zizi Jeanmaire, Tres amores (1953), película de episodios en la que Granger apareció en el segundo, titulado "Mademoiselle" y dirigido por Vincente Minnelli, con Leslie Caron y Ethel Barrymore, o Una chica de pueblo (1953) de László Kardos, musical con Jane Powell, Ann Miller y Bobby Van. 
Descontento con los papeles que le ofrecía el estudio, compró su contrato con Goldwyn determinado a trasladarse a Nueva York para estudiar actuación sobre los escenarios. Fue una decisión costosa que le ocasionó serias dificultades financieras, por lo que su agente le convenció para que aceptase el papel de un joven oficial austriaco en la película Senso (1954) de Luchino Visconti, con Alida Valli y Massimo Girotti. La filmación en Italia duró nueve meses, si bien Granger, ocioso a menudo, aprovechó para explorar el país y pasar un largo fin de semana en París donde tuvo un breve affair con el actor Jean Marais. La película, adaptación de una novela de Camilo Boito ambientada en Venecia durante la ocupación austriaca en 1866, resultó un deslumbrante y conmovedor melodrama operístico, una de las grandes obras maestras de su director. A su vuelta a los Estados Unidos, Granger actuó en La calle desnuda (1955) de Maxwell Shane, drama criminal con Anthony Quinn y Anne Bancroft, y La muchacha del trapecio rojo (1955) de Richard Fleischer, drama con Ray Milland y Joan Collins. En esta época estuvo a punto de casarse con su amiga Shelley Winters, a la sazón recién divorciada de Vittorio Gassman. 
Después no volvió a trabajar en películas de Hollywood. En la cúspide de su fama, con 30 años, se estableció en Nueva York para estudiar en el Neighborhood Playhouse. En este periodo debutó con poco éxito en Broadway y tuvo una experiencia romántica con la actriz Janice Rule, compañera de tablas, con la que llegó a hacer planes de boda. Granger recondujo su carrera en la televisión y persistió tenazmente en su búsqueda del triunfo en los escenarios de Broadway, lo que consiguiría finalmente con obras como "La gaviota" de Anton Chekhov, "Las brujas de Salem" de Arthur Miller, "El zoo de cristal" de Tennessee Williams o "La trampa de la muerte" de Ira Levin. A partir de 1963 mantuvo una relación amorosa con el supervisor de producción Robert Calhoun, que finalizó con la muerte de éste en 2008.
A comienzos de los años 70 Granger y Calhoun se trasladaron a Roma, donde el actor intervino en producciones italianas carentes de ambición artística como Le llamaban Trinidad (1970) de E. B. Clucher (en realidad Enzo Barboni), El cadáver pelirrojo (1972) de Renzo Russo, Revelaciones de un maníaco sexual (1972) de Roberto Bianchi Montero, Infamia (1974) de Giovanni d'Eramo, o Corrupción de menores (1974) de Massimo Dallamano. En otros países europeos colaboró en títulos como El serpiente (1973) de Henri Verneuil, o Un hombre llamado Noon (1973) de Peter Collinson. De regreso en su país participó en algun título de bajo presupuesto como El asesino de Rosemary (1981) de Joseph Zito y actuó esporádicamente en televisión y teatro.
Farley Granger falleció por causas naturales a los 85 años.


Tribute to Michael York (Fulmer, Buckinghamshire, UK, 27-3-1942)

VERSATILIDAD BRITÁNICA

El actor inglés Michael York cumple hoy 74 años. Descubierto por Franco Zeffirelli, alcanzó el cénit de su popularidad en los años 70, participando en diversas películas de éxito. Luego su trayectoria en la gran pantalla declinó y trabajó más en la televisión y, esporádicamente, el teatro. Su carrera abarca más de cincuenta años, con títulos de casi todos los géneros. Ha sido reconocido Oficial del Imperio Británico y también con la Orden de las Artes y las Letras en Francia.
Michael Hugh Johnson (su nombre real) es hijo de un militar que tras dejar el ejército trabajó en Marks & Spencer y de una intérprete musical. De pequeño se rompió la nariz, lo que marcó su rostro de forma característica, y de adolescente dedicó su tiempo a la interpretación teatral. Estudió Lengua y Literatura Inglesa en la Universidad de Oxford, donde se graduó en 1964. Formó parte en los años 50 del National Youth Theatre antes de encontrarse en el National Theatre con Laurence Olivier y Franco Zeffirelli. Luego de ser dirigido por éste en la obra "Mucho ruido y pocas nueces" de Shakespeare (1965) y participar en la serie televisiva "La saga de los Forsyte (1967), debutó en el cine interpretando el personaje de Lucencio en La mujer indomable (1967) de Franco Zeffirelli, adaptación shakespeariana con Elizabeth Taylor y Richard Burton. El mismo año interpretó al estudiante de Accidente (1967) de Joseph Losey, drama psicológico con Dirk Bogarde, Stanley Baker y Jacqueline Sassard. Un año después apareció en la comedia Tiempo de locura (1967) de Desmond Davis, comedia con Rita Tushingham y Lynn Redgrave, y encarnando el personaje de Teobaldo, volvió a ser dirigido por Zeffirelli en otra adaptación de Shakespeare, Romeo y Julieta (1968), con Leonard Whiting y Olivia Hussey. Después pudo ser visto en Al otro lado de la ley (1968) de David Greene, drama criminal con Jeremy Kemp y Susan George, El gurú (1969) de James Ivory, comedia con Rita Tushingham, Alfredo el Grande (1969) de Clive Donner, drama histórico medieval con David Hemmings, Justine (1969) de George Cukor, adaptación de la tetralogía "El cuarteto de Alejandría" de Lawrence Durrell, con Anouk Aimée, Dirk Bogarde, Robert Forster, Anna Karina y Philippe Noiret, Corrupción de una familia (1970) de Harold Prince, comedia negra con Angela Lansbury, Zeppelin (1971) de Etienne Périer, film bélico con Elke Sommer, o Escapada a la italiana (1971) de Philippe De Broca, comedia con Marlène Jobert y Michel Piccoli.
Su afianzamiento estelar se produjo al interpretar a un estudiante británico en la Alemania en crisis de 1931 en Cabaret (1972) de Bob Fosse, exitoso musical dramático con Liza Minnelli, Helmut Griem y Joel Grey nominado a diez Oscars y ganador de ocho. Después protagonizó Horizontes perdidos (1973) de Charles Jarrott, remake musical de un film de Frank Capra de 1937, con Peter Finch, Liv Ullmann, Sally Kellerman, George Kennedy y Olivia Hussey, Inglaterra me hizo (1973) de Peter Duffell, traslación a la pantalla de una novela de Graham Greene, con Peter Finch y Hildegarde Neil, y fue D'Artagnan en las adaptaciones de Alexandre Dumas a cargo de Richard Lester Los tres mosqueteros: Los diamantes de la reina (1973), con Oliver Reed, Raquel Welch, Richard Chamberlain, Frank Finlay, Christopher Lee, Geraldine Chaplin, Faye Dunaway y Charlton Heston, y Los cuatro mosqueteros (1974), con similar reparto. Otros títulos de la decada fueron Asesinato en el Orient Express (1974) de Sidney Lumet, según la novela de Agatha Christie, donde formó parte de un reparto multiestelar encabezado por Albert Finney, Culpable sin rostro (1975) de Michael Anderson, drama colonial con Richard Attenborough, Trevor Howard, Stacy Keach, Christopher Plummer y Susannah York, La fuga de Logan (1976) de Michael Anderson, distopía de ciencia-ficción con Jenny Agutter, Richard Jordan, Roscoe Lee Browne, Farrah Fawcett-Majors y Peter Ustinov, Jesús de Nazaret (1977) de Franco Zeffirelli, extracto de una serie televisiva con reparto multiestelar encabezado por Robert Powell y Olivia Hussey, donde York encarnó a Juan el Bautista, La isla del Doctor Moreau (1977) de Don Taylor, adaptación de una novela de HG Wells, con Burt Lancaster, Mi bello legionario (1977) de Marty Feldman, comedia paródica de aventuras con Feldman, Ann-Margret, Peter Ustinov y James Earl Jones, Fedora (1978) de Billy Wilder, drama psicológico con William Holden, Marthe Keller, Hildegard Knef y Henry Fonda, o Intriga en la playa (1979) de Tony Maylam, thriller aventurero con Jenny Agutter.
A partr de los años 80 trabajó más asiduamente en televisión e intervino por lo general en películas de menor calidad o repercusión: Los leones blancos (1981) de Mel Stuart, En nombre de todos los míos (1983) de Robert Enrico, El éxito es la mejor venganza (1984) de Jerzy Skolimowski, Bestia asesina (1988) de Ruggero Deodato, El regreso de los mosqueteros (1989) de Richard Lester, El gran mar de los Sargazos (1993) de John Duigan, Movida en la corte del Rey Arturo (1995) de Ralph L. Thomas, Austin Powers: Misterioso agente internacional (1997) de Jay Roach, ¡Vaya un fugitivo! (1998) de Pat Proft, Studio 54 (1998) de Mark Christopher, Código Omega (1999) de Robert Marcarelli, Austin Powers 2: La espía que me achuchó (1999) de Jay Roach, Austin Powers en Miembro de Oro (2002) de Jay Roach, o El molino y la cruz (2011) de Lech Majewski.
El día que cumplió 26 años Michael York se casó con la fotógrafa Patricia McCallum, que sigue siendo su esposa. Tienen un hijo adoptivo. En 2013 anunció que sufría amyloidosis, una enfermedad rara que ha deformado su cara.



Renato Salvatori (Seravezza, Italia, 20-3-1933 / Roma, Italia, 27-3-1988): In memoriam

POVERO MA BELLO

Hoy se cumplen veintiocho años del fallecimiento del actor italiano Renato Salvatori. A lo largo de tres décadas trabajó con casi todos los mejores directores italianos de su época. Si en los años 50 se le vió encasillado en papeles de golfo romano simpático en multitud de comedias populares, apoyado en su fuerte físico, se reveló en los 60 como un contundente intérprete dramático, para pasar a ser un solicitado actor de carácter en los 70 y retirarse del cine a los 48 años.
Nacido Giuseppe Salvtore, era hijo de un marmolista, del que en principio heredó la profesión, y fue también camarero y socorrista de balneario. Tras una prueba, debutó en el cine con Las muchachas de la Plaza de España (1952) de Luciano Emmer, comedia dramática con Lucia Bosè, Cosetta Greco, Liliana Bonfatti y Marcello Mastroianni donde interpretó a un joven camorrista, a la que siguieron Los tres corsarios (1952) de Mario Soldati, adaptación de una novela de Emilio Salgari, con Ettore Manni y Marc Lawrence, y su secuela Yolanda, la hija del corsario negro (1953), también de Soldati, con May Britt y Marc Lawrence, o Sucedió en Roma (1953) de Anton Giulio Majano, comedia dramática con Maria Fiore y Sophia Loren.
La popularidad le llegó gracias a la trilogía de comedias de Dino Risi:  Pobres pero guapos (1956), Guapas pero pobres (1957) y Pobres millonarios (1959), en las que compartió créditos con Maurizio Arena; en ellas interpretaba a Salvatore, un joven obrero con aficiones donjuanescas, simpático, ingenuo y de escasas luces, personaje que marcó su carrera y que, con diversas variantes, repitió muchas veces a lo largo de su filmografía. Notable éxito de público obtuvo también el díptico de comedias: Sabela (1957) de Dino Risi, con Tina Pica, Peppino De Filippo, Sylva Koscina y Paolo Stoppa, y Sabela vuelve al ataque (1958) de Giorgio Bianchi, con el mismo reparto, y otras comedias populares como Cuatro pasos por las nubes (1957) de Mario Soldati, con Fernandel, Marisa, la coqueta (1957) de Mauro Bolognini, con Marisa Allasio y Francisco Rabal, o El honor de Carmelina (1958) de Carlo Ludovico Bragaglia, con Marisa Merlini, Rossella Como y Domenico Modugno. Asímismo tuvo la fortuna de intervenir en uno de los grandes éxitos internacionales de la 'commedia all'italiana', Rufufú (1958) de Mario Monicelli, parodia de "Rififi" de Jules Dassin (1955), con Vittorio Gassman, Claudia Cardinale, Memmo Carotenuto, Marcello Matroianni y Totò, obra maestra del género, nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera y una de las mejores comedias europeas de todos los tiempos. Después apareció en Mujeres peligrosas (1958) de Luigi Comencini, comedia con Sylva Koscina, Policarpo, calígrafo diplomado (1959) de Mario Soldati, comedia con Renato Rascel y Peppino De Filippo, Los mercaderes (1959) de Francesco Rosi, comedia dramática con Alberto Sordi, Rufufú da el golpe (1959) de Nanni Loy, secuela de Rufufú, con  Vittorio Gassman, Claudia Cardinale y Nino Manfredi, o Viento del sur (1959) de Enzo Provenzale, drama con Claudia Cardinale.
En los años 60 diversificó más sus registros dramáticos en títulos como Fugitivos en la noche (1960) de Roberto Rossellini, notable drama sobre la resistencia de Roma durante la ocupación nazi, con Leo Genn y Giovanna Ralli, y, sobre todo, Rocco y sus hermanos (1960) de Luchino Visconti, obra maestra en forma de intenso drama sobre las peripecias en Milán de una familia de emigrantes del sur de Italia, con Alain Delon, Annie Girardot, Katina Paxinou, Roger Hanin y Claudia Cardinale; con su papel del boxeador Simone Parondi en esta extraordinaria película alcanzó la cima de su carrera. Girardot y Salvatori se enamoraron durante el rodaje, se casaron en 1962 y tuvieron una hija, Giulia. Pronto se separaron pero nunca se divorciaron y conservaron una relación amistosa. Luego Salvatori tuvo otro hijo con la modelo alemana Danka Schroeder. Otros títulos en que actuó fueron El desorden (1962) de Franco Brusati, drama con Sami Frey, Louis Jourdan, Curd Jurgens, Antonella Lualdi, Tomas Milian, Jean Sorel, Susan Strasberg, Alida Valli y George Wilson, Smog (1962) de Franco Rossi, drama sobre italianos en Los Angeles, con Enrico Maria Salerno y Annie Girardot, La banda Casaroli (1963) de Florestano Vancini, thriller con Jean-Claude Brialy y Tomas Milian, Dos son culpables (1963) de André Cayatte, drama criminal de producción francesa, con Anthony Perkins, Jean-Claude Brialy y Catherine Spaak, El día más corto (1963) de Sergio Corbucci, comedia que parodiaba la superproducción norteamericana ""El día más largo" (1962),  Póquer de sangre (1963) de Christian Marquand, drama francés con Robert Hossein y Anouk Aimée, Los camaradas (1963) de Mario Monicelli, destacado drama de época con Marcello Matroianni y Annie Girardot, Fogosa criatura del planeta Ultra (1964) de Ugo Gregoretti, comedia satírica de ciencia-ficción con Rosemarie Dexter, Tres noches de amor (1964), comedia dramática de tres episodios protagonizados por Catherine Spaak y tres directores, en la que Salvatori intervino en el titulado "La viuda" de Renato Castellani, No, no... mi amor (1967) de  Alessandro Blasetti, comedia con Graziella Granata, Antonio Casagrande y Vittorio Caprioli, El harén (1967) de Marco Ferreri, comedia dramática con Carroll Baker y Gastone Moschin, Z (1969) de Costa Gavras, thriller político protagonizado por Yves Montand, Irene Papas y Jean-Louis Trintignant, Los recuerdos del porvenir (1969) de Arturo Ripstein, drama romántico de producción mexicana, con Daniela Rosen, o Queimada (1969) de Gillo Pontecorvo, drama colonial con Marlon Brando.
En los años 70, acaso por la desilusión relativa al declive de su popularidad, comenzó a tener problemas de alcoholismo. El resto de su filmografía lo componen participaciones secundarias casi siempre en títulos como: La luz del fin del mundo (1971) de Kevin Billington, adaptación de una novela de Jules Verne, con Kirk Douglas, Yul Brynner y Samantha Eggar, El furor de la codicia (1971) de Henri Verneuil, thriller de acción con Jean-Paul Belmondo, Omar Sharif y Dyan Cannon, La primera noche de la quietud (1972) de Valerio Zurlini, donde se reencontró con su gran amigo Alain Delon, Estado de sitio (1973) de Costa Gavras, drama político con Yves Montand, Amargo despertar (1973) de Vittorio De Sica, drama con Florinda Bolkan, Las granjas ardientes (1973) de Jean Chapot, thriller con Alain Delon y Simone Signoret, El sospechoso (1975) de Francesco Maselli, drama criminal con Gian Maria Volonté y Annie Girardot, Historia de un policía (1975) de Jacques Deray, thriller con Alain Delon y Jean-Louis Trintignant, Alias el gitano (1976) de José Giovanni, drama criminal con Alain Delon, Annie Girardot y Paul Meurisse, Excelentísimos cadáveres (1975) de Francesco Rosi, thriller con Lino Ventura, Brigada anticrimen (1976) de Ruggero Deodato, thriller con Marc Porel y Ray Lovelock, Todo modo (1976) de Elio Petri, drama con Gian Maria Volonté, Marcello Mastroianni y Mariangela Melato, La última mujer (1976) de Marco Ferreri, drama con Gérard Depardieu, Ornella Muti y Michel Piccoli, Armaguedon, la voz del fin del mundo (1977) de Alain Jessua, thriller con Alain Delon y Jean Yanne, Ernesto (1979) de Salvatore Samperi, drama con Martin Halm, Michele Placido, Virna Lisi y Turi Ferro, La luna (1979) de Bernardo Bertolucci, drama psicológico con Jill Clayburgh, Matthew Barry y Tomas Milian, Una mujer italiana (1980) de Giuseppe Bertolucci, comedia dramática con Mariangela Melato y Bruno Ganz, La chicharra (1980) de Alberto Lattuada, comedia con Anthony Franciosa y Virna Lisi, Asso (1981) de Castellano e Pipolo, comedia con Adriano Celentano y Edwige Fenech, o La historia de un hombre ridículo (1981) de Bernardo Bertolucci, drama con Ugo Tognazzi y Anouk Aimée.
Después decidió abandonar el cine, un mundo al que consideraba ya no pertenecer. En 1984 entró como adjunto de relaciones exteriores en el gabinete del ministro de transportes italiano. Con su físico ya minado por la cirrosis hepática, falleció cuatro años después a la edad de 55.

sábado, 26 de marzo de 2016

Sterling Hayden (Montclair, New Jersey, US, 26-3-1916 / Sausalito, California, US, 23-5-1986): In memoriam

SOBRIO, RUDO, ARISCO Y MUY MASCULINO

Hoy se cumple el centenario del nacimiento del actor estadounidense Sterling Hayden. Muy alto (medía 1'96 m), fuerte, rubio y apuesto, fue un aventurero navegante que dió la vuelta al mundo antes de acceder al cine. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió a su país en el servicio de espionaje y también fue paracaidista. Sobrio, rudo y arisco, nunca fue una estrella al uso; por encima de todo su vocación era marinera y fue para costear los gatos de sus viajes que en los años 50 actuó en gran número de películas, la mayoría de género (noir o western sobre todo). En su filmografía, ya como protagonista o secundario, figuran al menos media docena de clásicos.
Nacido Sterling Relyea Walter, después de perder a su padre a los nueve años fue adoptado por James Hayden, de quien tomó el apellido. A los dieciséis años abandonó los estudios y se volcó en su gran pasión, el mar y la navegación. Desde muy joven viajó por todo el mundo en diversas embarcaciones, convirtiéndose con sólo 22 años en un experimentado capitán de barco.
En 1940 trabajó como modelo y, tras conocer al director y productor Edward H. Griffith, inició su carrera cinematográfica al firmar con Paramount, estudio que le publicitó como "El hombre más bello del cine" y "El hermoso dios vikingo rubio". Sterling, sin embargo, sólo apareció en dos títulos dirigidos por el propio Edward H. Griffith: Virginia (1941) y Bahama Passage (1941). Estas películas contaban con el coprotagonismo de Madeleine Carroll, rubia actriz británica con la que se casó en 1942 y de la que se divorciaría en 1945. La entrada de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial provocó el rápido alistamiento de Hayden en los marines norteamericanos, con los que combatió hasta la finalización del conflicto, provocando su alejamiento de la pantalla. Cuando regresó del conflicto bélico se afilió efímeramente al Partido Comunista, hecho por el cual sería acosado en los siguientes años a causa de la caza de brujas del senador McCarthy.
En 1947 se casó con Betty Ann de Noon y regresó al cine con Cuatro hermanos la querían (1947) de John Farrow, drama aéreo con reparto encabezado por Anne Baxter y William Holden. Después apareció en El Paso (1949) de Lewis R. Foster, western con John Payne y Gail Russell, y Manhandled (1949) de Lewis R. Foster, noir con Dorothy Lamour y Dan Duryea. Hayden inició la década de los 50 de manera excelente al protagonizar La jungla de asfalto (1950) de John Huston, memorable obra maestra del cine negro, con Louis Calhern, Jean Hagen, James Whitmore, Sam Jaffe, John McIntire y una por entonces casi desconocida Marilyn Monroe. Este fue el comienzo de su mejor etapa como actor a pesar de ser incluido en la lista negra de McCarthy durante unos meses, en los que fue requerido para que atestiguase sobre sus antiguas simpatías comunistas. Tras unas comparecencias testificales en las que citó algunos nombres de partidarios izquierdistas, el comité le permitió continuar su carrera interpretativa. Sterling Hayden siempre se arrepintió de este hecho y así lo manifestó en su autobiografía, expresando con tristeza que "vivió enmierdado" durante toda su vida a causa de esas delaciones.
Entre las numerosas películas que rodó en los años 50 figuran: Viaje hacia la luz (1951) de Stuart Heisler, drama con  Viveca Lindfors y Thomas Mitchell, El camino de la venganza (1952) de Ray Enright, western con Forrest Tucker, Denver y Río Grande (1952) de Byron Haskin, western con Edmond O'Brien, La puerta del infierno (1952) de Charles Marquis Warren, western con Joan Leslie, El halcón dorado (1952) de Sidney Salkow, film de aventuras con Rhonda Fleming, La estrella (1952) de Stuart Heisler, drama con Bette Davis, Trigo y esmeralda (1953) de Robert Wise, adaptación de una novela de Edna Ferber, con Jane Wyman y Nancy Olson, Ciudad en tinieblas (1954) de André De Toth, noir con Gene Nelson y Phyllis Kirk, El príncipe valiente (1954) de Henry Hathaway, aventuras medievales con James Mason, Janet Leigh, Robert Wagner y Debra Paget, Johnny Guitar (1954) de Nicholas Ray, western mítico con Joan Crawford, Scott Brady y Mercedes McCambridge, La última coartada (1954) de Jerry Hopper, noir con  Gloria Grahame, De repente (1954) de Lewis Allen, noir con Frank Sinatra, Titanes de la montaña (1955) de Joseph Kane, western con Vera Ralston y David Brian, La pradera sangrienta (1955) de Lesley Selander, western con Yvonne De Carlo y Zachary Scott, Mar eterno (1955) de John H. Auer, bélico con Alexis Smith, La última orden (1955) de Frank Lloyd, western con Anna Maria Alberghetti, y Richard Carlson, Atraco perfecto (1956) de Stanley Kubrick, thriller de intriga con Coleen Gray y Vince Edwards, otro de sus grandes títulos, Delito de pasión (1957) de Gerd Oswald, noir con Barbara Stanwyck, Red invisible (1957) de Henry S. Kesler, drama de espionaje con Ruth Roman, Valerie (1957) de Gerd Oswald, western con Anita Ekberg, Suspense... hora cero (1957) de Hall Bartlett, thriller con Dana Andrews y Linda Darnell, Terror en una ciudad de Texas (1958) de Joseph H. Lewis, con  Sebastian Cabot.
Divorciado en 1958 de su segunda esposa, quedó con la custodia de los cuatro hijos habidos con ella y se retiró del cine durante seis años para disfrutar de su verdadero amor, la navegación. Dos años después se volvió a casar, por tercera y última vez, con Catherine Devine McConnell, con la que tendría otros dos hijos y que sería su viuda. Regresó al cine para ponerse de nuevo bajo las órdenes de Stanley Kubrick en la sátira política ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú (1964), con Peter Sellers y George C. Scott. Su carrera cinematográfica continuó con pocas apariciones y en papeles secundarios, aunque algunas muy destacadas, como las ofrecidas en El padrino (1972) de Francis Ford Coppola, Un largo adiós (1973) de Robert Altman o Novecento (1977) de Bernardo Bertolucci. Ocasionalmente también trabajó en televisión.
Hayden escrbió dos libros de éxito: su autobiografía, "Wanderer" (1962) y una novela, "Voyage" (1976). El actor falleció víctima de un cáncer de próstata a los 70 años.

(Texto biográfico a partir de la página alohacriticon)


  

viernes, 25 de marzo de 2016

Aretha Franklin - I say a little prayer

TRIBUTE TO ARETHA FRANKLIN (Memphis, Tennessee, US, 25-3-1942)

La cantante estadounidense de soul, rhythm and blues y gospel Aretha Franklin cumple hoy 74 años. Su poderosa voz y su carismática personalidad han expresado la tensión que liga la música a los sentimientos más profundos del alma de la comunidad negra. Llamada Lady Soul o La Reina del Soul, aunando diversos estilos musicales ha sabido crear un nuevo estilo personal que ha servido de ejemplo a otros grandes artistas. Aun con altibajos en su carrera, es una de las cantantes con mejores ventas (más de 75 millones de discos en todo el mundo) y ha ganado un total de 18 premios Grammy u otros altos reconocimientos como los Honores del Kennedy Center (1994) o la Medalla presidencial de la Libertad (2005).
Hija de un predicador baptista y de una cantante de gospel, Aretha Louise Franklin vivió con sus padres y sus dos hermanas hasta los seis años en Memphis, pero sus padres se separaron, con lo que su progenitor decidió mudarse con el resto de la familia a Detroit. Allí se hizo con una reputada fama gracias a sus sermones y Aretha fue formándose como cantante y pianista, arropada por importantes cantantes de la ciudad. Con doce años comenzó a cantar en la iglesia donde predicaba su padre. Madre de cuatro hijos, tuvo el primero a los catorce años, de padre desconocido, al igual que el segundo, un año después. 
En sus primeros años con dedicación plena a la música interpreta exclusivamente temas religiosos. Hasta que en los años 60 decide pasarse a la música más comercial. Sus hermanas Erma y Carolyn fueron cantantes profesionales y durante años realizaron coros en las grabaciones de Aretha. Casada con Ted White en 1961, deja a sus dos hijos al cuidado de su abuela y se marcha a Nueva York, en busca de discográfica. Con su tremenda voz recibió multitud de ofertas, las cuales fue rechazando hasta quedarse con la mejor de ellas, que fue la de Columbia Records. Con esta compañía grabaría 10 álbumes, aunque los resultados no llenaron la ambición de Aretha Franklin, ya que la discográfica no aprovechó todo el potencial de la cantante y los discos que publicaron resultaron bastante irregulares, tocando todos los géneros posibles, pero siempre buscando la comercialidad del pop.
Tras finalizar su contrato con Columbia, fichó por Atlantic Records. En esta discográfica, y gracias al saber hacer del productor Jerry Wexler, obtuvo Aretha Franklin sus primeros grandes éxitos, volviendo a sus orígenes de rhythm and blues. En 1967 apareció el álbum "I've never loved a man the way I love you", disco que la llevó directamente a la cima de la fama, ganándose el sobrenombre de la Reina del Soul. Con el single titulado Respect (versión de un tema de Otis Redding dos años anterior) llegó al nº 1 en Billboard y consiguió dos premios Grammy, además de ser una canción utilizada en aquella época por los grupos que luchaban por los derechos de los negros y en contra del racismo. "Aretha arrives", publicado ese mismo año, consigue también un éxito destacado. En los años siguientes publica "Lady Soul" (con canciones como Chain of fools o You make me feel like a natural woman), "Aretha now" (que incluía Think, I say a little prayer o See saw), "Aretha in Paris", su primer álbum en vivo, o "Spirit in the dark" (con Don't play that song (you lied) o la canción que daba título al álbum). Sus especiales versiones de Bridge over troubled water o Spanish Harlem fueron hits en 1971, así como Until you come back to me lo fue en 1973.
Aretha, que tuvo un tercer hijo en 1964 con su marido Ted White, se divorció de éste en 1969 tras sufrir violencia doméstica. En 1970 nació su cuarto hijo de una relación con Ken Cunningham. Después contrajo matrimonio con el actor Glynn Turman en 1978, convirtiéndose en madrastra de los tres hijos de él. Se separaron en 1982 y se divorciaron en 1984.
Tras unos años grises, cancela su contrato con Atlantic y en 1980 participa en la demencial película "The Blues Brothers" de John Landis, en la que interpretó una tempestuosa versión de Think. Esta interpretación supuso el relanzamiento de Aretha Franklin, dándola a conocer a una nueva generación de jóvenes. Posteriormente, y tras fichar por Arista, produjo nuevos discos: "Aretha" (1980), "Love all the hurt away" (1981), "Jump to it" (1982), "Get it right" (1983), o "Who's zoomin' who?" (1985) con un notable éxito entre el público. A mediados de los ochenta colaboró con artistas como Annie Lennox y George Michael, con los que se aupó a las listas de ventas. En 1987 obtuvo un Grammy como mejor cantante soul. 
En 1998 resurge con fuerza para publicar "A rose is still a rose", donde se muestra una Aretha Franklin más actual, adaptada a nuevos tiempos y a un nuevo público. "So damn happy" (2003) es un disco lleno de energía, considerado por muchos como uno de los mejores en la carrera musical de Aretha Franklin, el último con Arista. Su último trabajo es "Aretha Franklin sings the great diva classics" (2014), con RCA.



I say a little prayer, canción compuesta por Burt Bacharach and Hal David para Dionne Warwick, fue grabada por ésta en 1966 y editada al año siguiente, alcanzando el nº 4 en Billboard a finales de 1967. Un año después fue grabada por Aretha Franklin, con acompañamiento vocal de las Sweet Inspirations, e incluida en el álbum "Aretha now" (1968), convirtiéndose en un hit internacional. Fuera de los Estados Unidos es una de las canciónes con que más se identifica a la cantante de Memphis.

Rocío Dúrcal - Quisiera ser un ángel

YO SE QUE ESTOY SOÑANDO Y SE QUE NADA ESPERO

Hoy se cumplen 10 años de la desaparición a los 61 de la actriz y cantante española Rocío Dúrcal. La recordamos con Quisiera ser un ángel, composición de Guijarro/Misselvia/Algueró que Rocío cantaba a su abuelo (Julio Sanjuán) en su primera película, "Canción de juventud" (1962) de Luis Lucia.

Mina - Il cielo in una stanza

QUANDO SEI QUI CON ME

Recordamos el 76 cumpleaños de la extraordinaria cantante italiana Mina con uno de sus primeros grandes hits, Il cielo in una stanza, canción de Gino Paoli con la que el 15 de octubre de 1960 alcanzó el número uno en las listas italianas, donde se mantuvo catorce semanas, siendo el single más vendido de aquel año, con más de dos millones de copias. Este fragmento  pertenece a la película "Appuntamento a Ischia" (1960) de Mario Mattoli, protagonizada por Domenico Modugno y Antonella Lualdi, donde Mina se interpretaba a sí misma.

jueves, 24 de marzo de 2016

Mariano José de Larra (Madrid, España, 24-3-1809 / Ibid,13-2-1837): In memoriam

FÍGARO O LA ACTITUD ROMÁNTICA

Hoy es aniversario natal del escritor y articulista Mariano José de Larra, uno de los más destacados prosistas españoles del siglo XIX. Incluido en la generación de escritores románticos más por su temperamento que por su prosa periodística, los males de España son el tema central de su obra crítica. Influido por el neoclasicismo francés, su vida se convirtió, sin embargo, en símbolo de la actitud romántica. A Larra, que sentía un gran amor por su país, "le dolía España". En su corta trayectoria publicó más de doscientos artículos en la prensa, una serie de retratos de la sociedad tremendamente satíricos en los que describe la complacencia, la hipocresía, la vacuidad y la corrupción de la sociedad española.
Hijo de un cirujano militar afrancesado al servicio de José Bonaparte, con la expulsión de las tropas napoleónicas en 1813 su familia hubo de exilarse a Burdeos primero y a París después. Gracias a la amnistía concedida por Fernando VII en 1818, la familia regresó a Madrid, y su padre se convirtió en médico personal de Francisco de Paula, uno de los hermanos del rey.
Larra estudió medicina en Madrid, aunque no llegó a terminar la carrera; en 1825 se trasladó a Valladolid para cursar derecho, estudios que continuaría en Valencia. Al parecer, por esta época se enamoró de una mujer que resultó ser la amante de su padre, lo que fue una dura experiencia para él. En 1828 comenzó una brillante carrera periodística. Sus artículos, de acerado sentido crítico, aparecidos en el folleto mensual El Duende Satírico del Día y que firmaba con el seudónimo «el Duende», le reportaron pronta fama como periodista. Su imagen de agudo observador de las costumbres y de la realidad social, cultural y política, se afianzó con la publicación de su revista satírica El Pobrecito Hablador, en la cual escribió con el seudónimo de Juan Pérez de Munguía. Ambas publicaciones fueron prohibidas por la censura al cabo de poco tiempo.
En 1829 casó con Josefa Wetoret, en lo que fue un matrimonio desgraciado que pronto acabó en separación aunque tuvieron tres hijos. En 1833 inició una nueva etapa de su carrera, con el seudónimo de Fígaro, en la Revista Española y El Observador, donde, además de sus cuadros de costumbres, insertó crítica literaria y política al amparo de la relativa libertad de expresión propiciada por la muerte de Fernando VII; son famosos sus Artículos de costumbres o escenas de la vida española, entre los que figuran Vuelva usted mañana, El castellano viejo, Entre qué gentes estamos, En este país y El casarse pronto y mal, entre otros.
En 1834 publicó la novela histórica El doncel de don Enrique el Doliente y estrenó la pieza teatral Macías, ambas basadas en la trágica vida del poeta medieval Macías y en sus amores adulterinos, argumento que, en cierta manera, reflejaba la relación adúltera que en aquellos momentos mantenía Larra con Dolores Armijo. En 1835 emprendió un viaje a Portugal, Londres, Bruselas y París, donde conoció a Victor Hugo y Alexandre Dumas. De regreso en Madrid, trabajó para los periódicos El Redactor General y El Mundo. En esta época, la preocupación política dominaba en sus escritos. Además, decidió intervenir en la política activa a favor de los conservadores, e incluso llegó a ser elegido diputado por Ávila en 1836, aunque el motín de La Granja impidió que entrara en funciones.
Su creciente desaliento e inconformidad ante los males que asediaban a la sociedad española y el dolor que le produjo su separación definitiva de Dolores Armijo, quedaron reflejados en su escrito El día de difuntos de 1836, publicado en El Español, y en el que detrás de su habitual ironía aparecía un hondo pesimismo. Tras una nueva discusión con Dolores Armijo, se suicidó de un pistoletazo en su domicilio, a los 27 años. Aunque no compartió los postulados literarios del romanticismo, su agitada vida y su muerte lo acercan a los ideales y modelos románticos. Su figura sería reivindicada, años más tarde, por los integrantes de la Generación del 98.

Mariano José de Larra por José Gutiérrez de la Vega, 1835

miércoles, 23 de marzo de 2016

Lale Andersen - Lili Marleen (1939)

LALE ANDERSEN (Bremerhaven, Alemania, 23-3-1905 / Viena, Austria, 29 de agosto de 1972): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal de la cantante alemana Lale Andersen. Ella fue la primera en grabar la famosa canción Lili Marleen en 1939, enormemente popular entre los soldados de ambos bandos durante la Segunda Guerra Mundial.
Bautizada como Elisabeth Carlotta Helena Berta Bunnenberg, con sólo 17 años se casó con el pintor Paul Ernst Wilke, con quien tuvo tres hijos. Luego del nacimiento del tercero la pareja se separó. Era el año 1929 cuando Lale se fue a Berlín para estudiar actuación en el Schauspielschule, dejando a sus hijos al cuidado de sus hermanos. Divorciada en 1931, se empleó como cantante en diversos clubs nocturnos haciéndose llamar Liselotte Wilke y entre 1933 y 1937 actuó en el Schauspielhaus en Zürich, donde trabó amistad con el compositor suizo de origen judío Rolf Liebermann. En 1938 trabajó en el cabaret Simpl de Munich y poco después en el famoso Kabarett Der Komiker berlinés, donde cantaba canciones marineras de su ciudad de origen. Allí el compositor Norbert Schultze le pidió que incluyera en su repertorio la canción Lili Marleen cuya letra, escrita como un poema en 1915 por Hans Leip y musicada por Schultze veintitrés años después. Tras ciertas reticencias, Andersen aceptó grabar el tema con el título "Das mädchen unter der laterne" (La chica bajo la farola) en 1939. De éxito relativo al principio, ya en plena Segunda Guerra Mundial y tras la invasión nazi de Yugoslavia, gracias a ser radiada frecuentemente por Radio Belgrado para entretener a los soldados en el frente, la canción se hizo enormemente popular en Europa y el Mediterráneo tanto entre las tropas del eje como las aliadas. Pero los oficiales nazis consideraron que no era apta para la moral de los combatientes alemanes y el ministro de propaganda Joseph Goebbels prohibió su radiodifusión. La emisora recibió montones de cartas de soldados alemanes pidiendo que volviesen a emitir la canción, que el mismo Erwin Rommel, comandante del Afrika Korps, admiraba y un reluctante Goebbels finalmente accedió, aunque obligó a Andersen a grabar una nueva versión "militar" en 1942, a base de un marcado acompañamiento de percusión. Instrumentalizada por el régimen, Andersen, conocida en las trincheras como "Engel der soldaten" (el ángel de los soldados), apareció en una película y grabó varias canciones propagandísticas en inglés (incluso Lili Marleen). Para su desgracia, tras ser interceptada una carta suya por la Gestapo, se descubrió la amistad de la cantante con Rolf Liebermann y otros artistas judíos a quienes había conocido en sus años en Zürich, y se le prohibió actuar en público durante nueve meses. Desesperada, Andersen intentó el suicidio. Cuando reapareció no se le permitió cantar Lili Marleen. En las postrimerías de la contienda se retiró a Langeoog, una pequeña isla en el Mar del Norte.
Marlene Dietrich grabó la canción en 1945 en inglés y alemán y la popularizó a escala mundial. Finalizada la guerra, Andersen no volvió a cantar y se casó con el compositor suizo Artur Beul en 1949. Su vuelta se produjo en 1952, cantando otro de sus grandes éxitos, "Die blaue nacht am hafen" cuya letra escribió ella misma. En 1960 tuvo otro hit con "Ein schiff wird kommen", versión de "Ta pediá tou Pireá" (Los niños del Pireo), que en la película "Nunca en domingo" cantaba Melina Mercouri en griego. Con ambas canciones Lale ganó sendos discos de oro y en 1961 fue designada para representar a Alemania en el Festival de Eurovisión con la canción "Einmal sehen wir uns wieder", que sólo alcanzó el decimotercer lugar en la clasificación. En los años 60 actuó en Europa, Estados Unidos y Canadá, retirándose en 1967. Después publicó el libro "Wie werde ich haifisch" (Como convertirse en un tiburón) en 1969 y tres años después, poco antes de morir, su autobiografía, "Der himmel hat viele farben" (El cielo tiene muchos colores), que trata básicamente sobre cómo una muchacha alemana alcanza la fama debido al éxito de una canción. En ella se basaría el cineasta Rainer Werner Fassbinder para su película "Lili Marleen" (1981).
Lale Andersen falleció en Viena de un ataque al corazón a los 67 años.



He aquí la versión original de Lili Marleen, la canción más famosa de la Segunda Guerra Mundial. Su contenido, entre el sentimentalismo nostálgico y la sensualidad triste, cautivó a millones de soldados que suspiraban pensando en su amada mientras escuchaban:

"Delante del cuartel, ante la puerta grande,
se alzaba una farola y ahí delante sigue.
Allí nos veremos, nos detendremos junto a la farola,
como entonces, Lili Marleen, como entonces, Lili Marleen".

 

Erich Fromm (Frankfurt, Hesse, Alemania, 23-3-1900 / Muralto, Tesino, Suiza, 18-3-1980): In memoriam

HUMANISMO CRÍTICO Y LIBERADOR

Hoy es aniversario natal del escritor, psicólogo social, psicoanalista, sociólogo y filósofo humanista alemán Erich Fromm. Se le considera uno de los iniciadores de la escuela culturalista psicoanalítica estadounidense, cuya metodología busca resolver la neurosis del hombre moderno, que, según Fromm, radica en el distanciamiento existente entre las estructuras sociales y el individuo, anteponiendo una planificación humanista de la vida frente a las teorías del consumo y del rendimiento económico. Sus intereses se centraron en la definición de una nueva "ciencia del hombre", capaz de orientar la formación de una personalidad equilibrada dentro del caos cultural, la violencia y la soledad que constituyen las perversiones del totalitarismo en la sociedad contemporánea. Entre los principios inspiradores de esta crítica al mundo actual se encuentran la obra de Marx y la de Freud, a las que añadió más adelante la influencia del budismo zen, al considerar Fromm como digna de aprecio su noción de "iluminación" entendida como desarrollo de la cualidades intuitivas del hombre.
Erich Seligmann Fromm nació en el seno de una familia judía ortodoxa, siendo su padre comerciante de vinos. Tan sólo tenía catorce años cuando estalló la I Guerra Mundial, cuyos devastadores efectos le hicieron quedar realmente impresionado por la naturaleza de la conducta humana, viéndose entonces incapaz de comprender un hecho tan irracional. Durante su etapa escolar, Fromm estudiaría con gran interés a Freud y Marx, encontrando en el primero una forma de entender la personalidad humana y en el segundo la importancia de las influencias sociopolíticas. Estudió Derecho y después Sociología y Psicoanálisis en las universidades de Heidelberg y de Munich y en el Instituto Psicoanalítico de Berlín. En 1926, tras abandonar el estudio del Talmud, se casó con la psicoanalista Frieda Reichmann, matrimonio que acabaría en divorcio en 1931. Por esta época estableció contacto con la Escuela de Frankfurt donde trabajó en estrecha colaboración con Herbert Marcuse, Walter Benjamin y Theodor Adorno. Tras la toma del poder por el partido nazi, emigró a los Estados Unidos en 1934 junto con otros miembros del Instituto de Investigación Social, de quienes se desvincularía en 1939 por divergencias de pensamiento.
Establecido en la Universidad de Columbia en Nueva York, fue uno de los principales renovadores de la teoría y práctica psicoanalítica. Rompió con las teorías biologicistas de la personalidad para considerar a los seres humanos más bien como frutos de su cultura. Su perspectiva terapéutica se orientó también en este sentido, proponiendo que se intentasen armonizar los impulsos del individuo y los de la sociedad donde vive. Entre sus publicaciones destacan: El miedo a la libertad (1941), El hombre para sí mismo (1947), Psicoanálisis y religión (1950), El lenguaje olvidado (1951), La sociedad sana (1955), El arte de amar (1956), un auténtico best seller internacional, La misión de Sigmund Freud (1956), Budismo zen y psicoanálisis (1960), Más allá de las cadenas de la ilusión (1962), Humanismo socialista (1965), La revolución de la esperanza (1968), La naturaleza del hombre (1968), La crisis del psicoanálisis (1970), La anatomía de la destructividad humana (1973) o ¿Tener o ser? (1976).
Pacifista convencido y partidario de un socialismo humanista y democrático, se opuso al maccarthysmo, a la guerra de Vietnam, al totalitarismo soviético y a la sociedad capitalista, al machismo dominador y al consumismo alienante, y no dejó de cuestionar las religiones monoteístas, que educan a los individuos en la obediencia ciega a una autoridad superior, lo que pone las normas por encima de cualquier razón o discusión, quedando así, el individuo reducido a un mero servidor de un dios todopoderoso. Opuesto a todo autoritarismo, haciendo de la libertad la característica central de la naturaleza humana, no puede decirse que Fromm sea marxista ni freudiano: de Marx y de Freud recoge en particular los elementos críticos y liberadores, abriendo una perspectiva que puede definirse como existencialista o idealista con un notable acento místico. Contra el determinismo económico, Fromm basa su análisis de la sociedad en el concepto de inconsciente social, que representa la parte socialmente reprimida de la psique universal. La realización del amor, de la justicia y de la libertad se conseguirá cuando se satisfagan de manera correcta las necesidades radicales del hombre: la exigencia de relaciones espontáneas, una dimensión trascendente y creativa, una plena expresión de la individualidad, una fe capaz de orientar los comportamientos, una fraternidad universal. 
En 1949 se trasladó a Cuernavaca (México), de cuya universidad sería profesor. Casado con Henny Gurland desde 1944, vivió junto a ella en este país para cuidar de su salud. Sin embargo, Henny no se recobró y murió en 1952. Fromm no abandonó México, sino que se dedicó a formar psicoanalistas. En  1953 volvió a contraer matrimonio con Annis Glove Freeman, que sería su viuda. En 1962 fue nombrado profesor de la Universidad de Nueva York y posteriormente recorrería muchos países dictando cursos. Después de haber sufrido tres infartos, Erich Fromm falleció de un cuarto cinco dias antes de cumplir 80 años, en Suiza, país donde se había instalado desde 1974 en un piso alquilado.

(Informe a partir de las páginas Buscabiografías y Biografías y Vidas)