Percy Faith - Theme from "A summer place"

NOSTALGIA VERANIEGA

La película "En una isla tranquila, al sur" ("A summer place", 1959) de Delmer Daves, con banda sonora de Max Steiner, es basicamente recordada por uno de sus motivos musicales, "Theme from A summer place", que, arreglado y grabado por Percy Faith e interpretado por su orquesta, fue nº 1 en las listas de Billboard nueve semanas consecutivas en 1960 y se convirtió en un clásico. 

Vintage delights (L)

Vanessa Redgrave

Ella Fitzgerald

Dolores Del Rio

The Beatles

Marilyn Monroe

 Elsa Martinelli

Howard Keel

Marion Davies

Pola Negri

 Johnny Weismuller

Ida Lupino

Elton John

William Holden

Norma Shearer

 Ingrid Bergman

Clint Walker

Ty Hardin

Hedy Lamarr

Carolyn Jones

George Nader

Rory Calhoun

Bette Davis

Fabian Forte

Akim Tamiroff

George C. Scott (Wise, Virginia, US, 18-10-1927 / Westlake Village, California, US, 22-9-1999): In memoriam

TALENTOSO, DURO Y TEMIBLE

Hoy es aniversario natal del actor estadounidense George C. Scott. De fuerte temperamento, aire orgulloso y voz grave y ligeramente nasal,  interesó a los productores de Hollywood por su experiencia teatral. Aun de indudable talento y  extremadamente profesional, su actitud exigente y ocasionalmente desafiante alimentó su fama de actor problemático, a lo que no fue ajena su afición a la bebida, que le impulsó a meterse en riñas de taberna de las que salió con las narices rotas en cinco ocasiones. Amaba el teatro muy por encima del cine, en el que decía trabajar sólo por dinero. Cuatro veces candidato al Oscar (dos como actor secundario y dos como actor principal), lo ganó en su tercera candidatura, aunque su desprecio por los premios le hizo rechazarlo.

George Campbell Scott, hijo de un ejecutivo de una marca automovilística, perdió a su madre poco antes de cumplir los ocho años y fue criado por su padre. Poco antes del fin de la Segunda Guerra Mundial
se alistó en la Marina, en la que sirvió durante cuatro años, aunque no llegó a entrar en combate y fue destinado al cementerio de Arlington, donde cada día aterrizaban los cadáveres de jóvenes soldados víctimas del conflicto armado. Scott cayó en depresión y se dio a la bebida. Con intención inicial de ser escritor, estudió periodismo en la Universidad de Missouri, llegando a interesarse por el arte de la interpretación "como medio para huir de sí mismo".

Tras su graduación en 1953 se hizo actor al darse cuenta de que no tenía talento suficiente para escribir. Enrolado en pequeñas compañías con las que recorrió el país durante siete años, a los treinta años le llegó su gran oportunidad, debutando en Broadway con "Ricardo III" de Shakespeare. Dos años después participó en su primera película, El árbol del ahorcado (1959) de Delmer Daves, memorable western protagonizado por Gary Cooper, Maria Schell y Karl Malden, seguido de Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminger, magnífico drama judicial con James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara y Arthur O'Connell, por el que fue nominado al Oscar por primera vez como mejor actor secundario por su interpretación del fiscal Claude Dancer, candidatura que repitió dos años después por El buscavidas (1961) de Robert Rossen, excelente drama sobre el mundo del billar con Paul Newman, Jackie Gleason y Piper Laurie. Su prometedora carrera en la pantalla avanzó con títulos como El último de la lista (1963) de John Huston, thriller criminal con Dana Wynter y Clive Brook, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) de Stanley Kubrick, parodia de la guerra fría coprotagonizada por Peter Sellers donde Scott encarnó a un jactancioso general, El Rolls-Royce amarillo (1965) de Anthony Asquith, comedia dramática con Ingrid Bergman, Rex Harrison, Alain Delon, Jeanne Moreau, Omar Sharif y Shirley MacLaine, La Biblia (en su principio) (1966) de John Huston, traslación de los primeros 22 capítulos del Génesis, donde Scott fue Abraham en un reparto que incluía a Stephen Boyd, Ava Gardner, Richard Harris, John Huston y Peter O'Toole, Bromas con mi mujer... no (1966) de Norman Panama, comedia con Tony Curtis y Virna Lisi, Un fabuloso bribón (1967) de Irvin Kershner, comedia con Sue Lyon y Michael Sarrazin, o Petulia (1968) de Richard Lester, drama con Julie Christie y Richard Chamberlain.

Su protagonismo en Patton (1970) de Franklin J. Schaffner, drama bélico biográfico junto a Karl Malden, fue galardonado con el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor, premio que rechazó y no acudió a recoger, siendo el primer actor en manifestar tal gesto, aunque la Academia volvió a nominarlo al año siguiente en la misma categoría por Anatomía de un hospital (1971) de Arthur Hiller, comedia negra de misterio con Diana Rigg. Entre ambos títulos se estrenaron El detective y la doctora (1971) de Anthony Harvey, comedia de intriga con Joanne Woodward, y Fuga sin fin (1971) de Richard Fleischer, thriller de acción con Tony Musante, Trish Van Devere y Colleen Dewhurst, las dos últimas respectivamente sus tercera y cuarta esposas. Otros títulos de la década fueron Los nuevos centuriones (1972) de Richard Fleischer, drama policiaco con Stacey Keach, Furia (1972), drama que él mismo dirigió e interpretó sin demasiada repercusión, Oklahoma, año 10 (1973) de Stanley Kramer, western con Faye Dunaway, John Mills y Jack Palance, El día del delfín (1973) de Mike Nichols, thriller de ciencia-ficción con Trish Van Devere, Hindenburg (1975) de Robert Wise, drama de catástrofe aérea con Anne Bancroft, La isla del adiós (1977) de Franklin J. Schaffner, drama con David Hemmings, Gilbert Roland y Claire Bloom, El príncipe y el mendigo (1977) de Richard Fleischer, adaptación de la novela de Mark Twain, con Oliver Reed, Raquel Welch, Mark Lester, Ernest Borgnine, Rex Harrison, David Hemmings y Charlton Heston, Movie, movie (1978) de Stanley Donen, dos historias diferentes en un homenaje a las sesiones dobles de los cines de los años treinta, con Trish Van Devere, o Hardcore: un mundo oculto (1979) de Paul Schrader, drama criminal con Peter Boyle.

En la última etapa de su carreera participó en Al final de la escalera (1980) de Peter Medak, thriller de terror psicológico con Trish Van Devere y Melvyn Douglas, La fórmula (1980) de John G. Avildsen, thriller con Marlon Brando y Marthe Keller, Taps, más allá del honor (1981) de Harold Becker, drama militar con Timothy Hutton, Ojos de fuego (1984) de Mark L. Lester, thriller de ciencia-ficción con Drew Barrymore y David Keith, El Exorcista III (1990) de William Peter Blatty, film de terror sobrenatural con Brad Dourif, Malicia (1993) de Harold Becker, thriller criminal con Alec Baldwin, Nicole Kidman y Bill Pullman, o Gloria (1999) de Sidney Lumet, remake del film del mismo título rodado por John Cassavetes en 1980, con Sharon Stone heredando el papel de Gena Rowlands. Desde los años 60 también trabajó asiduamente en teatro y televisión.

George C. Scott estuvo casado con cuatro mujeres: Carolyn Hughes (1951-55), con la que tuvo una hija; Patricia Reed (1955-60), madre de un hijo y una hija; Colleen Dewhurst (1960-65; 1967-72), con la que tuvo dos bodas, dos divorcios y dos hijos (uno de ellos el actor Campbell Scott), y Trish Van Devere (1972-1999), su pareja en varias películas, con quien adoptó a un sobrino de ella y que fue su viuda, aunque para entonces ya estaban separados. Fuera de estos matrimonios tuvo otra hija con Karen Truesdell. Entre su primer y segundo matrimonio con Colleen Dewhurst sostuvo una tormentosa relación con Ava Gardner.

El actor de Virginia falleció a los 71 años de un aneurisma aórtico abdominal.

 

Miriam Hopkins (Savannah, Georgia, US, 18-10-1902/ New York, US, 9-10-1972): In memoriam

PERICIA Y AUTORIDAD

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Miriam Hopkins. De baja estatura pero gran temperamento, versatilidad y elegancia, fue una de las principales estrellas en el Hollywood de los años 30 y más adelante una eficacísima intérprete de carácter. Culta y refinada, podía ser encantadora o viperina, sensible o arpía, sensual o divertida. Trabajó con importantes directores como Ernst Lubitsch, Rouben Mamoulian, King Vidor, Howard Hawks o William Wyler y fue candidata al Oscar en una ocasión.

Después que sus padres se separaron, Ellen Miriam Hopkins se trasladó con su madre a Syracuse, New York, en cuya Universidad estudió arte dramático. A los veinte años trabajó como corista en Broadway y en 1926 se orientó hacia el teatro, consiguiendo pronto la aclamación del público gracias a su brillante personalidad, dicción clara y precisa y buena presencia. El cine la requirió y, contratada por Paramount, Hopkins debutó en la comedia romántica Fast and loose (1930) de Fred C. Newmeyer, pero siguió siendo fiel al teatro, un medio en el que siempre tuvo un nombre importante.

Sus siguientes films fueron El teniente seductor (1931) de Ernst Lubitsch, opereta de gran éxito con Maurice Chevalier y Claudette Colbert, 24 horas (1931) de Marion Gering, drama con Clive Brook y Kay Francis, El hombre y el monstruo (1931) de Rouben Mamoulian, la mejor de las adaptaciones de "El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde", la famosa novela de Robert Louis Stevenson, con Fredric March, Así es Nueva York (1932) de William C. deMille, drama con Phillips Holmes, Bailando a ciegas (1932) de David Burton, drama con Jack Oakie, El tigre del Mar Negro (1932) de John Cromwell, drama sobre la Revolución Rusa, con George Bancroft, y Un ladrón en la alcoba (1932) de Ernst Lubitsch, excelente comedia con Kay Francis y Herbert Marshall que la convirtió en una estrella. Después protagonizó títulos como Secuestro (1933) de Stephen Roberts, drama que adaptaba una novela de William Faulkner, El regreso de una extraña (1933) de King Vidor, drama con Lionel Barrymore, Una mujer para dos (1933), tercer título en que fue dirigida por Ernst Lubitsch, otra elegante comedia sofisticada en la que vivía un ménage à trois con Fredric March y Gary Cooper, Mi vida entera (1934) de James Flood, drama con Fredric March y George Raft, Fuga apasionada (1934) de Elliott Nugent, comedia con Bing Crosby, La mujer más rica del mundo (1934) de William A. Seiter, comedia romántica con Joel McCrea (el primero de los cinco films en que ammbos coincidieron) y Fay Wray, La feria de la vanidad (1935) de Rouben Mamoulian, drama histórico pionero en Technicolor con Frances Dee y Cedric Hardwicke por el que obtuvo su única nominación al Oscar como mejor actriz, La ciudad sin ley (1935) de Howard Hawks, melodrama de época con Edward G. Robinson y Joel McCrea, Esplendor (1935) de Elliott Nugent,  comedia romántica con Joel McCrea, Esos tres (1936) de William Wyler, drama que adaptaba una obra de Lillian Hellman, con Merle Oberon y Joel McCrea, Los hombres no son dioses (1936) de Walter Reisch, drama de producción británica con Gertrude Lawrence, Sebastian Shaw y Rex Harrison, Quien conquista es la mujer (1937) de John G. Blystone, su última comedia con Joel McCrea, Una chica rubia (1937) de Leigh Jason, comedia con Ray Milland, La solterona (1939) de Edmund Goulding, drama basado en una novela de Edith Warton, con Bette Davis (el primero de sus dos films juntas, cuya publicidad incluyó la famosa 'rivalidad' entre ambas actrices) y George Brent, Oro, amor y sangre (1940) de Michael Curtiz, western con Errol Flynn, Un caballero en la noche (1942) de Edwin L. Marin, drama criminal con Brian Donlevy y Preston Foster, o Vieja amistad (1943) de Vincent Sherman, comedia dramática basada en una obra de John Van Druten y su segunda película con Bette Davis, que reactivó el enfrentamiento entre las dos.

Tras un paréntesis de seis años durante los cuales fue pionera en programas dramáticos de televisión, Hopkins regresó al cine en roles secundarios donde no dejó de mostrar su impronta de actriz consumada en películas como La heredera (1949) de William Wyler, adaptación de "Washington Square", la novela de Henry James, con Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson, Casado y con dos suegras (1951) de Mitchell Leisen, divertida comedia con Gene Tierney, John Lund y Thelma Ritter, donde exhibió una sorprendente comicidad, o Carrie (1952) de William Wyler, adaptación de una novela de Theodore Dreiser, con Laurence Olivier y Jennifer Jones. Ausente de la gran pantalla durante otros nueve años, William Wyler la recupera para La calumnia (1961), remake del film de 1936 en el que ambos habían colaborado, con el protagonismo ahora de Audrey Hepburn, Shirley MacLaine y James Garner. Despues de aparecer en la comedia erótica Fanny Hill (1964) de Russ Meyer, interpretó su último papel importante en la gran pantalla, el de madre de Robert Redford en La jauría humana (1966) de Arthur Penn, tenso drama sureño donde también aparecían Marlon Brando y Jane Fonda.

Miriam Hopkins se casó y divorció cuatro veces: con el actor Brandon Peters (1926–27), con el aviador y guionista Austin Parker (1928–31), con el director Anatole Litvak (1937–39), a cuyas órdenes curiosamente nunca actuó, y con el corresponsal de guerra Raymond B. Brock (1945–51). En 1932, adoptó un hijo, Michael T. Hopkins. La actriz falleció de un ataque cardiaco nueve días antes de cumplir 70 años.

Arthur Miller (New York, US, 17-10-1915 / Roxbury, Connecticut, US, 10-2-2005)

CENTENARIO DE ARTHUR MILLER

El dramaturgo estadounidense Arthur Miller nació tal día como hoy hace 100 años. Escritor comprometido, supo trasladar a los escenarios el conflicto del ser humano, reflejando las frustraciones y desengaños de la sociedad norteamericana e interesándose por la responsabilidad del individuo hacia los demás. Con espíritu crítico arremetió contra los falsos valores y el masificador antihumanismo de su país, se acercó al marxismo, para después criticarlo, se opuso activamente a la "caza de brujas" del senador McCarthy y denunció la intervención estadounidense en Corea y Vietnam. Su nombre fue sinónimo de audacia y de ruptura, tanto temática como estructural. Ganador en dos ocasiones del premio Pulitzer, está considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo XX. Además de escribir varias obras mastras de teatro, fue autor de una extensa obra narrativa y ensayística y en 1987 publicó su autobiografía Vueltas al tiempo. Recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2002. Falleció a los 89 años de insuficiencia cardiaca.

Arthur Asher Miller nació en Nueva York el 17 de octubre de 1915, tercer hijo de un matrimonio de emigrantes austríacos formado por Isidore Miller (un fabricante de abrigos judío que se arruinó durante la Gran Depresión) y Augusta Bernett. Se graduó en la Abraham Lincoln High School y para pagarse los estudios de periodismo, que cursó en la Universidad de Michigan, trabajó en una radio local, en un almacén y como editor de noche en el Michigan Daily.

Poco antes de obtener la licenciatura, escribió Todavía crece la hierba (1938), una comedia que le valdría los primeros reconocimientos. Tras finalizar sus estudios, regresó a Nueva York y se inició en la escritura de seriales radiofónicos.

La década de 1940 supuso un período de cambios para Miller. Por un lado, en 1940 contrajo matrimonio con su novia de la universidad, Mary Grace Slattery, con la que tuvo un hijo, Robert, y una hija, Jane, y por otro se consolidó como escritor. Después de debutar en Broadway con El hombre que tuvo toda la suerte del mundo, una comedia de escaso éxito comercial, pero que le proporcionó el Theatre Guild Award en 1944, curiosamente fue una novela, Focus (1945), un alegato contra el antisemitismo, la que le reportó su primer éxito.

Influido por Ibsen, Miller mostró su preocupación por la sociedad que le rodeaba y su problemática en Todos eran mis hijos (1947), donde abordó la actividad de los que se aprovechan de la guerra. La obra obtuvo el premio de la Crítica de Nueva York en 1948, inscribió al autor dentro del realismo norteamericano de su tiempo y supuso su espaldarazo definitivo.

En estos sus primeros títulos se entrevé ya lo que sería el elemento fundamental de toda su obra: la crítica acerba a todos aquellos valores de carácter conservador que comenzaban a asentarse en la sociedad de Estados Unidos. Dos años después llegaría su mayor triunfo con una denuncia del carácter ilusorio del sueño americano: La muerte de un viajante (1949), obra por la que obtuvo el Pulitzer de Teatro y, de nuevo, el premio de la Crítica de Nueva York, y que a menudo se cita entre las mejores del teatro contemporáneo. Ese mismo año, el montaje teatral, dirigido por Elia Kazan, obtuvo seis premios Tony. La obra se representó ininterrumpidamente desde el 10 de febrero de 1949 hasta el 18 de noviembre de 1950, y posteriormente se estrenó en salas de todo el mundo. En 1985 fue llevada al cine por Volker Schlöndorff, con un memorable Dustin Hoffman en el papel protagonista.

Arthur Miller sufrió en sus propias carnes la "caza de brujas" del senador McCarthy. Su obra Las brujas de Salem (1953), un alegato contra la intolerancia y el puritanismo ambientado en 1692, era en realidad una denuncia contra las investigaciones que desde 1946 llevaba a cabo el denominado Comité de Actividades Antiamericanas. El comité, dirigido por Joseph McCarthy, había sido investido con la facultad de averiguar la filiación política de los ciudadanos, al objeto de depurar el país de "antiamericanos" y comunistas. Actores, directores, guionistas y escritores fueron multados o enviados a prisión. En 1956 Miller compareció ante el comité, que lo condenó por desacato al no querer delatar a los miembros de un círculo literario sospechosos de actividades procomunistas. Miller apeló la sentencia y finalmente fue absuelto.

Las brujas de Salem se representó por vez primera en Broadway en 1953 y obtuvo un gran éxito. En esta ocasión el encargado del montaje no fue Elia Kazan, quien en un episodio oscuro de su vida había delatado a varios camaradas ante el comité (Miller no le habló durante años), sino el legendario Jed Harris. La obra fue llevada al cine en 1996. Protagonizada por Daniel Day-Lewis (esposo de Rebecca Miller) y con guión adaptado por el propio Miller; en español se hizo una versión de la obra que se tituló El crisol.

La vida de Arthur Miller cambió radicalmente cuando, tras divorciarse de Mary, el 29 de junio de 1956 contrajo matrimonio con la mítica actriz Marilyn Monroe. La boda coincidió con el estreno de Panorama desde el puente (1955), pieza en la que el autor reproducía el tema de la llegada de inmigrantes a Estados Unidos, y por la que obtendría el segundo Pulitzer. 

La popularidad del intelectual que había sabido ganarse el corazón de la mujer más adorada del siglo XX creció entonces vertiginosamente. El matrimonio hizo correr ríos de tinta durante los casi cinco años que duró. Habitual del papel couché y del glamour de Hollywood, la pareja no fue feliz y finalmente las infidelidades de la actriz (que tuvo un romance con Yves Montand), sus problemas con el alcohol y las tensiones durante el rodaje de Vidas rebeldes (1961), película de John Huston con guión del dramaturgo y protagonizada por Marilyn, acabaron con el matrimonio, que finalmente se divorció en enero de 1961. En esos años Miller se mantuvo alejado de los escenarios y no volvió a estrenar hasta 1964.

La estabilidad sentimental le llegó con la prestigiosa fotógrafa austríaca Inge Morath, pionera del fotoperiodismo. Se habían conocido durante el rodaje de Vidas rebeldes, donde ella ejercía de fotógrafa oficial del rodaje. Se casaron en 1962 y ya no se separarían hasta el fallecimiento de Inge, cuarenta años después (2002). Morath le dio una hija, Rebecca, y, según el biógrafo del dramaturgo, un hijo, Daniel, nacido con síndrome de Down y del que Miller nunca habló.

Arthur Miller volvió a los escenarios en 1964 con Después de la caída, un texto autobiográfico durísimo en el que narraba su relación con Marilyn. Otras obras destacadas posteriores, que sin embargo ya no le reportaron tanta popularidad, fueron Incidente en Vichy (1964), El precio (1968), quizá su último éxito popular, En Rusia (1969), La creación del mundo (1972), En el paraíso (1974), La colcha de Marta (1977), El arzobispo (1977), El viajante en Beijing (1984), El descenso del monte Morgan (1991) y Cristales rotos (1994).

(Texto procedente de la página Biografías y Vidas) 

Miguel Delibes (Valladolid, España, 17-10-1920 / Ibid, 12-3-2010): In memoriam

REALISMO CASTELLANO

Hoy se cumple el 95 aniversario natal del escritor español Miguel Delibes. De pensamiento humanista-católico-liberal, entre los motivos de su obra destacan la perspectiva crítica e irónica frente a la pequeña burguesía, la denuncia de las injusticias sociales, la rememoración de la infancia o la representación de los hábitos y el habla propia del mundo rural, muchos de cuyos términos y expresiones recupera para la literatura, y que suele contraponer al mundo urbano, con clara fidelidad al campo castellano, a sus tipos y situaciones. Su obra narrativa, que prolonga y renueva el realismo tradicional, lo ha convertido en uno de los literatos más prestigiosos de la segunda mitad del siglo XX. Su sostenida labor como novelista ha sido sucesivamente reconocida con el Premio Nadal (1948), el Premio de la Crítica (1953), el Premio Nacional de Narrativa (1955 y 1999), el Premio Príncipe de Asturias de las Letras (1982), el Premio Nacional de las Letras Españolas (1991), el Premio Miguel de Cervantes (1993), o la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (1999), entre otros muchos. También fue nombrado Doctor Honoris Causa por diversas universidades y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras en Francia (1985).

Hijo de un catedrático de Derecho, en 1936, año en que comienza la Guerra Civil española, termina el bachillerato y, al encontrarse cerrada la Universidad, ingresa en la escuela de comercio de Valladolid. Al mismo tiempo estudia modelado en la escuela de Artes y Oficios de su ciudad. En 1938 se alista como voluntario en la Marina del ejército sublevado. En el crucero Canarias pasa el año que aún dura la guerra. Finalizada la contienda regresó a su ciudad natal y se licenció en Derecho, logrando la cátedra de Derecho Mercantil en la Escuela de Comercio de Valladolid en 1945. Sus primeros pasos en la escritura y en el dibujo (realizando caricaturas con el seudónimo de Max), los había dado colaborando con varias publicaciones, entre ellas “El Norte de Castilla”, periódico al que accede en 1941, donde da comienzo su vocación periodística. Hasta 1944 no forma parte de la plantilla como redactor, llegando a ser director en 1958, puesto en el que se mantendría hasta 1963.

En 1946 se casó con Angeles de Castro, con la que tendría siete hijos, y un año más tarde le fue otorgado el Premio Nadal por su primera novela, La sombra del ciprés es alargada (1947), lo que le impulsó a proseguir su carrera literaria, publicando sucesivamente Aún es de día (1949), El camino (1950), Mi idolatrado hijo Sisí (1953), Diario de un cazador (1955), obra en la que profundiza en uno de sus temas recurrentes, la caza, y por la que consiguió el Premio Nacional de Narrativa, Diario de un emigrante (1958), La hoja roja (1959), Las ratas (1962), Cinco horas con Mario (1966), posteriormente  adaptada al teatro en 1979, Parábola del náufrago (1969), El príncipe destronado (1973), Las guerras de nuestros antepasados (1975), adaptada al teatro en el 1990, El disputado voto del señor Cayo (1978), Los santos inocentes (1981), llevada al cine con gran éxito por Mario Camus en 1984, Cartas de amor de un sexagenario voluptuoso (1983), El tesoro (1985), 377A, madera de héroe (1987), Señora de rojo sobre fondo gris (1991), Diario de un jubilado (1995) y El hereje (1998), que le valió el Premio Nacional de Literatura por segunda vez. A estas obras hay que añadir otras muchas que reflejan también su interés por la caza, la pesca, el fútbol y la vida al aire libre. Es asímismo autor de relatos cortos o cuentos como La mortaja (1970) y de textos autobiográficos como Un año de mi vida (1972).

En general sus libros destacan por un retrato sobrio y realista de las costumbres, paisajes y caracteres castellanos, con especial predilección sobre asuntos relacionados con la caza. Su prosa revela una gran riqueza léxica.

Fue nombrado miembro de la Real Academia de la Lengua Española en 1974, el mismo año en que falleció su esposa a los 50 años de edad, hecho que le marcó profundamente. Una de sus últimas obras fue He dicho (1996), colección de ensayos sobre temas diferentes pero muy propios del mundo de Delibes, por lo que en realidad es una semblanza autobiográfica. Entre sus últimos trabajos literarios figura La tierra herida: ¿Qué mundo heredarán nuestros hijos? (2005), ensayo coescrito con su hijo Miguel Delibes de Castro, científico especialista en ecología, que en un diálogo con su padre aborda temas como el cambio climático, la desertificación o la contaminación del medio ambiente.

Miguel Delibes falleció a los 89 años a consecuencia de un cáncer de colon que se le diagnosticó cuando tenía 77, tras haber superado tres operaciones quirúrgicas.

Tibute to Tim Robbins (West Covina, California, US, 16-10-1958)

ACTOR DE ALTURA

El actor y director estadounidense Tim Robbins cumple hoy 57 años. Con sus casi dos metros de altura, es un versátil intérprete capaz de convencer igualmente como tipo bondadoso y alegre o como psicópata y deprimido. Entre otros premios, ha ganado el premio al mejor actor en Cannes, dos Globos de Oro y el Oscar al mejor secundario, obteniendo asímismo una nominación a los Premios de la Academia como mejor director. También se ha destacado como activista político.

Hijo de un músico, cantante y actor y de una actriz, a temprana edad Timothy Francis Robbins se trasladó con su familia a Nueva York, donde, mientras estudiaba, participó en funciones escolares. De vuelta en California, se graduó en la UCLA Film School en 1982 y formó un grupo teatral denominado Actor’s Gang, con el que comenzó a representar obras teatrales vanguardistas de contenido sociopolítico. Tras intervenir en diversos episodios de series televisivas y en varios films menores como Juegos de amor en la universidad (1985) de Rob Reiner, participó en Top Gun (Idolos del aire) (1986) de Tony Scott, drama aéreo de acción protagonizado por Tom Cruise, Cinco esquinas (1988) de Tony Bill, drama criminal con Jodie Foster, y Los búfalos de Durham (1988) de Ron Shelton, comedia romántica sobre el mundo del baseball protagonizada por Kevin Costner y Susan Sarandon, actriz con la que estableció una relación sentimental de la que nacieron dos hijos varones en 1989 y 1992 y que terminó en 2009.

La popularidad de Robbins se acrecentó poco a poco con su participación en películas como Miss América (1989) de Thomas Schlamme, Twister (1989) de Michael Almereyda, Erik el vikingo (1989) de Terry Jones, Cadillac man (1990) de Roger Donaldson, La escalera de Jacob (1990) de Adrian Lyne, Fiebre salvaje (1991) de Spike Lee, o El juego de Hollywood (1992), su primera colaboración con el director Robert Altman, que le valió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y un Globo de Oro. Ese mismo año Robbins debutó como director y guionista con la sátira política Ciudadano Bob Roberts (1992), que también protagonizó. Con posterioridad repitió con Robert Altman en Vidas cruzadas (1993), trabajó con los hermanos Coen en El gran salto (1994) de Joel Coen, comedia negra con Jennifer Jason Leigh y Paul Newman, y apareció sucesivamente en Cadena perpetua (1994) de Frank Darabont, drama carcelario que adaptaba una novela de Stephen King, con Morgan Freeman, una de sus mejores películas, Prêt-à-porter (1994) de Robert Altman, comedia satírica con reparto multiestelar, y El genio del amor (1994) de Fred Schepisi, comedia romántica con Meg Ryan y Walter Matthau. A continuación Robbins estrenó su segundo título como director, Pena de muerte (1995), drama protagonizado por Susan Sarandon y Sean Penn, por el que consiguió ser nominado al Oscar como mejor director. Luego se le vio en la comedia Nada que perder (1997) de Steve Oedekerk y en el thriller de misterio Arlington Road. Temerás a tu vecino (1999) de Mark Pellington, con Jeff Bridges y Joan Cusack, y dirigió su tercera película Abajo el telón (1999), que fracasó comercialmente.

Ya sólo como actor prosiguió su carrera con títulos como Misión a Marte (2000) de Brian De Palma, film de ciencia-ficción con Gary Sinise, Alta fidelidad (2000) de Stephen Frears, comedia con John Cusack, Conspiración en la red (Hackers 3) (2001) de Peter Howitt, thriller con Ryan Phillippe, Human nature (2001) de Michel Gondry, comedia dramática con Patricia Arquette, La verdad sobre Charlie (2002) de Jonathan Demme, thriller con Mark Wahlberg y Thandie Newton, Código 46 (2003) de Michael Winterbottom, distopía de ciencia-ficción con Samantha Morton, y Mystic River (2003) de Clint Eastwood, drama criminal de intriga con Sean Penn, Kevin Bacon, Laurence Fishburne, Marcia Gay Harden y Laura Linney, por el que Robbins ganó el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario.

El resto de su filmografía la conforman películas como La guerra de los mundos (2005) de Steven Spielberg, nueva adaptación de la novela de H.G. Wells, con Tom Cruise, La vida secreta de las palabras (2005) de Isabel Coixet, drama de producción española, con Sarah Polley y Javier Cámara, Atrapa el fuego (2006) de Phillip Noyce, thriller basado en hechos reales, con Derek Luke, City of Ember: en busca de la luz (2008) de Gil Kenan, fantasía de ciencia-ficción con Bill Murray, Linterna Verde (2011) de Martin Campbell, adaptación de un cómic de ciencia ficción con Ryan Reynolds como protagonista, Vida de crimen (2013) de Daniel Schechter, comedia con Jennifer Aniston, o Un día perfecto (2015) de Fernando León de Aranoa, comedia itinerante de producción española sobre la guerra de Yugoslavia, con Benicio del Toro. Ultimamente también ha trabajado en la televisión.

Linda Darnell (Dallas, Texas, US, 16-10-1923 / Chicago, Illinois, US, 10-4-1965): In memoriam

LA BELLEZA MORENA DE LA FOX

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Linda Darnell. De seductora belleza morena, en los años 40 se convirtió en una de las principales estrellas de 20th Century Fox, estudio especializado en rubias. En los 50 pasó a RKO y a los 34 años abandonó el cine, volviendo sólo para un film de serie B siete años después. Murió tragicamente a los 41 años.

Hija de un empleado postal, Monetta Eloyse Darnall (su nombre real) fue desde pequeña empujada por su madre a una carrera artística para la que no tenía especial vocación. A los once años fue modelo, a los trece comenzó a actuar en escenarios locales y a los catorce emprendió estudios de español y arte. En 1938, animada por su madre se presentó a una prueba de pantalla en Hollywood para 20th Century Fox, siendo inicialmente rechazada por demasiado joven. Pero su belleza cautivó al jefe de producción Darryl F. Zanuck y finalmente firmó un contrato con ese estudio, debutando antes de cumplir los dieciséis en Hotel for women (1939) de Gregory Ratoff, drama con Ann Sothern. Después fue emparejada a Tyrone Power en la comedia Tejados de vidrio (1939), tambien dirigida por Gregory Ratoff, a John Payne en la comedia Stardust (1940) de Walter Lang, de nuevo a Tyrone Power en el western El hombre de la frontera (1940) de Henry Hathaway y en el film de aventuras El signo del Zorro (1940) de Rouben Mamoulian, compartiendo créditos con Henry Fonda y Dorothy Lamour en el drama romántico Pasión de amazona (1940) de Henry King.

Su ascenso al estrellato se produjo rapidamente tras el estreno de Sangre y arena (1941) de Rouben Mamoulian, melodrama basado en la novela de Blasco Ibáñez, con Tyrone Power y Rita Hayworth. No obstante, el estudio se mostró incapaz de ofrecerle papeles apropiados y Darnell apareció en títulos menores como Los amores de Edgar Allan Poe (1942) de Harry Lachman o Ciudad sin hombres (1943) de Sidney Salkow. En mejores manos estuvo cuando rodó Las aventuras de Buffalo Bill (1944) de William A. Wellman, western con Joel McCrea y Maureen O'Hara, Sucedió mañana (1944) de René Clair, comedia con Dick Powell y Jack Oakie, Extraña confesión (1944) de Douglas Sirk, drama con George Sanders que la transformó en sex-symbol, Concierto macabro (1945) de John Brahm, thriller de terror con Laird Cregar y George Sanders, ¿Ángel o diablo? (1945) de Otto Preminger, magnífico noir con Alice Faye y Dana Andrews, Ana y el rey de Siam (1946) de John Cromwell, primera adaptación a la pantalla de la novela de Margaret Landon, con Irene Dunne y Rex Harrison, Pasión de los fuertes (1946) de John Ford, memorable western con Henry Fonda y Victor Mature, Ambiciosa (1947) de Otto Preminger, drama de época con Cornel Wilde, Richard Greene y George Sanders, Murallas humanas (1948) de John M. Stahl, melodrama de época con Cornel Wilde, Anne Baxter y Kirk Douglas, Infielmente tuyo (1948) de Preston Sturges, comedia excéntrica con Rex Harrison, Carta a tres esposas (1949) de Joseph L. Mankiewicz, drama con Jeanne Crain y Ann Sothern, Furia del trópico (1949) de André De Toth, drama de aventuras con Richard Widmark y Veronica Lake, o Si ella lo supiera (1949) de Edmund Goulding, comedia con Paul Douglas, Celeste Holm y Charles Coburn.

La carrera fílmica de Linda Darnell continuó en la década de los 50 con títulos de menor calidad que las producciones del decenio precedente. A pesar de ello, puede ser vista en películas estimables como Un rayo de luz (1950) de Joseph L. Mankiewicz, noir con Richard Widmark y Stephen McNally, Entre dos juramentos (1950) de Robert Wise, western con Joseph Cotten, Jeff Chandler y Cornel Wilde, Cartas envenenadas (1951) de Otto Preminger, drama remake de "El cuervo" de Clouzot (1943), con Charles Boyer y Michael Rennie, La isla del deseo (1952) de Stuart Heisler, romance bélico con Tab Hunter, El pirata Barbanegra (1952) de Raoul Walsh, film de aventuras marinas con Robert Newton y William Bendix, o Perseguida (1953) de Rudolph Maté, thriller con Robert Mitchum y Jack Palance. Sus siguentes apariciones se dieron en producciones de bajo presupuesto y, tras rodar Suspense... hora cero (1957) de Hall Bartlett, thriller con Dana Andrews y  Sterling Hayden, la actriz de Texas optó por alejarse del cine y actuar en televisión y teatro, volviendo a la gran pantalla sólo en una ocasión en el western Espuelas negras (1965) de R.G. Springsteen, con Rory Calhoun.

Linda Darnell se casó y divorció tres veces: con el cameraman Peverell Marley (1944-1951), con quien adoptó una hija, matrimonio durante el cual ella mantuvo un prolongado romance con el director Joseph L. Mankiewicz (que se negaba a dejar a su esposa), tuvo problemas con el alcohol y depresiones que la llevaron al intento de suicidio; con el cervecero Philip Liebmann (1954-1955), una breve unión de conveniencia; y con el piloto Merle Roy Robertson (1960-1963). La actriz falleció el 10 de abril de 1965 a causa de las quemaduras sufridas en el 90% de su cuerpo en un incendio doméstico producido en la madrugada anterior. Tenía solamente 41 años.

Angela Lansbury (London, UK, 16-10-1925)

GRAN VETERANA DE LA PANTALLA Y LA ESCENA

La actriz anglo-americana Angela Lansbury cumple hoy 90 años. Aún en activo después de una prolífica carrera de más de setenta años en cine, televisión y teatro, se ha distinguido por su talento en interpretar a mujeres poco convencionales. Casi siempre secundaria en sus papeles para la gran pantalla, por tres de los cuales fue candidata al Oscar, además de ganar dos Globos de Oro, ya en plena madurez adquirió el estatus de luminaria de leyenda en Broadway, galardonada con cinco premios Tony, y en estrella televisiva encarnando a la popular detective Jessica Fletcher, premiada con otros cuatro Globos de Oro. En 2014 recibió un Oscar honorífico y el título de Dama Comandante de la Orden del Imperio británico.

Nacida en el seno de una familia de clase alta, Angela Brigid Lansbury es hija del político Edgar Lansbury (fallecido cuando ella tenía nueve años) y la actriz Moyna MacGill. En 1940, para escapar de los bombardeos alemanes sobre Londres, Angela se trasladó con su madre y sus dos hermanos gemelos a Nueva York, donde estudió arte dramático. Dos años después marchó a Hollywood, donde firmó un contrato con MGM, debutando en el cine con Luz que agoniza (1944) de George Cukor, drama psicológico de época adaptado de una obra teatral de Patrick Hamilton, con Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, que le valió su primera nominación al Oscar como actriz secundaria. Después de intervenir en Fuego de juventud (1944) de Clarence Brown, un film familiar sobre el mundo de la hípica con Mickey Rooney, Donald Crisp y Elizabeth Taylor, consigue el Globo de Oro a la mejor actriz secundaria y otra nominación al Oscar por El retrato de Dorian Gray (1945) de Albert Lewin, que adaptaba con talento la obra literaria de Oscar Wilde. En esta película, protagonizada por George Sanders, Hurd Hatfield y Donna Reed, apareció su madre en un pequeño papel. En 1945 Angela se casó con el actor Richard Cromwell, pero el matrimonio no duró ni un año y se divorciaron en 1946. La causa de este fracaso fue la homosexualidad no declarada de su marido.

La carrera cinematográfica de la intérprete londinense no pudo empezar mejor, siendo continuada durante la segunda mitad de los años 40 con títulos como Las chicas de Harvey (1946) de George Sidney, musical con el protagonismo de Judy Garland, Los asuntos privados de Bel Ami (1947) de Albert Lewin, llevando al cine ahora a Guy de Maupassant, con George Sanders y Ann Dvorak, El estado de la Unión (1948) de Frank Capra, drama político con Spencer Tracy, Katharine Hepburn y Van Johnson, Los Tres Mosqueteros (1948) de George Sidney, adaptación de la novela de Alexandre Dumas padre donde encarnó a la Reina Ana en un reparto que incluía a Lana Turner, Gene Kelly, June Allyson y Van Heflin, El Danubio rojo (1949) de George Sidney, drama sobre la guerra fría con Walter Pidgeon, Ethel Barrymore, Peter Lawford y Janet Leigh,o Sansón y Dalila (1949) de Cecil B. De Mille, historia bíblica en la que compartía créditos con Hedy Lamarr, Victor Mature, George Sanders y Henry Wilcoxon. En 1949 contrajo matrimonio con su segundo y definitivo esposo, Peter Shaw, un ejecutivo de la Metro que se convirtió también en su representante. La pareja tuvo dos hijos: Anthony Peter (nacido el año 1950) y Deidre Angela (1952) y su unión se mantuvo hasta la muerte de Shaw en 2003.

A partir de los años 50 Angela diversificó con mayor intensidad su labor como intérprete, apareciendo en películas cinematográficas y de televisión, además de trabajar en el teatro a partir de 1957. Entre sus siguientes títulos figuran Motín (1952) de Edward Dmytryk, film de aventuras con Mark Stevens y Patric Knowles, La máscara púrpura (1955) de Bruce Humberstone, aventuras napoleónicas con Tony Curtis y Colleen Miller, La ciudad sin ley (1955) de Joseph H. Lewis, western con Randolph Scott, El bufón de la corte (1956) de Norman Panama y Melvin Frank, comedia medieval protagonizada por Danny Kaye, El largo y cálido verano (1958) de Martin Ritt, drama sureño sobre relatos de William Faulkner, con Paul Newman, Joanne Woodward, Anthony Franciosa, Orson Welles y Lee Remick, Mamá nos complica la vida (1958) de Vincente Minnelli, comedia con Rex Harrison, Kay Kendall, John Saxon, Sandra Dee, En la escalera oscura (1960) de Delbert Mann, adaptación de una obra de William Inge, con Robert Preston y Dorothy McGuire, Escándalo en la corte (1960) de Michael Curtiz, comedia romántica de época con Sophia Loren, Maurice Chevalier y John Gavin, Amor en Hawai (1961) de Norman Taurog, musical con Elvis Presley, Su propio infierno (1962) de John Frankenheimer, drama con Eva Marie Saint, Warren Beatty y Karl Malden, El mensajero del miedo (1962) de John Frankenheimer, thriller de suspense con Frank Sinatra, Laurence Harvey y Janet Leigh, que le valió un segundo Globo de Oro y una tercera candidatura al Oscar a la mejor actriz secundaria, Amor prohibido (1963) de Robert Stevens, drama romántico con Peter Finch y Jane Fonda, El irresistible Henry Orient (1964) de George Roy Hill, comedia con Peter Sellers y Paula Prentiss, Querido corazón (1964) de Delbert Mann, comedia romántica con Glenn Ford y Geraldine Page, Moll Flanders (1965) de Terence Young, comedia histórica con Kim Novak y Richard Johnson, La historia más grande jamás contada (1965) de George Stevens, superproducción sobre la vida de Jesús de Nazaret que contó con un extenso reparto encabezado por Max Von Sydow, Harlow, la rubia platino (1965) de Gordon Douglas, biopic protagonizado por Carroll Baker, La mujer sin rostro (1966) de Delbert Mann, drama con James Garner, Jean Simmons y Suzanne Pleshette, Corrupción de una familia (1970) de Harold Prince, comedia negra con Michael York, La bruja novata (1971) de Robert Stevenson, comedia familiar con David Tomlinson, Muerte en el Nilo (1978) de John Guillermin, adaptación de una novela de Agatha Christie, con reparto multiestelar encabezado por Peter Ustinov, La dama del expreso (1979) de Anthony Page, remake de un film de Hitchcock de 1938, con Elliott Gould y Cybill Shepherd, El espejo roto (1980) de Guy Hamilton, nueva adaptación multiestelar de Agatha Christie, con Lansbury como la detective aficionada Miss Marple, Los piratas de Penzance (1983) de Wilford Leach, adaptación de varias operetas cómicas de Gilbert y Sullivan, con Kevin Kline, En compañía de lobos (1984) de Neil Jordan, fantasía de terror con David Warner, La niñera mágica (2005) de Kirk Jones, comedia familiar con Emma Thompson y Colin Firth, o Los pingüinos del Sr. Poper (2011) de Mark Waters, comedia familiar con Jim Carrey.

En su paralela y triunfal carrera teatral Lansbury ganó tres premios Tony como mejor actriz en un musical por sus trabajos en Mame (1966-1968), Dear world (1969) y Gypsy (1973-1975). Después fue Gertrude en Hamlet (1975-1976), Anna en El rey y yo (1978), Mrs. Lovett en Sweeney Todd (1979-1980), su cuarto Tony, de nuevo Miss Dennis en Mame (1983), Leona Mullen en Deuce (2007), Madame Arcati en Un espíritu burlón (2009), su quinto Tony, o Madame Armfeldt en A little night music (2009-2010). Por su interpretación de Jessica Fletcher en la muy popular serie televisiva Se ha escrito un crimen (1984-1996) ganó los Globos de Oro a la mejor actriz de 1985, 1987, 1990 y 1992.

POSDATA

Angela Lansbury falleció mientras dormía en su casa de Los Angeles, California, el 11 de octubre de 2022, cinco día antes de cumplir 97 años.

Enrique Jardiel Poncela (Madrid, España, 15-10-1901 / Ibid, 18-2-1952): In memoriam

COMEDIÓGRAFO DEL ABSURDO

Hoy se cumplen 114 años del nacimiento del dramaturgo y novelista español Enrique Jardiel Poncela. Partiendo de una literatura de raíces vanguardistas, fue un ingenioso renovador de la comedia y la narración humorística. Su propósito fue desterrar al olvido el anticuado humorismo costumbrista hispánico y aprovechar las infinitas posibilidades de lo inverosímil y lo fantástico. Por ello no es de extrañar que sus estrenos desencadenasen grandes polémicas y que la crítica, en su mayor parte adversa, le reprochase sus apresurados desenlaces, en los que se veía obligado a hacer creíbles los brillantes y desquiciados planteamientos previos. Demasiado conservador para la izquierda y demasiado libertino para la derecha, recibió reproches de ambos lados. No obstante, su estilo tuvo una gran influencia en la cultura iberoamericana contemporánea. Sus Obras Completas se publicaron en 1977. "Si queréis los mejores elogios, moríos", reza su epitafio. Para que mucha gente lo entendiera, ha tenido que pasar más de medio siglo.

Reseña biográfica procedente de la página El Criticón: 

Enrique Jardiel Poncela nació el 15 de octubre del año 1901 en Madrid (España). Era hijo de la pintora Marcelina Poncela y del periodista Enrique Jardiel, quien también se dedicó con poca relevancia a la escritura dramática.

En 1904 Jardiel ingresó en la Institución Libre de Enseñanza y en 1912 acudió al Colegio de los Escolapios.

En el año 1916 entabló amistad con Serafín Adame, con quien escribió al alimón varias obras que no fueron estrenadas.

Un año más tarde comenzó la carrera de Filosofía y Letras, pero la abandonó para dedicarse al periodismo y a la literatura, publicando su primer relato en 1920 en la publicación “El Imparcial”. En este período colaboró con José López Rubio y se volcó en la escritura humorística al participar en revistas como "Buen humor" o "Gutiérrez".

A comienzos de la década de los 20 hizo amistad con Ramón Gómez de la Serna, quien cambió su forma de entender la literatura, convirtiéndose en su principal influencia. Otros importantes nombres que compartieron publicación con Jardiel Poncela fueron Miguel Mihura, Tono, Edgar Neville, Manuel Abril o Enrique Díaz Casariego.

En 1926 da inicio a una relación sentimental con una mujer separada llamada Josefina Peñalver, con quien, sin casarse, tuvo a su hija Evangelina, nacida dos años después del comienzo de la relación. Poco tiempo más tarde la pareja decidió separarse.

Su primera obra teatral estrenada fue Una noche de primavera sin sueño (1927). En esta primera etapa de su carrera también ejerció como novelista, debutando con Amor se escribe sin hache (1929). Con posterioridad aparecieron ¡Espérame en Siberia, vida mía! (1930), Pero… ¿hubo alguna vez once mil vírgenes? (1931) y La tournée de Dios (1932).

A comienzos de los años 30, y tras estrenar la obra de teatro El cadáver del señor García (1930), Jardiel se marchó a los Estados Unidos, intentando labrarse un porvenir como guionista en Hollywood para la 20th Century Fox, escribiendo títulos como "Primavera en otoño" (1933) o "Una viuda romántica" (1933).

En el año 1933 regresó España y dio comienzo a una relación con la actriz Carmen Sánchez Labajos, con quien tuvo a su hija Mari Luz. En 1936 fue detenido por dar asistencia al político conservador Rafael Salazar, pero quedó en libertad después de pasar tres días en la cárcel.

En plena Guerra Civil se marchó a Francia. Posteriormente viajó a Argentina para regresar de nuevo a España y residir en San Sebastián, mostrándose favorable en principio al bando franquista, decepcionado y descontento con los años de gobierno del Frente Popular. Después del conflicto retornó a la capital de España y, a mediados de los años 40, se declaró independiente a nivel ideológico y con espíritu crítico.

Jardiel abandonó en el año 1933 la escritura novelesca para centrar su gran talento en el teatro escribiendo títulos como Margarita, Armando y su padre (1933), Usted tiene ojos de mujer fatal (1933), Angelina o el honor de un brigadier (1934), Un adulterio decente (1935), Las cinco advertencias de Satanás (1935), Un marido de ida y vuelta (1939), Eloísa está debajo de un almendro (1940), Los ladrones somos gente honrada (1941), Los habitantes de la casa deshabitada (1942), Es peligroso asomarse al exterior (1942), Blanca por fuera y rosa por dentro (1943), Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1946), una de sus principales obras, que en 1936 se había estrenado con el título de "Morirse es un error", Agua, aceite y gasolina (1946), El sexo débil ha hecho gimnasia (1949) y Los tigres escondidos en la alcoba (1949).

Además de novela y teatro el autor madrileño también escribió cuentos. Algunos de ellos están recopilados en los libros ¡Por Dios, que no se entere nadie y El libro del convaleciente.

A finales de los años 30 Jardiel llegó a dirigir y escribir cortos cinematográficos, como "Un anuncio y cinco cartas" (1937), "Definiciones" (1938) y un largometraje llamado "Mauricio o una víctima del vicio" (1940). En 1943 creó la Compañía de Comedias Cómicas.

El fracaso comercial de sus últimas producciones teatrales le llevó a la ruina económica y un cáncer de laringe provocó su muerte el 12 de febrero de 1952. Tenía 50 años. Uno de sus principales admiradores y amigos fue Fernando Fernán Gómez.

Enrique Jardiel Poncela es uno de los principales nombres del teatro humorístico español. Infravalorado en su tiempo, se mostró contrario a la escena cómica previa y desarrolló con ingenio un teatro basado en la lógica de lo inverosímil, con gusto por el absurdo, la experimentación, el sarcasmo y la ironía, y la creación de situaciones y personajes disparatados.

Su vida y obra ha sido analizada en distintos libros, uno de ellos escrito por Víctor Olmos y titulado "¡Haz reír, haz reír!".

Mary Carrillo (Toledo, España, 14-10-1919 / Madrid, España, 31-7-2009): In memoriam

GRAN DAMA DE LA ESCENA ESPAÑOLA

Hoy es aniversario natal de la actriz española Mary Carrillo, toda una gran señora dentro y fuera de la escena. Durante décadas brilló sobre las tablas de los teatros españoles a lo largo de una dilatada carrera, además de haber tenido presencia destacada en diversas películas. Finalizó su carrera recibiendo el premio Goya.

Aunque comenzó a actuar con apenas diez años, María Carrillo Moreno debutó en 1936 en la compañía de Hortensia Gelabert, con un papel en El juramento de la primorosa de Pilar Millán Astray y después trabajó en la de Pepita Díaz representando Nuestra Natacha de Alejandro Casona. Poco después del inicio de la Guerra Civil española se trasladó a México, donde estrenó Prohibido suicidarse en primavera, también de Alejandro Casona, padrino de su boda con el actor Diego Hurtado. De regreso a España, retoma su carrera teatral y hace su primera incursión en el cine con uno de los grandes títulos del cine de posguerra, Marianela (1940), de Benito Perojo, basada en la novela de Pérez Galdós.

En teatro, se incorpora primero a la compañía de María Bassó y Nicolás Navarro y, en 1940, a la del María Guerrero, para acabar fundando la suya propia en 1948. En los años 50 continuó en el teatro bajo la dirección de José Tamayo en la Compañía del Teatro Español, con obras como Diálogos de Carmelitas (1954), de Georges Bernanos, La alondra (1954) de Jean Anouilh, La vida es sueño (1955), de Calderón de la Barca, o Julio César (1955), de William Shakespeare. Vuelve al cine con El pisito (1958) de Marco Ferreri e Isidoro M. Ferry, junto a José Luis López Vázquez,  magnífica película cercana al neorrealismo, una humorada negra donde daba vida a la eterna novia de un oficinista, la cual debe aceptar que su prometido se case antes con una anciana, con la esperanza de que su previsible fallecimiento les permita heredar su piso y así poder disfrutar de una vida en común.

En los años 60 continúa su actividad tetral, entre la que destacan obras como ¿Quién quiere una copla del Arcipreste de Hita? (1965), de José Martín Recuerda, dirigida por Adolfo Marsillach, o ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), de Edward Albee. El autor de la obra original estuvo en el estreno de la versión dirigida por Enrique Diosdado, y al parecer se quedó tan prendado por la actuación de Carrillo que quería que la Metro la contratara para su adaptación al cine, papel que acabaría asumiendo Elizabeth Taylor, que tenía dos ventajas: era mucho más mediática y hablaba inglés. En la pantalla, Carrillo también intervino en Nueve cartas a Berta (1966), meritorio debut en la dirección de Basilio Martín Patino, con Emilio Gutiérrez Caba y Elsa Baeza. No faltan en su filmografía comedias ligeras: Los chicos del Preu (1967), No le busques tres pies... (1968) o Las secretarias (1968), las tres de Pedro Lazaga o ¿Es usted mi padre...? (1969) de Antonio Giménez-Rico. En teatro representa Divinas palabras (1969), de Ramón María del Valle-Inclán y Madre Coraje y sus hijos (1969) de Bertolt Brecht.

Ya consolidada como primera gran actriz de la escena española, estrena sucesivamente Los buenos días perdidos (1972), ¿Por qué corres, Ulises? (1975) y La vieja señorita del paraíso (1980), las tres de Antonio Gala, La enemiga (1982), de Dario Niccomedi, Buenas noches, madre (1984) de Marsha Norman, junto a Concha Velasco, o La casa de los siete balcones (1989), de Alejandro Casona. Tambien participa en películas como El love feroz (1976) y Colorín colorado (1976), las dos de José Luis García Sánchez, Al fin solos, pero... (1977) de Antonio Giménez-Rico, Hasta que el matrimonio nos separe (1977) de Pedro Lazaga, Al servicio de la mujer española (1978) de Jaime de Armiñán, La Sabina (1979), El crimen de Cuenca (1979) de Pilar Miró, F.E.N. (1980) de Antonio Hernández, La mano negra (1980) de Fernando Colomo, Gary Cooper, que estás en los cielos (1981) de Pilar Miró, La colmena (1982) de Mario Camus, Entre tinieblas (1983) de Pedro Almodóvar, Akelarre (1984) de Pedro Olea, Los santos inocentes (1984) de Mario Camus, o El niño de la luna (1988) de Agustí Villaronga. Asímismo colaboró con Mario Camus en la serie televisiva "Fortunata y Jacinta" (1980), basada en la novela de Benito Pérez Galdós. 

Se despidió del teatro con Hora de visita (1994-1995) de José Luis Alonso de Santos y del cine con Más allá del jardín (1996), de Pedro Olea, drama junto a Concha Velasco y Fernando Guillén que le valió el Goya a la mejor actriz de reparto. Además, a lo largo de su carrera recibió, entre otros, el Premio Nacional de Teatro en dos ocasiones (1949 y 1961), la medalla del Círculo de Bellas Artes (también por dos veces, en 1948 y 1982), el premio Ondas en 1969 como mejor actriz de televisión, o el premio de la Unión de Actores en 1995 por su trayectoria profesional. En 1991 su ciudad natal le dedicó una calle y en 1995 el Ayuntamiento de Madrid le entregó la Medalla de Oro al Mérito Artístico. La actriz plasmó sus memorias a los 81 años en "Sobre la vida y el escenario". Mary Carrillo era madre de las populares humoristas Paloma, Teresa y Fernanda Hurtado, conocidas como Las Hermanas Hurtado, y tuvo otra hija, Alicia, ya fallecida. Durante sus últimos años de vida fue diagnosticada de la enfermedad de Alzheimer, falleciendo a los 89 años.

Clifton Webb (Indianapolis, Indiana, US, 19-11-1889 / Beverly Hills, California, US, 13-10-1966): In memoriam

ESTRELLA ATÍPICA

Tal día como hoy hace 49 años falleció el actor estadounidense Clifton Webb. Tras varias décadas labrándose un nombre en el teatro, se convirtió en estrella de Hollywood con casi 55 años. Delgado, pulcro, atildado, con fino bigote recortado, maneras refinadas y dicción articulada de hombre cultivado, solía interpretar personajes de elegantes caballeros, ya snobs decadentes, ya gruñones pretenciosos. En 1950 fue la séptima estrella más taquillera en el box office anual norteamericano. Antes había optado tres veces al Oscar (dos como mejor actor secundario y una como protagonista) y ganado un Globo de Oro.

Los padres de Webb Parmelee Hollenbeck (su nombre real) se separaron antes de que él cumpliese dos años y en 1892 su madre lo llevó consigo a Nueva York. A los 19 años, usando el nombre de Clifton Webb, debutó profesionalmente como bailarín y en adelante trabajó en salas de fiesta y en multitud de producciones en Broadway, donde cimentó su prestigio interpretativo desde 1913 a 1946. 

Aunque había intervenido en algunas películas silentes entre 1920 y 1930, no fue hasta que Otto Preminger le dio el papel de Waldo Lydecker en Laura (1944), excelente noir con Gene Tierney y Dana Andrews que obtuvo cinco candidaturas al Oscar, una de ellas para Webb como mejor actor secundario. Después rodó Envuelto en la sombra (1946) de Henry Hathaway, noir con Lucille Ball, y El filo de la navaja (1946) de Edmund Goulding, notable adaptación de la novela de Somerset Maugham, con un brillante reparto que le incluía junto a Tyrone Power, Gene Tierney, John Payne, Anne Baxter y Herbert Marshall, en la que su interpretación del elitista Elliott Templeton fue premiada con un Globo de Oro y de nuevo candidata al Oscar al mejor secundario. Ya como actor protagonista fue nominado al Oscar por Niñera moderna (1948) de Walter Lang, exitosa comedia donde interpretaba a Lynn Belvedere, un elegante caballero que se hace cargo del cuidado y educación de los tres hijos del matrimonio formado por Robert Young y Maureen O'Hara, papel que repetiría en las secuelas Mr. Belvedere estudiante (1949) de Elliott Nugent y El genio se divierte (1951) de Henry Koster. Otros títulos que protagonizó con su nombre encabezando el reparto y éxito comercial fueron Trece por docena (1950) de Walter Lang, comedia con Jeanne Crain y Myrna Loy, ¿Se puede entrar? (1950) de George Seaton, comedia sobrenatural con Joan Bennett, Robert Cummings y Edmund Gwenn, Novios último modelo (1951) de Henry Koster, comedia con Anne Francis y Charles Bickford, Dreamboat (1952) de Claude Binyon, comedia con Ginger Rogers, La marcha triunfal (1952) de Henry Koster, film biográfico de época sobre el compositor John Philip Sousa, con Debra Paget, Robert Wagner, Ruth Hussey, El hundimiento del Titanic (1953) de Jean Negulesco, drama basado en hechos reales, con Barbara Stanwyck y Robert Wagner, Creemos en el amor (1954) de Jean Negulesco, comedia romántica con Dorothy McGuire, Jean Peters, Louis Jourdan y Maggie McNamara, El mundo es de las mujeres (1954) de Jean Negulesco, drama con June Allyson, Van Heflin, Lauren Bacall, Fred MacMurray, Arlene Dahl y Cornel Wilde, El hombre que nunca existió (1956) de Ronald Neame, drama bélico con Gloria Grahame, La sirena y el delfín (1957) de Jean Negulesco, aventura romántica con Alan Ladd y Sophia Loren, Vacaciones para enamorados (1959) de Henry Levin, comedia con Jane Wyman, y Satanás nunca duerme (1962) de Leo McCarey, adaptación de la novela de Pearl S. Buck, con William Holden y France Nuyen.

Clifton Webb era gay y nunca se casó ni tuvo hijos. Vivió con su madre hasta que ella murió a los 91 años. A propósito de ello, su amigo el escritor Noël Coward señaló: "Debe ser terrible quedarse huérfano a los 71". A causa de sus problemas de salud, el actor pasó los últimos cinco años de su vida recluído en su casa californiana, falleciendo a los 76 años de un ataque al corazón.

Paquita Rico - Mariana Pineda

¡AY QUÉ DÍA TAN TRISTE EN GRANADA!

Uno de los mejores temas del repertorio de Paquita Rico es Mariana Pineda, romance en memoria de la célebre heroína liberal granadina, procesada, condenada a muerte y ejecutada a garrote vil en 1831 por bordar una bandera contra el absolutismo de Fernando VII con el lema Libertad, Igualdad, Ley. La letra de la canción, grabada por Paquita Rico para discos Belter en 1966, se debe a Angel Fernández Montesinos y José María Arozamena y la música a Federico Moreno Torroba y Gregorio García Segura.

Paquita Rico - Romance de la Reina Mercedes

TRIBUTO A PAQUITA RICO (Sevilla, España, 13-10-1929)

La actriz y cantante española Paquita Rico cumple hoy 86 años. Uno de los rostros más bellos y fotogénicos del cine español, en los años 50 se convirtió en una de sus estrellas más populares y en una aclamada intérprete de copla.

Francisca Rico Martínez nació en el sevillano barrio de Triana. Su padre trabajaba como vendedor de pescado y su madre lavaba y planchaba en casas ajenas. Desde muy pequeña Paquita se extasiaba escuchando cantar a Pastora Imperio, Estrellita Castro o Imperio Argentina, y a los diez años, siempre acompañada de su madre, iba recorriendo los pueblos andaluces, en sencillas compañías de variedades. En esa época también trabajó como niñera y aprendiza de peluquería, pero como su sueño era ser artista, asistió a una academia donde recibió sus primeras clases de cante y baile. Tras pasar por la compañía del cantaor Pepe Pinto, a los 16 años entró a formar parte del Ballet de Montemar, con el que llegó a debutar en Madrid.

En 1947, actuando en el Teatro Reina Victoria con la compañía del galán Roberto Rey, fue descubierta por el director Florián Rey, que le dio un papel en su película Brindis a Manolete (1948), donde cantaba algunas coplas, como lo haría en casi todas sus cintas posteriores. Luego participó en ¡Olé torero! (1948) de Benito Perojo, Rumbo (1949) de Ramón Torrado, Debla, la virgen gitana (1950) de Ramón Torrado, Luna de sangre (1951) de Francisco Rovira Beleta, y María Morena (1951) de José María Forqué y Pedro Lazaga. Con popularidad creciente, firma un contrato millonario con el productor Cesáreo González y continúa apareciendo en títulos como La alegre caravana (1953) de Ramón Torrado, La moza del cántaro (1953) de Florián Rey, El duende de Jerez (1953) de Daniel Mangrané, Malvaloca (1954), Suspiros de Triana (1955) y Curra Veleta (1956), las tres de Ramón Torrado, y la coproducción hispano-francesa Lavanderas de Portugal (1957) de Pierre Gaspard-Huit y Ramón Torrado. El cénit de su popularidad llegó con ¿Dónde vas, Alfonso XII? (1958) de Luis César Amadori, basada en la obra homónima de Torcuato Luna, donde compartió protagonismo con Vicente Parra. Este título constituyó uno de los mayores éxitos en la historia del cine español y consagró a Paquita como una de sus estrellas más importantes. Ese mismo año se estrenaron La tirana (1958) de Juan de Orduña, donde interpretó a una cómica del Madrid goyesco y la comedia ¡Viva lo imposible! (1958), con Manolo Morán y Gila. Otra comedia, S.O.S., abuelita (1959) de León Klimowsky fue su última película de la década.

Tras dos años sin trabajar en la pantalla, reaparece en Ventolera (1961), con Jorge Mistral, y La viudita naviera (1961), con Arturo Fernández y Mary Santpere, ambas de Luis Marquina, y Tierra brutal (1962) de Michael Carreras, western con Richard Basehart. Después coincidió con sus amigas Carmen Sevilla y Lola Flores en El balcón de la luna (1962) de Luis Saslavsky, película que en buena medida supuso el canto del cisne del cine folclórico. Luego sólo intervino en unas pocas películas muy menores. En 1962 se presentó en el madrileño Teatro Bellas Artes interpretando a la protagonista de "Bodas de sangre" de García Lorca a las órdenes de José Tamayo. En el resto de su carrera predominaron las presentaciones en directo y las actuaciones en televisión.

Entre las canciones más conocidas del repertorio de Paquita Rico figuran Romance de La Reina Mercedes, Mariana Pineda, Carmen la cigarrera, La novia de España, En la noche de boda, Encuentro, y un largo etcétera.

La vida deparó éxitos a la artista sevillana, pero asímismo momentos duros y amargos. El 9 de mayo de 1960 se casó civilmente en Bogotá con el torero Juan Ordóñez, hijo del 'Niño de la Palma' y hermano de Antonio, el gran matador. No había tenido suerte aquel como novillero y acabó en un escalafón inferior, el de peón. Fuera porque no ganaba mucho (porque Paquita sí que llevaba al hogar más dinero), o tal vez a causa de una depresión que lo llevó al juego y la bebida, el caso es que, cinco años después de la boda, ingirió unos barbitúricos que le ocasionaron la muerte. Aunque Paquita nunca pudo olvidarle, en 1968 volvió a casarse, esta vez con Guillermo Arocha, un importador de plátanos que falleció en 2002.

A raiz del estreno de "¿Dónde vas, Alfonso XII?", la imagen de Paquita Rico quedó tan ligada al personaje que había encarnado en la película, que en adelante el Romance de la Reina Mercedes, un éxito escrito por Quintero/León/Quiroga  anteriormente popularizado por Conchita Piquer, fue incorporado al repertorio de la artista sevillana como uno de sus cantables emblemáticos. El video recoge su interpretación en el programa "Cantares" (24 febrero de 1978) de TVE.