José Guardiola - Verde campiña

JOSÉ GUARDIOLA (Barcelona, España, 22-10-1930 / Ibídem, 9-4-2012): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen cuatro años del fallecimiento del cantante español José Guardiola. Llamado "el crooner de España", su voz grave y cálida, profunda y modulada, con perfecta dicción, conquistó al publico español desde 1958 y él llegó a ser el solista melódico con mayores ventas de discos entre 1961 y 1963. Famoso por su bigote, continuó dando a conocer en lengua española gran cantidad de éxitos extranjeros durante toda la década de los 60.

José Guardiola Díaz de Rada nació en el seno de una modesta familia barcelonesa. Su padre trabajaba en una peletería y su madre era una maestra nacional. Cantando de niño en el coro de su parroquia, el vicario recomendó a su progenitor que el pequeño estudiase música, por lo que Guardiola aprendió a manejar el violín y el saxofón y completaría seis años en el Conservatorio, al tiempo que, finalizados sus estudios primarios, se empleó de aprendiz en la misma peleteria que su padre. En 1949 se enroló en una orquestina denominada Los Magos del Ritmo para tocar el saxofón. Tras un obligado paréntesis para cumplir el servicio militar, decide adoptar la música como profesión y comienza a cantar en la radio. Para entonces ingresa en los Crazy Boys, un grupo especializado en el swing y el jazz más comercial y que son una de las atracciones más apreciadas en las salas de fiestas de la Ciudad Condal. Con esta formación anduvo de gira por varios países extranjeros. La tesitura vocal de barítono-bajo de José lo lleva a ocupar el puesto de vocalista hacia 1954. Interpreta como nadie los standards americanos y comienza a cimentarse, aún a nivel local, su fama de buen cantante. Lo compagina con el saxo, aunque su faceta canora se impondrá. En 1954 se casa con Esperanza Gómez, con quien tendría dos hijos, Julio y Rosa Mary.

Hacia 1957 su nombre supera al de su orquesta y Regal le pone delante un contrato, comenzando su carrera como solista. Una carrera que se extendería durante medio siglo y en la que consolidaría un repertorio de más de quinientas canciones. Su primer disco es un EP publicado en enero de 1958: Soy americano, versión de una canción italiana a ritmo de swing que vende 40.000 copias. Ese año va a registrar una actividad discográfica frenética con ocho microsurcos en el mercado. Son tiempos en que la música italiana en general y la procedente de San Remo en particular dominan la música moderna en nuestro país y son imprescindibles en bailes y guateques. Guardiola, por ejemplo, graba versiones de los dos triunfos sanremeses de Modugno: En el azul del cielo y Piove o de Come prima. En el primer festival de Benidorm (1959) interpretó Alguna vez y La montaña y, entre 1959 y 1961, convertido en el primer cantante melódico español (sólo el Dúo Dinámico rivalizaba con él), registró versiones en castellano de éxitos foráneos como Pequeña flor, Mackie el navaja, Mustapha, Dieciséis toneladas, Los niños del Pireo, Verde campiña, Bikini amarillo, Nuestro concierto, Exodo, Sol de nuestro amor, La novia, Viejo río, Apache o Moliendo café. En ocasiones sus versiones superaron en popularidad a las originales. En 1961 consiguió el segundo premio en el barcelonés Festival de la Canción Mediterránea con Presentimiento, cantada en segunda versión por Lita Torelló. En una triunfal gira por Venezuela comenzaron a llamarle "el Sinatra español".

En 1962 continuó grabando versiones de temas de Sanremo (Tango italiano, Cuando, cuando, cuando) consiguió un gran éxito con Dí, papá, grabada a dúo con su hija Rosa Mary (de cuatro años y medio), y se alzó con el triunfo en el Festival de la Canción Mediterránea con Nubes de colores, asímismo interpretada por la chilena Monna Bell, victoria anulada al día siguiente, pues insólitamente se descubrió que, en votación popular, el número de votos superaba al de asistentes a la gala final. Con todo, Guardiola siguió grabando éxitos como El día más largo o Desafinado y versiones de canciones de Sanremo (Uno para todas, Amor, mon amour, my love), en lo que fue un auténtico especialista año tras año. En 1963 fue designado por TVE para representar a España en el Festival de Eurovisión con Algo prodigioso, canción que sólo obtuvo el duodécimo puesto. Más fortuna  logró sucesivamente con canciones como Chariot, Esta noche pago yo, La balada del vagabundo (de nuevo con su hija Rosa Mary), Dame felicidad, Uno de tantos, La mamma, Más, He sabido que te amaba, Goldfinger, Venecia sin tí, Extraños en la noche o Guantanamera.

Aunque en la segunda mitad de los años 60 comenzó a pasar de moda, Guardiola continuó su actividad discográfica hasta mediados de la década siguiente y no abandonó sus actuaciones en público, si bien en menor escala. Aficionado de siempre al fútbol, también escribió y grabó el primer himno del Real Club Deportivo Espanyol en 1975: Somos españolistas. En 1998 se editó el álbum "José Guardiola, 40 aniversario", que se componía de nuevas grabaciones de sus temas junto a artistas como Joan Manuel Serrat, Dyango o Loquillo.

José Guardiola falleció en su ciudad natal a los 81 años.

  

Verde campiña, versión en castellano de "Green fields" (Gilkyson / Derr / Miller), un hit internacional de The Brothers Four, superó en España, en la voz de José Guardiola, el éxito de su precedente.

Emilio Pericoli - Al di là

EMILIO PERICOLI (Cesenatico, Italia, 7-1-1928 / Savignano sul Rubicone, Italia, 9-4-2013): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen tres años del fallecimiento del cantante italiano Emilio Pericoli, que en 1961 popularizó a escala mundial la canción Al di là y fue ganador del Festival de Sanremo en 1963. 

Hijo de un marino, Emilio Pericoli, después de aprender a tocar el piano y la guitarra, debutó profesionalmente en 1947 como solista de orquesta. En los años siguientes actuó en nightclubs y también participó como actor teatral en algunas comedias musicales. Su carrera discográfica se inició en 1956 y, cinco años después, su versión de Al di là dio la vuelta al mundo y se convirtió en un hit internacional, desde los Estados Unidos hasta Japón, vendiendo el single más de un millón de copias y ganando un disco de oro.

En 1962, junto a Tony Renis, presentó en el Festival de San Remo la canción Quando, quando, quando, que, después de quedar clasificada en cuarta posición, supuso también otro gran éxito mundial. Tanto Renis como Pericoli volvieron a concursar en Sanremo 1963 interpretando Uno per tutte, canción que resultó vencedora en el Festival italiano y poco después fue designada para representar a Italia en el de Eurovisión precisamente en la voz de Emilio Pericoli, consiguiendo el tercer puesto. El cantante volvió a Sanremo en 1964, esta vez sin suerte, pues Piccolo, piccolo, la canción con la que compitió junto al alemán Peter Kraus, no alcanzó la final. Sí lo hizo en el Festival de la Canción Mediterránea celebrado en Barcelona en 1964, emparejado a Wilma Goich con Ho capito che ti amo. Pero, tras ser proclamada vencedora, la canción fue desposeída del premio al saberse que su autor, Luigi Tenco, la había cantado un mes antes en la RAI, violando así una de las normas del reglamento del festival.

Aunque continuó grabando hasta 1971, Pericoli no volvió a lograr ningún otro éxito relevante y su carrera se diluyó. Falleció en una casa de reposo a los 85 años.

Al di là (Mogol / Donida) es una de las canciones italianas más conocidas internacionalmente. Después de vencer en Sanremo 1961 en las voces de Betty Curtis y Luciano Tajoli, representó a Italia en el Festival de Eurovisión de ese mismo año cantada por la primera de ellos, quedando clasificada en quinta posición. La versión de Emilio Pericoli fue, sin embargo, la que alcanzó mayor difusión en todo el mundo, al punto de ser incluída en la película "Más allá del amor" ("Rome adventure", 1962), dirigida por Delmer Daves y protagonizada por Troy Donahue, Angie Dickinson, Rossano Brazzi y Suzanne Pleshette.

Al di là  (Mogol / Donida)

La, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la

Non credevo possibile
si potessero dire
queste parole:

Al di là
del bene più prezioso
ci sei tu
Al di là
del sogno più ambizioso
ci sei tu
Al di là delle cose più belle
Al di là delle stelle
ci sei tu
Al di là
ci sei tu, per me, per me, soltanto per me
Al di là
del mare più profondo,
ci sei tu
Al di là
del limiti del mondo,
ci sei tu
Al di là
della volta infinita,
Al di là della vita.
ci sei tu,
Al di là,
ci sei tu per me.

La la la la 
la la la la
la la la la

...................

ci sei tu

...................

ci sei tu

Al di là
della volta infinita,
Al di là della vita.
ci sei tu,
Al di là,
ci sei tu per me.

La la la la 
la la la la
la la la la
Al di là.

Jacques Brel - Ne me quitte pas

JACQUES BREL (Schaerbeek, Bruselas, Bélgica, 8-4-1929 / Bobigny, Francia, 9-10-1978): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del legendario cantante, actor, compositor y poeta belga Jacques Brel. Entre 1957 y 1967 fue la gran figura de la canción de autor francesa. Poseedor de un extraordinario talento para componer e interpretar tanto canciones dramáticas como cómicas y un carisma escénico arrebatador, sus temas, además de amores y desamores, reflejaron el ambiente de inquietud social y religiosa de su época. En su repertorio hay canciones que han versionado multitud de grandes artistas de todo el mundo.

Jacques Brel era hijo del propietario de una fábrica de cartones. De niño recibió educación católica y mostró poco interés por los estudios, excepto por el francés. A los quince años ya escribía poemas y novelas tras leer a Jules Verne o Jack London. A los dieciséis creó un grupo teatral amateur con sus compañeros, representando obras escritas por él. Entre 1947 y 1953 su padre le hizo trabajar en el negocio familiar. También por entonces hizo el servicio militar en las fuerzas aéreas belgas. Aficionado a la música clásica (Ravel, Schubert), en esa época compuso sus primeras melodías con el piano familiar o su guitarra sin haber tomado nunca lecciones de música. En 1950 se casó con Thérèse Michielsen, con quien tendría tres hijas en 1951, 1953 y 1958. A partir de 1952, sin el apoyo de su familia, comenzó a actuar en cabarets y a cantar en la radio. Un año después grabó su primer disco y meses más tarde se trasladó a París, donde impartió clases de guitarra para pagarse el alquiler y actuó en el circuito de cabarets. Su primer álbum se tituló Jacques Brel et ses chansons (1954).

Tres años más tarde comenzaron a llegar sus grandes canciones: Quand on n'a que l'amour (1957), J'en appelle (1957), Ne me quitte pas (1959), La valse à mille temps (1959), Les flamandes (1959), Le moribond (1961), Marieke (1961), Les bourgeois (1962), Le plat pays (1962), Madeleine (1962), Bruxelles (1962), Les toros (1963),  J'aimais (1963), Les bonbons (1963), Mathilde (1963),  Jef (1963), Amsterdam (1964),  Jacky (1965), Mon père disait (1967) o La chanson des vieux amants (1967). Sus actuaciones en vivo causaron sensación, particularmente sus presentaciones en el Olympia de París en 1961, 1964 y 1966, recogidas y editadas posteriormente en repectivos álbumes. En 1967 ofreció su último concierto y se dedicó a adaptar al francés una ópera, L'homme de la Mancha, que se estrenó en 1968 con Brel como Don Quijote en el Teatro Real de la Monnaie de Bruselas y a finales de ese año en París.

También participó como actor en películas como "Riesgos del oficio" (1967) de André Cayatte, "Mi tío Benjamín" (1969) de Edouard Molinaro, "Franz" (1971), que él mismo dirigió, "La aventura es la aventura" (1972) de Claude Lelouch, "Far West" (1973), otra realización suya, o "El embrollón" (1973) de Edouard Molinaro.

Ya enfermo de gravedad, decidió dejarlo todo para viajar en su barco, el Askoy. Su exilio voluntario en las Islas Marquesas, en pleno océano Pacífico, no le impidió la composición de un último álbum con doce canciones cuya salida al mercado en 1977 originó la venta de más de un millón de ejemplares en pocas semanas. Brel donó el 90% de las ganancias a organizaciones para la investigación del cáncer.

Finalmente falleció a los 49 años del cancer de pulmón que padecía y, como había pedido, fue enterrado en una de las islas de la Polinesia francesa.

Ne me quitte pas, la canción más conocida de Jacques Brel, fue grabada en septiembre de 1959 y contenida en su álbum La valse à mille temps. Desde entonces hasta nuestros días, innumerables cantantes la han cantado en francés (Maysa Matarazzo, Barbara, Nina Simone, Frida Boccara, Mari Trini, Gigliola Cinquetti, Juliette Greco, Sting, Isabelle Aubret, Ute Lemper, Barbra Streisand, Celine Dion...), inglés (Shirley Bassey, Dusty Springfield, Glen Campbell, Scott Walker, Marc Almond, Cyndi Lauper...), italiano (Gino Paoli, Dalida, Patty Pravo, Ornella Vanoni...), alemán (Marlene Dietrich...), griego (Vicky Leandros...) e infinidad de otras lenguas. En 1966 su autor djo en una entrevista que no era una canción de amor sino un himno a la cobardía de los hombres.

Alan J. Pakula (New York City, US, 7-4-1928 / Melville, New York, US, 19-11-1998): In memoriam

RENOVADOR DEL THRILLER EN LOS AÑOS 70

Hoy es aniversario natal del cineasta estadounidense Alan J. Pakula. Productor, director y guionista, destacó fundamentalmente en los años 70, sobre todo por sus inquietantes thrillers políticos, a los que supo dotar de un estilo visual propio, con planos largos, inteligente uso de los decorados y solvente dirección de actores. La mayoría de sus últimas películas fueron convencionales policiacos basados en novelas de éxito.

Descendiente de judíos polacos, tras diplomarse por Yale en arte dramático, Alan Jay Pakula ejerció como productor, director e incluso actor ocasional en algunas obras teatrales. En 1949 se trasladó a Hollywood  para trabajar como ayudante en el departamento de dibujos animados de la Warner. En 1957 pasó a ser ayudante de producción en la Paramount y creó con Robert Mulligan su propia empresa, que produjo siete de las películas de éste hasta 1969.

El propio Pakula se estrenó como director (sin abandonar la producción) con El cuco estéril (1969), comedia dramática en la que debutó Liza Minnelli, a la que siguieron Klute (1971), thriller con Jane Fonda y Donald Sutherland, Love and pain and the whole damn thing (1973), comedia dramática con Maggie Smith y Timothy Bottoms, El último testigo (1974), thriller político con Warren Beatty, y Todos los hombres del presidente (1976), thriller político según el libro sobre el escándalo Watergate de los periodistas del Washington Post Bob Woodward y Carl Bernstein, respectivamente interpretados por Robert Redford y Dustin Hoffman, film que obtuvo un gran éxito de crítica y publico, ganó cuatro Oscars (de ocho nominaciones) y resultó ser la mejor obra de su carrera. Después rodó Llega un jinete libre y salvaje (1978), magnífico western con James Caan, Jane Fonda, Jason Robards, Comenzar de nuevo (1979), comedia romántica con Burt Reynolds, Jill Clayburgh y Candice Bergen, Una mujer de negocios (1981), thriller político-financiero con Jane Fonda y Kris Kristofferson, y La decisión de Sophie (1982), desgarrador drama basado en una novela de William Styron sobre el holocausto judío, con Meryl Streep, Kevin Kline y Peter MacNicol.

Su cine fue perdiendo interés y el favor de la crítica en sus siguientes películas: Pesadilla sin retorno (1986), thriller con Kristy McNichol, Un ángel caído (1987), drama con Albert Finney, Matthew Modine y Kevin Anderson, Amores compartidos (1989), drama romántico con Jeff Bridges, Alice Krige y Farrah Fawcett, Presunto inocente (1990), thriller judicial con Harrison Ford, Dobles parejas (1992), thriller con Kevin Kline, Mary Elizabeth Mastrantonio, Kevin Spacey y Rebecca Miller, El informe Pelícano (1993), thriller que adaptaba una novela de John Grisham, con Julia Roberts y Denzel Washington, y La sombra del diablo (1997), thriller de acción con Harrison Ford y Brad Pitt.

Alan J. Pakula estuvo casado con la actriz Hope Lange entre 1963 y 1971 y con Hannah Cohn Boorstin desde 1973 hasta que murió él. Su fallecimiento instantáneo se produjo a los 70 años en un accidente de circulación cuando conducía su coche. Además de su esposa Hannah, le sobrevivieron sus cinco hijos adoptados, dos en su primer matrimonio y tres en el segundo.

 

Mari Trini - Canción vieja

CUANDO ERA LA NOCHE EN MI ANSIEDAD DE SOL

Tal día como hoy hace siete años falleció  a los 61 la cantautora española Mari Trini (Caravaca de la Cruz, 12-7-1947 / Murcia, 6-4-2009). En los años 70, especialmente en su primera mitad, tuvo un gran impacto en las listas de éxitos españolas y a lo largo de su carrera llegó a vender diez millones de discos en España y Latinoamérica. Su primer álbum, editado por RCA en 1969, incluía Canción vieja, composición de Patxi Andión que volvió a aparecer dos años después en el álbum "Escúchame" (1971) de Hispavox con otro acompañamiento musical, versión que se puede escuchar en este clip.

Canción vieja
(Patxi Andión)

Cuando era la noche en mi ansiedad de sol,

Y no había nadie que esperar,
Como algo que fue y que no sirvió,
En el fuego de tu amor,
Se quemó mi soledad.

Como viejo truco de ilusión,
En mi seco pedregal,
Fuiste lluvia y fuiste flor.

Vino a mí la luz que me alumbró,
Y ardieron los hielos de mi ayer,
En el mediodía de tu amor.
Tus caricias y mi fe calentaban mi sudor.

Me salvó tu boca sin querer
Y en tus besos de dolor
Sin quererlo me quemé.

Cuando el sueño se hizo realidad
Y el hastío se adueñó de ti,
Como un viejo vino que da ardor,
Una tarde de mi abril me obligaste a llorar.

Lo que hube sembrado se agostó
Canción vieja del amor
Canción vieja del adiós.

Lo que hube sembrado se agostó
Canción vieja del amor
Canción vieja del adiós

La rarara la rarara
Canción vieja del amor
Canción vieja del adiós
La rarara la rarara
Canción vieja del amor,
Canción vieja del adiós

GENE PITNEY (Hartford, Connecticut, US, 17-2-1940 / Cardiff, UK, 5-4-2006): IN MEMORIAM

Tal día como hoy hace diez años falleció el cantante y compositor estadounidense Gene Pitney. En los años 60 sus discos ocuparon las listas de éxitos en su país (16), y también en el Reino Unido (22), Australia, Canadá y otros países en Europa.

Gene Francis Alan Pitney asistió a la escuela secundaria de Rockville y allí formó su primera banda de rock,  Gene & the Genials. Con el nombre de Billy Bryan gabó su primer disco en 1959 y a partir del año siguiente lo hizo con el nombre de Gene Pitney. Después de escribir hits para otros artistas, en los años 60 consiguió un buen número de hits con canciones como The man who shot Liberty Valance (1962), Only love can break a heart (1962), Mecca (1963), Twenty four hours from Tulsa (1963), It hurts to be in love (1964), I'm gonna be strong (1964), Looking through the eyes of love (1965), Backstage (1966), Nobody needs your love (1966) o Something's gotten hold of my heart (1967).

Muy conocido en Italia, fue invitado a competir en el Festival de Sanremo por cuatro años consecutivos, participando en cada ocasión con dos canciones. Cuatro de las canciones que interpretó pasaron a la final: Quando vedrai la mia ragazza (1964), con Little Tony, Amici miei (1965), con Nicola di Bari, Nessuno mi può giudicare (1966), que consiguió el segundo puesto, con Caterina Caselli, y La rivoluzione (1967), con Gianni Pettenati, decimotercera y última clasificada; otras cuatro no consiguieron llegar a la finalísima: E se domani (1964), con Fausto Cigliano, I tuoi anni più belli (1965), con Iva Zanicchi, Lei mi aspetta (1966), con Nicola di Bari, y Guardati alle spalle (1967), con Nicola di Bari. 

En los años 70 sus discos obtuvieron menor repercusión, aunque todavía tuvo un hit importante en Australia con Blue angel (1974). El cantante inglés Marc Almond lo rescató del olvido en 1989 invitándole a grabar a dúo con él Something's gotten hold of my heart, un hit de Pitney que en 1967 había llegado al nº 5 en las listas inglesas. El dueto alcanzó veintidós años después el nº 1 en el Reino Unido, y fue un hit importante en una decena de países europeos, lo que, cierta medida, revitalizó la carrera de Pitney.

Mientras recorría en una gira primaveral diversas ciudades inglesas, Gene Pitney fue encontrado muerto por su manager en la habitación que ocupaba en un hotel de Cardiff. Contaba 66 años. La autopsia reveló que había sufrido un ataque al corazón por grave oclusión de sus arterias coronarias. Le sobrevivieron su esposa Lynne y sus tres hijos varones.

Pitney tuvo grandes éxitos, particularmente en Gran Bretaña (aún más que en su propio país). Allí, uno de los mayores fue Something's gotten hold of my heart, canción escrita por Roger Greenaway y Roger Cook.

Mistinguett - Ça c'est Paris

MISTINGUETT (Enghien-les-Bains, France, 5-4-1875 / Bougival, France, 5-1-1956): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal de la famosa vedette, cantante y actriz francesa Mistinguett. Gloria del music-hall parisino, fue en su género la estrella más famosa de la belle époque y mantuvo su éxito durante las décadas que precedieron a la Segunda Guerra Mundial. Junto a Josephine Baker se convirtió en un perdurable símbolo del París de su tiempo.

Mistinguett  fue el nombre artístico de Jeanne Florentine Bourgeois, hija de un jornalero y una costurera que después trabajaron como fabricantes de colchones. Desde pequeña, Jeanne quiso dedicarse al espectáculo. Empezó como florista en un restaurante en su ciudad, cantando baladas populares mientras vendía su mercancía. Después de tomar lecciones de actuación y canto, coincidió en un tren con el director del Casino de París, quien no mucho más tarde la hizo debutar en él con el nombre de Mistinguett. Corría el año 1895 y poco a poco, con otras actuaciones en locales como Folies Bergère, Moulin Rouge y Eldorado, cautivó a los parisinos y llegaría a ser la más popular entertainer de su época y la mejor pagada del mundo. Se hizo especialmente famosa por sus espectaculares trajes y sombreros, que convirtió en un distintivo personal, y por sus bellas piernas, de las que se dice que estaban aseguradas en 500.000 francos.

Aunque Mistinguett nunca se casó, en 1901 tuvo un hijo natural, reconocido por su padre, un diplomático brasileño, dos años después. A partir de su presentación en Folies Bergère en 1912 junto a Maurice Chevalier, sostuvo con él un largo romance de diez años. Para la pantalla grande hizo películas como Les miserables (1913), Fleur de Paris (1916) o Mistinguett détective (1917). Durante los años 20 triunfó con las operetas Paris qui danse, Paris qui jazz, En douce, Paris qui brille! y Ça, c'est Paris. En ellas, actores como Jean Gabin o Georges Guétary se dieron a conocer junto a la artista. Algunas de las canciones que ella hizo famosas fueron Mon homme, Ça c'est Paris o C'est vrai. Aunque la mayor parte de su carrera se desarrolló en París, hizo apariciones esporádicas en los Estados Unidos (1911, 1951), y fue la vedette en la apertura del Copacabana Palace en Rio de Janeiro en 1923; en Londres actuó una única vez, en 1947. En 1954 publicó dos libros autobiográficos.

Mistinguett falleció de una congestión cerebral a los 80 años y fue enterrada en su ciudad natal.

Ça c'est Paris, canción compuesta por el maestro español José Padilla, llegó a ser a partir de 1927 la canción insignia de Mistinguett.

Andrei Tarkovski (Zavrazhie, Unión Soviética, 4-4-1932 / París, Francia, 29-12-1986): In memoriam

HUMANISTA Y MÍSTICO

Hoy es aniversario natal del cineasta ruso Andrei Tarkovski. Humanista y místico, su estilo está vinculado a la tradición lírica del cine soviético. Defensor de la creación individual del artista, en su sofisticada narrativa cinematográfica rechazó la unidad dramática tradicional. Tarkovski era onírico y cerebral, frío y apasionado a la vez, deliberadamente irracional en sus planteamientos estéticos y bastante obsesionado por el futuro de la Humanidad. Destacó por su uso del plano-secuencia y la lentitud narrativa para reflexionar sobre la imagen. Con sólo siete largometrajes estrenados en veintiséis años, cinco de ellos realizados bajo la presión de la censura soviética, hoy está reconocido como uno de los grandes clásicos del cine contemporáneo.

Nacido en una aldea de la región de Ivánovo en la antigua Unión Soviética, Andrei Arsenyevich Tarkovski era hijo del poeta Arseny Tarkovski y de una graduada en Literatura. Su infancia fue difícil a causa de la separación de sus padres en 1937 y después la guerra y los traslados de su familia a distintos lugares hasta recalar en Moscú. Entre 1947 y 1948 estuvo varios meses hospitalizado con tuberculosis y en 1951 ingresó en el Intituto de Orientalismo de Moscú, donde estudió árabe y pensó dedicarse a la música, pero en 1953 abandonó y fue enviado a trabajar como geólogo en una expedición científica en Siberia, de la que volvió un año después. Tarkovski ingresó entonces en la principal escuela de cinematografía del país, la VGIK. Sus años de aprendizaje coincidieron con la época del 'deshielo' de Khrushchev, marcada por el aumento de la producción de películas y cierta liberación de la expresión en el arte. Así, en 1956 Tarkovski pudo dirigir su primer cortometraje, "Los asesinos", basado en el cuento de Ernest Hemingway y apreciado por sus profesores. En 1957 se casó con la actriz Irma Rausch, matrimonió del que nació su hijo Arseny en 1962 y que finalizaría en divorcio en 1970. El joven realizador obtuvo su primer éxito con su proyecto de fin de carrera La apisonadora y el violín (1960), mediometraje sentimental sobre la amistad entre un chico que toca el violín y un conductor de apisonadora, que mostró su brillante talento y que recibió al año siguiente el principal premio en el Festival de películas estudiantiles de Nueva York.

Tras su graduación, Tarkovski inició la producción de su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que narra el trágico destino de un niño huérfano que en los años de la Segunda Guerra Mundial se convierte en explorador militar, luego del asesinato de su familia por los soldados nazis. En esa película Tarkovski logró mostrar los horrores de guerra desde el punto de vista de un niño de doce años, cuya mentalidad está dañada por la dura realidad y por los sufrimientos que tuvo que experimentar. La cinta también destaca por el magnífico trabajo del camarógrafo Vadim Yusov, con quien el director colaboró en cuatro películas. El film recibió varios prestigiosos galardones cinematográficos, entre ellos el León de Oro del Festival de Venecia, y resultó ser el primer gran triunfo internacional del director, siendo asímismo muy apreciado entre maestros del cine mundial como Ingmar Bergman y Krzysztof Kieslowski.  Esto creó grandes espectativas para su segunda película, Andrei Rublev (1966), centrada en la vida del famoso pintor de iconos ruso del siglo XV y consistente en varios relatos que, unidos, forman un amplio panorama de la dura vida del pueblo ruso bajo las invasiones tártaras. El film, lleno de reflexiones filosóficas sobre los destinos del pueblo ruso, la fe en Dios y la difícil fortuna del artista para expresar su creatividad en el país fue severamente censurado por las autoridades soviéticas y hasta 1971 el público ruso no pudo ver la obra (aunque sólo la versión censurada). Pese a las restricciones, la cinta pronto se convirtió en un gran evento del cine mundial, recibió el premio de la crítica FIPRESCI en el Festival de Cannes de 1969, y entró en la lista de las cien mejores películas del cine mundial. Hasta ahora sigue estando considerada como una de las películas con más talento sobre la historia rusa.

En junio de 1970 Tarkovski se casa con la actriz Larisa Kizilova y en agosto del mismo año nace Andrei, su segundo hijo. Poco después comienza a rodar su siguiente obra, Solaris (1972), basada en la novela homónima del escritor polaco Stanisław Lem. La idea surgió después de que el cineasta viera el afamado film "2001: Una odisea del espacio" (1968) del estadounidense Stanley Kubrick. Solaris está ambientada en una estación espacial, donde un grupo de astronautas se convierte en víctima del enigmático océano del planeta Solaris, que materializa sus recuerdos. En su desarrollo, Tarkovski medita sobre la conexión del progreso técnico con los valores morales, la debilidad y pequeñez del ser humano ante los enigmas del universo y muchas otras complicadas cuestiones filosóficas. La cinta volvió a traer fama al director en occidente y recibió varios galardones, incluido el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes y el FIPRESCI de la crítica. Hoy se la considera un clásico de la ciencia-ficción. Tres años después se estrenó El espejo (1975), su obra más íntima, que, sin una trama única, refleja de forma artística las memorias del autor. Tarkovski presenta su propia infancia durante la Segunda Guerra Mundial, las imágenes de sus padres, parientes y amigos. Es la visión retrospectiva de un artista que ya tiene más de cuarenta años, un retrato personal de época. En la cinta se puede escuchar la poesía del padre de Tarkovski, leída en voz alta por el mismo poeta. Su naturaleza elitista tampoco gustó a las autoridades soviéticas, que limitaron su distribución. En su siguiente obra, Tarkovski vuelve al género de la ciencia-ficción: Stalker (1979) narra el viaje de tres hombres a través de un lugar post-apocalíptico abandonado, conocido como 'la Zona'. Allí buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona. En este film sobre la tragedia de un mundo sin fe ni esperanza, el cineasta profundiza en su particular estética narrativa con tomas largas, alternadas con diálogos filosóficos y poemas. Una de las obras más complicadas del artista, en la URSS la cinta no fue proyectada ampliamente, ya que los censores opinaron que no sería popular por su trama compleja y estilo meditativo. Pero, una vez más, en el extranjero fue aceptada con entusiasmo y galardonada con el Premio del Jurado Ecuménico en Cannes y aclamada en varios otros festivales internacionales. Para Tarkovski, que había sufrido un ataque al corazón en 1978, supuso su último trabajo en la Unión Soviética.

En 1982 llegó a Italia para rodar su siguiente película, Nostalgia (1983), un meditativo drama filosófico sobre un escritor ruso que viaja por Italia para recoger material para su nuevo libro. Durante su viaje, el personaje conoce a varias personas que cambian toda su vida posterior. Exhibida en Cannes, nuevamente gaó el premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico del Festival. Tarkovski se sintió más libre en su creación sin la presión de la severa censura soviética y, tras concluir el rodaje, el cineasta decidió no volver a la URSS y quedarse en Europa. Antes se había quejado muchas veces de la opresión y limitaciones a las que se había tenido que enfrentar durante su trabajo en su país. Su última cinta, el melancólico drama místico Sacrificio (1986), rodado en Suecia, refleja el respeto y admiración de Tarkovski por el gran director sueco Ingmar Bergman. El papel principal fue interpretado por Erland Josephson, uno de los actores preferidos de Bergman, y el camarógrafo de la película fue Sven Nykvist, quien también colaboró con el realizador sueco en muchas de sus más destacadas obras. En Cannes la película consiguó el Premio Especial del Jurado, el premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico. Nostalgia y Sacrificio recibieron la aclamación de la crítica occidental, pero no mostraron nuevos horizontes creativos. Durante la filmación de esta última, Tarkovski ya estaba gravemente enfermo de cáncer de pulmón. Tras el estreno de su última obra, su estado de salud se agravó y el cineasta murió a los 54 años el 29 de diciembre de 1986, en París. Fue enterrado en un cementerio para inmigrantes rusos en Francia, en la localidad de Sainte-Geneviève-des-Bois.

Andrei Tarkovski es, con Eisenstein y Bondarchuk, uno de los máximos representantes del cine ruso en el extranjero. Al igual que sus predecesores, logró elaborar formas de narrativa cinematográfica que influyeron en la nueva generación de cineastas. El director desarrolló varias interesantes teorías, entre las cuales destaca la de 'esculpir en el tiempo': el cineasta debe trabajar un bloque de tiempo como el mármol y dejar al descubierto la imagen cinematográfica. Muchos directores rusos y extranjeros no solo expresaron su admiración por las obras de Tarkovski, sino que trataron de imitar su estilo narrativo, con largas tomas, refinadamente compuestas, lentos diálogos filosóficos y frecuentes imágenes de naturaleza, especialmente de la lluvia y del agua.

Aparte de ser director de cine, Tarkovski participó en la preparación de los guiones de todas sus películas y en varios films apareció como actor. Además, dos veces trabajó como director teatral: En 1977, dirigió "Hamlet" de Shakespeare en un teatro moscovita y, cuando ya vivía en el extranjero, dirigió en 1983 la clásica ópera rusa "Borís Godunov" de Musorgski en el Teatro Real de la Opera de Londres.

Los diarios íntimos de Tarkovski se han publicado recientemente en Rusia. En ellos el cineasta reflexiona sobre su camino en el arte, las relaciones con sus familiares y sus conflictos con la censura soviética, que no quería aprobar muchas de sus ideas y guiones y después se negaba a proyectar la versión completa de sus películas. Tras la muerte del director se creó la Fundación Andrei Tarkovski, encabezada por su hijo Andrei, con sedes en Moscú, Florencia y París. En este fondo se conservan los archivos documentales del cineasta, que incluyen guiones, fotografías y artículos del propio director.

(Reseña biográfica a partir de la página Rusopedia)

Graham Greene (Berkhamsted, Hertfordshire, UK, 2-10-1904 / Vevey, Suiza, 3-4-1991): In memoriam

EL ÚLTIMO GRAN CRONISTA DEL SIGLO XX

Hoy se cumplen veinticinco años del fallecimiento del escritor inglés Graham Greene. Sus obras reflejan los conflictos espirituales de un mundo en decadencia y se caracterizan por la intensidad de sus detalles y los lugares exóticos donde transcurren, así como por el retrato preciso y objetivo de los personajes, inmersos en todo tipo de situaciones de tensión social, política o psicológica, con la omnipresencia del mal. Escribió novelas de misterio o suspense y novelas más ambiciosas desde el punto de vista literario o filosófico. Uno de los novelistas más populares del siglo XX, Greene vendió en vida en torno a 24 millones de ejemplares de sus libros.

Henry Graham Greene era el cuarto de seis hijos del director de un colegio, donde él mismo cursó estudios como interno. Allí sufrió maltrato, fue muy infeliz y tuvo varios intentos de suicidio, por lo que en 1921 se sometió a sesiones de psicoanálisis durante seis meses para superar su melancolía. Después pasó a la Universidad de Oxford, donde colaboró en varias revistas y se graduó en Historia en 1925. Ese mismo año publicó su primer libro, un volumen de versos titulado Abril balbuciente. En 1926 se convirtió al catolicismo para casarse al año siguiente con Vivien Dayrell-Browning, con quien tendría una hija y un hijo y de la que se separaría en 1947, aunque nunca se divorciaron. Trabajó en la Compañía Anglo-Americana de Tabacos y después para el periódico The Times de 1926 a 1929. Visitó el Cercano Oriente y América. En 1935 fue crítico de cine en la revista The Spectator, donde fue director literario en 1940, y también para la revista Night and Day. De 1942 a 1943 trabajó para el Ministerio de Asuntos Exteriores británico en Africa occidental y, tras la Segunda Guerra Mundial, viajó por todo el mundo.

Sus primeras novelas fueron: Historia de una cobardía (1929), El nombre de la acción (1930) y Rumor al caer la noche (1931). Consiguió fama con El tren de Estambul (1932), novela de espionaje que también se editó con el título de Orient Express. El escritor consideró esta novela y otras siguientes, Inglaterra me ha hecho así (1935) y El ministerio del miedo (1943), como 'entretenimiento'. Una pistola en venta (1936) plantea el conflicto humano entre el bien y el mal y puede considerarse como precursora de sus novelas 'literarias', en las que se basó su reputación, libros que muestran una honda preocupación por los problemas sociales, morales y religiosos de su época. Son éstas novelas perfectamente construidas, escritas con excepcional maestría técnica, un estilo moderno y ágil y un gran sentido de la acción y de las situaciones. Entre ellas figuran Brighton Rock (1938), El poder y la gloria (1940) -su obra favorita-, El revés de la trama (1948), El tercer hombre (1950) y El fin de la aventura (1951).  Otras obras posteriores, en la mayoría de las cuales acentuó la visión pesimista que tenia de la condición humana, son El americano impasible (1955), Nuestro hombre en La Habana (1958), Un caso acabado (1961), Los comediantes (1966), Viajes con mi tía (1969), El cónsul honorario (1973), El factor humano (1978), Monseñor Quijote (1982) y El décimo hombre (1985). Muchas de sus novelas han sido adaptadas al cine.

Como ensayista escribió La infancia perdida y otros ensayos (1952) y Ensayos completos (1969). También fue autor de libros para niños. Entre sus obras de teatro destacan El cuarto de estar (1953), El establo (1957) y El amante complaciente (1959). A partir de 1966 se instaló en la Riviera francesa y continuó viajando. Una especie de vida (1971) y su continuación Vías de escape (1980), son sus autobiografías. 

Graham Greene tuvo otras parejas: Catherine Walston (1946-1966) e Yvonne Cloetta (1966-1991), aunque hubo otras mujeres importantes en su vida. En 1986 fue distinguido con la Orden del Mérito británica. Vivió su ültimos años en Vevey (Suiza), la misma ciudad donde residía Charles Chaplin, de quien se hizo muy amigo. Allí falleció de leucemia a los 86 años.

(Semblanza biográfica a partir de la página El poder de la palabra)

Marvin Gaye - Sexual healing (extended version)

PLEASE, DON'T PROCASTINATE

El cantante y compositor estadounidense Marvin Gaye (Washington DC, US, 2-4-1939 / Los Angeles, California, US, 1-4-1984) habría cumplido hoy 77 años de no haber fallecido a los 44 tras recibir dos disparos de pistola de su propio padre. Su desgraciada vida personal fue un cocktail explosivo en el que, de forma letal, se mezclaron palizas y abusos brutales de su progenitor durante la infancia, disturbios mentales y emocionales, tres intentos de suicidio, dos matrimonios rotos, altibajos profesionales, deudas con el fisco, adicción a las drogas y al sexo, depresión y autodestructividad.

Llamado el "Príncipe del soul", Gaye tuvo una relevante carrera musical con importantes hits como How sweet it is (to be loved by you) (1964), Ain't that peculiar (1965), Your precious love (1967), Ain't no mountain high enough y You're all I need to get by (1968, ambas a dúo con Tammi Terrell), I heard it through the grapevine (1968), Too busy thinking about my baby (1969), That's the way love is (1969), What's going on (1971), Mercy mercy me (1971), Trouble man (1972), Let's get it on (1972), Got to give it up (1977) o Sexual healing (1982).

Sexual healing, canción escrita por Gaye con Odell Brown y David Ritz, fue el single principal del álbum Midnight love (1982), el último grabado en un estudio por el artista y también su último gran hit en vida.

Tribute to Michael Fassbender (Heidelberg, Alemania Occidental, 2-4-1977)

¿EL MARLON BRANDO DEL SIGLO XXI?

El actor germano-irlandés Michael Fassbender cumple hoy 39 años. Apuesto y poseedor de un poderoso magnetismo, su intuición y arrojo, su elegancia y entrega le han convertido en los últimos años en uno de los actores más relevantes y admirados y, desde luego, el más cool. Ha sido candidato al Oscar dos veces, una como actor secundario y otra como protagonista.

Hijo de un alemán y una irlandesa del norte, Michael Fassbender se trasladó a los dos años con su familia a

Killarney, una población al suroeste de Irlanda donde su padre trabajó como chef en un restaurante. Michael y su hermana pasaban las vacaciones en Alemania, por lo que habla alemán con fluidez. Cuando estudiaba en la escuela secundaria, a los 17 años decidió que quería ser actor y a los 19 se trasladó a Londres para estudiar arte dramático. En 1999 anduvo de gira con la Oxford Stage Company actuando en "Las tres hermanas" de Chekhov.

Ya a comienzos del siglo XXI, comenzó su carrera participando en diversas series de televisión y telefims y años después volvió al teatro. En el cine debutó con 300 (2006) de Zack Snyder, taquillera adaptación épico-fantástica de un cómic sobre la famosa batalla de las Termópilas, con Gerald Butler como protagonista, donde interpretó a Stelios, un joven guerrero espartano. Despues obtuvo un papel más extenso en Angel (2007) de François Ozon, drama de época con Romola Garai, Sam Neill, Charlotte Rampling y Lucy Russell, y su primer protagonista en Hunger (2008) de Steve McQueen, drama carcelario irlandés basado en hechos reales, con Liam Cunningham. Siguieron Eden Lake (2008) de James Watkins, thriller de terror con Kelly Reilly, La masacre de Town Creek (2009) de Joel Schumacher, otro título de terror junto a Dominic Purcell y Henry Cavill, Fish tank (2009) de Andrea Arnold, drama social con Katie Jarvis y  Kierston Wareing, Malditos bastardos (2009) de Quentin Tarantino, ficción histórica con Brad Pitt, Mélanie Laurent y Christoph Waltz, Centurión (2010) de Neil Marshall, film de 'espada y sandalia' con  Dominic West y Olga Kurylenko, Jonah Hex (2010) de Jimmy Hayward, western de ciencia-ficción con  Josh Brolin, John Malkovich, Megan Fox, Will Arnett y Michael Shannon, Jane Eyre (2011) de Cary Joji Fukunaga, adaptación de la novela de Charlotte Brontë, con Mia Wasikowska, Jamie Bell y Judi Dench, X-Men: Primera generación (2011) de Matthew Vaughn, adaptación de un cómic de ciencia-ficción de Marvel, con James McAvoy, y Un método peligroso (2011) de David Cronenberg, drama psicológico de época donde interpretó al psiquiatra Carl Jung, con Keira Knightley, Viggo Mortensen y Vincent Cassel.

El papel de un neoyorquino adicto compulsivo al sexo en Shame (2011) de Steve McQueen, drama con Carey Mulligan, le proporcionó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia y amplísima aclamación internacional. Después protagonizó Indomable (2011) de Steven Soderbergh, thriller de acción con Gina Carano, Ewan McGregor, Bill Paxton, Channing Tatum, Antonio Banderas y Michael Douglas, Prometheus (2012) de Ridley Scott, título de ciencia ficción con Noomi Rapace, Guy Pearce, Idris Elba,  Logan Marshall-Green y Charlize Theron, 12 años de esclavitud (2013) de Steve McQueen, drama biográfico de época sobre racismo, con Chiwetel Ejiofor, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul Giamatti, Lupita Nyong'o, Sarah Paulson, Brad Pitt y Alfre Woodard que consiguió el Oscar a la mejor película y una candidatura al mejor actor secundario para Fassbender, El consejero (2013) de Ridley Scott, thriller con  Penélope Cruz, Cameron Diaz, Javier Bardem y Brad Pitt, Frank (2014) de Lenny Abrahamson, comedia con Domhnall Gleeson, Maggie Gyllenhaal  y Scoot McNairy, X-Men: Días del futuro pasado (2014) de Bryan Singer, secuela del film tres años anterior, con Hugh Jackman, James McAvoy y Jennifer Lawrence, Slow west (2015) de John Maclean, western con Kodi Smit-McPhee, Macbeth (2015) de Justin Kurzel, según la obra de Shakespeare, con Marion Cotillard, y Steve Jobs (2015) de Danny Boyle, drama biográfico sobre el empresario y programador informático centrado en la época en la que lanzó los tres productos icónicos de Apple, con Kate Winslet, Seth Rogen y Jeff Daniels, película por la que obtuvo su segunda nominación al Oscar, esta vez como actor protagonista.

Con reputación de Casanova, a Fassbender se le ha emparejado (entre otras mujeres) con casi cada actriz con la que ha trabajado, ultimamente con Alicia Vikander. Siempre reservado respecto a su vida sentimental, el actor permanece soltero.

 

Wallace Beery (Kansas City, Missouri, US, 1-4-1885 / Beverly Hills, California, US, 15-4-1949): In memoriam

EL BRUTO MÁS POPULAR DE LA METRO

Hoy es aniversario natal del actor estadounidense Wallace Beery. Su físico no correspondía al de un galán, pero supo imponer su personalidad en papeles de individuos brutos o temperamentales. Contratado por MGM, fue una de las estrellas más populares de los años 30 y ganó un Oscar al mejor actor en su segunda candidatura a dicho premio.

Wallace Fitzgerald Beery fue el menor de los tres hijos (todos llegaron a ser actores) de un oficial de policía. Mal estudiante, de adolescente se escapó de casa y trabajó como limpiador de locomotoras. A los dieciseís años rencidió en su fuga y se unió a un circo como ayudante de un domador de elefantes, oficio que dejó dos años después tras ser atacado por un leopardo. Junrto a su hermano Noah marchó a Nueva York en 1904, donde encontró empleo como cantante en óperas cómicas. Su carrera en el cine comenzó en 1913 despues de trasladarse para trabajar en los estudios Essanay primero a Chicago y después a California. En 1915 actuó en una película junto a la actriz Gloria Swanson, con la que se casó al año siguiente y de quien se divorciaría en 1919. Su segunda esposa fue Rita Gilman, con la que se casó en 1924 y adoptó una hija, matrimonio que finalizó en divorcio en 1939.

Entre sus películas más destacadas del periodo silente figuran, La virgen de Estambul (1920) de Tod Browning, El último mohicano (1920) de Maurice Tourneur y Clarence Brown, Los cuatro jinetes del apocalipsis (1921) de Rex Ingram, con Rudolph Valentino, Robin de los bosques (1922) de Allan Dwan, con Douglas Fairbanks, La bailarina española (1923) de Herbert Brenon, con Pola Negri y Antonio Moreno, Cenizas de odio (1923) de Frank Lloyd, con Norma Talmadge, Las tres edades (1923) de Buster Keaton y Edward F. Cline, con Buster Keaton, El tigre blanco (1923) de Tod Browning), El gavilán de los mares (1924) de Frank Lloyd, El mundo perdido (1925) de Harry Hoyt, con Bessie Love y Lewis Stone, Los jinetes del correo (1925) de James Cruze, con Betty Compson y Ricardo Cortez, El hijo pródigo (1925) de Raoul Walsh, con Greta Nissen, Cómo nace una pasión (1926) de William K. Howard, Reclutas bomberos (1927) de A. Edward Sutherland, o Reclutas por los aires (1927) de Frank R. Strayer.

Beery gustaba al público y el actor se convirtió en importante estrella, por lo que empezaron a hacerse películas para él. Su áspera voz pudo ser escuchada en Mendigos de vida (1928) de William A. Wellman, drama parcialmente hablado donde era Oklahoma Reid, el jefe de una banda de mendigos que esconde un corazón de oro bajo una apariencia feroz; al final se sacrifica para asegurar la felicidad de Louise Brooks, a la que ama en secreto. Su primera película enteramente sonora, La frontera de la muerte (1929) de William A. Wellman, le muestra de nuevo como jefe de banda regenerado por el amor de Florence Vidor. Después, ya bajo contrato con Metro-Goldwyn-Mayer, estudio en el que desarrolló el resto de su carrera, protagonizó El presidio (1930) de George W. Hill, drama carcelario con Chester Morris, por el que recibió su primera nominación al Oscar, Billy el niño (1930) de King Vidor, western con Johnny Mack Brown, donde interpretó al sheriff Pat Garrett, o Música de besos (1930) de Sidney Franklin, musical con Grace Moore y Reginal Denny. La comedia dramática Fruta amarga (1930) de George W. Hill, coprotagonizada por Marie Dressler confirmó su estatus de estrella de primera categoría y, a partir de entonces Beery se convirtió en el actor mejor pagado del mundo. Siguieron Los seis misterios (1931) de George W. Hill, drama criminal con Lewis Stone, Johnny Mack Brown, Jean Harlow y Marjorie Rambeau, El campeón (1931) de King Vidor, drama donde encarnó a un boxeador caído protector de su hijo, el niño Jackie Cooper, papel por el que ganó el Oscar al mejor actor (compartido con Fredric March), Gran Hotel (1932) de Edmund Goulding, adaptación de una novela de Vicki Baum ganadora del Oscar a la mejor película, con Greta Garbo, John Barrymore, Joan Crawford y Lionel Barrymore, Carne (1932) de John Ford, drama con Ricardo Cortez y Karen Morley, Ana la del remolcador (1933) de Mervyn LeRoy, comedia dramática con Marie Dressler, Cena a las ocho (1933) de George Cukor, brillante y sofisticada comedia satírica con Marie Dressler, John Barrymore, Jean Harlow y Lionel Barrymore, El arrabal (1933) de Raoul Walsh, comedia dramática con George Raft y Jackie Cooper, ¡Viva Villa! (1934) de Jack Conway, biografía ficcionalizada de Pancho Villa por la que fue premiado con la medalla al mejor actor en el Festival de Venecia, con Fay Wray, La isla del tesoro (1934) de Victor Fleming, traslación a la pantalla de la novela de Robert Louis Stevenson, con Jackie Cooper y Lionel Barrymore, El poderoso Barnum (1934) de Walter Lang, comedia biográfica con Adolphe Menjou y Virginia Bruce, Nido de águilas (1935) de Richard Rosson, drama con Robert Young, Lewis Stone y Maureen O'Sullivan, Mares de China (1935) de Tay Garnett, film de aventuras con Clark Gable y Jean Harlow, Sangre de circo (1935) de Richard Boleslawski, drama con Jackie Cooper, Ayer como hoy (1935) de Clarence Brown, comedia dramática con Lionel Barrymore, Un mensaje a García (1936) de George Marshall, drama ambientado en la guerra de Cuba, con Barbara Stanwyck y John Boles, Redención (1937) de Tay Garnett, drama aventurero con Warner Baxter, El tigre de Arizona (1937) de J. Walter Ruben, western con Virginia Bruce y Dennis O'Keefe, Uña y carne (1938) de Sam Wood, drama deportivo con Mickey Rooney, o El borrón de la familia (1939) de Josef von Sternberg, drama policial con Tom Brown, Alan Curtis y Laraine Day.

En los años 40 su carrera comenzó a declinar. Beery apareció en títulos que obtuvieron menor favor del público, como Puño de hierro (1940) de Richard Thorpe, western con Leo Carrillo, Marjorie Rambeau, Anne Baxter y Douglas Fowley, Wyoming (1940), western con Leo Carrillo, Bascomb el zurdo (1946) de S. Sylvan Simon, western con Margaret O'Brien y Marjorie Main, o Así son ellas (1948) de Richard Thorpe, musical con Jane Powell, Elizabeth Taylor, Carmen Miranda y Robert Stack. Su última película fue Big Jack (1949) de Richard Thorpe, western con Richard Conte y Marjorie Main.

Wallace Beery falleció de un ataque al corazón a los 64 años. Su tumba reza así: "Ningún hombre es indispensable, pero algunos son irremplazables".