Broderick Crawford (Philadelphia, Pennsylvania, US, 9-12-1911 / Rancho Mirage, California, US, 25-4-1986): In memoriam

EL DURO INSUPERABLE

Hoy es aniversario natal del actor estadounidense Broderick Crawford. Su aspecto físico voluminoso, mal encarado y agresivo, hizo que le encasillaran pronto en personajes rudos, violentos y malignos, entre los que compuso algunas interpretaciones de carácter muy notables. Saltó a la fama como protagonista en 1949 y al año siguiente ganó un Globo de Oro y el Oscar al mejor actor. A partir de entonces supo trascender su imagen de duro tallado en roca, ofreciendo memorables actuaciones en las que con sobriedad contenida y fina sutileza mostró una sincera humanidad que le acercaba al público. Uno de los mejores intérpretes de su generación, dejó a la posteridad varios títulos clásicos.

William Broderick Crawford era hijo de los actores de vaudeville Lester Crawford y Helen Broderick. A edad temprana se unió a sus padres en el escenario y cuando el género al que se dedicaban declinó, asistió a la Universidad de Harvard durante tres meses, pero dejó los estudios y trabajó como estibador en los muelles de Nueva York. Durante un tiempo trabajó con los Hermanos Marx en la radio. En teatro tuvo su primer papel importante en 1932 en el West End londinense. Cinco años después triunfó en Broadway con la adaptación teatral de la novela "De ratones y hombres" de John Steinbeck y se trasladó a Hollywood, debutando en la comedia Quien conquista es la mujer (1937) de John G. Blystone, protagonizada por Miriam Hopkins y Joel McCrea.

Continuó interviniendo como secundario en varias películas, siendo las más destacadas Beau Geste (1939) de William A. Wellman, film de aventuras coloniales con el protagonismo de Gary Cooper, Ray Milland y Robert Preston, La jungla en armas (1939) de Henry Hathaway, otra de aventuras con Gary Cooper y David Niven, y Eternamente tuya (1939) de Tay Garnett, comedia con Loretta Young y David Niven. Con el nombre acortado de Brod Crawford y siempre condicionado por su físico de duro, sus papeles fueron cobrando mayor relieve en producciones más modestas como Con su misma arma (1939) de Tay Garnett, drama criminal con Pat O'Brien y Edward Arnold, Sendas siniestras (1940) de George Marshall, western con Randolph Scott y Kay Francis, Siete pecadores (1940) de Tay Garnett, comedia dramática con Marlene Dietrich y John Wayne, La senda de los héroes (1940) de Allan Dwan, western con Franchot Tone y Warren William, El gato negro (1941) de Albert S. Rogell, comedia terrorífica con Basil Rathbone, Hugh Herbert y Bela Lugosi, Aventureros de Dakota (1941) de Alfred E. Green, western con Robert Stack y Ann Rutheford, La venus de la selva (1941) de George Waggner, aventuras en el Pacífico con Brian Donlevy y Maria Montez, o Broadway (1942) de William A. Seiter, drama criminal con George Raft, Pat O'Brien, Janet Blair.

Durante la Segunda Guerra Mundial se alistó en el ejército del aire y, enviado a Europa, se graduó como sargento. A su vuelta apareció nuevamente como Broderick Crawford en Sucedió sin querer (1946) de Charles Lamont, comedia de misterio con Ella Raines y Rod Cameron, Angel negro (1946) de Roy William Neill, noir con Dan Duryea, June Vincent y Peter Lorre, La esclava del desierto (1947) de Charles Lamont, aventuras en Trípoli con Yvonne De Carlo y George Brent, El tiempo de tu vida (1948) de H.C. Potter, drama con James Cagney y William Bendix, El aparecido (1949) de Kurt Neumann, western con Barry Sullivan y Marjorie Reynolds, Anna Lucasta (1949) de Irving Rapper, drama con Paulette Goddard, Almas en tinieblas (1949) de Don Siegel, drama con Ronald Reagan y Viveca Lindfors.

Cuando parecía destinado a no dejar de ser un oscuro intérprete secundario, le llegó la oportunidad de su vida al ofrecerle Robert Rossen el papel protagonista de El político (1949), drama basado en la novela "All the King's men" ganadora del premio Pulitzer, con Mercedes McCambridge, John Ireland, Joanne Dru y John Derek. En este memorable film encarnó a un hombre honrado y valiente que sufre una transformación el día que decide entrar en política y descubre que todo es juego sucio. Tras ser elegido gobernador, olvidando sus principios, lo primero que hace es apoderarse de la prensa y la radio. Convertido en un ser corrupto y sin escrúpulos hará cuanto esté en su mano para permanecer en el poder. Siete nominaciones de la Academia y tres Oscars, incluidos los de mejor película y mejor actor protagonista, propulsaron la carrera de Crawford, que también ganó el Globo de Oro. Ya como primer actor protagonizó Drama en presidio (1950) de Henry Levin, noir con Glenn Ford, Nacida ayer (1950) de George Cukor, comedia con Judy Holliday y William Holden donde inesperadamente reveló sus habilidades de comediante, El poder invisible (1951) de Robert Parrish, noir donde interpretó a un policía infiltrado en la mafia, Trágica información (1952) de Phil Karlson, noir con Donna Reed y John Derek, Estrella del destino (1952) de Vincent Sherman, western con Clark Gable y Ava Gardner, Los últimos comanches (1953) de André De Toth, western con Barbara Hale, Decisión a medianoche (1954) de Nunnally Johnson, drama con Gregory Peck, Deseos humanos (1954) de Fritz Lang, excelente noir en el que se entrecruzan sexo, crimen y ambición, con Glenn Ford y Gloria Grahame, otro de sus mejores films, No hay crimen impune (1954) de Arnold Laven, noir con Ruth Roman, Justicia al acecho (1955) de Howard W. Koch, thriller criminal con Ralph Meeker, No serás un extraño (1955) de Stanley Kramer, drama hospitalario con Olivia de Havilland, Robert Mitchum, Frank Sinatra, Gloria Grahame y Charles Bickford, Almas sin conciencia (1955) de Federico Fellini, magnífico drama con Giulietta Masina, Richard Basehart, Franco Fabrizi, donde nterpretó a un estafador disfrazado de sacerdote, Llega un pistolero (1956) de Russell Rouse, western con Glenn Ford y Jeanne Crain, o Los diablos del Pacífico (1956) de Richard Fleischer, film bélico con Robert Wagner y Terry Moore.

Entre 1955 y 1959 fue protagonista de la serie televisiva "Patrulla de tráfico". Conocido por sus habitos de glotón y bebedor compulsivo, durante su rodaje tuvo problemas de peso y fue arrestado varias veces por conducir embriagado. En los años siguientes su carrera experimentó un prolongado declive, trabajó en producciones europeas como La venganza de Hércules (1960) de Vittorio Cottafavi o El valle de las espadas (1963) de Javier Setó y en Hollywood apareció en pocos títulos destacables: Una casa no es un hogar (1964) y El Oscar (1966), ambas de Russell Rouse, El caso Gorenko (1972) de Gordon Hessler, Los archivos privados de Hoover (1977) de Larry Cohen o Arlequín (1980) de Simon Wincer. Hasta 1982 trabajó asímismo en la televisión

Broderick Crawford estuvo casado con Kay Griffith (1940-1958), con quien tuvo dos hijas; Joan Tabor (1962-1967) y Mary Alice Moore (1973-1986), que sería su viuda. El actor falleció de un derrame cerebral a los 74 años.

 

John Cassavetes (New York, US, 9-12-1929 / Los Ángeles, California, 3-2-1989): In memoriam

ESPÍRITU INDEPENDIENTE

Hoy es aniversario natal del actor, guionista y director estadounidense John Cassavetes. Aunque trabajó como actor para Hollywood, su obra como cineasta se distingue por su independencia y experimentación. En ella trata los conflictos personales del ser humano y las relaciones que establece con los demás y con su entorno: problemas de identificación, de comunicación tanto individual como colectiva. Son historias que se escapan de lo convencional, personajes que viven sus crisis y que salen adelante de las mismas o acaban con su propia destrucción personal. Pionero del cine independiente, en sus películas se proponen apuntes arriesgados sobre el hombre y la sociedad, más allá de la simpleza de los planteamientos de Hollywood, con una mirada crítica y no exenta de tristeza. Formalmente su obra resulta muy personal y diferente a la que realizaron cualquiera de sus coetáneos y sus películas, escasamente comerciales, sufrieron diversos recortes y problemas de cara a la distribución, pero también obtuvieron importantes reconocimientos en festivales internacionales y han ejercido notable influencia en el cine independiente posterior.

Hijo de un hombre de negocios de origen griego, pasó sus primeros años con su familia en Grecia y regresó a los Estados Unidos a los siete años. Se inició en el mundo de la interpretación como alumno de la Academia Americana de Artes Dramáticas de Nueva York, donde estudió dirección escénica y declamación y se graduó en 1950. Actor de teatro en sus primeros años de actividad artística, en 1951 participó por vez primera como extra en una película. En 1954 se casó con la actriz Gena Rowlands, que trabajaría con él en diez ocasiones y con la que tendría tres hijos: Nick, Alexandra y Zoe, quienes heredarían la profesión de sus padres. Sus primeros éxitos como actor le llegaron de la pequeña pantalla, participando en diversos dramas televisivos en los que se especializó en la interpretación de jóvenes delincuentes. Esta experiencia  la trasladó al cine con los films The night holds terror (1955) de Andrew L. Stone, historia del secuestro de una familia por parte de un grupo de delincuentes de poca monta, Crimen en las calles (1956) de Don Siegel, con James Whitmore y Sal Mineo, y Donde la ciudad termina (1957) de Martin Ritt, con Sidney Poitier, y luego compartió protagonismo con Robert Taylor y Julie London en el western Más rápido que el viento (1958) de Robert Parrish.

A finales de la década de 1950 fue protagonista principal de la serie televisiva Johnny Staccato, que le reportó fama y el dinero suficiente para invertirlo en la producción de su primera realización cinematográfica, Shadows (1959), con la que iniciaba una curiosa carrera como director independiente y experimental. Esta película se rodó en 16 mm, con un exiguo presupuesto y con los alumnos de un seminario de interpretación que el propio Cassavetes estaba impartiendo. La película refleja, con dureza y sensibilidad, los problemas racistas que sufre, en la ciudad de Nueva York, una familia de color compuesta por tres hermanos: un cantante de un club nocturno (Hugh Hurd), un delincuente (Ben Carruthers) y una adolescente (Lelia Goldoni). Al retratar personajes cotidianos y sus conflictos con un realismo desgarrado poco visto hasta la fecha, se acercaba al ‘cinéma verité’. Ganador del Premio de la Crítica en Venecia, el film llamó la atención de los estudios de Hollywood. Contratado por Paramount, rodó para ese estudio tan sólo dos películas, de las que acabó bastante insatisfecho: Too late blues (1961), drama con Bobby Darin y Stella Stevens, que mostraba a un músico de jazz en decadencia por su afición al alcohol, y Angeles sin paraíso (1962), que abordaba el problema de los niños deficientes mentales y contaba con la participación de Burt Lancaster, Judy Garland y Gena Rowlands (que iniciaba de esta manera una asidua colaboración artística con su marido). Desavenencias con el productor Stanley Kramer, le obligaron a abandonar la dirección, y durante varios años Cassavetes no volvió a ser tentado por tareas de realizador, dedicándose a su labor como intérprete. En su trayectoria interpretativa intervino, entre otras, en Código del hampa (1964) de Don Siegel, thriller criminal con Lee Marvin y Angie Dickinson, Doce del patíbulo (1967) de Robert Aldrich, donde era uno de los doce convictos enviados a una difícil misión tras las líneas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial-, papel por el que fue nominado al Oscar al mejor actor secundario, y La semilla del diablo (1968) de Roman Polanski, drama de terror psicológico donde encarnaba a un actor que vende a su mujer (Mia Farrow) a una secta satánica para que el diablo pueda tener descendencia entre los hombres.

Estos trabajos le proporcionaron la suficiente solidez económica para emprender, con Faces (1968), otra nueva etapa como director independiente. En esta película pretendía reflejar la vida estadounidense en los barrios residenciales de clase acomodada. Sus principales personajes eran un matrimonio en crisis (Lynn Marlin y John Marley), una prostituta (de nuevo Gena Rowlands) y un gigoló (Seymour Cassel, otro actor habitual de Cassavetes), a través de los cuales el director, con un estilo muy personal -entre la ficción y el documental- y la calculada improvisación de los actores, hablaba de la soledad, los problemas de pareja, las frustraciones sexuales y la mediocridad de la clase burguesa. Cassavetes fue candidato al Oscar por su guión original. Después dirigió Maridos (1970), que mostraba a un grupo humano afectado por la muerte de un amigo; fue el primer film que, además de escribir y dirigir, coprotagonizó, junto a Ben Gazzara y Peter Falk, actores frecuentes en sus rodajes. Insistió en el análisis de las relaciones amorosas en Así habla el amor (1971), comedia dramática sobre la complicada relación entre dos personajes procedentes de niveles sociales y culturales diferentes: la empleada de un museo (Gena Rowlands) y el trabajador de unos aparcamientos (Seymour Cassel). Con Una mujer bajo la influencia (1974), recuperaba el particularísimo estilo desarrollado en Faces para contar los problemas psicológicos de una madre de clase baja (otra vez Gena Rowlands, en esta ocasión en el papel de esposa de Peter Falk). Por esta película Cassavetes y Rowlands obtuvieron sendas nominaciones al Oscar como mejores director y actriz protagonista. Menos repercusión tuvo El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976), thriller centrado en el propietario de un club nocturno, donde el protagonismo corría a cargo de Ben Gazzara. Noche de estreno (1977), apasionante exploración del alma humana en el mundo del teatro, con Gena Rowlands, Ben Gazzara y el propio Cassavetes, es una de sus obras más apreciadas por la crítica a pesar que no fue distribuída hasta 1991, dos años después de la muerte de su autor. En Gloria (1980), su film más conocido, una mujer solitaria (Gena Rowlands) se ve obligada a proteger la vida de un niño perseguido por la Mafia, a costa de coraje y valentía, rasgos que hasta entonces ella desconocía poseer. Corrientes de amor (1984) trata de la ausencia de amor en las personas y cómo éstas reaccionan ante esa situación. El cineasta profundiza en el interior de sus personajes abandonando cualquier recurso accesorio que no revierta en la intensidad de la historia, muy creíble gracias a la calidad de sus intérpretes principales (Gena Rowlands y John Cassavetes). Su última obra fue Un hombre en apuros (1986), comedia con Peter Falk y Alan Arkin, cuya dirección asumió por hacer un favor a su buen amigo Falk. Precisamente éste hizo un perfecto resumen de los intereses cinematográficos de Cassavetes: "Cada una de sus película trata siempre de lo mismo. Alguien dijo 'El hombre es Dios en ruinas', y John veía las ruinas con una claridad que usted y yo no podríamos soportar".

Además de intervenir como actor en varias de sus propias películas, Cassavetes también lo hizo en títulos ajenos como Las Vegas 1970 (1969) de Giuliano Montaldo, Capone (1975) de Steve Carver, Pánico en el estadio (1976) de Larry Peerce, Objetivo: Patton (1978) de John Hough, La furia (1978) de Brian De Palma, Mi vida es mía (1981) de John Badham, El íncubo (1982) de John Hough, o Tempestad (1982) de Paul Mazursky.

Largamente aficionado a la bebida, una cirrosis acabó con su vida a los 59 años.

 

Tribute to Judi Dench (Heworth, North Riding of Yorkshire, UK, 9-12-1934)

ILUSTRE DAMA BRITÁNICA

La actriz inglesa de teatro, cine y televisión Judi Dench cumple hoy 81 años. En la actualidad considerada a la cabeza de los interpretes británicos, ha adquirido su gran prestigio tras desarrollar toda una brillante trayectoria en los escenarios, alcanzado el estrellato cinematográfico ya sexagenaria. Siete veces nominada al Oscar (dos como secundaria y cinco como protagonista), lo ganó como actriz de reparto, además de dos Globos de Oro, diez premios BAFTA por sus trabajos en cine y televisión, y un Tony teatral, entre infinidad de reconocimientos. Asímismo fue nombrada Oficial (1971) y Dama (1988) de la Orden del Imperio Británico.

Hija de un médico, Judith Olivia Dench estudió interpretación en la Central School of Speech and Drama de Londres. Desde sus inicios destacó como actriz teatral, tanto actuando entre 1957 y 1961 en el Old Vic (donde debutó como Ofelia en "Hamlet"), como formando parte de la Royal Shakespeare Company posteriormente. A partir de 1959 también comenzó a trabajar en la televisión. Su debut en el cine se produjo con un papel secundario en El tercer secreto (1964) de Charles Crichton, drama criminal protagonizado por Stephen Boyd, Jack Hawkins, Richard Attenborough y Diane Cilento. Por su siguiente película, el drama Cuatro de la madrugada (1965) de Anthony Simmons, Dench ganó, como actriz promesa del año, su primer BAFTA, interviniendo después en Estudio de terror (1965) de James Hill, thriller donde Sherlock Holmes y el Dr. Watson se lanzan a la búsqueda de Jack el Destripador, y Cabalgando sobre un tigre (1965) de Charles Crichton, drama criminal con Tom Bell. Continuó su carrera centrándose principalmente en el teatro con obras como "Vidas privadas", "Santa Juana", "Cabaret", "Cuento de invierno", "El mercader de Venecia", "Macbeth", "Mucho ruido y pocas nueces", "El Rey Lear", "Los pilares de la sociedad", "Juno y el pavo real", "La importancia de llamarse Ernesto", "Madre Coraje" y muchas otras.

En la gran pantalla su nombre comenzó a cobrar relieve a partir de Un pasado en sombras (1985) de David Hare, drama de intriga con Vanessa Redgrave y Ian Holm, y Una habitación con vistas (1985) de James Ivory, adaptación de una novela de Edward Morgan Forster, con Maggie Smith y Helena Bonham Carter, por el que ganó el BAFTA a la mejor actriz secundaria, seguidas de La carta final (1987) de David Hugh Jones, drama romántico con Anne Bancroft y Anthony Hopkins, Un puñado de polvo (1987) de Charles Sturridge, adaptación de una novela de Evelyn Waugh, con Kristin Scott Thomas y James Wilby, nuevo BAFTA como secundaria, y Enrique V (1989) de Kenneth Branagh, según la obra de Shakespeare, con Branagh, Paul Scofield, Derek Jacobi, Ian Holm, Emma Thompson, Alec McCowen y Christian Bale. A su trayectoria teatral añadió representaciones de "Antonio y Cleopatra", "Hamlet", "Coriolano", "Romeo y Julieta", o "La gaviota", ejerciendo de directora en "Mucho ruido y pocas nueces", "Mirando hacia atrás con ira" y "Macbeth".

Su fama internacional creció cuando interpretó a M en Golden eye (1995) de Martin Campbell, película de James Bond protagonizada por Pierce Brosnan. Con posterioridad Judi repetiría ese papel junto a Brosnan en El mañana nunca muere (1997) de Roger Spottiswoode, El mundo nunca es suficiente (1999) de Michael Apted y Muere otro día (2002) de Lee Tamahori. Más tarde lo hizo junto a Daniel Craig en Casino Royale (2006) de Martin Campbell, Quantum of solace (2008) de Marc Forster y Skyfall (2012) de Sam Mendes. 

Además de ganar el Tony teatral por "Amy's view" (1999), otras de sus brillantes actuaciones se hicieron patentes en Su majestad Mrs. Brown (1997) de John Madden, drama de época donde encarnó a la Reina Victoria, interpretación premiada con un Globo de Oro y un BAFTA y nominada al Oscar como actriz principal, Shakespeare enamorado (1998) de John Madden, comedia romántica imaginaria sobre la época en que Shakespeare escribía "Romeo y Julieta", con Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Colin Firth y Ben Affleck, ganadora de siete Oscars, uno de ellos para Judi Dench como mejor actriz secundaria por su encarnación (durante sólo ocho minutos de metraje) de la Reina Isabel I, además de un BAFTA, Té con Mussolini (1999) de Franco Zeffirelli, drama ambientado en la II Guerra Mundial, con Cher, Joan Plowright, Maggie Smith y Liliy Tomlin, Chocolat (2000) de Lasse Hallström, comedia romántica culinaria con Juliette Binoche y Johnny Depp, que le reportó una tercera candidatura al Oscar (segunda como secundaria), Iris (2001) de Richard Eyre, drama biográfico sobre la escritora Iris Murdoch, con Kate Winslet y Jim Broadbent, nuevo BAFTA para Dench y cuarta nominación al Oscar, Atando cabos (2001) de Lasse Hallström, drama con Kevin Spacey, Julianne Moore y Cate Blanchett, La importancia de llamarse Ernesto (2002) de Oliver Parker, según la comedia de Oscar Wilde, con Rupert Everett, Colin Firth, Frances O'Connor, Reese Witherspoon y Tom Wilkinson, Las crónicas de Riddick (2004) de David Twohy, título de ciencia-ficción protagonizado por Vin Diesel, La última primavera (2004) de Charles Dance, drama rural con Maggie Smith, Orgullo y prejuicio (2005) de Joe Wright, adaptación de la novela de Jane Austen, con Keira Knightley, Matthew Macfadyen, Brenda Blethyn y Donald Sutherland, Mrs. Henderson presenta (2005) de Stephen Frears, comedia basada en hechos reales en el Londres de los años 30, con Bob Hoskins, y quinta nominación al Oscar para Dench, Diario de un escándalo (2006) de de Richard Eyre, drama donde interpretaba a una profesora lesbiana enamorada de otra mucho más joven (Cate Blanchett), papel por el que fue candidata al Oscar por sexta vez, Nine (2009) de Rob Marshall, costosa adaptación de un musical de Broadway de 1982 que, a su vez, era un remake modernizado del "8 y medio" de Fellini, con Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Fergie, Kate Hudson, Nicole Kidman y Sophia Loren, Jane Eyre (1011) de Jane Eyre, según la novela de Charlotte Brontë, con Mia Wasikowska, Michael Fassbender y Jamie Bell, Mi semana con Marilyn (2011) de Simon Curtis, drama sobre el rodaje de "El príncipe y la corista", con Michelle Williams, Kenneth Branagh, Eddie Redmayne y Emma Watson, donde Dench encarnaba a la actriz Sybil Thorndike, J. Edgar (2011) de Clint Eastwood, drama biográfico sobre el director del FBI interpretado por Leonardo DiCaprio, El exótico Hotel Marigold (2011) de John Madden, comedia dramática acerca de la vejez, con Bill Nighy, Tom Wilkinson y Maggie Smith, Philomena (2013) de Stephen Frears, drama basado en hechos reales, con Steve Coogan, por el que obtuvo su séptima nominación al Oscar, y El nuevo exótico Hotel Marigold (2015) de John Madden, secuela de la comedia cuatro años anterior.

Judi Dench estuvo casada entre 1971 y 2001 con el actor Michael Williams hasta la muerte de él por cáncer. Su única hija nació en 1972. Desde 2010 mantiene una relación con el conservacionista David Mills.

Maximilian Schell (Viena, Austria, 8-12-1930 / Innsbruck, Austria, 1-2-2014): In memoriam

POLIFACÉTICO TALENTO BILINGÜE

Hoy se cumple el 85 aniversario natal del polifacético actor austro-suizo Maximilian Schell, que también escribió, dirigió y produjo algunas películas propias. Ganó el Oscar al mejor actor por su segunda película en Hollywood y fue nominado al mismo premio otras dos veces. También recibió dos Globos de Oro entre otros muchos reconocimientos. Sólido y prestigioso intérprete tanto en alemán como en inglés, se le considera uno de los mejores actores de lengua extranjera que ha trabajado en Hollywood.

Maximilian Schell fue el tercero de los cuatro hijos de un escritor y farmacéutico y de una actriz. Cuando en 1938 los nazis se anexionaron Austria, su familia se trasladó a Suiza, estableciéndose en Zurich. Maximilian creció leyendo a los clásicos y estudió en la Universidad de esa ciudad por un año. Al finalizar la guerra se desplazó a Alemania para continuar estudiando filosofía e historia del arte en la Universidad de Munich. Aunque en principio quería ser pintor, músico o dramaturgo, su participación en funciones universitarias le decidió a ser actor.

Su debut en el teatro se produjo en 1952 y en el cine en 1955. Después de intervenir en diversos rodajes en Alemania, fue contratado para su primer film americano, El baile de los malditos (1958) de Edward Dmytryk, con Marlon Brando, Montgomery Clift y Dean Martin, aclamada película bélica sobre el destino de dos oficiales de distinto bando -un americano y un alemán- durante la Segunda Guerra Mundial.

Por su papel de abogado defensor en ¿Vencedores o vencidos? (1961) de Stanley Kramer, drama sobre el jucio de Nuremberg contra los crímenes de guerra nazis, donde le acompañaron en el reparto Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark, Marlene Dietrich, Judy Garland y Montgomery Clift, ganó el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor. El del abogado Hans Rolfe era un rol que ya había desempeñado en 1959 en la televisión alemana, al igual que un "Hamlet" representado en la pequeña pantalla en 1960 y en diversas producciones posteriores que le dieron la reputación de ser considerado, junto con Laurence Olivier, uno de los mejores Hamlet de todos los tiempos.

Ya convertido en estrella internacional actuó en Ejercicio para cinco dedos (1962) de Daniel Mann, adaptación de un drama de Peter Shaffer, con Rosalind Russell, Jack Hawkins y Richard Beymer, El hombre que no quería ser santo (1962) de Edward Dmytryk, drama religioso con Ricardo Montalban y Lea Padovani, Los condenados de Altona (1962) de Vittorio De Sica, traslación a la pantalla de una obra de Jean-Paul Sartre, con Sophia Loren, Fredric March y Robert Wagner, Topkapi (1964) de Jules Dassin, comedia de aventuras con Melina Mercouri y Peter Ustinov, Una llamada a las doce (1965) de J. Lee Thompson, thriller con Samantha Eggar, Ingrid Thulin y Herbert Lom, Llamada para un muerto (1966) de Sidney Lumet, thriller de espionaje con James Mason, Harriet Andersson, Harry Andrews y Simone Signoret, El castillo (1968) de Rudolf Noelte, adaptación de la novela de Kafka donde interpretó a K, Una tumba al amanecer (1968) de Ralph Nelson, film bélico con Charlton Heston, Más allá de las montañas (1968) de Alexander Ramati, drama aventurero con Raf Vallone e Irene Papas, Simón Bolívar (1969) de Alessandro Blasetti, drama histórico con Rosanna Schiaffino y Francisco Rabal, Krakatoa, al este de Java (1969) de Bernard L. Kowalski, aventuras en el siglo XIX con Diane Baker y Brian Keith, Primer amor (1970), adaptación de una novela de Ivan Turgeniev que Schell dirigió y protagonizó junto a John Moulder-Brown y Dominique Sanda, obteniendo una nominación al Oscar a la mejor película en lengua extranjera, o La papisa Juana (1972) de Michael Anderson, drama histórico medieval con Franco Nero y Liv Ullmann. El peatón (1973), su siguiente pelicula como director, volvió a ser candidata al Oscar y ganó el Globo de Oro a la mejor película extranjera.

Como actor siguió apareciendo en títulos como Odessa (1974) de Ronald Neame, thriller de espionaje con Jon Voight, El hombre de la cabina de cristal (1975) de Arthur Hiller, drama sobre el nazismo por el que fue candidato al Oscar al mejor actor por segunda vez, El temerario Ives (1976) de J. Lee Thompson, thriller de acción con Charles Bronson, John Houseman y Jacqueline Bisset, La cruz de hierro (1977) de Sam Peckinpah, film bélico con James Coburn y James Mason, Julia (1977) de Fred Zinnemann, adaptación de un episodio de la autobiografía de Lillian Hellman, con Jane Fonda y Vanessa Redgrave, por la que fue nominado al Oscar por tercera vez, en este caso, como actor secundario, Un puente lejano (1977) de Richard Attenborough, superproducción bélica con reparto multiestelar, El tren de los espías (1979) de Mark Robson, thriller con Lee Marvin, Robert Shaw y Linda Evans, El abismo negro (1979) de Gary Nelson, aventura espacial con Anthony Perkins, Robert Forster, Joseph Bottoms, Yvette Mimieux y Ernest Borgnine, Elegidos del ghetto (1981) de Jeremy Kagan, drama con Rod Steiger y Robby Benson, Los clandestinos de Asís (1985) de Alexander Ramati, drama con Ben Cross, James Mason e Irene Papas, Juicio a un desconocido (1989) de Fons Rademakers, drama sobre el holocausto con Liv Ullmann y Peter Fonda, El novato (1990) de Andrew Bergman, comedia criminal con Marlon Brando y Matthew Broderick, Un lugar muy lejano (1993) de Mikael Salomon, drama aventurero en Africa con Reese Witherspoon, Cuestión de sangre (1994) de James Gray, thriller con Tim Roth, Edward Furlong, Moira Kelly y Vanessa Redgrave, Idolos, mentiras y rock and roll (1997) de Guy Ferland, drama con Kevin Bacon y Brad Renfro, Corazones enfrentados (1998) de Jeroen Krabbé, drama con Isabella Rossellini, Vampiros (1998) de John Carpenter, western gótico y bizarro con James Woods, Deep impact (1998) de Mimi Leder, drama catastrofista de ciencia-ficción con Robert Duvall, Téa Leoni, Elijah Wood, Vanessa Redgrave y Morgan Freeman, etc. Schell intervino también en buen número de producciones televisivas, llegando a ganar un Globo de Oro al mejor actor secudario interpretando a Lenin en el telefilm "Stalin".

Otros de sus trabajos como director incluyen El puente sobre Estambul (1975), thriller con Jon Voight y Jacqueline Bissett, y  los documentales Marlene (1984), sobre Marlene Dietrich, nominado al Oscar, y Mi hermana María (2002), sobre su hermana mayor, la actriz Maria Schell.

En los años 60 mantuvo un romance de tres años con la princesa Soraya, ex-esposa del Shah de Iran. En 1986 se casó con la actriz rusa Natalya Andrejchenko, con quien tuvo una hija en 1989. Separado el matrimonio en 2002, se divorciaron en 2005. En 2013 se casó con la cantante de ópera Iva Mihanovic, que sería su viuda pocos meses después. Maximilian Schell falleció de neumonía a los 83 años.

Tribute to Ellen Burstyn (Detroit, Míchigan, US, 7-12-1932)

FUERZA EXPRESIVA

La actriz estadounidense Ellen Burstyn cumple hoy 83 años. De gran fuerza expresiva, fue una de las más prominentes intérpretes de la década de los 70. A partir del decenio siguiente su carrera decayó y Burstyn trabajó más en la televisión. En el siglo actual se ha revalorizado como reputada actriz de carácter. A lo largo de sus más de cincuenta años de trayectoria artística ha sido galardonada con un Oscar a la mejor actriz (de entre seis candidaturas), un Globo de Oro, un BAFTA, dos Emmys televisivos y un Tony teatral.

Los padres de Edna Rae Gillooly (su nombre real) se divorciaron cuando ella era pequeña, y su madre se volvió a casar. Tras sufrir una educación dura, Edna abandonó su casa y estudios a los 18 años y trabajó como modelo de grandes almacenes. Desplazada a Nueva York, de 1955 a 1956 fue bailarina en el show televisivo de Jackie Gleason con el nombre de Erica Dean. Cuando decidió ser actriz eligió el nombre profesional de Ellen McRae. Debutó en Broadway en 1957 y se unió al Actors Studio diez años después. Entretanto debutó en el cine con un pequeño papel en Adiós, Charlie (1964) de Vincente Minnelli, comedia protagonizada por Tony Curtis, Debbie Reynolds y Pat Boone. Ya como Ellen Burstyn apareció en El fabuloso mundo de Alex (1970) de Paul Mazursky, comedia dramática con Donald Sutherland, y Trópico de Cáncer (1970) de Joseph Strick, adaptación de la novela homónima y semiautobiográfica de Henry Miller, con Rip Torn como compañero de reparto.

Su gran oportunidad surgió con La última película (1971) de Peter Bogdanovich, obra maestra basada en una novela de Larry McMurtry ambientada en un pueblo de Texas a comienzos de los años 50, con Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd  y Ben Johnson. Este film obtuvo un formidable éxito crítico y comercial y ocho nominaciones al Oscar, una de ellas para Burstyn como mejor actriz secundaria. En sus siguientes títulos ya fue protagonista en El rey de Marvin Gardens (1972) de Bob Rafelson, drama con Jack Nicholson y Bruce Dern, El exorcista (1973) de William Friedkin, drama de terror sobrenatural con Max von Sydow, Lee J. Cobb, Jason Miller y Linda Blair, un enorme éxito de taquilla que le reportó una nueva candidatura al Oscar, ahora como actriz protagonista, premio que consiguió con su siguiente película, Alicia ya no vive aquí (1974) de Martin Scorsese, comedia dramática itinerante con Kris Kristofferson, por la que también ganó el BAFTA a la mejor actriz. Superados los cuarenta años, Burstyn se había convertido en una de las mayores estrellas de la década. Después de intervenir en Harry y Tonto (1974) de Paul Mazursky, otra comedia itinerante que dio el Oscar al veterano Art Carney, la actriz volvió al teatro donde su interpretación en la obra "El próximo año a la misma hora" (1975) de Bernard Slade la hizo acreedora a un premio Tony. Tras un lapso de tres años volvió a la pantalla en Providence (1977) de Alain Resnais, drama de producción francesa con Dirk Bogarde y John Gielgud, y Gritos de pasión (1978) de Jules Dassin, drama rodado en Grecia con Melina Mercouri. Dos nuevas candidaturas al Oscar a la mejor actriz le llegaron por El próximo año a la misma hora (1978) de Robert Mulligan, comedia dramática junto a Alan Alda que llevaba a la pantalla la obra que ella misma había estrenado en Broadway tres años antes (y por la que también consiguió un Globo de Oro), y Resurrección (1980) de Daniel Petrie, drama fantástico con Sam Shepard.

Pero, pese a su éxito profesional, no eran buenos años en la vida de la actriz. En el plano privado estaba viviendo momentos muy duros. Pasaba entonces por su tercer matrimonio, tras siete años casada con Bill Alexander (1950-1957) y casarse y divorciarse en 1962 con Paul Roberts con quien adoptó a su único hijo, Jefferson. Su tercer marido, Neil Nephew (que cambió su nombre a Neil Burstyn, adoptando ella el suyo), con quien se había casado en 1964, sufría de una severa esquizofrenia y a menudo Ellen recibió en su carne sus ataques violentos. Tras su divorcio en 1972, él no dejó de acosarla durante años y ella misma contó que una vez llegó incluso a irrumpir en su casa y violarla. Finalmente, la historia acabó también en tragedia cuando Neil se suicidó en 1978.

En los años siguientes la carrera de Burstyn experimentó un bajón y entre sus títulos apenas cabe mencionar Silencio del norte (1981) de Allan King, drama aventurero con Tom Skerritt, Embajador en Oriente Medio (1984) de J. Lee Thompson, thriller con Robert Mitchum y Rock Hudson, Dos veces en una vida (1985) de Bud Yorkin, drama romántico con Gene Hackman y Ann-Margret, Elegir un amor (1991) de Joel Schumacher, melodrama con Julia Roberts y Campbell Scott, A vivir que son dos días (1993) de Bill Duke, comedia con Olympia Dukakis, Diane Ladd y Danny Aiello, Cuando un hombre ama a una mujer (1994) de Luis Mandoki, drama con Andy García y Meg Ryan, Donde reside el amor (1995) de Jocelyn Moorhouse, comedia dramática con Winona Ryder, Anne Bancroft, Kate Nelligan y Alfre Woodard, Compañeros de habitación (1995) de Peter Yates, comedia protagonizada por Peter Falk, El impostor (1997) de Jonas y Josh Pate, drama criminal con Tim Roth, Chris Penn, Michael Rooker, Renée Zellweger y Rosanna Arquette, o Jugando con el corazón (1998) de Willard Carroll, comedia dramática de reparto multiestelar.

Momentáneamente su figura resurgió con Réquiem por un sueño (2000) de Darren Aronofsky, drama con Jared Leto y Jennifer Connelly que supuso a Burstyn su sexta nominación al Oscar, interviniendo también en La otra cara del crimen (2000) de James Gray, drama criminal con Mark Wahlberg, Joaquin Phoenix y Charlize Theron, Clan Ya-Ya (2002) de Callie Khouri, drama con Ashley Judd, Sandra Bullock, James Garner y Maggie Smith, La fuente de la vida (2006) de Darren Aronofsky, mezcla de drama y ciencia-ficción con  Hugh Jackman y Rachel Weisz, W (2008) de Oliver Stone, biopic sobre el presidente George W. Bush (Josh Brolin), donde encarnó a su madre, Barbara Bush, Main Street (2010) de John Doyle, drama con Colin Firth, La llamada (2014) de Jason Stone, thriller con Susan Sarandon, o Interstellar (2014) de Christopher Nolan, exitosa superproducción de ciencia-ficción con Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain y Michael Caine. 

   

  

Maria Callas - Inneggiamo, il Signor non è morto ("Cavalleria rusticana", Mascagni)

PIETRO MASCAGNI (Livorno, Italia, 7-12-1863 / Roma, Italia, 2-8-1945): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor italiano Pietro Mascagni, famoso por sus óperas, muy especialmente Cavalleria rusticana. Dotado de una singular cualidad para caracterizar a sus personajes con pocos compases y de un melodismo pegadizo, Mascagni plasmó con fuerza, vigor y economía los planteamientos del Verismo operístico, que subraya el comportamiento violento de los personajes sometidos a una gran tensión emocional.

Hijo de un panadero, Pietro Antonio Stefano Mascagni emprendió estudios musicales a los 13 años con el compositor, profesor y crítico musical Alfredo Soffredini. A los 16 el joven Pietro ya componía. En 1889 se casó con Lina Carbognani, con quien tuvo dos hijos y una hija. Ese mismo año terminó Cavalleria rusticana, su primera y más célebre ópera, basada en una obra del escritor Giovanni Verga, con libreto de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, máximo exponente del estilo denominado verismo y que sería estrenada con gran éxito en Roma en 1890. Al ser una ópera en un solo acto, desde 1893 se ha venido representando en muchas ocasiones acompañada de I pagliacci de Ruggiero Leoncavallo.

De sus siguientes óperas ninguna supera en fama a la primera, a pesar que hasta hace poco se representaban con cierta frecuencia  L'amico Fritz (1891), Iris (1898), Isabeau (1911), Lodoletta (1917) o Il piccolo Marat (1921). Mascagni aceptó ser el músico oficial del régimen fascista italiano. Poco después de la caída de Mussolini, el compositor falleció a los 81 años, desilusionado e indigente en el Hotel Plaza de Roma.

  

Inneggiamo, il Signor non è morto es un himno pascual de Cavalleria rusticana que canta Santuzza, la protagonista, acompañada del coro. La interpretación que aquí se ofrece en el video con la divina Maria Callas y la Orquesta y Coro de la Scala de Milán dirigidos por Tullio Serafin es impresionante.

Agnes Moorehead (Clinton, Massachusetts, US, 6-12-1900 / Rochester, Minnesota, US, 30-4-1974): In memoriam

IMPAGABLE ACTRIZ DE CARÁCTER

Tal día como hoy hace 115 años vino al mundo la actriz estadounidense Agnes Moorehead. Durante más de cuarenta años de vida profesional, compaginó su trabajo en más de sesenta películas con apariciones en teatro, radio y televisión e interpretó roles de lo más variado en todo tipo de géneros, destacando tanto en la comedia como en el drama, sobre todo por papeles de mujeres neuróticas, estrictas o altaneras. Entre otros reconocimientos recibió un Premio Emmy y dos Globos de Oro como mejor actriz secundaria. Asimismo, hasta en cuatro ocasiones fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto.

Hija de un clérigo presbiteriano y una ex-cantante, sería conocida en la industria y los escenarios por su costumbre de asistir al set con el guión en una mano y la Biblia en la otra. Su padre no apoyaba sus intenciones de dedicarse al cine, aunque, ante el convencimiento de Agnes, terminó por claudicar con una condición: que cursara unos estudios "normales". Ella se lo tomó más que al pie de la letra: Además de obtener la licenciatura en biología en 1923, realizó un doctorado en literatura, la especialización en inglés y oratoria, un posgrado en la Academia Americana de Arte Dramático y un doctorado en la Universidad de Bradley. También enseñó en una escuela pública durante cinco años en una población de Wisconsin.

Sus comienzos en el mundo del espectáculo, sin embargo, serían duros. Tanto que llegó a pasar cuatro días sin llevarse nada a la boca, aprendiendo "lo que vale cada dólar", según sus propias palabras. Ante sus sucesivos fracasos en los castings, Agnes se refugió en la radio, donde aprendió a modular la voz. Conocer a Orson Welles cambiaría su vida: En 1937 la incorporó al Mercury Theatre que él dirigía en Nueva York, con John Houseman como productor, y que ofrecía tanto representaciones en Broadway como emisiones radiofónicas. Cuando Welles trasladó su compañía a Hollywood en 1939,  muchos de sus actores aparecieron en sus dos primeras películas: además de Moorehead, lo hicieron Joseph Cotten, Everett Sloane, Ray Collins, George Coulouris, Paul Stewart, Erskine Sanford, etc.

Agnes Moorehead debutó en el cine interpretando a la madre de Charles Foster Kane en Ciudadano Kane (1941) y fue nominada al Oscar por primera vez como mejor actriz secundaria por su papel de la tía Fanny en El cuarto mandamiento (1942). Estas dos grandes películas de Orson Welles, hoy consideradas las mejores jamás filmadas por un director americano, tuvieron sin embargo muchos problemas en su día y no recuperaron los costes de producción. Tras intervenir en Su última danza (1942) de Irving Reis, drama romántico con Henry Fonda y Lucille Ball, la actriz de Massachusetts trabajó de nuevo para Welles en Estambul (1943), thriller del que su director fue despedido por la productora RKO y sustituido por Norman Foster. Después apareció en títulos como La chica del gobierno (1943) de Dudley Nichols, comedia romántica protagonizada por Olivia De Havilland, Alma rebelde (1943) de Robert Stevenson, adaptación de la novela "Jane Eyre" de Charlotte Brontë, con Orson Welles y Joan Fontaine, Desde que te fuiste (1944) de John Cromwell, exitoso drama sobre mujeres en la retaguardia bélica, con Claudette Colbert, Jennifer Jones, Joseph Cotten y Shirley Temple, Estirpe de dragón (1944) de Jack Conway y Harold S. Bucquet, según la novela de Pearl S. Buck, con Katharine Hepburn, Walter Huston, Aline MacMahon, Akim Tamiroff y Turhan Bey, La séptima cruz (1944) de Fred Zinnemann, drama bélico con Spencer Tracy y Signe Hasso, La señora Parkington (1944) de Tay Garnett, drama romántico con Greer Garson y Walter Pidgeon, por el que obtuvo una segunda candidatura al Oscar y un Globo de Oro como mejor actriz secundaria, El sol sale cada mañana (1945) de Roy Rowland, drama con Edward G. Robinson y Margaret O'Brien, La senda tenebrosa (1947) de Delmer Daves, noir con Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Viviendo el pasado (1947) de Martin Gabel, thriller psicológico con Robert Cummings y Susan Hayward, La mujer de blanco (1948) de Peter Godfrey, thriller con Eleanor Parker, Alexis Smith, Sydney Greenstreet y Gig Young, Destacamento Oeste (1948) de Sidney Lanfield, western con Dick Powell y Jane Greer, Belinda (1948) de Jean Negulesco, drama con Jane Wyman y Lew Ayres que supuso a Moorehead su tercera nominación al Oscar, El gran pecador (1949) de Robert Siodmak, adaptación de "El jugador" de Dostoiesvki, con Gregory Peck, Ava Gardner y Melvyn Douglas.

En las décadas siguiente continuó haciendo apariciones destacadas en películas como Sin remisión (1950) de John Cromwell, drama carcelario con Eleanor Parker, Catorce horas (1951) de Henry Hathaway, theriller con Paul Douglas, Richard Basehart, Barbara Bel Geddes y Debra Paget, La taberna de Nueva Orleans (1951) de William Marshall, flm de aventuras con Errol Flynn y Micheline Presle, Magnolia (1951) de George Sidney, tercera adaptación al cine del célebre musical "Show Boat" de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, a su vez basado en la novela de Edna Ferber, con Kathryn Grayson, Ava Gardner y Howard Keel, No estoy sola (1951) de Curtis Bernhardt, drama con Jane Wyman, La señora Chesney (1953) de Jean Negulesco, drama con Greer Garson y Walter Pidgeon, Obsesión (1954) de Douglas Sirk, suculento melodrama con Jane Wyman, Rock Hudson y Barbara Rush, Caravana hacia el sur (1955) de Henry King, western con Tyrone Power, Susan Hayward y Richard Egan, Sólo el cielo lo sabe (1955) de Douglas Sirk, otro excelente melodrama con Jane Wyman y Rock Hudson, La mano izquierda de Dios (1955) de Edward Dmytryk, drama con Humphrey Bogart y Gene Tierney, El conquistador de Mongolia (1956) de Dick Powell, film de aventuras sobre Genghis Khan, con John Wayne y Susan Hayward, cuyos exteriores fueron rodados en Utah, en una zona donde un año antes se había realizado pruebas nucleares de gran envergadura, contaminándola de residuos radiactivos (según se cuenta, más de noventa miembros del equipo dasarrollarían cáncer y más de la mitad morirían de esa enfermedad, entre ellos el director, los protagonistas y la propia Moorehead), ¡Viva Las Vegas! (1956) de Roy Rowland, musical con Dan Dailey y Cyd Charisse, El cisne (1956) de Charles Vidor, adaptación de una obra de Ferenc Molnár, con Grace Kelly, Alec Guinness y Louis Jourdan, La rebeldía de la Sra. Stover (1956) de Raoul Walsh, drama con Jane Russell y Richard Egan, Juntos ante el peligro (1956) de Norman Taurog, western cómico con Dean Martin y Jerry Lewis, El sexo opuesto (1956) de David Miller, comedia romántica con June Allyson, Joan Collins, Dolores Gray, Ann Sheridan y Ann Miller, La verdadera historia de Jesse James (1957) de Nicholas Ray, western con Robert Wagner, Jeffrey Hunter y Hope Lange, Jeanne Eagels (1957), drama biográfico con Kim Novak y Jeff Chandler, El árbol de la vida (1957) de Edward Dmytryk, drama ambientado en la  Guerra de Secesión americana, con Montgomery Clift, Elizabeth Taylor y Eva Marie Saint, Historia de la humanidad (1957) de Irwin Allen, mezcla de comedia, historia y fantasía donde Moorehead era la Reina Elizabeth I, Tempestad (1958) de Alberto Lattuada, coproducción europea de aventuras en la Rusia zarista, con Silvana Mangano, Van Heflin, Viveca Lindfors y Geoffrey Horne, Las garras del murciélago (1959) de Crane Wilbur, film de terror con Vincent Price, Pollyanna (1960) de David Swift, producción Disney que lanzó a Hayley Mills, Soltero en el paraíso (1961) de Jack Arnold, comedia con Bob Hope y Lana Turner, Jessica (1962), comedia dramática con Maurice Chevalier y Angie Dickinson, La conquista del Oeste (1962), western en cinco episodios con reparto multiestelar y tres directores, apareciendo Moorehead en el primero de ellos, dirigido por Henry Hathaway, Lío en los grandes almacenes (1963) de Frank Tashlin, magnífica comedia con Jerry Lewis, Canción de cuna para un cadáver (1964) de Robert Aldrich, thriller psicológico con Bette Davis, Olivia de Havilland y Joseph Cotten, por el que Moorehead logró su segundo Globo de Oro y una cuarta y última nominación al Oscar (sin premio) a la mejor actriz secundaria, Dominique (1966) de Henry Koster, seudo-biografía de una monja cantante interpretada por Debbie Reynolds, o ¿Qué le pasa a Helen? (1971) de Curtis Harrington, thriller con Debbie Reynolds y Shelley Winters.

Asímismo asidua en la televisión desde 1953 hasta 1972, su papel de Endora en la serie "Embrujada" (1964-1972) la hizo muy popular. Por "The wild wild West" (1967) ganó un Emmy a la mejor secundaria.

Agnes Moorehead contrajo matrimonio en 1930 con el actor John Griffith Lee. En 1949 adoptaron (de forma irregular) a un huérfano llamado Sean y en 1942 se divorciaron. En 1954 se casó con el actor y director Robert Gist, para separarse un año después y divorciarse en 1958. Se rumoreó que Moorehead era lesbiana. La actriz falleció de cáncer de útero a los 73 años.

The Rolling Stones - Get off of my cloud

EARLY 60'S BRITISH HITS (1965)

Formados en Londres en 1962, The Rolling Stones alcanzaron el número 1 en las listas británicas, alemanas y estadounidenses con Get off of my cloud, canción de Jagger/Richards editada en single en septiembre de 1965.

Herman's Hermits - I'm into something good

EARLY 60'S BRITISH HITS (1964)

I'm into something good, versión de una canción escrita por Gerry Goffin y Carole King, estrenada por la estadounidense Earl-Jean, fue el primer single y número 1 en Gran Bretaña de Herman's Hermits, banda de Manchester formada en 1962 que también triunfó en Europa, Estados Unidos y Australia.

The Beatles - Twist and shout

EARLY 60'S BRITISH HITS (1963)

El celebérrimo cuarteto de Liverpool incluyó en su primer álbum Please please me y en su primer EP (ambos nº 1 en el Reino Unido) su versión de Twist and shout (Phil Medley/Bert Berns), un hit de 1962 de Isley Brothers, grupo de Cincinnati. La beatlemanía no había hecho sino comenzar.

Cliff Richard and The Shadows - Do you wanna dance

EARLY 60'S BRITISH HITS (1962)

Ya acompañado por The Shadows o por la orquesta de Norrie Paramor, desde 1959 hasta la irrupción de la música beat, Cliff Richard fue el gran ídolo del rock británico y no tuvo rival en las listas de éxitos de su país, consiguiendo múltiples hits también en muchos europeos, Australia y Nueva Zelanda. Uno de ellos fue Do you wanna dance, versión de una canción del norteamericano Bobby Freeman de 1958, grabada con The Shadows y aparecida en single en mayo de 1962.

The Shadows - FBI

EARLY 60'S BRITISH HITS (1961)

The Shadows, banda londinense de rock instrumental constituida en 1960, llevaron a las listas de varios países europeos, además de Australia y Nueva Zelanda, un buen número de éxitos como este FBI compuesto por su manager Peter Gormley.

Gérard Philipe (Cannes, France, 4-12-1922 / Paris, France, 25-11-1959): In memoriam

EL MAYOR GALÁN FRANCÉS DE LA POSGUERRA

Hoy es aniversario natal del actor francés Gérard Philipe. A la vez que demostraba su talento dramático en el teatro, su atractivo físico, encanto, elegancia, dicción y conmovedora fragilidad le convirtieron en el gran mito de la cinematografía gala de la posguerra, lo que su temprana muerte no hizo sino acentuar. En su país aún se le considera una de las mayores estrellas de todos los tiempos.

Hijo de un hotelero de la Costa Azul, Gérard Philip estudió arte dramático en su ciudad natal y continuó haciéndolo en el Conservatorio de París. A los 19 años debutó en el Casino de Niza y después destacó en obras como "Sodoma y Gomorra" de Jean Giraudoux (1942) o "Calígula" (1945) de Albert Camus. Miembro de la Resistencia durante la ocupación alemana, participó en la liberación de París. Para diferenciarse de su padre, que había sido colaboracionista, añadió una 'e' a su apellido, si bien adujo que lo hizo para sumar trece letras en su nombre completo, lo que creía que le daría suerte. Más adelante entró a formar parte del Théâtre National Populaire dirigido por Jean Vilar, donde pronto cosechó resonantes triunfos como protagonista de "El Cid" de Pierre Corneille (1951), "El príncipe de Homburg" de Heinrich von Kleist (1951), "Madre Coraje" de Bertolt Brecht (1951), "Lorenzaccio" de Alfred de Musset (1952), "Ricardo II" de William Shakespeare (1953), "Ruy Blas" de Victor Hugo (1954), etc.

En el cine debutó en 1944 en un pequeño papel y continuó apareciendo en otras películas hasta su consagración en títulos como El idiota (1946) de Georges Lampin, adaptación de la novela de Dostoievski, con Edwige Feuillère, y Le diable au corps (1947) de Claude Autant-Lara, drama romántico con Micheline Presle que batió records de taquilla, seguidos por El prisionero de Parma (1948) de Christian-Jaque, según la novela "La Cartuja de Parma" de Stendhal, con Renée Faure y Maria Casares, Una playa tan bonita (1949) de Yves Allégret, drama psicológico con Madeleine Robinson, La belleza del diablo (1950) de René Clair, drama fantástico con Michel Simon, La ronda (1950) de Max Ophüls, exquista adaptación de la obra de Arthur Schnitzler, con un excelente reparto que aglutinó a buen número de las mayores estrellas del cine francés de la época (Simone Signoret, Simone Simon, Danielle Darrieux, Odette Joyeux, Isa Miranda, Anton Walbrook, Serge Reggiani, Daniel Gélin, Fernand Gravey, Jean-Louis Barrault), Juliette o la llave de los sueños (1951) de Marcel Carné, drama entre onírico y fantasmagórico con Suzanne Cloutier, Fanfan, el invencible (1952) de Christian-Jaque, aventuras en el siglo XVIII con Gina Lollobrigida y un enorme éxito de taquilla, Mujeres soñadas (1952) de René Clair, comedia fantástica con Martine Carol y Gina Lollobrigida, Los orgullosos (1953) de Yves Allégret, drama según una historia de Jean-Paul Sartre, Monsieur Ripois (1954) de René Clément, comedia dramática con Valerie Hobson, El rojo y el negro (1954) de Claude Autant-Lara, adaptación de la novela de Stendhal, con Danielle Darrieux y Antonella Lualdi, donde interpretó a Julien Sorel, Las maniobras del amor (1955) de René Clair, comedia romántica de época con Michèle Morgan, Niebla en las cumbres (1956) de Yves Allégret, drama con Michele Cordoue, El puchero hierve (1957) de Julien Duvivier, adaptación de una novela de Zola, con Danielle Darrieux, Los amantes de Montparnasse (1958) de Jacques Becker, drama biográfico con Lilli Palmer donde encarnó al pintor Amedeo Modigliani, El jugador (1958) de Claude Autant-Lara, adaptación de la novela de Dostoievski, con Liselotte Pulver, Las relaciones peligrosas (1959) de Roger Vadim, según la novela de Choderlos de Laclos, con Jeanne Moreau, o Los ambiciosos (1959) de Luis Buñuel, drama satírico con María Félix y Jean Servais.

Gérard Philipe se casó en 1951 con la actriz y escritora Nicole Fourcade, con quien tuvo dos hijos. En la cúspide de su carrera, el actor falleció a los 36 años de un cáncer de hígado. Más de treinta años después, en 1990 se le concedió un Cesar honorífico a título póstumo.

Katyna Ranieri - Lo sceicco bianco

KATYNA RANIERI CANTA A NINO ROTA (CONCERTO PER FELLINI)

En 1984 RCA Italiana editó "Concerto per Fellini", extraordinario álbum homenaje al famoso cineasta, con una recopilación de los temas más populares de sus películas compuestos por el gran Nino Rota. La veterana cantante Katyna Ranieri puso su personalísima voz a todos ellos y su marido, el músico Riz Ortolani, se encargó de la producción.

El disco se abría con esta versión del tema principal de "El jeque blanco", a la que la genial letra de Antonio Amurri y la muy sugestiva interpretación de Katyna Ranieri conferían un sabor especialísimo.

Lo sceicco bianco (testo)

Amor lusingator
ancor ancor
Amor trionfator
ognor ognor
Amor vendicator
Amor consolator
Amor, dolor, languor
calor calor
Amor insidiator
ancor ancor
Amor provocator
qualor qualor
Amor esaltator
Amor tormentator
Sceicco bianco a te
darò il mio cuor.
.....................................
Amor soggiogator
ancor ancor
Amor strapazzator
ognor ognor
Amor ammagliator
Amor raggirator
Amor, fervor, bollor
calor calor
Amor violentator
ancor ancor
Amor umiliator
qualor qualor
Amor supplicator
Amor ricattator
Sceicco bianco tu
mi hai preso il cuor
Amor supplicator
Amor lusingator
Sceicco bianco tu
mi hai preso il cuor.

Andy Williams - Can't get used to losing you

ANDY WILLIAMS (Wall Lake, Iowa, US, 3-12-1927 / Branson, Missouri, US, 25-9-2012): IN MEMORIAM

Recordamos al cantante estadounidense Andy Williams en su aniversario natal con uno de sus mayores hits, esta canción de Jerome Pomus y Mort Shuman,  que en 1963 fue número 2 en Billboard y en las listas británicas.

Tribute to Jean-Luc Godard (Paris, France, 3-12-1930)

LA VANGUARDIA RADICAL

El director franco-suizo Jean-Luc Godard cumple hoy 85 años. Asombró al mundo con su primer largometraje, Al final de la escapada (1960), rodado con un presupuesto bajísimo, marcando un hito de ruptura en lo que a técnicas ortodoxas de rodaje se refiere, al tiempo que replanteaba la sintaxis cinematográfica con sus sorprendentes saltos y tomas en movimiento con cámara sin trípode. Irrumpió en el cine de los años 60 como un auténtico vendaval, barriéndolo todo y aportando nuevos elementos significativos al arte, el pensamiento y el lenguaje cinematográficos. Jean-Luc Godard entiende el film como un mosaico de fragmentos de vida que él se limita a juntar, poniendo constantemente en entredicho el orden establecido con actitud cínica o provocativa. Numerosos cineastas europeos y americanos se han inspirado en su obra. Gradualmente, sus películas fueron perdiendo los aspectos estructurales y dramáticos más convencionales hasta convertirse en vehículos casi ensayísticos, hasta el extremo de que Godard llegó a convertir el cine en un instrumento político y social. Con perenne imagen de intelectual temerario, talentoso y muchas veces deslenguado, aún continúa en activo.

Reseña biográfica procedente (con modificaciones) de la página El Criticón:

Jean-Luc Godard es un director y guionista francés de ascendencia suiza. Nació en París en el seno de una familia acomodada, siendo su padre el médico Paul Godard. Su madre, Odile Monod era miembro de una familia de banqueros. Uno de sus antepasados fue el teólogo del siglo XIX Adolphe Monod.

En tiempos de la Segunda Guerra Mundial su familia se trasladó a Suiza, país en el que Godard vivió parte de su juventud y adquirió la doble nacionalidad. A finales de los años 40 volvió a Francia para intentar cursar estudios universitarios.

Pasó breve tiempo en la Sorbona matriculado en Antropología, carrera que abandonó pronto para volcarse en su pasión cinéfila y en la redacción de artículos y críticas sobre películas en diversas publicaciones, como Gazette du cinéma, Arts y la influyente revista Cahiers du cinéma, creada por uno de sus maestros teóricos, André Bazin.

En principio admiradores del cine clásico norteamericano y denostadores del academicismo "de qualité" del francés, Godard y otros críticos de Cahiers du cinéma, como François Truffaut, Claude Chabrol o Eric Rohmer, se convirtieron en cineastas en la parte final de los años 50 configurando la nouvelle vague, importante corriente cinematográfica basada en la teoría del autor derivada del "caméra-stylo" de Alexandre Astruc, las localizaciones naturales, la improvisación y, entre otros rasgos característicos, la libertad en la expresión espacio-tiempo.

Después de filmar varios cortos, Jean-Luc Godard debutó como director de largometrajes con Al final de la escapada (1960), un film dedicado a la productora estadounidense Monogram Pictures que estaba protagonizado por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg, co-escrito por François Truffaut y contaba con la dirección artística de Claude Chabrol. Ganador del Oso de Plata al mejor director en el Festival de Berlín, este arranque de Godard es uno de los títulos más significativos dentro de la Nouvelle Vague francesa que tanto influyó en el cine posterior a su aparición.

La década de los años 60 es la época clave y más importante en la filmografía de Godard. Además de Al final de la escapada, el prolífico director parisino estrenó títulos como Una mujer es una mujer (1961), con Anna Karina, Jean-Paul Belmondo y Jean-Claude Brialy, Vivir su vida (1962), con Anna Karina, El soldadito (1963), con Anna Karina y Michel Subor, rodada en 1960 y prohibido durante tres años, Los carabineros (1963), con  Marino Masé y Albert Juross, El desprecio (1963), con Brigitte Bardot, Jack Palance y Michel Piccoli, Banda aparte (1964) con Anna Karina, Sami Frey y Claude Brasseur, Lemmy contra Alphaville (1965), con Eddie Constantine, Anna Karina y Akim Tamiroff, premiada con el Oso de Oro en Berlín, Una mujer casada (1964), con Macha Méril, Philippe Leroy y Bernard Noel, Pierrot el loco (1965) con Jean-Paul Belmondo y Anna Karina, Masculino, femenino (1966), con Chantal Goya y Jean-Pierre Léaud, Made in U.S.A (1966), con Anna Karina y Jean-Pierre Léaud, Dos o tres cosas que yo sé de ella (1967), con Marina Vlady, La Chinoise (1967), con Anne Wiazemsky y Jean-Pierre Léaud, Week-end (1967), con Mireille Darc y Jean Yanne, el documental sobre los Rolling Stones Sympathy for the devil (One plus one) (1968) o La gaya ciencia (1969), con Jean-Pierre Léaud y Juliet Berto.

También Godard participó en este período en varias películas de episodios, como Rogopag (1963), Las más famosas estafas del mundo (1964), París visto por… (1965), El oficio más viejo del mundo (1967), Loin du Vietnam (1967) o Amor y rabia (1969).

Algunas de sus películas más logradas están protagonizadas por Anna Karina, modelo y actriz danesa con la que Godard se casó en el año 1961. En 1967 el matrimonio entre Anna Karina y Jean-Luc Godard se rompió. El mismo año el director se casó con la actriz Anne Wiazemsky, con quien permaneció hasta 1979. Su tercera pareja estable fue Anne-Marie Miéville, suiza que co-dirigió varias películas con su marido desde la parte final de los años 70.

A partir de los años 70 la producción de Godard resultó muy irregular y menor en comparación con sus títulos previos. A diferencia de su colega Truffaut, que nunca permitió que la política condicionara su cine y su forma de ver la vida, Jean-Luc Godard politizó sus películas desde los tiempos revolucionarios de 1968, año en el que creó el Dziga Vertov Group, conjunto de cineastas atraídos por las ideologías marxista y maoísta que incluía, entre otros, a Jean-Pierre Gorin. El proyecto duró poco, siendo Todo va bien (1972), film con Jane Fonda, una de sus últimas manifestaciones.

Salve quien pueda la vida (1980), con Isabelle Huppert, Jacques Dutronc y Nathalie Baye, Pasión (1982), con Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli y Jerzy Radziwilowicz, Nombre: Carmen (1983), con Maruschka Detmers, premiada con el León de Oro en Venecia, Yo te saludo, María (1985), con Myriem Roussel, condenada por el Vaticano, Detective (1985), con Nathalie Baye, Claude Brasseur y Johnny Hallyday, Nueva ola (1990), con Alain Delon, For ever Mozart (1996), por una u otra causa, fueron las cintas más resonantes de Godard en las siguientes décadas.

Algunas de sus últimas películas de ficción son Elogio del amor (2001), Nuestra música (2004), Film socialisme (2010) o Adiós al lenguaje (2014).

Jean-Luc Godard  recibió un premio César especial en 1987, concedido por su extensa obra cinematográfica, y fue galardonado con un Oscar honorífico al conjunto de su carrera en el año 2010.

 

 

POSDATA

 

Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard falleció por suicidio asistido, rodeado de sus allegados, en Rolle (Suiza), el 13 de septiembre de 2022. Contaba 91 años de edad.

Julie Harris (Grosse Pointe, Michigan, US, 2-12-1925 / West Chatham, Massachusetts, US, 24-8-2013): In memoriam

MÁS ALLÁ DEL EDÉN

Tal día como hoy hace 90 años nació la actriz estadounidense de cine, teatro y televisión Julie Harris. Su carrera de más de sesenta años, más activa sobre los escenarios o en trabajos televisivos que en la gran pantalla, fue reconocida con cinco premios Tony en competición y uno honorífico, tres Emmy y un Grammy, además de recibir la Medalla Nacional de las Artes en 1994. Fue candidata al Oscar por su primera película.

Julia Ann Harris era hija de un inversionista de banca y de una enfermera. Tras estudiar arte dramático en Yale, participar en varios episodios televisivos del Actors Studio, y actuar con éxito en escenarios de Nueva York, debutó en el cine con The member of the wedding (1952) de Fred Zinnemann, adaptación de una obra teatral de Carson McCullers, con Ethel Waters y Brandon De Wilde, donde interpretaba a una joven que se sentía abandonada por la boda de su hermano mayor, papel con el que había triunfado en Broadway y por el que fue nominada al Oscar a la mejor actriz.

Sin abandonar el teatro o la televisión, prosiguió su carrera en la gran pantalla con Al este del edén (1955) de Elia Kazan, drama según la novela de John Steinbeck donde interpretaba al principal personaje femenino, Abra, la novia de Aron (Richard Davalos), el hermano del personaje de Cal (James Dean). Este se convertiría en el personaje más recordado de su carrera cinematográfica, a la que aportó sensibilidad e inteligencia igualmente sutiles. También fue Sally Bowles en la producción británica Soy una cámara (1955), con Laurence Harvey y Shelley Winters, primera trasposición al cine de la obra teatral de John Van Druten, basada a su vez en la narración "Adiós a Berlín" de Christopher Isherwood. Por su protagonismo en esa obra en Broadway en 1952, Harris había ganado su primer premio Tony. Dspués apareció en títulos como The truth about women (1957) de Muriel Box, comedia rodada en Inglaterra con Laurence Harvey, Diane Cilento, Mai Zetterling y Eva Gabor, Réquiem por un campeón (1962) de Ralph Nelson, drama boxístico con Anthony Quinn, Jackie Gleason, Mickey Rooney, La mansión encantada (1963) de Robert Wise, film de terror psicológico con Claire Bloom, Richard Johnson y Russ Tamblyn, Harper, investigador privado (1966) de Jack Smight, policiaco con Paul Newman, Lauren Bacall, Ya eres un gran chico (1966) de Francis Ford Coppola, comedia con Elizabeth Hartman, Geraldine Page y Peter Kastner, Reflejos en un ojo dorado (1967) de John Huston, adaptación de una novela de Carson McCullers, con Elizabeth Taylor, Marlon Brando y Brian Keith, El reparto (1968) de Gordon Flemyng, thriller con Jim Brown, Diahann Carroll y Ernest Borgnine, Juventud pervertida (1970) de David Greene, drama sobre el mundo de las drogas con Eli Wallach, Hal Holbrook y  Deborah Winters, El viaje de los malditos (1976) de Stuart Rosenberg, drama con reparto multiestelar sobre un barco lleno de judíos alemanes que en 1939 huyen del régimen nazi intentan refugiarse en La Habana, La campana de cristal (1979) de Larry Peerce, adaptación de una novela de Sylvia Plath, con Marilyn Hassett, Gorilas en la niebla (1988) de Michael Apted, biopic sobre la naturalista Dian Fossey encarnada por Sigourney Weaver, Esposa por sorpresa (1992) de Frank Oz, comedia con Steve Martin y Goldie Hawn, La mitad oscura (1993) de George A. Romero, film de terror con Timothy Hutton, Amy Madigan y Michael Rooker, o El circo de la vida (1999) de Paul Sirmons, drama familiar con Mickey Rooney y Dan Byrd. Se retiró en 2009.

Julie Harris se casó y divorció tres veces. Sus maridos fueron Jay Julian (1946-1954), Manning Gurian (1954-1957), con quien tuvo a su hijo Peter, y Walter Carroll (1977-1982). Un fallo cardiaco a los 87 años acabó con su vida.

Georges Seurat paintings

GEORGES PIERRE SEURAT (Paris, France, 2-12-1859 / Ibídem, 28-3-1891): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del pintor francés Georges-Pierre Seurat, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo. Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, donde las formas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. En general, su obra se caracteriza por sus figuras hieráticas, lo que estableció las premisas de lo que más tarde sería el fauvismo y el cubismo.

Hijo de un policía, Georges-Pierre Seurat ingresó a los dieciocho años en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió durante un año para abandonarla insatisfecho tras visitar la cuarta exposición impresionista, donde le fascinaron las obras de Pissarro, Degas y Monet. Después de prestar un año de servicio militar en Brest, volvió a París y se dedicó a perfeccionar su técnica en el dibujo además de seguir las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres. Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador. Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. El estudio científico del color y la sistemática división de las tonalidades cromáticas fueron los principios básicos que inspiraron la metódica búsqueda de los autodenominados pintores neoimpresionistas o puntillistas. Estos artistas llevaron a sus últimas consecuencias los planteamientos que, de modo más intuitivo, habían desarrollado los impresionistas.

Seurat fue el fundador de la teoría del divisionismo, término que aludía a la división del color, pues no se mezclan los colores en la paleta; sólo se usaban los colores básicos, produciéndose la mezcla en la retina del espectador. Para ella aprovechó los postulados impresionistas, depurándolos y extremando el rigor científico. Entabló amistad con Paul Signac (pintor que compartía sus ideas y que se sumaría al puntillismo) cuando presentó Baño en Asnières (1884), la primera de sus seis grandes obras, seguida posteriormente por Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1986), Las modelos (1888), La parada (1889), El chahut (1890) y El circo (1991). En 1885 se les unió Camille Pissarro; los tres pintores formaron el núcleo del grupo que sería luego conocido con el nombre de neoimpresionistas o puntillistas. Al igual que los impresionistas, buscaban expresar las calidades esenciales de la luz y el color, pero a pesar de apuntar a objetivos similares, estos dos movimientos pictóricos se contraponían: Los impresionistas pretendían captar el momento fugaz, su transitoriedad, sus matices cambiantes; los puntillistas reaccionaron contra esta fugacidad y, en vez de una aproximación instintiva, de unos procedimientos más o menos improvisados, ellos querían encontrar una técnica razonada, normativa, perenne, para conceder finalmente la mayor importancia a la composición, que había de ser meticulosa en extremo. No obstante, la influencia del puntillismo fue amplia, pero de corta duración, pues lo estricto de las reglas chocaba con la sensibilidad propia de cada artista. Aun cuando el puntillismo fuera rápidamente abandonado, obtuvo muchos logros, entre los que se cuenta el de propiciar la creencia de que el arte debía apoyarse en el conocimiento científico, idea que, de algún modo, condujo al nacimiento del cubismo y del arte abstracto.

Georges Seurat mantuvo una relación con su modelo Madeleine Knobloch, de la que nació un hijo en febrero de 1890. Un año más tarde el pintor falleció de difteria a la edad de 31 años. Su hijo murió de la misma enfermedad dos semanas después. Madeleine, por entonces embarazada, daría a luz un segundo hijo que también murió.

Tributo a Verónica Forqué (Madrid, 1-12-1955)

CANDIDEZ CÓMICA

La actriz española de cine, teatro y televisión Verónica Forqué cumple hoy 60 años. Dotada de especial vis cómica, se aseguró un puesto dentro del género de la comedia, creando un personaje ingenuo y lleno de encanto que le proporcionó amplia popularidad y simpatía por parte del público, pero en cierto modo la encasilló. Candidata en cinco ocasiones al premio Goya, lo ganó en cuatro, dos como actriz protagonista y dos como secundaria.

Verónica Forqué es hija del director y productor José María Forqué y de la escritora Carmen Vázquez-Vigo. Estudió arte dramático y debutó en el cine con un pequeño papel en Mi querida señorita (1972) de Jaime de Armiñán e hizo apariciones secundarias en películas de su padre como Una pareja... distinta (1974), Madrid, Costa Fleming (1976), o El segundo poder (1976) y consiguió destacar en La guerra de papá (1977) de Antonio Mercero, a la que siguieron títulos como Las truchas (1978) de José Luis García Sánchez, El canto de la cigarra (1980) de José María Forqué, Todos me llaman 'Gato' (1980) de Raúl Peña. La serie televisiva "Ramón y Cajal" (1982) dirigida por su padre convirtió el suyo en un rostro popular.

Su carrera en la gran pantalla adquirió mayor relieve a raiz de su participación en ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984) de Pedro Almodóvar, comedia negra en la que encarnó a Cristal, la vecina prostituta de Carmen Maura, rol que resultó decisivo para su conversión en una de las actrices de comedia española más populares durante la década de los años 80 y primeros 90. En parecida tesitura interpretó divertidos personajes en Sé infiel y no mires con quién (1985) de Fernando Trueba, comedia de enredo con Ana Belén, Carmen Maura, Antonio Resines y Santiago Ramos, que obtuvo un gran éxito, El año de las luces (1986) de Fernando Trueba, comedia sentimental ambientada en la posguerra española, con Jorge Sanz y Maribel Verdú, por la que ganó su primer Goya como actriz de reparto, La vida alegre (1987) de Fernando Colomo, comedia costumbrista con Antonio Resines, también de gran éxito popular, o Moros y cristianos (1987) de Luis García Berlanga. Se dió la circunstancia de que, en la misma edición, Forqué fue galardonada con sendos premios Goya por estas dos últimas películas respectivamente en los apartados de mejor actriz protagonista y mejor actriz secundaria. Nuevamente fue candidata al Goya como protagonista de Bajarse al moro (1988) de Fernando Colomo, comedia basada en una obra teatral de José Luis Alonso de Santos, con Antonio Banderas y Aitana Sánchez-Gijón, y apareció sucesivamente en El baile del pato (1989) de Manuel Iborra, comedia con Antonio Resines, Don Juan, mi querido fantasma (1990) de  Antonio Mercero, comedia con Juan Luis Galiardo, Salsa rosa (1991) de Manuel Gómez Pereira, comedia con Maribel Verdú, Juanjo Puigcorbé y José Coronado, ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? (1993) de Manuel Gómez Pereira, comedia con Jorge Sanz, Rosa María Sardá y Fernando Guillén, o Kika (1993) de Pedro Almodóvar, comedia negra con Peter Coyote y Victoria Abril, por la que consiguió su cuarto Goya (segundo como protagonista).

Menos comerciales resultaron sus siguientes trabajos en Amor propio (1994) de Mario Camus, drama con  Antonio Resines y Fernando Valverde, ¿De qué se ríen las mujeres? (1996) de Joaquín Oristrell, comedia con Candela Peña y Adriana Ozores, El tiempo de la felicidad (1997) de Manuel Iborra, comedia con Antonio Resines, Pepe Guindo (1999) de Manuel Iborra, casi un monologo teatral protagonizado por Fernando Fernán Gómez, Clara y Elena (2001) de Manuel Iborra, drama con Carmen Maura, I love you baby (2001) de Alfonso Albacete y David Menkes, comedia dramática con Jorge Sanz, Sin vergüenza (2001) de Joaquín Oristrell, comedia con Daniel Giménez Cacho y Candela Peña, Reinas (2005) de Manuel Gómez Pereira, comedia de historias cruzadas con Carmen Maura, Marisa Paredes y Mercedes Sampietro, La dama boba (2006) de Manuel Iborra, adaptación de la obra de Lope de Vega, con Silvia Abascal y José Coronado, Enloquecidas (2008) de Juan Luis Iborra, comedia con Silvia Abascal y Concha Velasco, o Ali (2011) de Paco R. Baños, drama social con Nadia de Santiago.

Además de participar en diversas series de televisión, ha protagonizado obras teatrales como "Sublime decisión" (1984) de Miguel Mihura, "Bajarse al moro" (1985) de José Luis Alonso de Santos, "¡Ay, Carmela!" (1987) de José Sanchis Sinisterra, "Doña Rosita la soltera" (2004) de Federico García Lorca, "La abeja reina" (2009) de Charlotte Jones, o "Shirley Valentine" (2011) de Willy Russell. Sobre la escena también ha dirigido las obras "La tentación vive arriba" (2000) de George Axelrod y "Adulterios" (2008) de Woody Allen.

Verónica Forqué se casó en 1981 con el director de cine Manuel Iborra, con quien tuvo una hija y de quien se separó en 2014.

 

POSDATA

Verónica Forqué se suicidó por ahorcamiento en su casa de Madrid el 13 de diciembre de 2021, tras haber sufrido depresiones y el covid 19. Contaba 66 años de edad.