Vintage famous screen couples

Vilma Banky & Rudolph Valentino ("Son of the Sheik", 1926)

Janet Gaynor & Charles Farrell ("Seventh heaven", 1927)

Douglas Fairbanks & Mary Pickford ("The taming of the shrew", 1929)

James Cagney & Jean Harlow ("The public enemy", 1931)

Maureen O'Sullivan & Johnny Weissmuller ("Tarzan, the ape man", 1932)

John Gilbert & Greta Garbo ("Queen Christina", 1933)

Clark Gable & Claudette Colbert ("It happened one night", 1934)

Myrna Loy & William Powelll ("The thin man", 1934)

Errol Flynn & Olivia de Havilland ("Captain Blood", 1935)

Paulette Goddard & Charlie Chaplin ("Modern times", 1936)

Marlene Dietrich & Gary Cooper ("Desire", 1936)

Ginger Rogers & Fred Astaire ("Swing time", 1936)

Stan Laurel & Oliver Hardy ("Way out west", 1937)

Cary Grant & Katharine Hepburn ("Bringing up baby", 1938)

Norma Shearer & Tyrone Power ("Marie Antoinette", 1938)

Clark Gable & Vivien Leigh ("Gone with the wind", 1939)

Laurence Olivier & Joan Fontaine ("Rebecca", 1940)

Judy Garland & Mickey Rooney ("Strike up the band", 1940)

 Henry Fonda & Barbara Stanwyck ("The Lady Eve", 1941)

Jack Benny & Carole Lombard ("To be or not to be", 1942)

Veronica Lake & Alan Ladd ("This gun for hire", 1942)

Humphrey Bogart & Ingrid Bergman ("Casablanca", 1943)

Gene Tierney & Dana Andrews ("Laura", 1944)

Rita Hayworth & Glenn Ford ("Gilda", 1946)

John Gilbert & Lana Turner ("The postman always rings twice", 1946)

Humphrey Bogart & Lauren Bacall ("The big sleep", 1946)

Gregory Peck & Jennifer Jones ("Duel in the sun", 1946)

Laurence Olivier & Jean Simmons ("Hamlet", 1948)

Gary Cooper & Patricia Neal ("The fountainhead", 1949)

Spencer Tracy & Katharine Hepburn ("Adam's rib", 1949)

Gloria Swanson & William Holden ("Sunset boulevard", 1950)

Ava Gardner & James Mason ("Pandora & the flying Dutchman", 1951)

Robert Mitchum & Jane Russell ("His kind of woman", 1951)

Marlon Brando & Vivien Leigh ("A streetcar naned desire", 1951)

Leslie Caron & Gene Kelly ("An American in Paris", 1951)

Maureen O'Hara & John Wayne ("The quiet man", 1952)

Burt Lancaster & Deborah Kerr ("From here to eternity", 1953)

Dorothy Dandridge & Harry Belafonte ("Carmen Jones", 1954)

Julie Harris & James Dean ("East of eden", 1955)

Cary Grant & Grace Kelly ("To catch a thief", 1955)

James Stewart & Kim Novak ("Vertigo", 1958)

Kirk Douglas & Janet Leigh ("The vikings", 1958)

Paul Newman & Elizabeth Taylor ("Cat on a hot tin roof", 1958)

Tony Curtis & Marilyn Monroe ("Some like it hot", 1959)

Doris Day & Rock Hudson ("Pillow talk", 1959)

Jean Paul Belmondo & Jean Seberg ("A bout de souffle", 1950)

Jack Lemmon & Shirley MacLaine ("The apartment", 1961)

 George Peppard & Audrey Hepburn ("Breakfast at Tiffany's", 1961)

Natalie Wood & Warren Beatty ("Splendor in the grass", 1961)

Joan Crawford & Bette Davis ("What ever happened to Baby Jane"?, 1962)

Richard Burton & Elizabeth Taylor ("Cleopatra", 1963)

Marcello Mastroianni & Sophia Loren ("Matrimonio all'italiana", 1964)

Warren Beatty & Faye Dunaway ("Bonnie and Clyde", 1967)

Romy Schneider & Alain Delon ("La piscine", 1969)

Dustin Hoffman & Jon Voight ("Midnight cowboy", 1969)

Ali MacGraw & Ryan O'Neal ("Love story", 1970)

Marlon Brando & Maria Schneider ("Last tango in Paris", 1972)

Robert Redford & Barbra Streisand ("The way we were", 1973)

Woody Allen & Diane Keaton ("Annie Hall", 1977)

John Travolta & Olivia Newton-John ("Grease", 1978)

Movie Legends - Irene Dunne

IRENE DUNNE (Louisville, Kentucky, US, 20-12-1898 / Los Angeles, 4-9-1990): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen 24 años de la desaparición de la actriz estadounidense Irene Dunne, una de las más exitosas en los años 30 y 40, especializada tanto en melodramas como en comedias. Fue candidata al Oscar en cinco ocasiones, aunque nunca lo consiguió. Se la recuerda en películas como La usurpadora, La pícara puritana, Serenata nostálgica o Nunca la olvidaré. Fue una actriz sensible, dúctil, versátil, sobria y de porte elegante, una gran dama del cine. Se retiró en 1952 y vivió hasta los 91 años.

Semblanza biográfica (con retoques) procedente de la página El Criticón:

Su padre se dedicaba a supervisar barcos de vapor y su madre era pianista. Fue su progenitora (su padre falleció en 1910) quien le inculcó un profundo amor hacia la música y quien le propuso estudiar canto. El primer deseo de Irene, que tenía voz de soprano, fue ser intérprete de ópera, pero tras fracasar en el intento de formar parte del Metropolitan de Nueva York, terminó apareciendo en multitud de comedias musicales de Broadway durante la década de los 20. En 1928 contrajo matrimonio con el dentista Francis Griffin, el único amor de su vida y con quien estuvo casada hasta 1965, año del fallecimiento de Francis. La pareja adoptó una hija a la que llamaron Mary Frances.

Después de muchas actuaciones teatrales, la actriz y cantante de Kentucky logró firmar un contrato en 1930 con la RKO, después de que un cazatalentos del estudio la contemplara cantar e interpretar a Magnolia Hawks, el personaje principal del famoso musical "Show boat" de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, que Florence Ziegfeld le había dado a protagonizar encabezando la compañía que representaba la obra en gira. Su debut cinematográfico se produjo con Leathernecking (1930), una comedia musical dirigida por Edward F. Cline.

Durante toda la década de los 30 Irene alternó comedias, musicales, dramas, películas románticas, westerns... Sus títulos más importantes son Cimarron (1931) de Wesley Ruggles, western basado en un novela de Edna Ferber que ganó el Oscar a la mejor película, con Richard Dix, La melodía de la vida (1932) de Gregory La Cava, drama según una historia de Fannie Hurst, con Ricardo Cortez, La usurpadora (1932) de John M. Stahl, melodrama que adaptaba una novela de Fannie Hurst, con John Boles, Dos amores (1933), drama con  Joel McCrea, Ana Vickers (1933), drama según una novela de Sinclair Lewis, con Walter Huston, y Este hombre es mío (1934), drama romántico con Constance Cummings y Ralph Bellamy, las tres de John Cromwell, La edad de la inocencia (1934) de Philip Moeller, adaptación de la novela de Edith Warton,  con John Boles, Roberta (1935) de William A. Seiter, musical romántico con  Fred Astaire, Ginger Rogers y Randolph Scott, Sublime obsesión (1935) de John M. Stahl, melodrama con Robert Taylor, Magnolia (1936) de James Whale, considerada la mejor traslación a la pantalla del musical "Show boat" (que ella ya habría representado sobre las tablas seis años antes), con  Allan Jones, Charles Winninger, Paul Robeson y Helen Morgan, Los pecados de Teodora (1936) de Richard Boleslawski, comedia con Melvyn Douglas, La pícara puritana (1937) de Leo McCarey, sofisticada comedia con Cary Grant y Ralph Bellamy, probablemente su mejor película, La furia del oro negro (1937) de Rouben Mamoulian, western con  Randolph Scott, El placer de vivir (1938) de Tay Garnett, comedia con Douglas Fairbanks Jr., la primera versión de Tú y yo (1939), de Leo McCarey, melodrama con Charles Boyer, o Invitación a la felicidad (1939) de Wesley Ruggles, drama romántico con Fred MacMurray. 

En La pícara puritana coincidió por primera vez con el actor Cary Grant, con quien irradió química en ésta y en sus siguientes colaboraciones: la comedia Mi mujer favorita (1940) de Garson Kanin y el drama familiar Serenata nostálgica (1941) de George Stevens. Con Charles Boyer inició una asociación en Tú y yo, que continuó con Huracán (1939) de John M. Stahl y Otra vez juntos (1944) de Charles Vidor. En los años 30 Irene fue nominada al Oscar a la mejor actriz en cuatro ocasiones: por Cimarrón, Los pecados de Teodora, La pícara puritana y Tú y yo.

En la década de los 40 Irene intervino en películas con menos constancia que en la precedente, con papeles muy diversificados aunque con mayor querencia por la comedia. Además de los títulos citados con Grant y Boyer, las mejores películas de Dunne fueron Ansia de amor (1941) de Gregory La Cava, comedia con  Robert Montgomery, y Una dama en apuros (1942), comedia con Patric Knowles, ambas de Gregory La Cava, Dos en el cielo (1943) de Victor Fleming, título bélico con Spencer Tracy, Las rocas blancas de Dover (1944) de Clarence Brown, drama con Alan Marshal y Roddy McDowall, Locamente enamorada (1945) de Charles Vidor, comedia con Alexander Knox y Charles Coburn, Ana y el rey de Siam (1946) de Johm Cromwell, drama biográfico con Rex Harrison y Linda Darnell, Vivir con papá (1947) de Michael Curtiz, comedia familiar de época, con William Powell y Elizabeth Taylor, y Nunca la olvidaré (1949) de George Stevens, drama sobre una familia de inmigrantes noruegos en San Francisco, con Barbara Bel Geddes. Por este último título Irene fue nominada por quinta y última vez al Oscar. De nuevo la fortuna fue esquiva y la estupenda actriz y cantante se quedó sin su premio. Muchos años después, Irene Dunne ha sido descrita como la mejor actriz que nunca ganó un Oscar.

En la siguiente década, tras protagonizar The mudlark (1950) de Jean Negulesco, drama de época con Alec Guinness, ¡Qué vida ésta! (1950) de George Marshall, comedia con  Fred MacMurray, y It grows on trees (1952) de Arthur Lubin, comedia fantástica con Dean Jagger, se alejó del cine. Tras su retiro voluntario, Irene se dedicó a causas humanitarias y a colaborar con las Naciones Unidas. Falleció nonagenaria en Los Angeles a causa de problemas cardiacos en 1990.

Alan Ladd (Hot Springs, Arkansas, US, 3-9-1913 / Palm Springs, California, US, 29-1-1964): In memoriam

EL SILENCIOSO HÉROE ATORMENTADO

Hoy se cumplen 101 años del nacimiento del actor estadounidense Alan Walbridge Ladd, conocido como Alan Ladd. A partir de El cuervo (This gun for hire, 1942) y durante tres lustros fue una estrella muy popular que destacó primero en el cine negro y luego en otros géneros como aventuras, westerns o cine bélico. Dejó a la posteridad algunos clásicos, el más relevante, el mítico western Raíces profundas (Shane, 1953). Su prematura muerte fue certificada como causada por un edema cerebral, aunque en Hollywood todos dieron por hecho que se trató de un suicidio.

Texto biográfico redactado a partir de una reseña biográfica de la página El Criticón:

A pesar de su corta estatura, Alan Ladd se consolidó en los años 40 como una de las estrellas masculinas más admiradas entre el público norteamericano, dejando a sus espaldas un problemático pasado.

Sus padres fueron Alan Ladd Sr., un contable freelance y Selina Rowley una ex-actriz de nombre artístico Ina Raleigh. En 1917, cuando Alan tenía cuatro años de edad, presenció el desplome de su padre y su muerte fulminante a causa de un ataque cardíaco. Sin más familia ni amigos, su madre y él sobrevivieron de lo poco que les quedó. Al año siguiente, el pequeño Alan, que aún no había cumplido los cinco años, encontró una caja de cerillas con la que jugar y quemó el miserable apartamento donde vivían. Sin muebles ni posesiones, con el poco dinero que tenía, su madre dejó Arkansas y se mudó con Alan a Oklahoma City. Allí se volvió a casar con Jim Beavers, un pintor de brocha gorda frecuentemente desempleado. En 1920, incapaz el padrastro de encontrar trabajo para poder mantener a la familia, decidieron trasladarse a California. De adulto, Ladd contó que su desplazamiento, un viaje de cuatro meses en su decrépito vehículo, fue similar al relatado por John Steinbeck en "Las uvas de la ira". También recordaba el hambre que pasaron porque su familia era demasiado pobre para comprar comida. Beavers se vió obligado a vender sus utensilios de pintor para poder pagar las frecuentes reparaciones del vehículo. Ya en California pasaron de un campamento transitorio en Pasadena a Hollywood, donde Beavers encontró un trabajo de corta duración como pintor de decorados de un estudio cercano a su desaparición. A los 12 años Alan sufrió una enfermedad estomacal por malnutrición, lo que le causó retrasos en la escuela, donde era el mayor de su clase aunque el de más pequeño tamaño. Sus compañeros le llamaban 'Tiny', cosa que él odiaba. A los 14 años se empleó en una tienda de comestibles y gradualmente trató de fortalecer su débil constitución y desarrollar su musculatura. En 1930 se inscribió en la North Hollywood High School, donde sobresalió en natación y buceo, pero una lesión le impidió proseguir su prometedora carrera en la piscina. Tras el instituto trabajó en multitud de oficios, entre ellos socorrista y vendedor de hamburguesas.

A comienzos de los años 30 consiguió hacerse un hueco en los estudios Warner trabajado como grip y apareciendo como figurante en varias películas, además de tomar clases de actuación. Por esa época, se casó con su compañera de clase Marjorie Jane 'Midge' Harrold (matrimonio que duraría desde 1936 hasta 1941). La pareja tuvo a su hijo Alan Ladd Jr. en 1937, pero su alegría por el acontecimiento duró poco: la desvalida madre de Ladd, por entonces viuda y alcohólica, que se había venido a vivir con ellos a su pequeño y mísero apartamento con muebles de segunda mano, se suicidó ingiriendo veneno y agonizando ante los horrorizados ojos de su hijo. Se dice que el aire cansino del actor, a menudo evidente en sus actuaciones en la pantalla, fue originado por ese terrible incidente.

Rechazado una y otra vez por los estudios de cine por su corta estatura y pelo rubio, que decían no fotografiaba bien, hizo pequeños trabajos en producciones radiofónicas. En cine empezó haciendo papeles secundarios durante años mientras el éxito que ansiaba se le resistía. Tras divorciarse en 1941 de Midge, con quien nunca se entendió, en 1942 contrajo matrimonio con Sue Carrol, diez años mayor que él, una ex-actriz que se había reconvertido en agente de intérpretes. Carrol, que le descubrió escuchándole por la radio, le había ofrecido firmar un contrato para representarle. Su segunda mujer fue clave en el progreso vital y profesional del actor. Su tenaz labor con Ladd supuso el lanzamiento de su marido como gran estrella de Hollywood. Instantaneamente famoso, entre enero y noviembre de 1943 Alan fue movilizado para participar como soldado en la 2ª Guerra Mundial, aunque sus recurrentes problemas estomacales finalmente le liberaron del servicio.

Su estrellato se había impulsado gracias a su aparición en El cuervo (1942), un film de la Paramount dirigido por Frank Tuttle y co-protagonizado por la rubia Veronica Lake. Al público le gustó tanto la pareja que Lake y Ladd intervinieron juntos durante toda la década de los 40 en otros títulos como La llave de cristal (1942) de Stuart Heisler, La dalia azul (1946) de George Marshall o Saigón (1948) de Leslie Fenton. Otras películas protagonizadas por Alan Ladd en los años 40 fueron Lucky Jordan (1942) de Frank Tuttle, China (1943) de John Farrow, El porvenir es nuestro (1944) de Irving Pichel, El fuera de la ley (1945) de Raoul Walsh, O.S.S. (1946) de Irving Pichel, Revolución en alta mar (1946) y Calcuta (1947), ambas de John Farrow, Smith el silencioso (1948), de Leslie Fenton,  El gran Gatsby (1949) de Elliott Nugent o El misterio de una desconocida (1949) de Lewis Allen. Independientemente de la calidad de sus títulos, Ladd era uno de los actores favoritos del público.

En los años 50 continuó la tónica de su carrera. Proseguía llevando gente a las salas pero muchos de sus films no resultaron demasiado satisfactorios. Algunas excepciones fueron Capitán Carey (1950) de Mitchell Leisen, Reto a la muerte (1951) de Lewis Allen, Sólo una bandera (1951) de William Dieterle, La novia de acero (1952) de Gordon Douglas, Tempestad en Oriente (1953) de Charles Vidor, el western Raíces profundas (1953) de George Stevens, su película más conocida y una de las mejores de su trayectoria en Hollywood, donde encarnó al legendario héroe Shane, Rebelión en el fuerte (1954) de Raoul Walsh, Infierno en la bahía de San Francisco (1955) de Frank Tuttle, La sirena y el delfín (1957) de Jean Negulesco, El rebelde orgulloso (1958) de Michael Curtiz o Arizona, prisión federal (1958) de Delmer Daves.

A finales de los años 50, el rubio Ladd comenzó a perder el favor del espectador, lo que le sumió en una fase depresiva que culminó con su probable suicidio (poco más de un año antes ya se había disparado 'accidentalmente' cerca del corazón y se dice que había sido diagnosticado de cáncer), acontecido el 29 de enero de 1964, cuando falleció a causa de una sobredosis de barbitúricos mezclados con alcohol. Paradojicamente, Los insaciables (1964) de Edward Dmytryk, el último film en que intervino, y estrenado postumamente, tuvo un gran éxito comercial. Tenía 50 años y dejaba viuda a su compañera Sue Carrol, con quien tuvo dos hijos, Alana y David.

Tribute to Keanu Reeves (Beirut, Líbano, 2-9-1964)

EXÓTICO MODERNO HÉROE DE ACCIÓN

El actor canadiense Keanu Reeves cumple hoy 50 años. El enorme éxito comercial de Speed y la trilogía Matrix le convirtieron en uno de los más taquilleros héroes de acción contemporáneos, roles en los que ha quedado encasillado hasta cierto punto. Sus tímidos intentos posteriores de rehuir el estereotipo en producciones indies no han dado resultado por el momento.

Perfil biográfico (retocado) procedente de la página El Criticón:

Keanu ('Brisa fría de las montañas' en hawaiano) Charles Reeves es hijo del geólogo Samuel Nowlin Reeves, nativo de Hawai, y de la británica Patricia Taylor, ex-showgirl y diseñadora de vestuario. Su padre, que fue condenado a diez años de prisión por posesión de cocaína y heroína, abandonó a su familia cuando Keanu tenía solamente dos años. Tras el divorcio de sus padres, Reeves residió con su madre en Sydney, Nueva York y Toronto, conviviendo durante su infancia y adolescencia con tres padrastros, entre ellos el director teatral y cinematográfico Paul Aaron y el promotor de rock Robert Miller. Desde niño Keanu sintió inclinación por la práctica deportiva. En su etapa de estudiante jugó en el equipo de hockey sobre hielo del instituto, en donde le apodaban 'The Wall'. En este período también comenzó a actuar interviniendo en diversas producciones teatrales. En Canadá estudió interpretación en el Toronto's High School for the Performing Arts y posteriormente en el grupo Second City de la misma ciudad. A los 18 años apareció en la emisión televisiva "Going great" y a mediados de los años 80 debutó en el cine canadiense con la película One step away (1985) de Robert Fortier. Su primer título en Hollywood fue Youngblood (1986), un drama dirigido por Peter Markle protagonizado por Rob Lowe y Patrick Swayze. Con Instinto sádico (1986), film realizado por Tim Hunter, Keanu logró uno de sus primeros papeles importantes.

Dos años después alcanzó cierta popularidad internacional al participar en Las amistades peligrosas (1988), exitosa adaptación de la obra de Choderlos de Laclos que dirigió Stephen Frears. Durante el fin de la década de los 80 y los primeros años 90, Reeves consiguió afianzar su impronta en Hollywood con Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (1989) de Stephen Herek, las comedias Dulce hogar... ¡a veces! (1989) de Ron Howard y Te amaré hasta que te mate (1990) de Lawrence Kasdan, la película de acción Le llaman Bodhi (1991) de Kathryn Bigelow, o Mi Idaho privado (1991), un drama dirigido por Gus Van Sant que Keanu co-protagonizó junto a su amigo River Phoenix.

Su carrera en la década de los 90, se sucedió alternando éxitos comerciales con títulos de calidad, tales como Drácula de Bram Stoker (1992) de Francis Ford Coppola, Mucho ruido y pocas nueces (1993) de Kenneth Branagh, Ellas también se deprimen (1993) de Gus Van Sant, Pequeño Buda (1993) de Bernardo Bertolucci, Speed: Máxima potencia (1994) de Jan de Bont, Johnny Mnemonic (1995) de Robert Longo, La última vez que me suicidé (1997) de Stephen T. Kay, Pactar con el diablo (1997) de Taylor Hackford o Matrix (1999), thriller de ciencia-ficción dirigido por Andy y Larry Wachowski, que consiguió elevarlo a la categoría de gran estrella. Tal fue el impacto en taquilla de esta última, que dio lugar a dos secuelas, Matrix reloaded (2003) y Matrix revolutions (2003). Asímismo intervino en la muy exitosa comedia Cuando menos te lo esperas (2003) de Nancy Meyers, que coprotagonizó junto a Jack Nicholson y Diane Keaton, a la que siguieron títulos como Constantine (2005) de Francis Lawrence, La casa del lago (2006) de Alejandro Agresti, Una mirada a la oscuridad (2006) de Richard Linklater, Dueños de la calle (2008) de David Ayer, Ultimátum a la Tierra (2008) de Scott Derrickson o La vida privada de Pippa Lee (2009) de Rebecca Miller. Reeves debutó como director de largometrajes con el film de artes marciales El poder del tai chi (2013).

Keanu Reeves nunca se ha casado. En diciembre de 1999, su pareja Jennifer Syme dio a luz a una hija muerta, que fue llamada Ava Archer Syme-Reeves. En abril de 2001, Syme murió en un accidente de coche.

Yvonne De Carlo (Point Grey, Vancouver, Canada, 1-9-1922 / Woodland Hills, California, US, 8-1-2007): In memoriam

DE SALOMÉ A SÉFORA... Y LILY MUNSTER

Aniversario natal de la actriz canadiense nacionalizada estadounidense Yvonne De Carlo. Estrella de un estudio modesto como Universal, aunque destacó en un par de excelentes film noirs (Fuerza bruta, El abrazo de la muerte), fue encasillada en papeles de exótica y películas de aventuras en technicolor donde lució su llamativa belleza, que finalmente la condujo a alcanzar la cumbre de su carrera en el muy taquillero epic bíblico Los diez mandamientos. Con todo, se la recuerda principalmente por su rol televisivo de Lily Munster en la serie emitida por CBS a mitad de los años 60 "The Munsters".

Reseña biográfica (corregida y aumentada) procedente de la página El Criticón:

Una de las diosas del exotismo multicolor fue la bella canadiense nacida con el nombre de Margaret Yvonne Middleton. Creció en una familia sin muchas posibilidades económicas, ya que su padre abandonó a su esposa y a la pequeña Peggy cuando ésta solamente contaba con tres años de edad. Después del abandono su madre se empleó como camarera para sustentar la economía familiar y poder pagarle la escuela de baile e interpretación a su hija. Considerando su belleza y potencial como futura estrella cinematográfica, la madre presentó a Yvonne a numerosos castings de Hollywood a finales de los años 30. Sin demasiada fortuna en su objetivo, ambas regresaron a su país natal.

La suerte cambió a principios de la década de los cuarenta, época en la que Yvonne de Carlo comenzó a participar como starlet en pequeños papeles en producciones cinematográficas. Debutó en Harvard, here I come (1941) y, tras aparecer como objeto decorativo en personajes sin importancia en otros muchos títulos de la época, Yvonne logró con su interpretación en Salomé, la embrujadora (1945), un film dirigido por Charles Lamont, alcanzar el ansiado estrellato. A partir de ahí la morena actriz fue protagonista principal en numerosas películas, especialmente westerns e historias de ambientación oriental, como La dama de la frontera (1945), también de Lamont, Fuerza bruta (1947), un film carcelario dirigido por Jules Dassin, con Burt Lancaster, La esclava del desierto (1947) de Lamont, Scheherezade (1947) de Walter Reisch, junto a Brian Donlevy y Jean-Pierre Aumont, El enmascarado (1948) de George Sherman, Casbah (1948) de John Berry, Río abajo (1948) otra vez con Sherman, y sobre todo, el clásico del cine negro El abrazo de la muerte (1949) realizado por Robert Siodmak , que co-protagonizó junto a Burt Lancaster y Dan Duryea. Sin duda, su mejor película de los años 40. Convertida en una de las reinas del Technicolor, Yvonne no cesó de trabajar en toda la década de los 50 protagonizando títulos como Bucaneer's girl (1950) y El halcón del desierto (1950) ambas de Frederick De Cordova, El piel roja (1951) de George Sherman, Chacales del mar (1952) de Jerry Hopper, El Capitán Panamá (1952) de Sydney Salkow, con Rock Hudson, Los gavilanes del estrecho (1953), obra del maestro Raoul Walsh, también con Rock Hudson. Pasión (1954) de Allan Dwan, La pradera sangrienta (1955) de Lesley Selander o Fuego mágico (1955) de William Dieterle, biopic sobre el compositor Richard Wagner. Muchos de sus trabajos eran películas no excesivamente logradas pero sí agradables de contemplar por su riqueza 'kitsch' perteneciente a una etapa llena de buenos técnicos y artesanos.

Una de sus últimas películas de mayor mérito fue Los diez mandamientos (1956), dirigida por el colosalista director y productor Cecil B. DeMille, todo un clásico del cine épico-bíblico, en el que interpretó a Séfora, la esposa de Moisés (Charlton Heston). El drama romántico La esclava libre (1957) de Raoul Walsh, junto a Clark Gable, fue asímismo uno de los más destacados títulos de su carrera que, no obstante, comienza un rápido declive. Con Tombuctú (1959) de Jacques Tourneur, al lado de Victor Mature, cierra la década de los 50.

En la siguiente, reaparece ya como secundaria en El gran McLintock (1963) de Andrew V.  McLaglen. A partir de entonces, Yvonne encontró un filón en la televisión, especialmente con el papel de Lily Munster en la serie "La familia Munster", emitida entre 1964 y 1966, de la que se produjeron 70 episodios. Tal fue su popularidad que la Universal produjo La herencia de los Munsters (1966), para rentabilizar en las salas de cine el éxito de la sitcom televisiva. La película, que dirigió Earl Bellamy, se rodó en color y reunió a casi todo el reparto original. Yvonne De Carlo devino un icono de culto para los amantes del gothic más humorístico.

Dotada de una notable voz de contralto, en los últimos años 60 años, la actriz actuó en varios musicales off-Broadway y ya en 1971 consigue su mejor papel en el estreno de Follies de Stephen Sondheim, obra en la que interpretó uno de los números más relevantes, "I'm still here", y que permaneció quince meses en cartel en el Winter Garden Theatre. En cine continuó en la brecha en papeles generalmente como secundaria hasta comienzos de los años 90 en productos de diferente catadura, como The delta factor (1970) de Tay Garnett, The seven minutes (1971) de Russ Meyer, Guyana, el crimen del siglo (1979) de René Cardona Jr., A lo loco y con la cara del otro (1980) de Robert Day, Escóndete y tiembla (1988) de John Hough u Oscar (1991) de John Landis, su última aparición en la gran pantalla.

Yvonne de Carlo se casó con el especialista Robert Morgan en el año 1955. Ambos coincidieron en la película Amores de un impostor (1956). Tuvieron dos hijos llamados Bruce y Michael. Morgan perdió su pierna izquierda en 1962 en un accidente mientras rodaba "La conquista del Oeste". El matrimonio se divorció en 1974. Tras morir su hijo Michael en 1997, al año siguiente la actriz sufrió un accidente cerebrovascular y pasó sus últimos años como residente en el Motion Picture & Television Hospital en Woodland Hills. Allí falleció en 2007 de causas naturales a los 84 años.

The Bee Gees - Words (live 1968)

TRIBUTE TO BARRY GIBB (Douglas, Isle of Man, UK, 1-9-1946)

El músico, compositor y cantante británico Barry Gibb, único superviviente de los hermanos Gibb que formaron el famoso grupo Bee Gees, cumple hoy 68 años. El Guinnnes de los récords enumera a Barry como el segundo compositor más exitoso de la historia detrás de Paul McCartney.

 

El video corresponde a una actuación en vivo de The Bee Gees en "The Ed Sullivan Show". Barry Gibb es la voz solista. "Words", es un tema coescrito por los tres hermanos que abre el álbum del grupo "Horizontal", publicado en enero de 1968.

Vittorio Gassman (Genova, Italia, 1-9-1922 / Roma, Italia, 29-6-2000): In memoriam

IL MATTATORE

92 aniversario natal hoy de este magnífico actor italiano de cine y teatro. Tan dotado para el drama como para la comedia, gozó de enorme popularidad en Italia y fuera de ella. Apodado 'Il Mattatore' (título de un espectáculo televisivo que protagonizó en su país en 1959), dejó brillantes interpretaciones en películas como: Arroz amargo, Guerra y paz, Rufufú, La gran guerra, La escapada, Monstruos de hoy, La armada Brancaleone, Perfume de mujer, La terraza o La familia. Artista con profundas raíces en el mundo teatral más comprometido, fue fundador y director del Teatro d'Arte Italiano. Con Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni y Nino Manfredi se le ha definido como uno de los 'monstruos' de la comedia a la italiana. Entre otros muchos honores y reconocimientos, fue galardonado como mejor actor protagonista con siete premios David di Donatello (mas otros cuatro especiales) en su país, así como en los festivales de San Sebastián (1971) y Cannes (1974). La Mostra de Venecia le otorgó un León de Oro por toda su carrera en 1996. 

Reseña biográfica procedente (y retocada) de la página Buscabiografías:

Hijo de un ingeniero alemán y un ama de casa toscana, cursó estudios en la Academia Nacional de Arte Dramático de Roma y debutó en 1943 en el teatro de Milán con la compañía de Alda Borelli; más adelante trabajó con las de Elsa Merlini, Evi Maltagliati y Laura Adani. Consiguió cierto renombre y se inició en el cine con Preludio d'amore (Giovanni Paolucci, 1946). Durante algún tiempo interpretó aventureros, espadachines y también algún villano en películas como Daniele Cortis (Mario Soldati, 1947), La hija del capitán (Mario Camerini, 1947), El caballero misterioso (Riccardo Freda, 1948), El lobo de la Sila (Duilio Coletti, 1949), Arroz amargo (Giuseppe De Santis, 1949), Lo sparviero del Nilo (Giacomo Gentilomo, 1949), Il leone di Amalfi (Pietro Francisci, 1950), Il tradimento (Riccardo Freda, 1951), Ana (Alberto Lattuada, 1951) o La tratta delle bianche (Luigi Comencini, 1952).
La MGM lo contrató en 1953 e interpreta sus primeras películas en Hollywood: Sombrero (Norman Foster, 1953), The glass wall (Maxwell Shane, 1953), Cry of the hunted (J. H. Lewis, 1953), Rapsodia (Charles Vidor, 1954). Después rueda otras películas destinadas a un público mundial, como Mambo (Robert Rossen, 1954), La mujer más guapa del mundo (Robert Z. Leonard, 1955) y Guerra y paz (King Vidor, 1956). En 1954, formó con Luigi Squarzina su propia compañía e interpretó tanto obras clásicas (Shakespeare, Sófocles), como obras contemporáneas (Tennessee Williams).

Debutó como director de cine, en colaboración con Francesco Rosi, en Kean (1956), adaptación cinematográfica de Sartre de la obra de Alexandre Dumas (padre), que también protagonizó. Después de otras películas menores, Mario Monicelli le ofreció un papel cómico opuesto a sus tipos habituales: el ladrón de Rufufú (1958). Gassman consiguió un enorme éxito y su carrera dio un giro decisivo, puesto que a partir de entonces fue solicitado casi exclusivamente como actor cómico de cine. Ese mismo año intervino en Tempestad (1958) de Alberto Lattuada. Monicelli le dirige de nuevo en La gran guerra (1959), encarnando al idealista cobarde que intenta cubrirse pero que muere como un héroe. La popularidad de Rufufú propicia que intervenga en su secuela Rufufú da el golpe (Nanny Loy, 1959). Dino Risi le hace interpretar El estafador (1960) y, más adelante, la figura central de La marcha hacia Roma (1962) y un papel extraordinario en La escapada (1962) junto a Jean-Louis Trintignant, a la que siguieron Monstruos de hoy (1963) y Un italiano en la Argentina (1964). 

Convertido ya en una estrella, trabajó en Fantasmas de Roma (1961) de Antonio Pietrangeli, El juicio universal (1961) de Vittorio De Sica, Alma negra (1962) de Roberto Rossellini, Barrabás (1961) de Richard Fleischer, El éxito (1963) de Mauro Morassi, Frenesia dell'estate (1963) de Luigi Zampa, El millón de dólares (1965) de Ettore Scola, Una doncella para el gran señor (1965) de Pasquale Festa Campanille, El diablo enamorado (1966) de Ettore Scola o La guapa y su fantasma (1967) de Renato Castellani. Otra vez fueron Monicelli y Risi los que le dieron sus mejores trabajos, el primero con La armada Brancaleone (1966) y Brancaleone en las Cruzadas (1970), el segundo con Un tigre en la red (1967), En nombre del pueblo italiano (1971) Perfume de mujer (1974), Alma perdida (1976) y Querido papá (1979). 

Gassman dirige su segunda película, L'alibi (1969) en colaboración con Luciano Lucignani y Adolfo Celi, una obra desgarradora que expone los fracasos personales vividos por los tres autores. Su tercera película como director fue menos personal: Senza famiglia nullatenenti cercano affetto (1972).
Otros films que interpretó son ¿Cual de las 13? (1969) de Nicolas Gessner, Il divorzio (1970) de Romolo Guerrieri, Escipión el Africano (1971) de Luigi Magni, La audiencia (1971) de Marco Ferreri, Una mujer y tres hombres (1974) de Ettore Scola, El desierto de los tártaros (1976) de Valerio Zurlini o ¡Que viva Italia! (1977) de Monicelli, Risi y Scola. Robert Altman le dio dos grandes papeles: el rico italiano inmigrado y padre de familia de Un día de boda (1978) y el predicador diabólico de Quinteto (1979).

Inicia la década de los 80 con una nueva colaboración con Ettore Scola en La terraza (1980). En esta época imparte cursos a jóvenes actores, escribió sus memorias "Un grande avvenire dietro le spalle" (1981) y rodó una cuarta película como director, Di padre in figlio (1982). Vuelve al cine americano con La brigada de Sharkey (1981) de Burt Reynokds y La tempestad (1982) de Paul Mazursky. Asímismo, fue uno de los principales protagonistas de La vie est un roman (1983) de Alain Resnais, interpretó el personaje principal de la película Benvenuta (1983) de André Delvaux, fue dirigido por Krzysztof Zanussi en Paradigma (1985) e interpretó La familia (1987), película de gran éxito de Ettore Scola, con quien trabajaría por última vez en La cena (1998). Reconocido por la crítica y el público como un gigante de la escena, el mítico intérprete del teatro y el cine europeos, intervino en casi 150 películas. Fue Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1997.

Gassman estuvo casado tres veces y tuvo cuatro hijos (tres de ellos heredaron su profesión) con cuatro actrices: Su primera esposa fue Nora Ricci (1944-1952), con quien tuvo a Paola Gassmann, actriz. En 1952 se desposa con la actriz estadounidense Shelley Winters, madre de su hija Vittoria, matrimonio que sólo duró dos años. Su siguiente pareja fue Juliette Mayniel (1964-1968), con quien tuvo a Alessandro Gassman (1965), también actor y director. Su última esposa fue Diletta D'Andrea (1972-2000), con quien tuvo a su hijo menor Jacopo, director.

Vittorio Gassman falleció a la edad de 77 años en su casa de Roma a causa de un ataque cardíaco. Vivió sus últimos años marcado por una larga depresión. 

Vittorio Gassman (Il sorpasso, 1962)