Mervyn LeRoy (San Francisco, California, US, 15-10-1900 / Beverly Hills, California, US, 13-9-1987): In memoriam

SOLTURA EN CUALQUIER GÉNERO

Hoy es aniversario natal del director y productor cinematográfico estadounidense Mervy LeRoy. Artesano eficiente aunque carente de estilo propio, desarrolló casi siempre con éxito una larga y prolífica carrera en gran número de películas de diversos géneros (destacando en el policiaco y el musical en particular). Se le considera responsable del lanzamiento de estrellas como Edward G. Robinson, Clark Gable, Loretta Young, Robert Mitchum o Lana Turner. Fue candidato al Oscar en una ocasión como director (Niebla en el pasado) y otra como productor (El mago de Oz) y, ya retirado, recibió el Premio en memoria de Irving Thalberg en 1976.

Mervy LeRoy se crió en el seno de una familia judía dueña de unos grandes almacenes, que se arruinó con el terremoto de 1906. De joven tuvo distintos empleos, como vendedor de periódicos o cantante de vaudeville. A los diecinueve años marchó a Hollywood, donde comenzó trabajando en el cine silente y fue figurinista, ayudante de cámara y actor en varias cintas, aprendiendo la técnica directorial de Cecil B. DeMille, quien le animó a filmar sus propias películas.

Su debut como realizador se produjo con La frontera del amor (1927), comenzando a destacar ya en el sonoro con películas como Hampa dorada (1931), clásico del cine policiaco con Edward G. Robinson y Douglas Fairbanks Jr., El destino de un caballero (1931), drama con John Gilbert, Sed de escándalo (1931), drama criminal ambientado en el mundo del periodismo, con Edward G. Robinson, Esta noche o nunca (1931), comedia romántica con Gloria Swanson, Dos segundos (1932), drama criminal con Edward G. Robinson, Tres vidas de mujer (1932), drama con Joan Blondell, Warren William, Ann Dvorak y Bette Davis, o Soy un fugitivo (1932), sobrecogedor drama carcelario con Paul Muni, posiblemente su mejor película. Siguieron títulos como Duro de pelar (1933), comedia romántica con James Cagney, Vampiresas 1933 (1933), musical con Warren William, Joan Blondell, Aline MacMahon, Ruby Keeler, Dick Powell y Ginger Rogers, Ana la del remolcador (1933), comedia dramática con Marie Dressler y Wallace Beery, El mundo cambia (1933), drama con Paul Muni, ¿Qué hay, Nellie? (1934), comedia criminal con Paul Muni, En pos de la ventura (1934), comedia musical con Dick Powell y Josephine Hutchinson, Bella Adelina (1934), musical de época con Irene Dunne y Donald Woods, Luz a oriente (1935), drama con Pat O'Brien y Josephine Hutchinson, La divina Gloria (1935), comedia musical con Marion Davies, Pat O'Brien y Dick Powell, Su vida privada (1935), melodrama con Kay Francis, El caballero Adverse (1936), drama aventurero de época con Fredric March y Olivia de Havilland, o Ellos no olvidarán (1937), drama judicial que también produjo, con Claude Rains, Gloria Dickson, Edward Norris y Otto Kruger.

En 1938 fue nombrado jefe de producción en MGM, donde fue responsable de la decisión de rodar "El mago de Oz", film que produjo y que fue nominado a seis Oscars. Para ese estudio, al que permanecería ligado hasta mediados de la década siguiente, dirigió El puente de Waterloo (1940), drama con Vivien Leigh y Robert Taylor, Evasión (1940), drama bélico con Norma Shearer y Robert Taylor, De corazón a corazón (1941), drama con Greer Garson y Walter Pidgeon, Senda prohibida (1941), thriller con Robert Taylor y Lana Turner, Niebla en el pasado (1942), drama romántico con Ronald Colman y Greer Garson por el que obtuvo su única candidatura al Oscar al mejor director, Madame Curie (1943), drama biográfico con Greer Garson y Walter Pidgeon, o Treinta segundos sobre Tokio (1944), film de propaganda bélica con Spencer Tracy, Van Johnson y Robert Walker. Tras la guerra dirigió para RKO Sucedió en el tren (1946), una comedia con Claudette Colbert y John Wayne, y contínuó su etapa en MGM con producciones como La rival (1948), drama con Clark Gable y Lana Turner, Mujercitas (1949), adaptación de la novela de Louisa May Alcott, con June Allyson, Peter Lawford, Margaret O'Brien, Elizabeth Taylor, Janet Leigh, Rossano Brazzi y Mary Astor, ¡Hagan juego! (1949), drama con Clark Gable y Alexis Smith, Mundos opuestos (1949), drama con  Barbara Stanwyck, James Mason, Van Heflin y Ava Gardner, Quo Vadis (1951), taquillero drama épico-histórico basado en la novela de Henryk Sienkiewicz, con Robert Taylor, Deborah Kerr, Leo Genn y Peter Ustinov,  El amor nació en París (1952), musical con Kathryn Grayson, Red Skelton y Howard Keel, La primera sirena (1952), musical biográfico con Esther Williams, Victor Mature, Walter Pidgeon y David Brian, Mi amor brasileño (1953), musical con Lana Turner y Ricardo Montalban, y Rose Marie (1954), opereta musical con Ann Blyth, Howard Keel y Fernando Lamas.
Después pasó a trabajar para Warner Brothers, rodando sucesivamente  La pelirroja indómita (1955), western con Greer Garson y Dana Andrews, Escala en Hawai (1955), exitosa comedia bélica en la que remplazó en la dirección a John Ford, con Henry Fonda, James Cagney, William Powell y Jack Lemmon, La mala semilla (1956), thriller de terror con Nancy Kelly y Patty McCormack, Al borde del infierno (1956), drama bélico con William Holden, No hay tiempo para sargentos (1958), comedia militar con Andy Griffith, Después de la oscuridad (1958), drama con Jean Simmons, FBI contra el imperio del crimen (1959), drama policial con James Stewart y Vera Miles, El diablo a las cuatro (1961), thriller de aventuras con Spencer Tracy y Frank Sinatra, La reina del vaudeville (1962), adaptación a la pantalla del musical "Gypsy" de Arthur Laurents, con canciones de Stephen Sondheim y Jule Styne, con Rosalind Russell, Natalie Wood y Karl Malden, Mary, Mary (1963), comedia con  Debbie Reynolds, Barry Nelson, Diane McBain y Michael Rennie, o Momento a momento (1965), thriller para Universal con Jean Seberg, Honor Blackman y Sean Garrison.
Mervyn LeRoy se casó en tres ocasiones. Sus dos primeros matrimonios, con Elizabeth Edna Murphy (1927-1933) y Doris Warner (1934-1942), con quien tuvo un hijo y una hija, acabaron en divorcio. Su tercera esposa fue Katherine Spiegel, con la que contrajo matrimonio en 1946 y que permaneció a su lado hasta que él murió de Alzheimer a los 86 años de edad.

   

Jean Peters (East Canton, Ohio, US, 15-10-1926 / Carlsbad, California, USA, 13-10-2000): In memoriam

ESTRELLA FUGAZ Y CAZAMILLONARIOS

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Jean Peters. Sin preparación dramática, merced a su título de Miss Ohio, accedió al cine desarrollando toda su breve carrera en 20th Century-Fox, estudio que la convirtió en estrella. Reacia a ser considerada un sex symbol, aportó ímpetu y sensualidad a sus interpretaciones, esforzándose por ser tomada en serio. En su filmografía participó en varios clásicos. Abandonó Hollywood antes de cumplir los treinta años y se casó tres veces con hombres ricos.

Nacida Elizabeth Jean Peters, era hija del gerente de una lavandería. Con el propósito de ser profesora, estudió en las universidades de Michigan y Ohio. A los diecinueve años ganó un concurso de belleza, cuyo premio era un viaje a Hollywood para realizar una prueba con 20th Century-Fox. De ahí surgió un contrato de siete años con el estudio, por lo que Peters dejó su carrera universitaria para convertirse en actriz, lo que más tarde lamentaría. De hecho, a finales de los años 40, entre película y película, volvería a sus estudios hasta obtener un diploma en Literatura.

Su debut en el cine se produjo con Capitán de Castilla (1947) de Henry King, film de aventuras junto a Tyrone Power, al que siguieron títulos como Sombras en el mar (1948) de Henry King, drama con Dana Andrews, Sucede cada primavera (1949) de Lloyd Bacon, comedia deportiva con Ray Milland y Paul Douglas, Quiero a este bruto (1950) de Alexander Hall, comedia ambientada en el Chicago de finales de los años 20, con Paul Douglas, La mujer pirata (1951) de Jacques Tourneur, film de aventuras con Louis Jourdan, Debra Paget, uno de sus papeles más recordados, ¡Viva Zapata! (1952) de Elia Kazan, drama biográfico ambientado en la revolución mexicana donde compartió créditos con Marlon Brando, Cabalgata de pasiones (1952) de Henry King, drama de época con David Wayne y Hugh Marlowe, Un grito en el pantano (1952) de Jean Negulesco, drama venturero con Jeffrey Hunter y Constance Smith, Cuatro páginas de la vida (1952), film de episodios en el que Peters apareció en el dirigido por Jean Negulesco, Niágara (1953) de Henry Hathaway, thriller con Marilyn Monroe y Joseph Cotten que obtuvo un gran éxito, Manos peligrosas (1953) de Samuel Fuller, noir con Richard Widmark y Thelma Ritter que se considera hoy su mejor película, Asesinato a la orden (1953) de Andrew L. Stone, noir con Joseph Cotten y Gary Merrill, Vicki (1953) de Harry Horner, noir con Jeanne Crain, Creemos en el amor (1954) de Jean Negulesco, taquillera comedia romántica con Clifton Webb, Dorothy McGuire, Louis Jourdan y Maggie McNamara, Apache (1954) de Robert Aldrich, western con Burt Lancaster, Lanza rota (1954) de Edward Dmytryk, western con Spencer Tracy, Robert Wagner y Richard Widmark, o Un hombre llamado Peter (1955) de Henry Koster, drama religioso con Richard Todd. Después se retiró y no volvió a actuar hasta esporádicas incursiones televisivas en los años 70 y 80.

Jean Peters se casó en 1954 con el petrolero Stuart Cramer, separándose del mismo pocos meses después y divorciándose a finales de 1955. Tampoco fue feliz su matrimonio con el millonario Howard Hughes, personaje muy excéntrico y lleno de manías con quien se vio muy pocas veces a pesar de estar casados desde 1957 hasta 1971. Cuando finalmente se divorció de Hughes, dos meses después contrajo matrimonio con Stanley Hough, ejecutivo de la Fox de quien enviudó en 1990. No tuvo hijos. La actriz falleció de leucemia dos días antes de cumplir 74 años.

 

Kiri Te Kanawa & José Carreras (conductor: Leonard Bernstein) - Tonight (West side story)

LEONARD BERNSTEIN (Lawrence, Massachusetts, US, 25-8-1918 / New York City, US, 14-10-1990): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen veintiséis años del fallecimiento del compositor, pianista y director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein. Músico polifacético, sus dotes y su innegable talento no sólo le permitieron brillar en el campo de la interpretación, sino que también consiguió triunfar en la composición, tanto en la llamada 'música seria' como en la comedia musical. Dos de sus incursiones en este último género, On the town (1944) y West side story (1957), ambas ampliamente popularizadas por el cine, le procuraron un amplio reconocimiento entre el público. Asímismo fue autor de varias óperas, tres sinfonías de amplias proporciones (1942, 1949 y 1963), una Serenade (1954) y diversas piezas de cámara, que pese a su apreciable valor, no han alcanzado el nivel de popularidad de sus comedias musicales. Reconocible por su gestualidad extrovertida, Bernstein, el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal, obtuvo en su carrera multitud de reconocimientos: 16 premios Grammy en diversas categorías y uno honorífico en 1985, dos premios Tony y uno especial en 1969, el premio del Kennedy Center en 1980, el nombramiento como Comandante de la Legión de Honor francesa en 1986 o la Gran Cruz de Caballero de la Orden del Mérito italiana en 1989.

Nacido Louis Bernstein, en el seno de una familia de judíos emigrados procedentes de Ucrania, cambió su nombre a Leonard cuando tenía quince años. Su padre, negociante de productos de peluquería, se opuso en principio a su interés por la música, aunque finalmente cedió y sufragó en parte los gastos de la educación musical de su hijo, ampliados después en la Universidad de Harvard hasta 1939 (donde se graduó cum laude) y en el Curtis Institute of Music de Philadelphia. Después Leonard se trasladó a Nueva York.

En noviembre de 1943, poco después de cumplir veinticinco años, condujo por primera vez la Orquesta Filarmónica de Nueva York en el Carnegie Hall, sustituyendo a su director enfermo, lo que significó su gran oportunidad de lanzamiento: el concierto fue transmitido a todo el país por CBS Radio y resultó todo un éxito que al día siguiente reflejaron en portada The New York Times y otros periódicos. Apenas meses después, Bernstein emergió como compositor dirigiendo la premiere de su Jeremiah Symphony en Pittsburgh, poniendo música al ballet Fancy free, coreografiado por Jerome Robbins que se estrenó en Nueva York en abril de 1944 y presentando en diciembre de ese año en Broadway su primer gran musical, On the town, con música de Betty Comden y Adolph Green. El éxito obtenido hizo que años más tarde esta obra fuese llevada al cine por M.G.M. en la película "Un día en Nueva York (1949) de Gene Kelly y Stanley Donen, si bien el estudio remplazaría algunas de las canciones originales por otras nuevas firmadas por Roger Edens. Después de la guerra, entre 1945 y 1947, Bernstein fue el director musical de la Orquesta Sinfónica de Nueva York (a la que volvería de forma recurrente) y, dando inicio a su carrera internacional, dirigió las principales orquestas del mundo: entre otras, Sinfónica de Londres, Filarmónica de Viena, Nacional de Francia y Filarmónica de Israel.

Ecléctico reflejo de sus variadas aficiones y gustos, que en música se extendían desde el clasicismo de Haydn hasta el jazz, su mayor producción musical se desarrolló en los años 50: la ópera Trouble in Tahiti (1952), con libreto propio, el musical Wonderful town (1953), con libreto de Fields/Chodorow y letras de Comden/Green, la banda sonora de la película "La ley del silencio" (1954) de Elia Kazan, la opereta Candide (1956), con libreto de Lillian Hellman (sustituido en 1973 por otro de Hugh Wheeler, más fiel a la novela de Voltaire en que se basaba), y el musical West side story (1957), con libreto de Arthur Laurents y letras de Stephen Sondheim. Este último, destinado a convertirse en su obra más conocida mundialmente, se estreno en agosto de 1957 en Philadelphia y un mes después en el Winter Garden Theatre de Broadway, con dirección y coreografías de Jerome Robbins, cosechando un gran éxito y permaneciendo en cartel durante 732 representaciones. Años después United Artists produjo la película "West side story" (1961) de Robert Wise y Jerome Robbins, que ganó diez Oscars y alcanzó una inmensa popularidad, con canciones como "Something's coming", "Maria", "America", "Somewhere", "Tonight", "Jet song", "I feel pretty", "A boy like that" o "One hand, one heart". Su última obra destacada fue la ópera A quiet place (1983), con libreto de Stephen Wadsworth

En 1953 fue el primer director de orquesta americano que debutó en La Scala de Milán, poniendo su batuta al servicio de Maria Callas en la "Medea" de Cherubini. En esa época también presentó en televisión, el programa Omnibus (1954) y los Conciertos juveniles de la Filarmónica de Nueva York (1958).

Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta, dentro de la más pura tradición romántica, le hicieron obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt, Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y George Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta el final de su carrera. Existen numerosas grabaciones discográficas con interpretaciones de Bernstein de obras musicales de, entre otros, Béla Bartók, Ludwig van Beethoven, Ernest Bloch, Johannes Brahms, George Gershwin, Charles Ives, Gustav Mahler, Felix Mendehlsson, Camille Saint-Saëns, Dimitri Shostakovich, Franz Schubert o Piotr Ilich Tchaikovsky.

A fin de acallar los crecientes rumores acerca de su homosexualidad, el famoso músico se casó en 1951 con la actriz chilena Felicia Cohn Montealegre. La pareja tuvo tres hijos Jamie (1952), Alexander (1955) y Nina (1962), perdurando el matrimonio hasta la muerte de ella en 1978. No obstante, Bernstein tuvo relaciones extramaritales con hombres jóvenes en esos años, algo que su esposa sabía. En 1976, harto de fingir, dejó a Felicia y se fue a vivir con el director musical Tom Cothran, pero al año siguiente ella fue diagnosticada de cáncer de pulmón y Bernstein volvió a su lado para cuidarla hasta su muerte. Leonard Bernstein, fumador contumaz que sufría enfisema desde mediados de los años 50, anunció su retirada el 9 de octubre de 1990 y cinco días después falleció de un infarto a los 72 años de edad.

En 1985 Leonard Bernstein decidió legar a la posteridad una grabación de West side story dirigida por él mismo, atribuyendo los roles principales de su obra a destacados cantantes líricos del momento como eran Kiri Te Kanawa, José Carreras o Tatiana Troyanos. El proceso fue filmado en un documental televisivo del que forma parte el siguiente video, donde Te Kanawa y Carreras interpretan "Tonight", la canción correspondiente a la escena del balcón.

Bing Crosby - I apologize

I'M SORRY, SO SORRY

En el treinta y nueve aniversario de su fallecimiento, un recuerdo a Bing Crosby (el cantante estadounidense que prefiero de cualquier época o estilo musical) con I apologize (Hoffman / Goodhart / Nelson), preciosa balada con la que alcanzó el nº 3 en las listas de éxitos de su país en 1931, convirtiéndose después en standard grabado por artistas como Billy Eckstine, Timi Yuro o Aretha Franklin. 

Yves Montand - Mon manège à moi

QUAND ON S'AIME COMME NOUS DEUX

Recordamos a Yves Montand en su aniversario natal con Mon manège à moi, una canción con música de Norbert Glanzberg y letra de Jean Constantin que fue grabada por aquel en 1958, apareciendo en un e.p. y en su álbum "Dix chansons pour l'été", con acompañamiento orquestal de Bob Castella. Se da la circunstancia que, por error, Constantin trabajó sobre una partitura de Glanzberg que no estaba destinada en principio a convertirse en un cantable, sino a formar parte de la banda sonora de la película "Mi tío" de Jacques Tati. Ese mismo año se editó la versión de Edith Piaf, quien la convirtió en uno de sus grandes éxitos.

Luciano Pavarotti - De' miei bollenti spiriti ("La traviata", Verdi)

DELL'UNIVERSO IMMEMORE

Una vez más, en su aniversario natal, recordamos al tenor italiano Luciano Pavarotti, auténtico gigante del canto lírico, con De' miei bollenti spiriti, bellísima aria correspondiente al Cuadro I del Acto II de "La traviata" de Giuseppe Verdi. El video corresponde a su presentación en concierto en el Hotel Riviera de Las Vegas en 1984, que dirigió Emerson Buckley.

Cecilia - Un ramito de violetas

COMO SIEMPRE, SIN TARJETA

Recordamos a la malograda cantautora española Cecilia en su 68 aniversario natal con la que es probablemente su composición más popular, Un ramito de violetas, editada en single en 1974.

Helen Hayes (Washington, D.C., US, 10-10-1900 / New York, US, 17-3-1993): In memoriam

PRIMERA DAMA DEL TEATRO NORTEAMERICANO

Hoy es aniversario natal de la insigne actriz estadounidense Helen Hayes. Conocida como Primera Dama del teatro norteamericano (título que también ostentó Katharine Cornell), fue sobre la escena donde ofreció lo más relevante de su talento interpretativo a lo largo de más de sesenta años de carrera. Menuda y de físico poco notable, su aspecto no era el de una estrella de cine convencional y su filmografía no es muy dilatada, aunque apareció en varios títulos de interés. Fue reconocida con dos Oscars, uno como mejor actriz y otro como mejor secundaria casi cuarenta años después. Asímismo recibió dos premios Tony y uno honorífico en 1980 por su actividad sobre las tablas y un Emmy televisivo.

Helen Hayes nació en el seno de una familia de clase media trabajadora. Su madre, que había sido aspirante a actriz, al descubrir que la pequeña tenía ciertas dotes para la actuación, no dudó en animar a su hija a seguir ese camino. A la edad de cinco años la pequeña Helen entró al mundo del teatro en Washington haciendo de príncipe Carlos en "La familia Real". Desde niña formó parte de diversas compañías teatrales en Broadway y su educación fue por eso errática e irregular. En una ocasión dijo que había aprendido a sumar al hacer caja después de las funciones nocturnas.

Tras su graduación en 1917, continuó con su actividad escénica hasta convertirse en primera actriz y, aunque participó en algunos cortometrajes cinematográficos, no protagonizó su primera película hasta comienzos de los años 30: El pecado de Madelon Claudet (1931) de Edgar Selwyn, melodrama con Lewis Stone por el que Hayes ganó el Oscar a la mejor actriz interpretando a una prostituta. A pesar de entrar con tan buen pie en Hollywood, la actriz detestaba hacer películas pues estaba convencida de que lo suyo era el teatro. Aun así en esta época protagonizó títulos como El doctor Arrowsmith (1931) de John Ford, drama con Ronald Colman basado en una novela de Sinclair Lewis, Adiós a las armas (1932) de Frank Borzage, notable melodrama bélico según la novela de Ernest Hemingway, con Gary Cooper y Adolphe Menjou donde tuvo su mejor papel en la pantalla: una enfermera británica que vive un tempestuoso amor con un militar norteamericano, Canción de oriente (1932) de Clarence Brown, drama con Ramon Novarro, La hermana blanca (1933) de Victor Fleming, drama romántico con Clark Gable, o Vuelo nocturno (1933) de Clarence Brown, drama aéreo con John Barrymore, Clark Gable, Lionel Barrymore, Robert Montgomery y Myrna Loy, y un par de cintas más que no la llevaron muy lejos.

Pasra entonces ya había regresado a Broadway con obras como María Estuardo de Maxwell Anderson (1933), César y Cleopatra de George Bernard Shaw (1935), Victoria Regina de Laurence Housman (1935), papel que interpretó durante cuatro años, primero en Nueva York y luego de gira, El mercader de Venecia de William Shakespeare (1938), Damas y caballeros de su marido Charles MacArthur y Ben Hecht (1939) o Noche de reyes de Shakespeare (1940). Ya considerada la primera dama del teatro americano a partir de los años 40, ganó dos premios Tony a la mejor actriz por Happy birthday de Anita Loos (1947) y Leocadia de Jean Anouilh (1958). Entre otras obras, protagonizó asímismo El zoo de cristal de Tennessee Williams (1948 y 1956), La piel de nuestros dientes de Thornton Wilder (1955), Tal día como hoy (1958) de Eugene O'Neill,  El jardín de los cerezos de Anton Chekhov (1960), Vive como quieras (1966) de George S. Kaufman y Moss Hart, Primera plana de Ben Hecht y Charles MacArthur (1969), Harvey de Mary Chase (1970) o Largo viaje hacia la noche de Eugene O'Neill (1971). Sus repetidas crisis asmáticas, por las que hubo de ser hospitalizada, la obligaron a retirarse del teatro en 1971. Desde 1950 hasta 1985 también ejerció una prolongada actividad en la televisión, medio en el que consiguió un premio Emmy a la mejor actriz de 1953.

Después de una prolongada ausencia, su vuelta al cine se produjo puntualmente en Mi hijo John (1952) de Leo McCarey, drama con la guerra fría de trasfondo en el que compartió créditos con Van Heflin, Robert Walker y Dean Jagger, y cuatro años más tarde en Anastasia (1956) de Anatole Litvak, drama histórico sobre la supuesta única superviviente de la matanza de los Romanov, con Ingrid Bergman y Yul Brynner, donde Hayes encarnó a la ex emperatriz Maria Feodorovna en una de sus interpretaciones más recordadas, como también lo es su simpática polizonte de Aeropuerto (1970) de George Seaton, drama que inauguró la interminable serie de catástrofes aéreas en la pantalla, con Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, George Kennedy, Van Heflin, Maureen Stapleton, Barry Nelson y Lloyd Nolan. Por esta película Hayes fue premiada con un segundo Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz secundaria. Posteriormente apareció en Herbie, un volante loco (1974) y Se nos ha perdido un dinosaurio (1975), dos comedias Disney dirigidas por Robert Stevenson, El secreto del castillo (1977) de Norman Tokar, otra comedia Disney, con David Niven, Jodie Foster y Leo McKern.

Helen Hayes estuvo casada entre 1926 y 1928 con John Swanson. Su segundo marido desde 1928 hasta 1956, año en que enviudó, fue el dramaturgo y guionista Charles MacArthur, con quien en 1930 tuvo una hija, Mary, que falleció de poliomielitis a los diecinueve años. El matrimonio adoptó un hijo, el futuro actor James MacArthur (1937-2010). La actriz escribió tres libros de memorias. En 1983 un pequeño teatro en Nueva York fue rebautizado como Teatro Helen Hayes en su honor. Ese mismo año se creó el Premio Helen Hayes de teatro en Washington, DC. En 1986 fue condecorada con la Medalla Presidencial de la Libertad y en 1988 se le otorgó la Medalla de las Artes del gobierno americano. Helen Hayes falleció a los 92 años de un paro cardiaco.

     

Ballet Alhambra - La boda de Luis Alonso (Intermedio)

GERÓNIMO GIMÉNEZ (Sevilla, España, 10-10-1854 / Madrid, España, 19-2-1923): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor y director de orquesta español Gerónimo Giménez. Músico de formación completa, además de brillar en el violín y el violonchelo, fue un importante director de orquesta y un excelente orquestador, como puede apreciarse en sus preludios e intermedios de zarzuela y poemas sinfónicos, llegando a ser conocido en su día como el maestro de guante blanco por su elegancia y claridad gestual. Compuso algunas obras sinfónicas y de cámara, pero la especialidad en la que más destacó fue la zarzuela, género al que aportó más de un centenar de títulos. Algunos de los intermedios instrumentales de estas obras se han incorporado al repertorio habital de orquestas clásicas.

Hijo de un modesto violinista, Gerónimo Giménez Bellido recibió las primeras lecciones de solfeo, violín y piano de su padre, con el cual siendo todavía muy niño se trasladó a Cádiz, en donde estudió armonía y composición. Precoz virtuoso del violín, a los doce años ya fue admitido como primer violinista del Teatro Principal de Cádiz. A los diecisiete dirigió por primera vez diversas óperas y obtuvo con ello resonantes triunfos, pese a su poca edad. A los veinte ganó una beca concedida por la Diputación de la provincia, con la que se trasladó a París para ampliar estudios en el Conservatorio.

En la capital de Francia fue condiscípulo de Debussy, al que venció en los exámenes de final de curso al quedar el español primero y segundo el genial compositor francés. Terminados sus estudios, Giménez recorrió Italia y volvió luego a España trayendo consigo unas obras sinfónicas que le fueron estrenadas en Madrid. Fue director del Teatro Apolo de Madrid, y condujo repetidas veces la orquesta del Teatro Real. Al dejarla el maestro Bretón, tomó la dirección de la Sinfónica de Madrid al frente de la cual cosechó grandes éxitos.

Atraído por el teatro, Gerónimo Giménez dejó la música grande para dedicarse a componer zarzuelas, género más fácil y mejor remunerado, en el que dejó la impronta de su genio en partituras de auténtica calidad, tales como Trafalgar (1890), El baile de Luis Alonso (1896), La boda de Luis Alonso (1897) o La tempranica (1900), que han quedado como páginas de concierto. Requerido por el éxito, compuso numerosas obras del mismo género, algunas en colaboración con Amadeo Vives.

Además de las citadas, de entre su abundantísima producción, se han grabado las partituras de El barbero de Sevilla (1901), El húsar de la guardia (1904) o La gatita blanca (1906). También han pasado al disco algunos fragmentos sinfónicos de Los voluntarios (1893) -¿quien no ha escuchado en algún desfile militar español la célebre marcha entonada por el coro en el primer cuadro de esta pequeña opereta?-, Las mujeres (1896), Los borrachos (1899), Enseñanza libre (1901), La Torre del Oro (1902), Cinematógrafo nacional (1907), El patinillo (1909) o Soleares (1919). Asímismo muchas divas del canto lírico han interpretado una y otra vez la polonesa de El barbero de Sevilla o la popular pieza La tarántula de La tempranica.

El cambio de siglo trajo consigo la decadencia del compositor hasta el extremo de conducirle, en sus últimos años, a la más penosa miseria. Cuando falleció en 1923 a los 68 años, pesaba sobre Giménez un raro olvido si tenemos en cuenta que fue uno de los mejores directores de orquesta de su tiempo. Por otra parte, la crítica le reconoció sus muchos méritos de compositor, a la altura de los más valiosos de su generación, la de Caballero, Chueca, Chapí, Bretón... Triunfador como ellos en el teatro lírico con sainetes y operetas, Giménez degradó poco a poco su talento en el llamado género ínfimo. Pero aún en él se abría paso la gracia, el duende andaluz y el gran oficio de su arte. ¿Acaso se debió a dificultades económicas, a su mala salud, o fueron secuelas de una vida desordenada y bohemia a la que agregó un trabajo agobiante? Arcanos indescifrables del artista.

Sin Giménez no habría sido tan brillante la eclosión del sinfonismo español en el siglo pasado, ni la escuela nacionalista hubiera tenido tan claro su objetivo. Albéniz y Falla le respetaron y admiraron. Moreno Torroba convirtió en ópera La tempranica y Joaquín Rodrigo le rindió homenaje a esta magna zarzuela en una de sus obras orquestales. Amadeo Vives dijo con razón que Giménez era "el músico del garbo". Sin duda lo fue, pero además poseía un sentido dramático certero y el día en que su obra sea publicada y mejor conocida se le volverá a aplaudir cual merece uno de los más auténticos maestros de la lírica española.

(Reseña a partir de la página Biografías y Vidas y el periódico El Cultural)

La boda de Luis Alonso, o La noche del encierro es una zarzuela en un acto con libreto de Francisco Javier de Burgos y Manuel López-Quiroga. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 27 de enero de 1897, obteniendo un éxito señaladísimo. El preludio se repitió y así casi todos los demás números, pero donde el entusiasmo del público llegó al máximo con atronadores aplausos y gritos de ¡bravo! premiando al compositor fue en el posteriormente famosísimo Intermedio. En el video se puede apreciar en coreografía del Ballet Alhambra en una producción de José Luis Moreno.

Mario Clavell - Abrázame así

MARIO CLAVELL (Ayacucho, Argentina, 9-10-1922 / Buenos Aires, Argentina, 10-3-2011): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor, cantante, actor y showman argentino Mario Clavell, llamado "El chansonnier de América". Autor de más de novecientas canciones a lo largo de una muy extensa carrera que abarcó más de sesenta años, en las décadas de los 50 y 60 se hizo conocido en practicamente todos los países de habla hispana por boleros tan populares como Abrázame así, Somos, Sin mí o Quisiera ser, versionados por innumerables intérpretes. Polifacético artista, en la última etapa de su vida publicó libros como Somos...una vida de canciones (1996) o Mi amiga, la canción (2002). Casado con la actriz Marga Landova, fue padre de dos hijos. Falleció a los 88 años.

Informe biográfico procedente de su página oficial:

El chansonnier de América

 
Desde pequeño demostró su vocación por la música y el canto. Debutó a los 9 años como solista en la fiesta de Fin de Cursos del Colegio San José, de Tandil (Argentina). Fué también solista en el coro de la Iglesia Parroquial. A los 11 años comenzó sus estudios musicales con la ilusión de llegar a ser concertista de guitarra.
El primer amor de la adolescencia le demostró que su auténtico camino estaba en el desahogo musical de sus sentimientos románticos y comenzó a escribir lo que le dictaba su corazón enamorado.

A los 18 años se decidió a probar fortuna en Buenos Aires, y debutó como 'crooner' con la Jazz de Adolfo Carabelli, en Radio Belgrano. Como él decia, esto pertenece a su 'pre-historia'. Las necesidades de la vida le hicieron buscar seguridad económica y se empleó en una importante compañía de seguros. Entre póliza y póliza, en su máquina de escribir tecleaba las primeras canciones que lanzaría en 1944, tras el estreno de la primera por el famoso tenor mexicano Juan Arvizu. Este, entusiasmado con las creaciones del joven Clavell, lo presentó a la Editorial Julio Korn, donde le hicieron sus primeros contratos de edición. No pudo ser más auspicioso aquel paso. La inspiración de Clavell comenzó a brindar frutos que se convirtieron en rápidos éxitos populares, interpretados por todos los cantantes y orquestas del país. En dos años, Clavell se convirtió en el compositor de moda, y esto originó las ofertas de empresas que querían contar con su actuación como intérprete de sus grandes éxitos.

Fué así que en 1947, Clavell dejó la compañía de seguros y se dedicó de lleno a su vocación de trovador, debutando en todos los medios con gran suceso. Su debut primero fue en "La Coupole", un elegante salón de Buenos Aires. De inmediato se presentó en Radio Splendid, y comenzó a grabar discos en RCA Víctor. En 1949 debutó en el cine argentino, cantando en el film "Los Pérez García" y protagonizando de inmediato "El ladrón canta boleros".

Sus primeros éxitos como autor fueron ¿Por qué?, ¿Qué será de mí?, ¡Hasta siempre! (No te digo adiós), Porque tú lo quieres, Mi carta, Sin mí, Somos (su canción más emblemática, que sigue siendo hit en todo el mundo), Abrázame así, etc. Después vendrían otros éxitos como  Quisiera ser, El amor es uno, Algo se va, Te acordarás de mí, A veces... los dos, Y la vida va,  Mi maleta, etc, etc.

Su gran sentido del humor, lo volcó en canciones divertidas como El hombre es como el auto, Maldita sea, Carlos María, En Shangai, Ha vuelto el charleston, El vals alemán, La bandita de Pepino, El circo (¡Pasen a ver!), Es muy fácil el inglés, En casa de Lord James, y tantos éxitos inolvidables de su polifacética personalidad.

Mario Clavell se convirtió en 'El chansonnier de América', y como auténtico showman recorrió toda América en varias tournées exitosas. Su primer suceso espectacular fue en Santiago de Chile, en 1950. A este país volvería en incontables oportunidades, lo mismo que al Uruguay, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, México o Puerto Rico.
En 1961 se presentó por primera vez en España, país al que regresó por varios meses en 1963. En 1969 fue contratado por seis meses por la Cadena Ser, y su éxito prorrogó su estadía en España por cinco años, presentándose en las mejores salas de espectáculo, en Radio (con su programa diario) y en Televisión Española. Presentó su propio espectáculo de 'café-concert' en la Boite Ales, en el corazón de Madrid; y al mismo tiempo en el Teatro Reina Victoria el musical titulado "El Oso y el Madrileño", con libreto del gran humorista español Antonio Mingote y canciones de Clavell. Su despedida de España fue en la televisión, como showman y conductor del programa "Señoras y Señores". 
En 1974 regresó a la Argentina. Su primer reencuentro con el público de su país fue en recordados y exitosos espectáculos de 'café-concert' junto a populares figuras del buen humor: Juan Carlos Mesa, Jorge Basurto, Carlos Garaycochea y Beba Bidart. Tras varios años en esta actividad que le diera mucha satisfacciones, Clavell retomó su one-man-show, con el que vino presentándose en las mejores salas, grabando discos, haciendo televisión, etc. 

Permanentemente siguió actuando en diversos países de Latino-América, y en 1991 se presentó por primera vez en los Estados Unidos, debutando en Miami, donde una enorme audiencia latino-americana que conoció desde siempre sus canciones, lo recibió con todo entusiasmo. Realizó, en los últimos años en esta ciudad, varios shows que le dieron la incomparable emoción de un público que le rindió homenaje cantando con él sus populares melodías.

Mario Clavell ha recibido muchos premios y distinciones en su exitosa trayectoria.

Abrázame así, uno de los más populares boleros de Mario Clavell, apareció por primera vez en disco a finales de 1949.

Olga Guillot - Te extraño

PORQUE TE LLEVO COMO ALGO TAN MÍO

Todos los admiradores del bolero extrañamos a su indiscutible reina, la inmensa Olga Guillot. Hoy, en su aniversario natal, la recordamos precisamente con Te extraño, composición de Armando Manzanero incluida en el álbum Se me olvidó otra vez de la gran artista cubana que CBS editó en 1976.

Te extraño
(Armando Manzanero)

Te extraño
Como se extrañan las noches sin estrellas
Como se extrañan las mañanas bellas
No estar contigo, por Dios, que me hace daño
Te extraño
Cuando camino, cuando lloro, cuando río
Cuando el sol brilla, cuando hace mucho frío
Porque te llevo como algo tan mío
Te extraño
Como los árboles extrañan al otoño
En esas noches que no concibo el sueño
No te imaginas, amor, cómo te extraño
Te extraño
En cada paso que siento solitario
Cada momento que estoy viviendo a diario
Estoy muriendo, amor, porque te extraño
Te extraño
Cuando la aurora comienza a dar colores
Con tus virtudes, con todos tus errores
Por lo que quieras, no sé, pero te extraño
Te extraño

John Lennon - Instant karma!

WE ALL SHINE ON

Recordamos el 76 aniversario natal de John Lennon con Instant karma!, canción aparecida como single (con producción de Phil Spector) en febrero de 1970 y que ascendió al top 5 en más de diez países. Fue el primer tema de un ex-beatle en superar el millón de copias vendidas.

Instant karma!

(John Lennon)

Instant karma's gonna get you,
Gonna knock you right on the head,
You better get yourself together,
Pretty soon you're gonna be dead,
What in the world you thinking of,
Laughing in the face of love,
What on earth you tryin' to do,
It's up to you, yeah you.

Instant karma's gonna get you,
Gonna look you right in the face,
Better get yourself together darlin',
Join the human race,
How in the world you gonna see,
Laughin' at fools like me,
Who on earth d'you think you are,
A super star,
Well, right you are.

Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun,
Well we all shine on,
Ev'ryone come on.

Instant karma's gonna get you,
Gonna knock you off your feet,
Better recognize your brothers,
Ev'ryone you meet,
Why in the world are we here,
Surely not to live in pain and fear,
Why on earth are you there,
When you're ev'rywhere,
Come and get your share.

Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun,
Yeah we all shine on,
Come on and on and on on on,
Yeah yeah, alright, uh huh, ah.

Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun,
Yeah we all shine on,
On and on and on on and on.

Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun.
Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun.
Well we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun.
Yeah we all shine on,
Like the moon and the stars and the sun

France Gall - Si, maman, si

MAIS MON AVENIR RESTE GRIS ET MON COEUR AUSSI

Recordamos el 69 cumpleaños de la cantante francesa France Gall con uno de sus mayores éxitos, Si, maman, si, canción escrita por su entonces marido Michel Berger que fue editada en single en octubre de 1977.

Si, maman, si  (paroles)

Tous mes amis sont partis
Mon cœur a déménagé
Mes vacances see'est toujours Paris
Mes projets see'est continuer
Mes amours see'est inventer
Si, maman, si
Si, maman, si
Maman, si tu voyais ma vie
Je pleure comme je ris
Si, maman, si
Mais mon avenir reste gris
Et mon cœur aussi
Et le temps défile comme un train
Et moi je suis à la fenêtre
Je suis si peu habile que demain
Le bonheur passera peut-être
Sans que je sache le reconnaître
Si, maman, si
Si, maman, si
Maman, si tu voyais ma vie
Je pleure comme je ris
Si, maman, si
Mais mon avenir reste gris
Et mon cœur aussi
Mon cœur est confortable, bien au chaud
Et je lasse passer le vent
Mes envies s'éteignent, je leur tourne le dos
Et je m'endors doucement
Sans chaos ni sentiment
Si, maman, si
Si, maman, si
Maman, si tu voyais ma vie
Je pleure comme je ris
Si, maman, si
Mais mon avenir reste gris
Et mon cœur aussi
Si, maman, si
Si, maman, si
Maman, si tu voyais ma vie
Je pleure comme je ris
Si, maman, si
Mais mon avenir reste gris
Et mon cœur aussi.