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jueves, 23 de julio de 2015

Emil Jannings (Rorschach, Suiza, 23-7-1884 / Strobl, Austria, 3-1-1950): In memoriam

EL PRIMER ACTOR GANADOR DEL OSCAR

Hoy es aniversario natal del famoso actor del cine alemán Emil Jannings. De gran estatura, cuerpo voluminoso y fuerte temperamento, célebre tanto por los personajes de teatro clásico que interpretó como por los que hizo para el cine, fue uno de los actores alemanes más importantes del siglo XX. Fue asímismo el primer ganador del Oscar al mejor actor.
Hijo de un hombre de negocios nortamericano y una emigrada alemana, Theodor Friedrich Emil Janenz (su nombre real), poseyó la nacionalidad alemana. Durante su infancia, su familia se trasladó a Leipzig y, tras la temprana muerte de su padre, a Görlitz, ciudades bajo el Imperio Germánico. Siendo un adolescente dejó la escuela y, para huir de la pobreza y en busca de aventuras, se embarcó en Londres. De vuelta a Görlitz, un amigo que trabajaba como utilero en un teatro le inició en el mundo de la escena. A los dieciocho años rompió con su familia y se hizo actor ambulante, interpretando por toda Alemania papeles clásicos, desde Karl Moor de Schiller al Rey Lear de Shakespeare, que llamaron la atención del famoso director Max Reinhardt. Su mímica y su rara expresividad le permitían acceder a papeles muy distintos. Entró en el Deutsches Theater de Berlín, dirigido por el reputado Reinhardt e interpretó a Otelo, los personajes de Wedekind y de Goethe. Idolatrado por el público, debutó en la pantalla en 1914 y no tardaría en convertirse en el actor de cine más popular de Alemania. Además de con otros directores, actuó a las órdenes de Ernst Lubitsch en títulos como Los ojos de la momia (1918), Madame DuBarry (1919), ambas junto a Pola Negri, Ana Bolena (1920), Las hijas del cervecero (1920), La mujer del Faraón (1922) y, dirigido por F. W. Murnau, protagonizó tres obras maestras: El último (1924), Tartufo o el hipócrita (1926) y Fausto (1926).
El éxito y prestigio de sus películas alemanas fue conocido en Hollywood y en 1926 fue contratado por la Paramount. Su primer film americano fue El destino de la carne (1927) de Victor Fleming, al que siguieron Los pecados de los padres (1928) de Ludwig Berger, El patriota (1928) de Ernst Lubitsch, La calle del pecado (1928) de Mauritz Stiller y Ludwig Berger, y La última orden (1928), gran obra maestra de Josef von Sternberg. De estos cinco títulos silentes, todos salvo el último, lamentablemente, hoy se han perdido. Jannings fue en 1929, por su actuación en El destino de la carne y La última orden, el primero en la historia en ganar el Oscar al mejor actor. No obstante, el advenimiento del cine sonoro le perjudicó dada su mala pronunciación del inglés. Sus diálogos en El riesgo de la traición (1929) de Lewis Milestone fueron eliminados en el montaje de la película y Jannings decidió volver a Alemania.
De vuelta en Berlín obtuvo el papel posiblemente más famoso de su carrera: el Profesor Unrat, un ingenuo maestro de escuela seducido por una cantante de cabaret interpretada por la entonces desconocida Marlene Dietrich, emblema de la mujer fatal, en El ángel azul (1930), la primera película sonora alemana que dirigió Josef von Sternberg. De esta producción se rodaron dos versiones, una en alemán y otra en inglés y su éxito fue mundial. Durante los años 30 Jannings continuó apareciendo en películas alemanas, pero ninguna ya sin la enorme repercusión de El ángel azul.
La llegada del nacionalsocialismo al poder en 1933 le proporcionó un puesto en el consejo directivo de la UFA, la principal productora de Alemania. Goebbels le proclamó "artista del Estado" en 1936, y el régimen lo colmó de honores. De 1945 data su última película, cuyo rodaje fue abortado por la entrada de las tropas aliadas. Tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial, Jannings sufrió una pérdida de prestigio y los reproches acabaron con su carrera. Las nuevas autoridades no le permitieron seguir trabajando, por lo que se retiró del cine marchando a su casa en Austria, donde falleció cinco años después a los 65 de cáncer hepático.
Emil Jannings estuvo casado tres veces con las actrices Hanna Ralph, Lucie Höflich y Gussy Holl. Los tres matrimonios acabaron en divorcio.


miércoles, 22 de julio de 2015

Tribute to Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, US, 22-7-1955)

UN ACTOR DIFERENTE

El actor estadounidense Willem Dafoe cumple hoy 60 años. Intérprete enormemente capacitado para abordar las más dispares y variopintas caracterizaciones con su nada convencional presencia, ha desarrollado una interesante carrera de más de treinta años en la que ha predominado su preferencia por encarnar personajes oscuros y trabajar en películas de autor. Para algunos directores de este tipo de cine (Paul Schrader, Wess Anderson, Lars von Trier...) Dafoe es un actor fetiche. Dos veces candidato al Oscar al mejor actor secundario, en 2005 fue reconocido con el Premio Donostia del Festival de San Sebastián.
Uno de los siete hijos de un cirujano y de una enfermera, William J. Dafoe estudió arte dramático en la Universidad de Milwaukee, Wisconsin, antes de trasladarse a Nueva York, donde comenzó actuando en teatro de vanguardia. El primer film en que su nombre apareció acreditado fue The loveless (1982) de Kathryn Bigelow, al que siguieron otros como El ansia (1983) de Tony Scott, Calles de fuego (1984) de Walter Hill o Vivir y morir en Los Ángeles (1985) de William Friedkin.
Su lanzamiento estelar se produjo por mor de su inclusión en el reparto de Platoon (1986) de Oliver Stone, drama bélico sobre la guerra de Vietnam, con Tom Berenger y Charlie Sheen, donde su interpretación del Sargento Elias Grodin llamó poderosamente la atención al punto de conseguir una candidatura al Oscar como mejor actor secundario. Después protagonizó Saigón (1988) de Christopher Crowe, thriller de acción también ambientado en Vietnam, con Gregory Hines, La última tentación de Cristo (1988) de Martin Scorsese, adaptación del libro de Nikos Kazantzakis, con Harvey Keitel y Barbara Hershey, donde interpretó a Jesucristo, Arde Mississippi (1988) de Alan Parker, thriller criminal sobre el racismo en los años 60 en el que compartió créditos con Gene Hackman, El triunfo del espíritu (1989) de Robert M. Young, historia de un prisionero que intenta sobrevivir en el campo de concentración de Auschwitz gracias al boxeo, con Edward James Olmos y Robert Loggia, Nacido el cuatro de julio (1989) de Oliver Stone, drama basado en hechos reales sobre las secuelas de la guerra de Vietnam, con Tom Cruise como protagonista, Corazón salvaje (1990) de David Lynch, amalgama de thriller y road movie con Nicolas Cage y Laura Dern, Arenas blancas (1992) de Roger Donaldson, thriller criminal con Mary Elizabeth Mastrantonio y Mickey Rourke, Posibilidad de escape (1992) de Paul Schrader, apreciable drama con Susan Sarandon sobre un narcotraficante buscando su redención, Tom & Viv (1994) de Brian Gilbert, drama biográfico con Miranda Richardson, donde Dafoe encarnó al poeta Thomas S. Eliot, Peligro inminente (1994) de Phillip Noyce, thriller de acción con Harrison Ford, Victory (1996) de Mark Peploe, adaptación de una novela de Joseph Conrad, con Sam Neill, Irene Jacob y Rufus Sewell, El paciente inglés (1996) de Anthony Minghella, drama romántico ambientado en la Segunda Guerra Mundial, con Ralph Fiennes, Juliette Binoche y Kristin Scott Thomas, Aflicción (1997) de Paul Schrader, drama rural con Nick Nolte, Sissy Spacek y James Coburn, Lulu on the bridge (1998) de Paul Auster, drama romántico con Harvey Keitel y Mira Sorvino, eXistenZ (1999) de David Cronenberg, thriller futurista con Jennifer Jason Leigh y Jude Law, American psycho (2000) de Mary Harron, thriller psicológico sobre un asesino en serie interpretado por Christian Bale, La sombra del vampiro (2000) de E. Elias Merhige, ficcionalización de terror acerca del rodaje de "Nosferatu" de Murnau, con John Malkovich. Por su interpretación del actor Max Schreck, el protagonista de dicho clásico, Dafoe fue candidato al Oscar como actor secundario por segunda vez.
Del resto de su filmografía destacan sus frecuentes contribuciones a películas independientes, intercaladas a veces con títulos más comerciales: Spiderman (2002) de Sam Raimi, adaptación del cómic de Marvel, con Tobey Maguire y Kirsten Dunst, Desenfocado (2002) de Paul Schrader, drama basado en hechos reales, con Greg Kinnear, El mexicano (2003) de Robert Rodriguez, título de acción con Antonio Banderas, Salma Hayek y Johnny Depp, Life aquatic (2004) de Wes Anderson, comedia de aventuras con reparto encabezado por Bill Murray, Manderlay (2005) de Lars von Trier, drama rural con la peculiar visión del cineasta danés sobre E.E.U.U., un país que nunca ha visitado, Salto a la fama (2006) de Paul Weitz, comedia paródica con Hugh Grant y Dennis Quaid, Plan oculto (2006) de Spike Lee, thriller con Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster, The walker (2007) de Paul Schrader, drama criminal de intriga con Woody Harrelson, Kristin Scott Thomas, Lauren Bacall y Lily Tomlin, Luciérnagas en el jardín (2008) de Dennis Lee, melodrama familiar con Julia Roberts, Ryan Reynolds y Emily Watson, Adam resucitado (2008) de Paul Schrader, drama bélico con Jeff Goldblum, El polvo del tiempo (2008) de Theo Angelopoulos, drama histórico con Bruno Ganz, Michel Piccoli e Irene Jacob, Anticristo (2009) de Lars von Trier, drama experimental con Charlotte Gainsbourg, Daybreakers (2009) de Michael Spierig, Peter Spierig, thriller de ciencia-ficción con Ethan Hawke, Miral (2010) de Julian Schnabel, drama sobre el conflicto árabe-israelí, con Freida Pinto y Hiam Abbass, El último cazador (2011) de Daniel Nettheim, thriller de acción con Frances O'Connor y Sam Neill, Nymphomaniac (2013) de Lars von Trier, drama psicológico con Charlotte Gainsbourg y Stellan Skarsgård, El hombre más buscado (2014) de Anton Corbijn, thriller de espionaje con Philip Seymour Hoffman, El gran hotel Budapest (2014) de Wes Anderson, deliciosa comedia de aventuras con reparto multiestelar encabezado por Ralph Fiennes, o Pasolini (2014) de Abel Ferrara, retrato de los últimos días del cineasta italiano asesinado en 1975.
Willem Dafoe mantuvo una relación con la directora teatral Elizabeth LeCompte entre 1977 y 2004, de la que en 1982 nació su hijo Jack. En 2005 se casó con la directora, guionista y actriz italiana Giada Colagrande. 



Rufus Wainwright - Sanssouci

TRIBUTE TO RUFUS WAINWRIGHT (Rhinebeck, New York, US, 22-7-1973)

Recordamos el 42 cumpleaños del cantante estadounidense-canadiense Rufus Wainwright con esta canción propia que apareció en su álbum Release the stars (2007).

 

Mireille Mathieu - Mon credo

TRIBUTE TO MIREILLE MATHIEU (Avignon, Vauclause, France, 22-7-1946)

La cantante francesa  Mireille Mathieu cumple hoy 69 años. Una de las grandes figuras internacionales de la canción francesa desde su lanzamiento en 1966, ha grabado discos en once lenguas y vendido 130 millones de álbumes y 55 millones de singles en todo el mundo.



Mon credo, canción escrita por André Pascal y Paul Mauriat, contenida en el primer 45 r.p.m. de Mireille Mathieu editado en 1966, fue asímismo su primer nº 1 en Francia, con 1.335.000 ejemplares vendidos en cinco meses.

martes, 21 de julio de 2015

Robin Williams (Chicago, Illinois, US, 21-7-1951 / Paradise Cay, California, US, 11-8-2014): In memoriam

EL SHOWMAN AGRIDULCE

De no haberse suicidado el año pasado, el actor estadounidense Robin Williams cumpliría hoy 64 años. Comediante con grandes dotes para la improvisación, muy popular en los años 80 y 90, también destacó en algunos papeles dramáticos. Después de tres candidaturas al Oscar como mejor actor principal, lo ganó a la cuarta como secundario, recibiendo también seis Globos de Oro, tres Emmy y cuatro Grammy entre otros premios. También se distinguió por actividades filantrópicas.
Robin McLaurin Williams era hijo de un ejecutivo de la empresa de automóviles Ford y una ex-modelo. Cuando tenía doce años su familia se trasladó a Detroit, donde Robin sobresalió como estudiante, y cuando tenía dieciséis, los Williams se establecieron en California. Después de matricularse en la Universidad de Claremont para estudiar ciencias políticas y cursar en la de Marin tres años de arte dramático, marchó a Nueva York para proseguir su aprendizaje interpretativo en la prestigiosa Juilliard School, donde tuvo como compañeros a Christopher Reeve, William Hurt y Mandy Patinkin. En los años 70 se curtió en espectáculos cómicos primero en San Francisco y luego en Los Angeles, debutando en la televisión en 1977. Un año después fue el protagonista de la teleserie “Mork y Mindy”. Esta emisión le concedió la popularidad en los Estados Unidos y un Globo de Oro como mejor actor televisivo de comedia. El primer papel cinematográfico de Robin Williams fue el protagonismo de Popeye (1980), película dirigida por Robert Altman y coprotagonizada por Shelley Duvall, en la que el actor de Chicago encarnó al famoso marino amante de las espinacas creado por E. C. Segar.
En los años 80 intervino en títulos, preferentemente comedias, como El mundo según Garp (1982) de George Roy Hill basada en una novela de John Irving, Un ruso en Nueva York (1984) de Paul Mazursky en el que interpretó a un músico soviético de un circo que busca asilo político en los Estados Unidos, Good morning, Vietnam (1987) de Barry Levinson, donde su interpretación de un disc-jockey radiofónico en el Saigón de 1965 le hizo ganar un Globo de Oro y ser candidato al Oscar al mejor actor por primera vez. Volvió a ser nominado a ambos premios por su interpretación del profesor John Keating en El club de los poetas muertos (1989) de Peter Weir, exitoso drama con Robert Sean Leonard y Ethan Hawke.
La década de los 90 resultó más prolífica para Williams, actuando en Despertares (1990) de Penny Marshall, drama basado en hechos reales con Robert De Niro como coprotagonista, El rey pescador (1991) de Terry Gilliam, drama donde junto a Jeff Bridges encarnaba a un enajenado profesor de historia, papel por el que recibió un Globo de Oro y su tercera nominación al Oscar, Hook (El capitán Garfio) (1991) de Steven Spielberg, film de aventuras fantásticas con Dustin Hoffman y Julia Roberts en el que personificó a Peter Pan, Toys: fabricando ilusiones (1992) de Barry Levinson, comedia fantástica que fracasó en taquilla, Señora Doubtfire (1993) de Chris Columbus, comedia familiar muy comercial, con Sally Field, por la que ganó un nuevo Globo de Oro, Nueve meses (1995) de Chris Columbus, comedia romántica con Hugh Grant y Julianne Moore, Jumanji (1995) de Joe Johnston, fantasia familiar de aventuras, Jack (1996) de Francis Ford Coppola, comedia dramática sobre un niño de diez años atrapado en el cuerpo de un hombre de cuarenta, Hamlet (1996) de Kenneth Branagh, adaptación shakespeariana donde fue Osric, Una jaula de grillos (1996) de Mike Nichols, remake de la comedia francesa "Vicios pequeños" (1978) en el que también actuaron Gene Hackman, Nathan Lane y Dianne Wiest, Desmontando a Harry (1997) de Woody Allen, comedia en la que hizo una pequeña colaboración, Flubber y el profesor chiflado (1997) de Les Mayfield, comedia familiar de tipo fantástico, El indomable Will Hunting (1997) de Gus Van Sant, exitoso drama donde era el psicólogo que trata a un alumno superdotado interpretado por Matt Damon y que le valió el Oscar al mejor actor secundario, Más allá de los sueños (1998) de Vincent Ward, drama fantástico de gran presupuesto que no obtuvo el éxito esperado, al contrario que la comedia dramática Patch Adams (1998) de Tom Shadyac, como tampoco lo tuvo El hombre bicentenario (1999) de Chris Columbus, comedia dramática de ciencia-ficción.
Otros títulos de su filmografía son Insomnio (2002) de Christopher Nolan, thriller psicológico con Al Pacino y Hilary Swank, ¡Vaya vacaciones! (2006), road movie dirigida por Barry Sonnenfeld, El hombre del año (2006) de Barry Levinson, comedia biográfica con Christopher Walken y Laura Linney, Hasta que el cura nos separe (2007) de Ken Kwapis, comedia en la que interpretó al sacerdote del título, El mejor padre del mundo (2009) de Bobcat Goldthwait, comedia negra que jugaba a subvertir su imagen pública, Dos canguros muy maduros (2009) de Walt Becker, comedia familiar con John Travolta, La gran boda (2013) de Justin Zackham, comedia coral con Robert De Niro, Diane Keaton y Susan Sarandon, o El hombre más enfadado de Brooklyn (2014) de Phil Alden Robinson, comedia dramática remake de un film israelí de 1997.
Robin Williams estuvo casado en tres ocasiones: con la bailarina Valerie Velardi (1977-1988), con quien tuvo a su hijo Zak; Marsha Garces (1989-2008), la niñera de su hijo, y a su vez madre de otros dos, Zelda y Cody; y la diseñadora gráfica Susan Schneider, que sería su viuda.
En los años iniciales de su carrera fue adicto a la cocaína y en los finales al alcohol. En 2009, tuvo que ser intervenido del corazón. Padeciendo severa depresión, la enfermedad de Parkinson, y un cierto tipo de demencia asociada a ella, Williams puso fin a su vida ahorcándose en su casa.


Ernest Hemingway (Oak Park, Illinois, US, 21-7-1899 / Ketchum, Idaho, US, 2-7-1961): In memoriam

ENTRE LA AVENTURA Y LA TRAGEDIA

Hoy es aniversario natal del escritor estadounidense Ernest Hemingway, cuya obra, considerada ya clásica en la literatura del siglo XX, ha ejercido una notable influencia tanto por la sobriedad de su estilo como por los elementos emocionales y trágicos y el retrato de la época que representa. Su vida aventurera le enfrentó en varias ocasiones con la muerte. Uno de los escritores fundamentales del periodo de entreguerras, recibió el premio Nobel de Literatura en 1954. Bastantes de sus obras han sido llevadas (con desigual fortuna) al cine. Para muchos, es uno de los escasos autores míticos de la literatura contemporánea.
Ernest Miller Hemingway fue el segundo hijo del matrimonio entre Grace Hall, cantante y profesora de música, y de Clarence Edmonds Hemingway, un médico aficionado a la caza y la pesca. Su madre era ambiciosa e independiente, y su padre severo y profundamente religioso. Su progenitor se suicidaría en 1928 a causa de a una enfermedad incurable. A pesar de la desahogada posición económica de su familia, no tuvo una infancia muy feliz. En su adolescencia destacó en varios deportes, sobresaliendo en las clases de inglés. A los dieciseis años publicó su primer artículo en el periódico de su escuela. Tras graduarse, renunció a entrar en la universidad y consiguió trabajo en el rotativo Kansas City Star. Aunque sólo se quedó allí durante seis meses, el estilo del periódico a base de frases directas, párrafos cortos y lenguaje vigoroso y sin rodeos constituyeron la base de su escritura posterior.
Cuando su país decidió intervenir en la I Guerra Mundial, quiso alistarse en el ejército pero una antigua herida en el ojo se lo impidió. Entró en la Cruz Roja y se convirtió en conductor de ambulancias en el frente italiano, donde, además de conocer al escritor John Dos Passos, con quien mantendría una rocosa relación de amistad durante décadas, resultó herido de gravedad por fuego de mortero de la artillería alemana antes de cumplir los 19 años, lo que valió la Medalla de Plata al Valor Militar del gobierno italiano. Durante su convalecencia de seis meses en un hospital de Milán se enamoró de la enfermera Agnes von Kurowsky, siete años mayor que él, con quien planeó casarse. El rechazo posterior de ella le provocó una profunda depresión. 
De regreso a los Estados Unidos después de la guerra, se trasladó a Chicago, volvió al periodismo como corresponsal del Toronto Star y en 1921 contrajo matrimonio con Hadley Richardson, ocho años mayor que él; ambos viajaron a Europa, estableciéndose en París. Capital cultural del mundo de entonces, allí el joven Ernest conoció a escritores como Ezra Pound, James Joyce y Gertrude Stein. En los salones de esta última en Monparnasse trató a otros escritores expatriados (la llamada "generación perdida") y a pintores como Pablo Picasso, Joan Miró y Juan Gris. Si bien continuó con su trabajo como corresponsal (cubrió la guerra greco-turca, donde presenció la quema de Esmirna), sus nuevas amistades, en especial su mentora Stein, estimularon sus deseos de convertirse en escritor. Su propio periodismo, por otra parte, también influyó en el reportaje y las crónicas de los corresponsales futuros. A finales de 1922 su esposa perdió una maleta en una estación de tren con casi todos los manuscritos que Hemingway había completado hasta ese momento y el joven escritor tuvo que empezar de nuevo casi desde cero. Al año siguiente la pareja regresó a Toronto, donde en octubre nació su primer hijo, John. Para entonces se había publicado su primer libro, Tres relatos y diez poemas (1923). Poco después la familia regresa a Europa y se instala en un nuevo apartamento en París. En julio visitó por primera vez las fiestas de San Fermín en Pamplona, España, donde quedó fascinado por la corrida de toros, regresando allí los tres años siguientes. Entre sus primeros libros se encuentra también En nuestro tiempo (1925), del que su relato "Campamento indio" fue muy elogiado. La lectura de "El gran Gatsby" de Scott Fitzgerald, a quien había conocido poco antes, y sus estancias en Pamplona  impulsaron a Hemingway a escribir su primera novela importante, Fiesta (1926), en la que se cuenta la historia de un grupo de norteamericanos y británicos, integrantes de la "generación perdida", que vagan sin rumbo fijo por España y Francia. El libro obtuvo una gran acogida y cimentó su reputación de joven escritor con talento. Por ese tiempo su matrimonio con Hadley se había deteriorado, en gran parte debido a la nueva relación de Ernest con la periodista Pauline Pfeiffer. Brevemente de vuelta en su país, en enero de 1927 Heminway se divorció de Hadley y en mayo se casó con Pauline, para lo cual el escritor hubo de convertirse al catolicismo.
Durante su luna de miel en la Riviera francesa contrajo la enfermedad del ántrax y escribió Hombres sin mujeres (1927), que incluye el antológico relato corto "Los asesinos". Ya en éste es visible el estilo de narrar que lo haría famoso y maestro de varias generaciones. El relato se sustenta en diálogos cortos y lacónicos que van creando un suspense invisible, como si lo que sucediera estuviera oculto o velado por la realidad. El autor explicaba su técnica con el modelo del iceberg, que oculta la mayor parte de su materia bajo el agua, dejando visible sólo una pequeña parte. Otros relatos de parecida factura también son antológicos, como "En otro país" y "Colinas como elefantes blancos". En algunas de sus mejores historias hay un vago elemento simbólico sobre el que gira el relato, como una metáfora que se desarrolla en el plano de la realidad.
En 1928 Ernest y Pauline dejaron París poco después de un accidente doméstico que el escritor sufrió en el baño de su casa, que le dejó una prominente cicatriz en la frente para el resto de su vida. Tras anunciar que nunca más volvería a residir en una gran ciudad, él y su esposa viajaron a Kansas City, donde nació su hijo Patrick, y por consejo de Dos Passos, se establecieron en Key West, Florida. A finales de ese año recibió en Nueva York un cable con la noticia del suicidio de su padre, enfermo de hemocromatosis (deterioro mental y fisico que él también padecería), lo que le supuso un durísimo golpe. Poco antes había enviado una carta a su padre diciéndole que no se preocupara por las dificultades financieras, pero la carta llegó minutos después del suicidio. El escritor comentó entonces que probablemente acabaría del mismo modo (como así sería).
La publicación de Adiós a las armas (1929), novela bélica y sentimental desarrollada en Italia durante la guerra, estableció a Hemingway como gran escritor americano. Ese mismo año, fruto de una nueva estancia en España, también apareció Muerte en la tarde (1929), ensayo sobre el arte de la tauromaquia, tema que siempre le apasionó porque creía que la corrida era "de gran interés trágico, por tratarse literalmente de vida o muerte".
Durante la década de los años 30, Hemingway pasó los inviernos en Key West y los veranos en Wyoming, lugares en los que desarrolló sus aficiones por la pesca y la caza inculcadas en su infancia por su padre. En noviembre de 1930 se rompió un brazo en accidente automovilístico, fractura que requirió siete semanas de hospitalización y de la que tardó un año en recuperarse. Su tercer hijo, Gregory, nació a finales del año siguiente. Su temperamento inquieto le impulsó a viajar de nuevo a Europa y a Cuba y en 1933, junto a Pauline, participó en un safari por varios países de Africa oriental. En ese año se publicó un nuevo libro de relatos en el que describe las desgracias de los europeos, El ganador no se lleva nada (1933), entre los que destaca "Un lugar limpio y bien iluminado". Durante sus estancias africanas Hemingway contrajo disentería y reflejó sus experiencias de caza mayor en Las verdes colinas de África (1935); asímismo los viajes proporcionaron material para los relatos La breve vida feliz de Francis Macomber (1936) y Las nieves del Kilimanjaro (1936). En 1934 compró un bote pesquero (Pilar), con el que navegaría por el Caribe, experiencia que le serviría para su novela Tener y no tener (1937), publicada mientras se encontraba en España como corresponsal de guerra, acompañado de la periodista y escritora Martha Gellhorn, su nuevo amor. A preocupaciones anteriores como el fracaso o la impotencia del ser humano, se van añadiendo a su obra las preocupaciones sociales. Decantado por el bando republicano, a finales de 1937 Hemingway escribió en Madrid su única obra de teatro, La quinta columna (1938), condena de las injusticias sociales, económicas y políticas, mientras que la ciudad estaba siendo bombardeada (su propia habitación de hotel resultó afectada). Volvió a Key West durante unos meses y luego regresó a España en dos ocasiones en 1938, donde estuvo presente en la famosa Batalla del Ebro, el último reducto republicano en el frente de la Guerra Civil. Martha y sus vivencias bélicas le inspiraron Por quién doblan las campanas (1940), su novela más famosa y un gran éxito de ventas que restableció definitivamente su reputación literaria. Su tesis se centra en demostrar que la pérdida de libertad en cualquier lugar del mundo es señal de que la libertad se encuentra en peligro en todas partes. Separado de Pauline desde 1939, alquiló una extensa propiedad (Finca Vigía) cercana a La Habana, donde se reunió con Martha. Esta se convertiría en su tercera esposa a finales de 1940 tras el divorcio de Pauline. Con Martha viajó a China a comienzos del año siguiente, país que no fue de su agrado.
Durante la Segunda Guerra Mundial publicó la antología Hombres en guerra (1942) y volvió a ser corresponsal en Europa en 1944. En Londres, distanciado de Martha, una vez más se enamoró de otra mujer, Mary Welsh, corresponsal de la revista Time, y fue de nuevo hospitalizado por una contusión en un accidente automovilístico. En junio de ese año estuvo presente (con la cabeza vendada) en el desembarco aliado en Normandía y en agosto siguiente presenció la liberación de París. Sus intentos de seguir los combates al norte de Francia acabaron con una neumonía contraída a finales de ese año. Acabada la contienda, en 1946 se casó (por cuarta y última vez) con Mary y comenzó a redactar su extensa novela El jardín del edén, exploración de las relaciones de pareja que se publicaría postumamente en 1986. En 1947 fue galardonado con una Estrella de Bronce por su valentía durante la Segunda Guerra Mundial pero también sufrió una serie de accidentes, problemas personales, familiares y enfermedades que le hundieron en la depresión. A consecuencia de accidentes anteriores y de su inmoderado consumo de alcohol durante sus muchos años de bebedor empedernido, su salud se resintió (dolores de cabeza, hipertensión, sobrepeso, diabetes). Durante una estancia en 1948 con Mary en Venecia se enamoró (esta vez platónicamente) de Adriana Ivancich, una joven de 19 años que le inspiró su novela Al otro lado del río y entre los árboles (1950), escrita en Cuba, al igual que El viejo y el mar (1952), galardonada con el premio Pulitzer y que él consideraba su obra maestra. La novela tiene como protagonista a un modesto y anciano pescador de La Habana y algunos críticos han visto en ella la culminación de su obra, porque en su texto confluyen el humanismo y la economía expresiva.
En 1952 emprendió con Mary un nuevo viaje por Africa, saldado con dos graves accidentes aéreos que casi le cuestan la vida. Las múltiples lesiones sufridas incrementaron su deterioro físico y su alcoholismo descontrolado para superar el dolor de las heridas. Cuando en octubre de 1954 recibió el Premio Nobel de Literatura, su estado físico le impidió viajar a Estocolmo a recogerlo, enviando su discurso de aceptación para ser leído durante la ceremonia.
En 1956 regresó a Europa y en París recuperó sus baúles almacenados en el Hotel Ritz desde 1928. Entusiasmado con el hallazgo de sus manuscritos, comenzó en Cuba a dar forma a la obra recobrada en su autobiografía París era una fiesta, acabada en 1959 y publicada de forma póstuma en 1964. También trabajó en otros escritos como Islas en el golfo, publicada en 1970. Nuevamente deprimido y cansado de Cuba, donde el triunfo de la revolución le hizo temer por sus posesiones, abandonó en 1960 la isla para siempre. Al año siguiente su colección de arte y su biblioteca de entre cuatro y seis mil libros, depositada en la bóveda de un banco de La Habana, fueron expropiados por el gobierno castrista. En 1960, aun gravemente enfermo, viajó a España por última vez. A su vuelta Mary lo llevó desde Nueva York a Idaho, donde el año anterior habían comprado una casa en Ketchum. El empeoramiento de su salud obligó a una hospitalización en una clínica en Minessota, donde fue tratado con electro-shocks, lo que se repitió meses más adelante al año siguiente. De vuelta en su casa, dos días después de salir del hospital, Hemingway se suicidó en el sótano donde guardaba sus armas disparándose en la boca con su escopeta favorita. Dejaba sin publicar unas 3000 páginas de manuscritos. Años después su hermana Ursula y su hermano Leicester también se quitaron la vida. 35 años más adelante, su nieta, la actriz Margaux Hemingway, sería la quinta persona en cuatro generaciones del clan familiar en cometer suicidio.
La mayor parte de la narrativa de Ernest Hemingway presenta a un héroe enfrentado a la muerte y que cumple una suerte de código de honor; de ahí que sus protagonistas sean matones, toreros, boxeadores, soldados, cazadores y otros seres sometidos a presión. Tal vez su obra debe ser comprendida como una especie de romanticismo moderno, que aúna el sentido del honor, la acción, el amor, el escepticismo y la nostalgia como sus vectores principales. Sus relatos inauguran un nuevo tipo de realismo que, aunque tiene sus raíces en el cuento norteamericano del siglo XIX, lo transforma hacia una cotidianidad dura y a la vez poética, que influiría en grandes narradores posteriores como Raymond Carver. 
Uno de los personajes de Hemingway expresa: "El hombre puede ser destruido, pero no derrotado". Y uno de sus críticos corrobora: "Es un código que relaciona al hombre con la muerte, que le enseña cómo morir, ya que la vida es una tragedia. Pero sus héroes no aman mórbidamente la muerte, sino que constituyen una exaltación solitaria de la vida, y a veces sus muertes constituyen la salvaguarda de otras vidas". A este tipo de héroe suele contraponer Hemingway una especie de antihéroe, como su conocido personaje Nick Adams, basado en su propia juventud, y que hilvana buena parte de los relatos como una línea casi novelesca. 

(Amalgama de textos de páginas como Biografías y Vidas, Buscabiografías y otras fuentes)

 

lunes, 20 de julio de 2015

The Beatles - Do you want to know a secret?

LET ME WHISPER IN YOU EAR

Do you want to know a secret?, una canción de Lennon-McCartney contenida en Please, please me (1963), el álbum debut de The Beatles, fue el primer hit-single (nº 2 en Billboard en 1964) en presentar a George Harrison como voz solista.

Do you want to know a secret? (lyrics)
 
You'll never know how much I really love you.
You'll never know how much I really care.
Listen, do you want to know a secret,
Do you promise not to tell, whoa oh, oh.
Closer, let me whisper in your ear,
Say the words you long to hear,
I'm in love with you.
Listen, do you want to know a secret,
Do you promise not to tell, whoa oh, oh.
Closer, let me whisper in your ear,
Say the words you long to hear,
I'm in love with you.
I've known the secret for a week or two,
Nobody knows, just we two.
Listen, do you want to know a secret,
Do you promise not to tell, whoa oh, oh.
Closer, let me whisper in your ear,
Say the words you long to hear,
I'm in love with you.

domingo, 19 de julio de 2015

Vikki Carr - It must be him

TRIBUTE TO VIKKI CARR (El Paso, Texas, US, 19-7-1941)

La cantante estadounidense Vikki Carr cumple hoy 74 años. De ascendencia mexicana, su nombre real es Florencia Vicenta de Casillas Martínez Cardona. Su carrera discográfica, iniciada en 1962, la ha distinguido como una de las intérpretes de melodías románticas más aplaudidas en inglés y español. Su incidencia en esta última lengua fue especialmente exitosa en los años 80 y 90 en el ámbito latinoamericano, lo que la hizo conseguir tres premios Grammy. Asímismo se ha destacado por sus actividades filantrópicas y humanitarias.



La canción francesa "Seul sur son étoile", con letra de Maurice Vidalin y música de Gilbert Bécaud, se transformó en It must be him, con la nueva letra de Mack David. Encabezando el álbum del mismo título de Vikki Carr publicado en 1967, se convirtió en un gran hit internacional (del single se vendieron más de un millón de ejemplares y ganó un disco de oro) y el tema en inglés más distintivo de la carrera de la intérprete texana.

sábado, 18 de julio de 2015

Lupe Vélez (San Luis Potosí, México, 18-7-1908 / Glendale, California, US, 13-12-1944): In memoriam

EL VOLCÁN  DE POTOSÍ

Hoy es aniversario natal de la actriz mexicana Lupe Vélez. Belleza legendaria, de pasional carácter y fogosa libido, supuso un estruendo latino en el Hollywood de finales de los años 20 y comienzos de la década de los 30. Aunque los estudios para los que trabajó no la tomaron muy en serio como actriz, fue una estrella muy popular que exhibió desenfado y dotes de comediante, además de una conducta exhibicionista escandalosa para su época, lo que dio pábulo a amplia chismografía. Su suicidio fue uno de los más notorios en la historia de la meca del cine.
María Guadalupe Vélez de Villalobos era hija de un general y una cantante de ópera que la envió en 1921 a la ciudad estadounidense de San Antonio para ingresar en un convento. Así fue como Lupe aprendió a hablar inglés. Dos años después, tras estallar la Revolución Mexicana, su padre partió a la lucha y Lupe abandonó el noviciado y fue devuelta a Ciudad de México, donde, para ayudar económicamente a su madre trabajó como empleada en un almacén. Asímismo destacó como bailarina de revista y actriz teatral en su país natal, dando el salto a mediados de los años 20 a los Estados Unidos, en donde trabajó en el mundo del burlesque. Su carrera cinematográfica fue lanzada por el famoso productor Hal Roach, quien la incorporó a su troupe cómica, apareciendo en cortos humorísticos, en uno de ellos acompañando a la pareja Laurel y Hardy. El primer largometraje de Lupe Vélez fue El gaucho (1927), película silente de aventuras protagonizada por Douglas Fairbanks y dirigida por F. Richard Jones. Otros títulos en los que lució su juvenil belleza fueron La melodía del amor (1929) de D.W. Griffith, drama con William Boyd y Jetta Goudal, El canto del lobo (1929) de Victor Fleming, western con un principiante Gary Cooper, Oriente (1929) de Tod Browning, drama romántico con Lon Chaney, o La corriente (1929) de George Fitzmaurice, su primera película sonora, creada como lucimiento para la estrella canina Rin Tin Tin, cuyo éxito contribuyó a asentar la carrera de Vélez. A menudo encasillada en papeles étnicos o exóticos de mujeres ligeras o temperamentales, los columnistas de Hollywood pronto comenzaron a referirse a ella con apodos como 'Huracán mexicano' o 'Whoopee Lupe'.
Ya en la década siguiente apareció en El puerto infernal (1930) de Henry King, drama romántico con Jean Hersholt, La tormenta (1930) de William Wyler, western con Paul Cavanagh y William Boyd, Oriente y Occidente (1930) de Monta Bell, drama criminal con Lew Ayres y Edward G. Robinson, Resurrección (1930), adaptación de la novela de Tolstoi de la que se rodaron dos versiones: una en inglés dirigida por Edwin Carewe, con John Boles como partner, y otra en español a cargo de Eduardo Arozamena, con el mexicano Gilbert Roland de pareja, El prófugo (1931) de Cecil B. DeMille, western con Warner Baxter, Bajo el cielo de Cuba (1931) de W. S. Van Dyke, musical con Lawrence Tibbett, que también tuvo su versión en español: Hombres de mi vida (1932), con los antedichos Eduardo Arozamena y Gilbert Roland, o Congo (1932) de William Cowen, drama terrorífico con Walter Huston. En 1932 viajó a Nueva York contratada por el empresario teatral Florenz Ziegfeld para actuar en Broadway en su última revista Hot-Cha!, de la que se dieron 119 representaciones. Tras su retorno a Hollywood se estrenaron American bluff (1932) de Gregory La Cava, comedia con Lee Tracy, Pimienta y más pimienta (1933) de John G. Blystone, comedia con Edmund Lowe y Victor McLaglen, Palooka (1934) de Benjamin Stoloff, comedia con Stuart Erwin y Jimmy Durante, Un escritor en Nueva York (1934) de Elliott Nugent, comedia con Jimmy Durante, o La flecha (1934) de W. S. Van Dyke, western con Ramón Novarro. En los dos años siguientes rodó dos comedias en Gran Bretaña y luego regresó a Hollywood para intervenir en el musical High flyers (1937) de Edward F. Cline y Stardust (1937) de Melville W. Brown. Después volvió a Broadway para actuar en el musical You never know de Cole Porter, que resultó un fracaso, y en México protagonizó el drama romántico La zandunga (1938) de Fernando de Fuentes, junto a Arturo de Córdova, que pese a resultar un éxito notable no retuvo a Lupe en su país natal.
De regreso en Hollywood, entre 1939 y 1943 participó en una serie de populares comedias de bajo presupuesto dirigidas por Leslie Goodwins y coprotagonizadas por el actor de vaudeville Leon Errol. También se la vió en el musical Honolulu Lu (1941) de Charles Barton y las comedias Playmates (1941) de David Butler, Ladies' Day (1943) de Leslie Goodwins y Redhead from Manhattan (1943) de Lew Landers. Su última película fue Nana (1944), adaptación de la novela de Zola rodada en México y dirigida por Roberto Gavaldón y Celestino Gorostiza.
La fogosa Lupe Vélez fue célebre por su rivalidad con otras actrices de su época, sobre todo la también mexicana Dolores Del Río. Su vida sentimental fue altamente tempestuosa. Muy publicitados fueron sus romances con actores famosos como Charles Chaplin, Tom Mix, Gary Cooper (al parecer, el amor de su vida, con quien no pudo casarse por la oposición de la madre de él y los estudios Paramount que lo tenían contratado), Clark Gable, John Gilbert, o Errol Flynn. Entre 1933 y 1939 estuvo casada con Johnny Weissmuller en un tormentoso matrimonio a base de sucesivas peleas y reconciliaciones que acabó en divorcio. Otras más o menos turbulentas relaciones incluyen al escritor Erich Maria Remarque, a los boxeadores Jack Johnson y Jack Dempsey y a los actores Arturo de Córdova y Harald Ramond, este último protegido suyo a quien echó de su casa cinco días antes de morir.
Embarazada de seis meses, aterrorizada por la idea de convertirse en madre soltera (su credo católico le impedía abortar), desesperada y deprimida, decidió poner fin a su vida a los 36 años. La noche del 13 de diciembre de 1944, tras cenar con dos de sus mejores amigas, se retiró a su habitación e ingirió 75 pastillas de Seconal para después acostarse en su cama, rodeada de una gran cantidad de flores y velas encendidas. Horas más tarde su secretaria encontró su cuerpo sin vida y una carta de despedida. El 22 de diciembre tuvo lugar un primer funeral en Los Angeles en el que su ex-marido Johnny Weissmuller y Gilbert Roland cargaron con el féretro. Cinco días después, trasladado su cuerpo a Ciudad de México, se celebró otro, también multitudinario, al que asistieron Cantinflas, Jorge Negrete y María Félix.


viernes, 17 de julio de 2015

Tribute to Donald Sutherland (Saint John, New Brunswick, Canadá, 17-7-1935)

PRESENCIA INQUIETANTE EN MÁS DE 100 PELÍCULAS

El actor canadiense Donald Sutherland cumple hoy 80 años. Alto y carismático, con más de cincuenta años de dilatadísima carrera tras de sí, en la que ha demostrado su gran versatilidad en films de todos los géneros, ha ganado como actor de reparto dos Globos de Oro y un Emmy por trabajos televisivos. En 2012 fue nombrado Comandante de las Artes y las Letras por el gobierno francés.
Donald NcNichol Sutherland hubo de superar varias enfermedades en su niñez, entre ellas la poliomielitis. En su adolescencia trabajó en la radio y participó en producciones teatrales estudiantiles. Estudió en la Universidad de Toronto y se graduó en ingeniería y arte dramático. Más tarde, se trasladó a Gran Bretaña en 1957 para continuar estudiando interpretación en Londres. Allí, durante la primera mitad de los años 60 desempeñó pequeños roles en la televisión y en films británicos. Debutó junto a Christopher Lee en la producción italiana El castillo de los muertos vivientes (1964), a la que siguieron Te espera la muerte, querida (1965) de Silvio Narizzano, con Tallulah Bankhead y Stefanie Powers, y Doctor Terror (1965) de Freddie Francis, con Peter Cushing y Christopher Lee. Su primera película con producción estadounidense fue Estado de alarma (1965) de James B. Harris, film bélico protagonizado por Richard Widmark y Sidney Poitier en el que Donald intervenía en un pequeño papel.
Tras aparecer en Un cerebro de un millón de dólares (1967) de Ken Russell, en la cinta bélica Doce del patíbulo (1967) de Robert Aldrich logró uno de sus primeros personajes más relevantes en el cine. Pero no fue hasta el gran éxito de la comedia satírica M.A.S.H. (1970) de Robert Altman que Sutherland alcanzó estatus estelar. Siguieron otros títulos como Empiecen la revolución sin mí (1969) de Bud Yorkin, comedia con Gene Wilder ambientada en la Francia del siglo XVIII, Los violentos de Kelly (1970) de Brian G. Hutton, comedia bélica con reparto encabezado por Clint Eastwood, Alex in Wonderland (1970) de Paul Mazursky, comedia dramática con Ellen Burstyn, Johnny cogió su fusil (1971) de Dalton Trumbo, drama antibelicista protagonizado por Timothy Bottoms, donde personificó a Jesucristo. En el thriller Klute (1971) de Alan J. Pakula compartió créditos con Jane Fonda, de quien fue pareja sentimental durante un tiempo. Previamente había estado casado con Lois Hardwick (1959-1966) y con la actriz Shirley Douglas (1966-1970), con quien tuvo a los gemelos Kiefer y Rachel Sutherland. El primero se convirtió en un conocido actor y la segunda trabaja como productora de televisión. En 1972 se casó con Francine Racette, su actual esposa, con quien tuvo a sus hijos Rossif, Angus Redford y Roeg.
Otros títulos de Sutherland en los años 70 fueron Material americano (1973) de Alan Myerson, comedia criminal con Jane Fonda y Peter Boyle, Fría como un diamante (1973) de Tom Gries, thriller con Jennifer O'Neill y Robert Duvall, Amenaza en la sombra (1973) de Nicolas Roeg, thriller psicológico con Julie Christie, Dos espías a lo loco (1974) de Irvin Kershner, comedia paródica con Elliott Gould, Como plaga de langosta (1975) de John Schlesinger, drama satírico con Karen Black, Novecento (1976) de Bernardo Bertolucci, drama épico con Robert De Niro, Gérard Depardieu y Dominique Sanda, Casanova (1976) de Federico Fellini, delirante visión de la vida del famoso seductor veneciano del siglo XVIII, Ha llegado el águila (1976) de John Sturges, film bélico con Michael Caine y Robert Duvall, Laberinto mortal (1978) de Claude Chabrol, thriller de intriga con Stéphane Audran, La invasión de los ultracuerpos (1978) de Philip Kaufman, remake del thriller de ciencia-ficción de 1956, con Brooke Adams y Leonard Nimoy, Asesinato por decreto (1979) de Bob Clark, thriller de misterio con Christopher Plummer y James Mason, El primer gran asalto al tren (1978) de Michael Crichton, comedia de aventuras con Sean Connery y Lesley-Ann Down, y Operación Isla del Oso (1979) de Don Sharp, thriller de aventuras con Vanessa Redgrave y Richard Widmark.
La prolífica filmografía del actor canadiense ha proseguido a buen ritmo con un abundante número de películas entre las que destacan: Gente corriente (1980) de Robert Redford, drama familiar con Mary Tyler Moore, El ojo de la aguja (1981) de Richard Marquand, thriller de espionaje con Kate Nelligan, Hola, Mr. Dugan (1983) de Herbert Ross, comedia con Marsha Mason y Jason Robards, Culpable de inocencia (1984) de Desmond Davis, adaptación de una novela de Agatha Christie, con Faye Dunaway, Revolución (1985) de Hugh Hudson, drama histórico con Al Pacino y Nastassja Kinski, Los crímenes del rosario (1987) de Fred Walton, thriller de intriga con Charles Durning, Una árida estación blanca (1989) de Euzhan Palcy, drama judicial con Janet Suzman, Susan Sarandon y Marlon Brando, Grito de piedra (1991) de Werner Herzog, film de aventuras en la Patagonia, J.F.K.: caso abierto (1991) de Oliver Stone, drama político sobre el magnicidio del Presidente americano, con Kevin Costner, Seis grados de separación (1993) de Fred Schepisi, adaptación de una obra teatral de John Guare, con Stockard Channing y Will Smith, Estallido (1995) de Wolfgang Petersen, thriller médico con Dustin Hoffman, Rene Russo y Morgan Freeman, Tiempo de matar (1996) de Joel Schumacher, drama criminal con Sandra Bullock, Samuel L. Jackson, Matthew McConaughey y Kevin Spacey, Fallen (1998) de Gregory Hoblit, thriller sobrenatural con Denzel Washington y John Goodman, Space cowboys (2000) de Clint Eastwood, film de aventuras con Eastwood, Tommy Lee Jones y James Garner, Cold Mountain (2003) de Anthony Minghella, drama épico ambientado en la Guerra Civil americana, con Jude Law, Nicole Kidman, Renée Zellweger, Orgullo y prejuicio (2005) de Joe Wright, adaptación de la novela de Jane Austen, con Keira Knightley, Pregúntale al viento (2006) de Robert Towne, drama romántico con Colin Farrell y Salma Hayek, En algún lugar de la memoria (2007) de Mike Binder, drama con Adam Sandler y Don Cheadle, La legión del águila (2011) de Kevin Macdonald, peplum con Channing Tatum y Jamie Bell, o La mejor oferta (2013) de Giuseppe Tornatore, drama romántico de misterio con Geoffrey Rush, Jim Sturgess y Sylvia Hoeks.


POSDATA

Donald Sutherland falleció el 20 de junio de 2024 en Miami, Florida. Contaba 88 años de edad.


jueves, 16 de julio de 2015

Desmond Dekker & The Aces - Israelites

DESMOND DEKKER (Saint Andrew Parish, Jamaica, 16-7-1941 / London, UK, 25-5-2006): IN MEMORIAM

Con ocasión del aniversario natal del cantante y compositor jamaicano de ska y reggae Desmond Dekker recordamos su primer gran éxito, Israelites, una canción escrita por él y Leslie Kong que, editada en octubre de 1968, llegó en abril siguiente al número uno en las listas de éxitos británicas y en junio al nueve en las estadounidenses. Fue uno de los primeros hits internacionales del género musical conocido como ska. Después, ya establecido Dekker en el Reino Unido, llegaron otros para él con It mek (1969), You can get it if you really want (1970) o Sing a little song (1975).



miércoles, 15 de julio de 2015

Tribute to Forest Whitaker (Longview, Texas, US, 15-7-1961)

ACTOR DE ALTURA

El actor estadounidense Forest Whitaker cumple hoy 54 años. Reconocido intérprete de gran sobriedad y eficacia que prepara sus papeles concienzudamente, después de Sidney Poitier, Denzel Washington, Morgan Freeman y Jamie Foxx, es el quinto afroamericano en ganar el Oscar al mejor actor.
Hijo de un agente de seguros y una profesora de educación especial, a la edad de cuatro años se trasladó con su familia a California. Destacado en la práctica de fútbol americano, obtuvo una beca para asistir a la Universidad de Pomona. Una lesión en la espalda provocó el alejamiento de Whitaker de su objetivo de convertirse en jugador profesional y amplió su interés en otra de sus pasiones como la música y, en especial, la ópera. Tras intentar convertirse en tenor operístico acudió a Berkeley para estudiar interpretación. En el cine debutó con Tag (1982) de Nick Castle y Aquel excitante curso (1982) de Amy Heckerling. A partir de esta década intervino en episodios de conocidas series de televisión y telefilms. En la gran pantalla consiguió salir del anonimato gracias a su aparición junto a Paul Newman y Tom Cruise en El color del dinero (1986) de Martin Scorsese y formando parte del reparto del film bélico Platoon (1986) de Oliver Stone. Más tarde compartió créditos con Robin Williams en Good morning, Vietnam (1987) de Barry Levinson y se convirtió en Charlie Parker en Bird (1988), historia biográfica sobre ese importante saxofonista que dirigió Clint Eastwood. Por esta última interpretación Whitaker ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes.
En los años 90 destacan en su filmografía títulos como Diario de un asesino a sueldo (1991) de Roy London, thriller con James Belushi, Sharon Stone y Sherilyn Fenn, Juego de lágrimas (1992) de Neil Jordan, intriga política y psicológica coprotagonizada por Stephen Rea, Miranda Richardson y Jaye Davidson, en la que Forest interpretó a un soldado británico secuestrado por el IRA, Prêt-à-porter (1994) de Robert Altman, comedia satírica sobre el mundo de la moda y reparto multiestelar, Especie mortal (1995) de Roger Donaldson, film terrorífico de ciencia-ficción con Ben Kingsley, Michael Madsen y Alfred Molina, Smoke (1995) de Wayne Wang, comedia dramática con guión de Paul Auster, Phenomenon (1996) de Jon Turteltaub, drama fantástico con John Travolta, y Ghost dog: El camino del samurai (1999), drama criminal dirigido y escrito por Jim Jarmusch.
Otros títulos de su filmografía son el thriller El cuarto ángel (2001) de John Irvin, thriller de acción con Jeremy Irons, La habitación del pánico (2002) de David Fincher, claustrofóbica historia con Jodie Foster y Whitaker en el papel de un ladrón, Ultima llamada (2002) de Joel Schumacher, thriller psicológico con Colin Farrell en el que interpretó a un investigador policial, El último rey de Escocia (2006) de Kevin MacDonald, biografía del dictador ugandés Idi Amin gracias a la cual Whitaker consiguió el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA, En el punto de mira (2008) de Pete Travis, thriller político de acción en el que interpretó a un turista estadounidense en Salamanca, Dueños de la calle (2008) de David Ayer, thriller de acción con Keanu Reeves, Hugh Laurie y Chris Evans, o El mayordomo (2013) de Lee Daniels, drama histórico junto a Oprah Winfrey.
Al margen de su faceta como actor, Whitaker también ha dirigido películas como Esperando un respiro (1995), Siempre queda el amor (1998) y Una hija diferente (2004). En el año 1996 se casó con la actriz Keisha Nash, con quien ha tenido dos hijas. Un hijo y una hija de relaciones anteriores de ambos también forman parte de la familia.


martes, 14 de julio de 2015

Karel Gott - Tausend fenster - Eurovision 1968 - Austria

TRIBUTE TO KAREL GOTT (Pilsen, Protectorado de Bohemia y Moravia, actual República Checa, 14-7-1939)

Recordamos al cantante checo Karel Gott (el más exitoso en su país de origen) en su 76 cumpleaños con esta balada con la que representó sin demasiada fortuna a Austria en el Festival de Eurovisión de 1968 celebrado en Londres.



En dicho certamen la canción Tausend fenster (Mil ventanas) se clasificó en decimotercera posición.

  
 
 POSDATA

Karel Gott falleció en Praga el 1 de octubre de 2019 a los 80 años de edad.
 
 

lunes, 13 de julio de 2015

The Beatles - Rock and roll music

IF YOU WANNA DANCE WITH ME

Hoy, 13 de julio, se celebra el Día Mundial del Rock. En 1985, tal día como hoy, tuvo lugar el primer festival Live AID, una iniciativa que resultó de la preocupación del actor y músico Bob Geldof y la de otros, por la precaria situación de Etiopía (falta de agua y comida) que costaba la vida a muchas personas. Con el apoyo de la fundación Band Aid Trust, también iniciativa de Geldof, se transmitieron imágenes de la severa hambruna que atravesaba Etiopía por la cadena de televisión BBC. El festival contó con la presencia de leyendas del rock como The Who, Led Zeppelin, Queen, Sting, Duran Duran, Judas Priest, Black Sabbath, Scopions, Status Quo, U2, Paul McCartney, Phil Collins y Eric Clapton. Además se celebró de forma simultánea en Londres y Filadelfia, logrando una recaudación inesperada de cien millones de dólares. Esto le valió ser considerado uno de los festivales de ayuda humanitaria más exitosos de todos los tiempos, ya que hasta la fecha su importancia está ligada a la congregación de grandes bandas de rock por una causa humanitaria; de esa manera se eligió al 13 de julio para celebrar el Día Mundial del Rock.
El rock es una de las corrientes musicales más populares en el mundo y ha jugado un papel fundamental en acontecimientos sociales y culturales desde la segunda mitad del siglo veinte. Este estilo de música ha acompañado a varias generaciones y ha significado una manera creativa de descargar la energía juvenil. Surgido a raíz del rock and roll y el rockabilly de la década de los cincuenta, poco a poco derivó en diversas corrientes que contaban con una alineación similar (voces, guitarras, bajo, batería y teclado son los instrumentos convencionales). El término 'rock and roll', procedente de la música negra estadounidense de los años 40 (combinación de diversos ritmos como el afroamericano rhythm and blues, el swing y el country), fue popularizado por el locutor estadounidense Alan Freed (1921-1965) en sus programas radiofónicos y hace referencia a los movimientos de balanceo hacia atrás y adelante, arriba y abajo. Se considera como principal precedente del rock and roll al músico Muddy Waters y fueron figuras de su primera generación artistas como Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Bo Diddley, Fats Domino, Jackie Wilson, Buddy Holly, Eddie Cochran o Gene Vincent. De entre ellos resultaron los más influyentes Elvis Presley (voz), Chuck Berry (guitarra) y Jerry Lee Lewis y Little Richard (piano ambos). Aunque históricamente no hay consenso absoluto sobre cual fue la canción inaugural del género, se tiende a señalar como la primera "Rock around the clock", grabada por Bill Haley and his Comets en 1954. Otros primeros grandes hits fueron "That's all right (Mama)", de Elvis Presley, "Maybellene" de Chuck Berry y "Tutti frutti" de Little Richard.
En septiembre de 1957 Chuck Berry editó un single con "Rock and roll music", una composición propia convertida en éxito internacional y uno de sus temas más distintivos. Siete años después, The Beatles incluyeron una versión más contundente del mismo en su álbum Beatles for sale (1964), en el que también figuraban otras de clásicos del género. Un John Lennon pletórico de dinámica energía fue la voz cantante y el acompañamiento pianístico corrió a cargo de (según diferentes fuentes) Paul McCartney, George Martin (el productor de la banda de Liverpool, 'cerebro' del grupo y quinto Beatle en la sombra) o de ambos.

domingo, 12 de julio de 2015

Olga Guillot - Esta noche la paso contigo

TE VOY A DAR MI CORAZÓN

Esta noche la paso contigo, de Laura Gómez y Llanos Barraza, es otro de los más bellos motivos del fabuloso repertorio de la eterna e insuperable Reina del Bolero.

Olga Guillot - Vivir de los recuerdos

SÉ QUE NO PUEDES VOLVER Y AÚN TE ESPERO

Un recuerdo emocionado a la gran cantante cubana Olga Guillot  en el quinto aniversario de su partida con este precioso bolero de Bobby Collazo, mi favorito de entre todo su maravilloso repertorio.

sábado, 11 de julio de 2015

Vintage delights (XLIV)

Robert Wagner

Faye Dunaway

Merle Oberon

Rock Hudson

Paulette Goddard

Joan Crawdord

Eva Marie Saint

Peter Lorre

Greta Garbo

Charlton Heston

Mae West

Joan Bennett

Clara Bow

Errol Flynn

Marlene Dietrich




 Leslie Caron

Eleanor Parker

Elvis Presley

Margaret Sullavan

Edward Fox

Judy Holliday

Lupe Vélez

Ann Miller

Robert Redford

viernes, 10 de julio de 2015

Camille Pissarro paintings

CAMILLE PISSARRO (Saint Thomas, Antillas Danesas, hoy Islas Vírgenes, US, 10-7-1830 / París, Francia, 13-11-1903)

Tal día como hoy hace 185 años vino al mundo el pintor impresionista franco-danés Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro. Su prolífica actividad plástica abarca las más diversas técnicas, desde el óleo y la acuarela hasta la litografía y el aguafuerte, conformando su obra uno de los más brillantes conjuntos pictóricos en el ámbito del paisaje impresionista tanto rural como urbano. Pintor fundamental del Impresionismo y, en gran medida, su guía, es menos reconocido, sin embargo, que otras figuras de dicho movimiento como Renoir o Monet, pintores burgueses más del gusto de sus contemporáneos que, en buena parte, le eclipsaron. Muy atraído por la tierra, fue principalmente un pintor rústico, captador de la luz del sol y sus destellantes juegos de luz sobre el paisaje, si bien en su última etapa consiguió revalorizarse como paisajista de avenidas, bulevares y jardines parisinos. Muy cotizada hoy día, la obra de Pissarro, que abarca todos los géneros, está representada en el Museo d'Orsay de París y en casi todos los museos de arte moderno del mundo.
Hijo de un judío sefardí de nacionalidad francesa y una dominicana descendiente de españoles, inició su aprendizaje en París hasta 1847, cuando regresó a las Antillas para trabajar en el comercio de su padre, que se oponía a su vocación pictórica. En 1852 abandona Saint Thomas y se traslada a Venezuela acompañando a su maestro el pintor danés Fritz Melbye para dedicarse a la pintura. Tres años después se instala definitivamente en París, asistiendo a las clases de la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Corot fue el primer maestro en el que se inspiró, descubriendo su atracción hacia el paisaje. La Academia Suisse sirvió para que se relacionara con Cézanne y Monet, ahondando en su interés por el paisaje, totalmente en contra del academicismo oficial. Expuso en 1863 en el Salón de los Rechazados junto a Manet, siendo uno de los promotores del grupo de artistas alejados de la norma académica que se reunían en el café Guerbois, que daría paso más tarde al Impresionismo. Incluso Pissarro animó a sus compañeros a "trabajar el motivo" en relación con la pintura al aire libre. Durante la Guerra Franco-prusiana, en 1870 se traslada a Londres donde se interesa por las obras de Turner y Constable. De regreso a Francia en 1871 se casa con Julie Vellay, la criada de su madre, con quien tendría siete hijos, y se instala en Pontoise, comuna cercana a París, iniciándose una intensa relación artísstica con Cézanne, en la que ambos se influyeron mutuamente. Su entusiasmo por la pintura impresionista lo llevó a ser uno de los principales impulsores de la exposición celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874, a raíz de la cual la nueva tendencia pictórica recibiría la denominación por la cual se la conocería. Durante los años 1880 comenzó a experimentar con el puntillismo, consistente en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color yuxtapuestas, técnica que abandonó debido a las adversas críticas recibidas. Pissarro nunca perdió el contacto con París, participando en las ocho exposiciones impresionistas -el  único pintor del movimiento que lo hizo- con sus atractivos paisajes o vistas urbanas llenas de vida, luz y color. Interesado por la estructuración de la obra de arte, se relacionará con jóvenes artistas como Gauguin o Signac. Debido a su mayor edad con respecto a los demás compañeros, siempre procuró mantener la estructura unitaria del grupo impresionista. Respetado artísticamente por su dignidad, coraje y tenacidad, sus contemporáneos pintores le pedían consejo y le llamaban "Père Pissarro".
Autor de gran cantidad de tranquilas escenas rurales y paisajes campestres en la mayor parte de su producción, en 1895, tras empeorar la enfermedad ocular que padecía, se dedicó en sus últimos años a pintar paisajes urbanos de Rouen o París desde ventanas de hoteles. Falleció a los 73 años.

(Refundición de textos de páginas como artehistoria y otras)

Camille Pissarro, Autoportrait, 1873

Camille Pissarro, circa 1900