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jueves, 23 de noviembre de 2017

José Luis Borau (Zaragoza, España, 8-8-1929 / Madrid, España, 23-11- 2012): In memoriam

RESPETADO REFERENTE DEL CINE ESPAÑOL

Hoy se cumplen cinco años del fallecimiento del director cinematográfico, productor, guionista y ocasional actor español José Luis Borau, quien también escribió ensayos, relatos y novelas. Toda su producción mantiene una vinculación temática: la infancia, la familia, la memoria, la amargura, el sexo, Norteamérica, lo fronterizo, la provincia, la muerte, la culpa, la Navidad… aparecen en sus relatos y guiones. Referente absoluto para varias generaciones que vieron en él a su representante más independiente, le gustaba decir que no había hecho otra cosa en su vida que ver y leer cine. En varios momentos de su vida asumió los compromisos de un hombre incorruptible, en cuyo fondo latía la insobornable tenacidad de todo individualista, siempre comprometido con la libertad de expresión. Hombre culto, de consenso y educación exquisita, bondadoso aunque temperamental, sus cinco años como Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España son considerados como los mejores de dicha institución. Fue miembro de la Real Academia Española de la Lengua desde 2008 hasta su muerte. Entre otros galardones, fue reconocido con un premio Goya al mejor director, además de la Medalla de Oro de las Bellas Artes (1988), la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (2000) o el Premio Nacional de Cinematografía (2002).
Hijo único y tardío, José Luis Borau Moradell nació en el seno de una familia de clase media. Durante la Guerra Civil española, después de un bombardeo, sus padres decidieron para protegerle que no asistiese al colegio. Ese periodo lo pasó encerrado en su casa sentado en una mecedora, donde se pasaba las horas leyendo y que guardaría como reliquia el resto de su vida. En su adolescencia fue un gran cinéfilo, además de lector voraz. Luego, por imperativo familiar estudió Derecho. En los años 50 ejerció como crítico de cine en el periódico Heraldo de Aragón y en 1957 se trasladó a Madrid a fin de inscribirse en la Escuela Oficial de Cine, donde fue alumno aventajado. Para poder mantenerse, trabajó como funcionario del Instituto Nacional de la Vivienda y en la agencia de publicidad Clarín. En 1960 se graduó como director.
Su primer lagometraje dirigido fue Brandy (1964), spaghetti western con Alex Nicols, Maite Blasco y Jorge Rigaud, al que siguió Crimen de doble filo (1965), thriller con Susana Campos, Carlos Estrada y Antonio Casas. Ambos films tuvieron buena acogida crítica pero escaso eco comercial, por lo que Borau tardó casi una década en volver a rodar. En 1967 fundó su propia productora El Imán, de la que saldrían títulos como Un, dos, tres, al escondite inglés (1970) de Iván Zulueta o Mi querida señorita (1972) de Jaime de Armiñán, cuyo guión coescribió Borau junto a su director, y que fue candidata al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa. Volvió a ponerse tras la cámara con Hay que matar a B. (1974), thriller político de estilo preciso y minucioso que contó con un reparto internacional que incluía a  Darren McGavin, Stephane Audran, Patricia Neal y Burgess Meredith. 
En los estertores del régimen franquista rodó la que se considera su mejor película, Furtivos (1975), drama rural de gran crudeza con Lola Gaos, Ovidi Montllor y Alicia Sánchez. La censura exigió cuarenta cortes en su metraje, pero Borau se negó denodadamente y el film, tras alzarse con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, obtuvo un enorme éxito de crítica y de público. Luego de producir películas para otros -La adúltera (1975) de Roberto Bodegas, Camada negra (1976) de Manuel Gutiérrez Aragón, El monosabio (1977) de Ray Rivas, In memoriam (1977) de Enrique Brasó, Sonámbulos (1978) de Manuel Gutiérrez Aragón-, ya en tiempos democráticos Borau estrenó La Sabina (1979), drama con elementos fantásticos para el que reunió a un elenco internacional formado por Angela Molina, Jon Finch, Harriet Andersson, Simon Ward, Ovidi Montllor y Carol Kane, Río abajo (1984), drama rodado en los Estados Unidos que suponía un alegato contra las fronteras, con David Carradine, Scott Wilson y Victoria Abril, todo un fracaso financiero, y Tata mía (1986), drama con toques de comedia protagonizado por Imperio Argentina, Alfredo Landa y Carmen Maura.
Después de volver a su faceta de productor de films de otros cineastas -Malaventura (1988) de Manuel Gutiérrez Aragón, Todos a la cárcel (1993) de Luis García Berlanga, Ilona llega con la lluvia (1996) de Sergio Cabrera- dirigió otras dos películas propias: Niño nadie (1997), drama con Rafael Álvarez "El Brujo", Icíar Bollaín y Pedro Alonso, y Leo (2000), drama con Icíar Bollaín y Javier Batanero por el que ganó el premio Goya al mejor director. Su última película como productor fue El verano de Anna (2001) de la directora germano-argentina Jeanine Meerapfel.
En 1992 dirigió la miniserie televisiva familiar de seis episodios "Celia", basada en los libros de Elena Fortún. De 1994 a 1999 fue Presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, desde la que dirigió la elaboración y edición del Diccionario de Cine Español en 1998. En 1995 fundó su propia editorial, Ediciones El Imán, dedicada principalmente a la cinematografía. Cubriendo la vacante dejada por Fernando Fernán Gómez, en 2008 fue nombrado académico de la Real Academia Española.
Tras superar una operación de cáncer de esófago, José Luis Borau falleció dos años después de cáncer de laringe, cuando contaba 83.


miércoles, 22 de noviembre de 2017

Pedro Marín - Aire

TRIBUTO A PEDRO MARÍN (Barcelona, España, 22-11-1961)

El cantante español Pedro Marín cumple hoy 56 años. Lanzado cuando todavía era adolescente, pronto se convirtió en ídolo juvenil y Que no (1979) fue su primer éxito discográfico. A comienzos de la década de los 80 su popularidad creció con otras canciones tecno-pop como Aire (1980), Cantaré (1981), Laura (1981), Dos enamorados (1982), Cómprame (1982) y otras. En 1986 se retiró de la música, estudió Económicas y trabajó en el departamento internacional de un banco durante casi diez años. En 2006 retomó su carrera musical al margen de la industria con el álbum Diamonds, un homenaje a Amanda Lear, al que sucedió el doble álbum con canciones originales Pulpo negro (2007) y, desde entonces, ha publicado otros cinco.



En el programa de RTVE "Los mejores años de nuestra vida" (2009), un maduro pero energético Pedro Marín recreó Aire (Luis Gómez Escolar / Danilo Vaona), su canción más recordada y, en su día, de ventas millonarias en España y Latinoameérica.

martes, 21 de noviembre de 2017

Eleanor Powell - Oh, Lady be good!

LA MEJOR BAILARINA DE HOLLYWOOD

Recordamos el aniversario natal de la bailarina y actriz estadounidense Eleanor Powell, quien, a pesar de su relativamente corta carrera en la pantalla, llegó a ser la mayor estrella de la danza en la época dorada de Hollywood. Contratada por Metro-Goldwyn-Mayer, brilló en lujosos films musicales como Lady be good (1941), donde dirida por Norman Z. McLeod, interpretó brillantes números como éste -con fondo musical de la famosa canción de George y Ira Gershwin- en el que baila con un perro entrenado por ella misma.

lunes, 20 de noviembre de 2017

Norman Greenbaum - Spirit in the sky

TRIBUTE TO NORMAN GREENBAUM (Malden, Massachusetts, US, 20-11-1942)

El cantante y compositor estadounidense Norman Greenbaum cumple hoy 74 años. Considerado como one-hit wonder, se le recuerda fundamentalmente por su composición Spirit in the sky, que grabó en 1969 y se convirtió en un gran éxito internacional (Nº 3 en USA, nº 1 en UK, Irlanda, Alemania, Canadá y Australia, etc... ). Entre 1969 y 1970, su canción vendió dos millones de copias y recibió un disco de oro. Después de editar cuatro álbumes, el último en 1972, desapareció del panorama musical. Recientemente, tras recuperarse de un acidente de circulación en 2015, ha vuelto a actuar.



domingo, 19 de noviembre de 2017

Tommy Dorsey & His Orchestra - Song of India

TOMMY DORSEY (Shenandoah, Pennsylvania, US, 19-11-1905 /  Greenwich, Connecticut, US, 26-11-1956): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del legendario trombonista, compositor y director de orquesta estadounidense Tommy Dorsey, que alcanzó gran fama en la era de las big bands. Hermano menor del también director Jimmy Dorsey, compartió con él orquesta en dos etapas de su carrera y también dirigió en solitario la suya propia entre 1935 y 1953. Juntos o por separado (si bien Tommy era más temperamental y poseía mayor capacidad de liderazgo), los hermanos Dorsey fueron responsables de algunos de los temas musicales más memorables de la época del swing. Respaldados por muchos de los mejores músicos y cantantes de la época, escalaron de forma progresiva las listas de éxitos con algunos de los mejores ritmos, sin precedentes en su tiempo. Ellos siempre se esforzaron por ser los mejores en su campo y pocos directores de orquesta podrían igualar sus logros. A comienzos de los años 40, de la orquesta de Tommy Dorsey saltó a la fama Frank Sinatra.
Segundo de los cuatro hijos de un minero y cornetista que llegó a ser director de la banda local, al igual que su hermano mayor, el clarinetista Jimmy Dorsey, seguiría los pasos musicales de su padre. De niño aprendió a tocar tanto la trompeta como el trombón y desde los quince años formó parte de diversas agrupaciones musicales. A finales de los  años 20 se unió a su hermano para actuar como la Dorsey Brothers Orchestra, un referente musical obligado de la década siguiente, que llegó a contar en sus filas a instrumentistas como Glenn Miller. Aunque los dos hermanos compartían el liderazgo, Tommy afrontó la dirección y la mayor parte del trabajo musical. Jimmy se limitó a sentarse con la orquesta y tocar su instrumento. Por aquella época Tommy llegó a ser uno de los trombonistas de mayor prestigio y sus favores se los disputaban tanto las casas discográficas como las emisoras de radio. Entre sus grabaciones destacan The spell of the blues (1929), I'm getting sentimental over you (1932), I believe in miracles (1934) o Lullaby of Broadway (1935). En 1935 una fuerte discusión entre ambos hermanos puso fin a la agrupación y Tommy contrató a músicos de otra orquesta para formar la suya propia.
Exitosa desde el primer momento, la Tommy Dorsey Orchestra tuvo su primer hit con On treasure island (1935) y, gracias a sus giras y actuaciones en la radio,  pronto se convirtió en la mejor banda de los Estados Unidos, consideración de la que disfrutó en la mayor parte de la era del swing, insuperable sobre todo cuando se trataba de baladas como Marie (1937), To you (1939), You taught me to love again (1939) o In the middle of a dream (1939). Dorsey fichó en 1939 al grupo vocal The Pied Pipers, del que a la sazón formaba parte la luego famosa solista Jo Stafford, y, a finales de ese año, un joven Frank Sinatra, que aún no había cumplido los veinticuatro años, dejó su puesto de vocalista en la Orquesta de Harry James para sustituir al cantante Jack Leonard en la de Dorsey, con la que permanecería hasta 1942 (junto a ésta realizó ochenta grabaciones, entre ellas I'll never smile again, This love of mine o In the blue of the evening). En 1942 Dorsey contrató a la sección de cuerdas de la Orquesta de Artie Shaw, que se había disuelto, y su orquesta amplió su sonido aún más. Al año siguiente, la versión de la orquesta de Pine top's boogie woogie, un viejo tema ragtime de 1928, retitulado Boogie woogie (1943), se convirtió en el mayor hit de la carrera de Dorsey, con cuatro millones de discos vendidos.
La Tommy Dorsey Orchestra fue requerida por diversos estudios de Hollywood para actuar en películas como "Las Vegas nights" (1941), "Ship ahoy" (1942), "Presenting Lily Mars" (1943), "Girl crazy" (1943), "Du Barry was a Lady" (1943), "Broadway rhythm" (1944), "Thrill of a romance" (1945), "The great Morgan" (1946) o "A song is born" (1948). A finales de 1946 Dorsey disolvió su orquesta cuando la popularidad de las grandes bandas empezó a decaer. Tommy decidió dejar el negocio de la música pero no podría permanecer lejos por mucho tiempo y acabó rehaciendo su orquesta. Poco después, reconciliado con su hermano Jimmy, comenzó a filmar el rodaje de su película biográfica "Los fabulosos Dorseys" (1947), que dirigió Alfred E. Green. Nuevamente Tommy luchó para mantener a su formación. Por último, en 1953, Jimmy se reunió con él para formar una nueva banda, la Dorsey Brothers Orchestra. Con la ayuda de Jackie Gleason, difundieron uno de los programas de televisión más populares en la CBS en 1954, en un episodio de los cuales incluía la participación de un entonces tímido y casi desconocido Elvis Presley.
Tommy Dorsey se casó en tres ocasiones. Con Patricia Kraft se fugó en 1922 cuando ella tenía 16 años y él 17, tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1943. Su segunda esposa fue la actriz Pat Dane, matrimonio que duró desde 1943 hasta el divorcio en 1947. Finalmente, en 1948 desposó a la bailarina Jane New, con la que tuvo otros dos hijos. Dorsey y su tercera esposa estaban en proceso de divorcio en el momento de la muerte de él. Su final llegó de forma inesperada a los 51 años, falleciendo por asfixia mientras dormía (apnea del sueño). Jimmy nunca se recuperó de la muerte de su hermano y no le sobreviviría mucho tiempo. Murió siete meses más tarde, después de perder una batalla contra el cáncer. Warren Covington, trombonista, se hizo cargo de la orquesta y, explotando comercialmente el enorme prestigio del fallecido, realizó durante varios años una gira por todos los estados de la unión.



Song of India, canción popular adaptada de un aria de la ópera rusa "Sadko" de Rimsky-Korsakov, se convirtió en un gran éxito en 1937 y en standard de jazz después, a raiz de su grabación por la Orquesta de Tommy Dorsey, que la interpretó posteriormente en la película "Las Vegas nights" (1941) que dirigió Ralph Murphy y que puede apreciarse en esta secuencia de la misma.
 

sábado, 18 de noviembre de 2017

Concierto Voces para la Paz 2010 (castañuelas: Lucero Tena) - Fandango de "Doña Francisquita" (Amadeo Vives)

AMADEO VIVES (Collbató, Barcelona, España, 18-11-1871 / Madrid, España, 2-12-1932): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor español Amadeo Vives, autor de numerosas zarzuelas y también algunas óperas, operetas y canciones populares. Simpático, entusiasta, optimista, brillante y de indudable talento, suyas son algunas de las consideradas obras cumbre del género chico, como Maruxa, Bohemios y Doña Francisquita. También escribió ensayos sobre estética musical, un libro autobiográfico y una comedia teatral.
Nacido en el seno de una modesta familia de panaderos, Amadeo Vives Roig aprendió las primeras nociones de música de su hermano mayor. En 1882 comenzó a cantar en la escolanía de la parroquia barcelonesa de Santa Ana, donde recibió además lecciones de piano, armonía, composición y contrapunto. Más tarde fue discípulo de Felipe Pedrell y en 1886 decidió trasladarse a Málaga, donde dirigió la banda del asilo de San Juan de Dios. Un año más tarde regresó a Barcelona y allí ocupó el puesto de maestro de capilla en la parroquia de Jesús de Gracia. Posteriormente, cuando contaba dieciocho años, pasó a ocuparse de la capilla musical del convento de Nuestra Señora de Loreto.
En 1891 fundó el Orfeón Catalán junto a Lluís Millet, y durante algún tiempo fue director de la citada agrupación, además de componer canciones como L'emigrant o La balenguera y realizar arreglos de melodías populares catalanas para ellos. En 1897 estrenó en el Teatro Novedades de Barcelona su ópera Arthús y obtuvo tal éxito de público y crítica que llevó a su autor a trasladarse a Madrid como compositor de óperas y zarzuelas. Una vez en la capital de España, estrenó zarzuelas como La primera del barrio (1898), Don Lucas del Cigarral (1899) o La balada de la luz (1900).
Pero Vives compuso sus obras más célebres una vez entrado el siglo XX. En 1903 se estrenó Bohemios, zarzuela en un acto ambientada en el París del siglo XIX. Dado el éxito que obtuvo, la obra se llegó a interpretar simultáneamente en diversos teatros españoles e incluso, con la autorización de Vives, fue transformada en ópera por Conrado del Campo. La versión operística de Bohemios se representó por primera vez en el Teatro Real de Madrid en 1920, pero no fue tan exitosa como la zarzuela original. Maruxa fue una de las obras que más fama le dieron. Se trata de una égloga lírica en dos actos cuya historia transcurre en el marco rural gallego. El libreto es de Luis Pascual y fue estrenada en Madrid en 1914, nueve años antes que Doña Francisquita (1923), la zarzuela que sin lugar a dudas le hizo más célebre. El libreto de ésta última, comedia lírica en tres actos inspirada en "La discreta enamorada" de Lope de Vega, es obra de Federico Romero y de Guillermo Fernández-Shaw. Otras zarzuelas suyas menos conocidas son El húsar de la guardia (1904), El talismán prodigioso (1908), Juegos malabares (1910), Balada de Carnaval (1919) o La villana (1927). También compuso operetas como La Generala (1912) y fuera del género chico destacan sus Canciones epigramáticas (1915-1916).
La aportación de Vives a la zarzuela y ópera españolas fue notoria. Su obra es fresca y popular, sin caer en la vulgaridad. Nunca se dejó contaminar por el italianismo, en el que muchos otros compositores de la época habían caído, ni tampoco por el folclorismo excesivo. Pero Vives cultivó también otros géneros como el lied, la sardana y las canciones corales. A lo largo de su vida ocupó diversos puestos de responsabilidad, como la vicepresidencia de la Junta Nacional de la Música y los Teatros Líricos o la presidencia de la Sociedad de Autores Españoles.
Amadeo Vives falleció en Madrid a los 61 años de edad y se le despidió con multitudinarias manifestaciones de duelo.



El Fandango del baile de cuchilleros de la zarzuela Doña Francisquita, enclavado en el Cuadro II del Acto III, es una de las piezas instrumentales más conocidas de Amadeo Vives. El video muestra su ejecución en el Auditorio Nacional de Música de Madrid en el Concierto Voces para la Paz 2010. Dirige la orquesta Miguel Roa, con acompañamiento de castañuelas a cargo de Lucero Tena.

viernes, 17 de noviembre de 2017

Tribute to Danny DeVito (Neptune Township, New Jersey, US, 17-11-1944)

HUMOR CÁUSTICO

El actor, director y productor estadounidense Danny DeVito cumple hoy 73 años. De muy corta estatura y físico peculiar, accedió a la pantalla procedente del teatro. Comenzó como secundario y a mediados de los años 80 se convirtió en popular y cotizada estrella, estatus que matuvo hasta los primeros años del siglo XXI, trabajando con directores como Robert Zemeckis, Barry Levinson, Tim Burton, Francis Ford Coppola, Milos Forman, David Mamet o Woody Allen. Aunque ha actuado en dramas y comedias, su especialidad es la sátira ácida y el humor negro, elementos que también forman parte de su filmografía como realizador. Ganó un Globo de Oro y un Emmy en televisión como actor de reparto. Erin Brokovich, una de las películas en cuya producción participó, fue candidata al Oscar en cinco categorias.
Daniel Michael DeVito, Jr. nació en el seno de una familia de procedencia italiana, siendo él el tercer hijo, después de dos hermanas mayores. Su padre poseía un pequeño comercio y Danny, tras graduarse en 1962, estudió peluquería, siendo su primer empleo profesional en el salón de belleza de una hermana mayor. Más tarde estudió arte dramático en Nueva York, graduándose en 1966, y a continuación dio inició a su trayectoria interpretativa, primero como actor teatral junto a su futura esposa Rhea Perlman, y después apareciendo en títulos cinematograficos como Sueños de cristal (1970) de Robert Clouse, drama con John Denos y Caroline Barrett, Mortadela (1971) de Mario Monicelli, comedia con Sophia Loren y William Devane, Pata de palo (1973), film de aventuras dirigido y protagonizado por Kirk Douglas, Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) de Milos Forman, drama carcelario premiado con cinco Oscars, con Jack Nicholson y Louise Fletcher, donde DeVito repitió el papel que había interpretado cuatro años antes en la obra off-Broadway del mismo título basada en la novela de Ken Kesey, El mejor amante del mundo (1977) de Gene Wilder, comedia ambientada en los años 20 con su director como protagonista, o Camino del sur (1978), western dirigido y protagonizado por Jack Nicholson.
En 1978 saltó a la popularidad en los Estados Unidos al intervenir en la teleserie "Taxi", emitida con éxito hasta 1983 y Danny obtuvo por ella un Globo de Oro como mejor actor secundario y más tarde también consiguió el premio Emmy por su trabajo en la misma. En la gran pantalla pudo ser visto en La gran subasta (1979) de Brice Mack, comedia con Ruth Cox, Jonathan Gries y Debi Richter, Voy a volverme mico (1981) de Jeremy Joe Kronsberg, comedia con Tony Danza, o La fuerza del cariño (1983) de James L. Brooks, melodrama ganador de cinco Oscars, con Debra Winger, Shirley MacLaine y Jack Nicholson. Su presencia en Tras el corazón verde (1984) de Robert Zemeckis, comedia de aventuras con Michael Douglas y Kathleen Turner, le hizo ampliamente conocido a escala internacional y encauzó su carrera en Hollywood. Entre las películas suyas que posteriormente se estrenaron figuran Johnny peligroso (1984) de Amy Heckerling, comedia con Michael Keaton, La joya del Nilo (1985) de Lewis Teague, secuela de Tras el corazón verde con sus mismos protagonistas, Dos tipos geniales (1986) de Brian De Palma, comedia con Joe Piscopo, ¡Por favor, maten a mi mujer! (1986) de Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, comedia negra con  Bette Midler, o Dos estafadores y una mujer (1987) de Barry Levinson, comedia con Richard Dreyfuss y Barbara Hershey.
Debutó como director con Tira a mamá del tren (1987), comedia negra donde actuó junto a Billy Crystal y Anne Ramsey, consiguió su mayor éxito comercial con Los gemelos golpean dos veces (1989) de Ivan Reitman, comedia con Arnold Schwarzenegger, obtuvo otro notable éxito con La guerra de los Rose (1989), comedia negra que dirigió y protagonizó junto a  Michael Douglas y Kathleen Turner, a la que siguieron Con el dinero de los demás (1991) de Norman Jewison, comedia con Gregory Peck, Batman vuelve (1992) de Tim Burton, thriller de acción con Michael Keaton y Michelle Pfeiffer, Hoffa, un pulso al poder (1992), su tercer trabajo como director y el primero como productor, un drama biográfico que también coprotagonizó junto a Jack Nicholson, que no funcionó en taquilla, Jack el oso (1993) de Marshall Herskovitz, drama con Robert J. Steinmiller Jr., Miko Hughes y Gary Sinise, Un poeta entre reclutas (1994) de Penny Marshall, comedia militar con Gregory Hines, James Remar y Cliff Robertson, Junior (1994) de Ivan Reitman, comedia con Arnold Schwarzenegger y Emma Thompson, Cómo conquistar Hollywood (1995) de Barry Sonnenfeld, comedia negra en cuya producción intervino, con John Travolta, Gene Hackman y René Russo, Matilda (1996), comedia familiar que dirigió, produjo y protagonizó, con su esposa Rhea Perlman y la niña Mara Wilson, Mars attacks! (1996) de Tim Burton, comedia negra de ciencia-ficción con Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening y Pierce Brosnan, Legítima defensa (1997) de Francis Ford Coppola, drama judicial con Matt Damon, Claire Danes, Jon Voight, Mary Kay Place y Mickey Rourke, L.A. Confidential (1997) de Curtis Hansonneo-noir que adaptaba una novela de James Ellroy, con Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pearce y Kim Basinger, De ahora en adelante (1998) de Richard LaGravenese, comedia dramática en cuya producción también participó, con Holly Hunter y Queen Latifah, Las vírgenes suicidas (1999) de Sofia Coppola, drama con James Woods, Kathleen Turner, Kirsten Dunst y Josh Hartnett, El pez gordo (1999) de John Swanbeck, comedia dramática con Kevin Spacey, o Man on the moon (1999) de Milos Forman, comedia biográfica que también coprodujo sobre el humorista americano Andy Kaufman, encarnado por Jim Carrey.
En la década siguiente su presencia continuó siendo habitual en títulos de menor repercusión (salvo alguna excepción) como Todos la querían muerta (2000) de Nick Gómez, comedia negra con  Bette Midler, Neve Campbell y Jamie Lee Curtis, Reventado (2000) de Scott Alexander y Larry Karaszewski, comedia con Norm MacDonald y Dave Chappelle, ¿Qué más puede pasar? (2001) de Sam Weisman, comedia con  Martin Lawrence, El último golpe (2001) de David Mamet, thriller con Gene Hackman y Delroy Lindo, Smoochy (2002), su quinto film como director, una comedia negra que también protagonizó junto a Robin Williams y Edward Norton, Todo lo demás (2003) de Woody Allen, comedia con Allen, Jason Biggs, Stockard Channing, Jimmy Fallon y Christina Ricci, Big fish (2003) de Tim Burton, comedia dramática de fantasía con Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange y Helena Bonham Carter, Christmas in love (2004) de Neri Parenti, comedia italiana con Christian De Sica, Be cool (2005) de F. Gary Gray, comedia criminal con John Travolta y Uma Thurman, Un toque de seducción (2005) de Randall Miller, comedia romántica con Robert Carlyle y Marisa Tomei, La apuesta perfecta (2006) de Mark Rydell, drama criminal con Kim Basinger, Kelsey Grammer Carla Gugino, Ray Liotta, Tim Roth y Forest Whitaker, Una familia casi perfecta (2006) de Greg Glienna, comedia con Kathy Bates, Ron Livingston y Neve Campbell, Un vecino con pocas luces (2006) de John Whitesell, comedia navideña con Matthew Broderick, La chica de mis sueños (2007) de Jake Paltrow, comedia romántica con Gwyneth Paltrow, Martin Freeman y Penélope Cruz, ¡Maderos 091! (2007), comedia paródica dirigida y protagonizada por Robert Ben Garant que DeVito coprodujo, reservándose un cameo, o Un hombre solitario (2009) de Brian Koppelman y David Levien, comedia con Michael Douglas.
En el resto de su filmografía apenas se pueden destacar: En la boda de mi hermana (2010) de Mark Steven Johnson, comedia romántica con Kristen Bell y Josh Duhamel, Hotel Noir (2012) de Sebastian Gutiérrez, un neo-noir indie con Carla Gugino y Rufus Sewell, o Wiener-dog (2016) de Todd Solondz, comedia excéntrica con Ellen Burstyn. En diversas películas ha puesto su voz a personajes de animación o ejercido como narrador. También se acreditó como coproductor de otros films donde no actuó, como Pulp fiction (1994) de Quentin Tarantino, Gattaca (1997) de Andrew Niccol, Un romance muy peligroso (1998) y Erin Brockovich (2000), ambas de Steven Soderbergh, Y entonces llegó ella (2004) de John Hamburg, Diarios de la calle (2007) de Richard LaGravenese, o Caminando entre las tumbas (2014) de Scott Frank. En los últimos años ha vuelto a trabajar como actor teatral.
Después de más de una década de convivencia, Danny DeVito y Rhea Perlman se casaron en 1982, tuvieron tres hijos y, tras 30 años de matrimonio, se separaron en 2012. Meses después se reconciliaron, para volver a separarse en 2017, aunque no están en trámites de divorcio.