Glenn Ford (Quebec, Canada, 1-5-1916, Beverly Hills, California, US, 30-8-2006): In memoriam

SOBRIEDAD EFICAZ

Hoy hace ocho años que falleció Glenn Ford, actor nacido en Canadá y nacionalizado estadounidense en 1939. Tuvo una larga carrera de más de cincuenta años en la pantalla con una filmografía que supera las 75 películas en la gran pantalla, algunas de ellas clásicos de la era dorada de Hollywood. Actor sobrio y solvente, a pesar de su versatilidad, fue más conocido por interpretar a hombres corrientes en circunstancias inusuales. Se convirtió en estrella en 1946 con Gilda, legendario título que coprotagonizó junto a Rita Hayworth y su película más recordada. Ganó un Globo de Oro en 1962 por Un gangster para un milagro. En 1987 el Festival de San Sebastián le concedió el premio Donostia y en 1992 recibió la Legión de Honor francesa.

Reseña biográfica (retocada) procedente de la página El Criticón:

Una de las estrellas más importantes de la pantalla grande en las décadas de los 40, 50 y 60, nació en Canadá como Gyryllyn Samuel Newton Ford. Era hijo de un hombre de negocios de una empresa ferroviaria, que tuvo que emigrar por razones laborales a los Estados Unidos cuando Glenn Ford contaba con ocho años de edad. La familia Ford se estableció en Santa Mónica. En esta ciudad californiana el pequeño Glenn mostró desde muy temprana edad sus aptitudes escénicas, pues en el colegio y posteriormente en el instituto solía participar en las producciones teatrales que organizaban los respectivos centros académicos. Después de su adolescencia entró a formar parte de la compañía itinerante West Coast. En una de sus actuaciones fue descubierto por Tom Moore, quien le propuso efectuar una prueba para incorporarse a la Columbia. Ford fichó por el afamado estudio, aunque su primer papel fue representado para los estudios 20th Century Fox en la película Heaven with a barbed wire fence (1939), dirigida por Ricardo Cortez.

Ya instalado en Columbia, Glenn alcanzó el estrellato en las dos siguientes décadas a pesar de permanecer suspendida su carrera debido a su participación como marine en la Segunda Guerra Mundial. Así acaba nuestra noche (1941) de John Cromwell, Texas (1941) de George Marshall o El barco de la muerte (1942) de Sidney Salkow o Los desesperados (1943) hicieron conocido el rostro de Glenn, aunque su máxima popularidad la alcanzó tras su regreso de la contienda bélica cuando protagonizó al lado de Rita Hayworth la mítica película Gilda (1946) realizada por Charles Vidor.

Con Rita había aparecido previamente en la comedia dramática La dama en cuestión (1940), un film también dirigido por Charles Vidor, y repitió en tres ocasiones más: Los amores de Carmen (1948) de nuevo con dirección de Vidor, La dama de Trinidad (1952) de Vincent Sherman y La trampa del dinero (1966) de Burt Kennedy. 

En la parte final de los años 40 intervino en títulos como Una vida robada (1946) de Curtis Bernhardt, al lado de Bette Davis o El hombre de Colorado (1948) de Henry Levin. La mejor etapa profesional de Glenn Ford fueron los años 50, década en la que intervino en títulos como Drama en presidio (1950) de Henry Levin, El desertor del Alamo (1953) de Budd Boetticher, Los sobornados (1953) de Fritz Lang, Deseos humanos (1954) de Fritz Lang, Semilla de maldad (1955), drama social de Richard Brooks en el que interpretó a un profesor de instituto junto a Anne Francis, Melodía interrumpida (1955) de Curtis Bernhardt, La furia de los justos (1955) de Mark Robson, Llega un pistolero (1956) de Russell Rouse, Jubal (1956) de Delmer Daves, La casa de té de la luna de agosto (1956) de Daniel Mann, El tren de las 3:10 (1957) de nuevo con Daves, al igual que Cowboy (1958) o Furia en el valle (1958), Empezó con un beso (1959) y Un muerto recalcitrante (1959), las tres de George Marshall. Estas son películas en las que admirar la versatilidad interpretativa de este gran actor, que tanto exhibía su talento en comedias como en westerns, thrillers o dramas. Por esa época Ford se encontraba casado con la actriz, cantante y bailarina Eleanor Powell, con quien había contraído matrimonio en el año 1943 y de quien se divorció en 1959. De esta pareja nació Peter, su ünico hijo.

Durante la primera mitad de los años 60 Ford retuvo su estatus estelar participando en películas como Cimarron (1960) de Anthony Mann, Un gangster para un milagro (1961) de Frank Capra, Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1963) de Vincente Minnelli, Chantaje contra una mujer (1962) de Blake Edwards, El noviazgo del padre de Eddie (1963) de Vincente Minnelli, La furia de los cobardes (1964) de George Marshall, Querido corazón (1964) de Delbert Mann o Los desbravadores (1965) de Burt Kennedy, western humorístico con Henry Fonda. Después, su carrera en la gran pantalla entró en declive y en  los años 70 se volcó en apariciones televisivas (la serie de Sam Cade revitalizó su popularidad en 1971) y muy pocas veces retornó a la gran pantalla, siendo su aparición más popular en la adaptación cinematográfica que Richard Donner realizó del cómic homónimo Supermán (1978).

Glenn Ford estuvo casado otras tres veces con: Kathryn Hays (1966-1969), Cynthia Hayward (1977-1984) y Jeanne Baus (1993-1994). Dícese que Rita Hayworth fue su gran amor imposible. Cuando en 1987 acaeció la muerte de la actriz, Ford cayó en un estado depresivo que le afectaría el resto de su vida. Padeció del corazón en sus últimos tiempos y murió en su casa a los 90 años.

  

Dinah Washington - With a song in my heart (1961)

DINAH WASHINGTON (Tuscaloosa, Alabama, US, 29-8-1924 / Detroit, Michigan, US, 14-12-1963): IN MEMORIAM

Tal dia como hoy hace 90 años nació Ruth Lee Jones, artísticamente, Dinah Washington, cantante estadounidense de jazz, blues, torch songs o baladas pop, que abandonó este mundo a la temprana edad de 39 años, dejando tras de sí una conflictiva vida sentimental, con siete matrimonios de por medio. Dinah poseía una voz potente con un cierto tono metálico; de absoluta claridad en la dicción, su entonación era la propia de una cantante de blues. En sus letras y conciertos expresó las aspiraciones y decepciones de la comunidad negra, siempre con un cierto humor sardónico. Muy popular en los años 50, ha ejercido considerable influencia en cantantes posteriores como Aretha Franklin o Amy Winehouse.

Reseña biográfica tomada de la página Apoloybaco:

Dinah Washington, se acercó a la música profana después de haber sido pianista y corista en una iglesia baptista del South Side de Chicago, donde residía con su familia. Aún adolescente, ganó un concurso para aficionados en el "Chicago Regal Theatre", iniciando entonces un recorrido por los garitos de blues de la ciudad y diferentes locales de música negra. En 1940 actuó con Sallie Martin, una de las figuras mas representativas del sonido gospel afroamericano, y fundadora del primer grupo femenino de gospel.

En 1943, tuvo la fortuna de que la escuchara cantando en el "Garrick's bar", un club de Chicago, el director de bigband, Joe Glaser quien tras escucharla se la presentó al tambien líder de orquesta, Lionel Hampton, que no dudo en contratarla nada mas oírla. Con Hampton, Dinah Washington, estuvo hasta 1946 y fue en el seno de la formación del vibrafonista, cuando decidió cambiar de nombre artístico. Tras un fructífero periodo de madurez con la bigband de Lionel Hampton, la casa discográfica Apollo le ofreció la posibilidad de actuar y grabar en solitario. Con un repertorio cercano al rhythm and blues, y con temas escasamente originales, Dinah Washington no tardó en salir de Apollo, donde a pesar de todo, cantó unos cuantos blues memorables recogidos en el disco: "Mellow Mama" (Delmark, 1992). Aprovechó la ocasión para salir de Apollo, cuando el sello Mercury le ofreció un sustancioso contrato y la posibilidad de grabar los temas que ella quisiera. En 1959 llegó su mayor éxito popular con el celebérrimo: "What a difference a day makes", versionada posteriormente por Sarah Vaughan y Esther Philips.

A partir de los años cincuenta se ganó a pulso el apodo de "Reina del Blues", que le pusieron sus admiradores, y sus discos se colocaban uno tras otro en las lista de los más vendidos de Norteamérica. Entre 1950 y 1960, grabó para Mercury y para su filial, Emarcy lo más granado de su discografía con alguna que otra obra maestra indiscutible como el disco grabado en 1954 titulado: "Dinah Jams!" o el homenaje, sincero, emotivo y lleno de swing al maestro Fats Waller en 1957. Su personalidad, su fuerza en los escenarios y su canto, a mitad de camino entre la fuerza de Bessie Smith y  el fraseo de Billie Holiday, enganchó de tal manera  a los aficionados a su música que las ventas de sus discos no tenían frontera de estilo. Era tan conocida fuera de los ambientes jazzísticos o bluseros como fuera de ellos, y tuvo la capacidad para vender sus discos fuera de los confines raciales del mercado.

En sus últimos años, Dinah Washington, fichó por el sello Roulette, donde prolongó acertadamente su trayectoria jazzística sin apenas cambio de conceptos: orquestaciones sinuosas, repertorio variado, baladas tristes y alguna que otra concesión a las modas comerciales. Un exceso de somníferos ingeridos en estado de embriaguez acabó con su vida en Detroit, donde residía, poco antes de la Navidad de 1963.

With a song in my heart es una canción de Rodgers/Hart escrita para su musical de 1929 Spring is here. Con el devenir de los años se convirtió en un popular standard que interpretaron, entre otros muchos, Perry Como, Doris Day, Ella Fitzgerald o The Supremes (cuando Diana Ross era su líder vocal). La estupenda versión que Dinah Washington grabó de este clásico apareció en su álbum de 1961 September in the rain.

With a song in my heart (lyrics)

With a song in my heart, I behold your adorable face

Just a song at the start but it soon is a hymn to your grace
When the music swells, I'm touching your hand
It tells that you're standing near

Oh, at the sound of your voice, heaven opens its portals to me
Can I help but rejoice that a song such as ours came to be
What I always knew, I would live life through
With a song in my heart for you
.............................................................................................
.............................................................................................
.............................................................................................
.............................................................................................
Well, at the sound of your voice, heaven opens its portals to me
Can I help but rejoice that a song such as ours came to be
What I always knew, I would live life through
With a song in my heart for you

Lee Marvin (New York, US, 19-2-1924 / Tucson, Arizona, US, 29-8-1987): In memoriam

WAND'RIN' STAR

Hace 27 años, tal día como hoy falleció repentinamente el actor estadounidense de cine y televisión Lee Marvin. Se le recuerda por el tono grave de su voz, su pelo cano y su alta estatura. Tras mucho tiempo desempeñando roles secundarios, especializado en enérgicos papeles de duro o villano, destacó como protagonista a mediados de los años 60 y ganó un inesperado Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA por el western cómico La ingenua explosiva (Cat Ballou, 1965).

Perfil biográfico tomado (con algunas modificaciones) de la página El Criticón:

Mítico duro del cine estadounidense, Lee Marvin nació en la ciudad de Nueva York el 19 de Febrero de 1924. Sus padres eran Lamont Marvin, agente de publicidad, y Courtenay Marvin, periodista de modas. A pesar de la buena posición económica de su familia, Lee se reveló como un muchacho problemático e indisciplinado que fue expulsado de todos los colegios a los que acudió. Cuando sus padres ya no veían remedio a su comportamiento rebelde le alistaron en los marines americanos, sección del ejército con la que luchó en la Segunda Guerra Mundial, resultando herido en la batalla de Saipan y declarado no apto para el servicio.

Cuando estaba trabajando como fontanero en un teatro fue requerido para suplir a un actor enfermo para un simple ensayo. Después de la sustitución, Marvin se quedó prendado de la profesión. Comenzó a estudiar con ahínco interpretación y a actuar en pequeñas representaciones teatrales. A principios de los años 50 debutó en Broadway y consiguió aparecer en la pequeña pantalla.

Su primer papel en Hollywood fue en You're in the navy now (1951), película dirigida por Henry Hathaway y protagonizada por Gary Cooper y Jane Greer. Su fuerte aspecto físico le caracterizó en papeles de rudos y crueles personajes. Las películas más importantes de los 50 en las que apareció fueron Eight iron men (1952) de Edward Dmytryk, Los sobornados (1953) de Fritz Lang, Fiebre de venganza (1953) de Raoul Walsh, Salvaje (1953) de Laslo Benedek, El motín del Caine (1954) de Dmytryk, Conspiración de silencio (1955) de John Sturges, No serás un extraño (1955) de Stanley Kramer, Sábado trágico (1955) de Richard Fleischer, Pete Kelly's blues (1955) de Jack Webb,  Tras la pista de los asesinos (1956) de Budd Boetticher, Ataque (1956) de Robert Aldrich, y El árbol de la vida (1957) de Dmytryk.

En los años 60, sin perder esa aureola de hombre duro, Lee Marvin comenzó a efectuar una traslación hacia papeles con mayor protagonismo derivado del éxito de su serie detectivesca de televisión "Mr. Squad" que estuvo interpretando desde 1957 hasta 1959.  En esa década destacó progresivamente en títulos como Los comancheros (1961) de Michael Curtiz, El hombre que mató a Liberty Valance (1962) y La taberna del irlandés (1963) de John Ford, Código del hampa (1964) de Don Siegel, La ingenua explosiva (1965) de Elliot Silverstein, El barco de los locos (1965) de Stanley Kramer, Los profesionales (1966) de Richard Brooks, Doce del patíbulo (1967) de Aldrich, A quemarropa (1967) e Infierno en el pacífico (1968) de John Boorman y La leyenda de la ciudad sin nombre (1969) de Joshua Logan. Por su actuación al lado de Jane Fonda en La ingenua explosiva logró el Oscar al mejor intérprete masculino principal. La canción "Wand'rin' star", que interpretó en el western musical La leyenda de la ciudad sin nombre, con temas de Lerner/Loewe, se convirtió en su voz en un hit internacional en 1970.

En los años 70  y 80 intervino en films como Monte Walsh (1970) de William A. Fraker, Los indeseables (1972) de Stuart Rosenberg, Carne viva (1972) de Michael Ritchie, El emperador del norte (1973) de Aldrich, The iceman cometh (1973) de John Frankenheimer, Tres forajidos y un pistolero (1974) de Richard Fleischer, El tren de los espías (1978) de Mark Robson, Uno rojo: división de choque (1980) de Samuel Fuller o Gorky Park (1983) de Michael Apted. Realizó su último trabajo en Delta force (1986) de Menahem Golan.

Marvin se casó en dos ocasiones. La primera en 1951 con Betty Ebeling, de quien se divorció a principios de 1967. La segunda con Pamela Feeley, desde 1970 hasta el día de la muerte del actor. Tuvo cuatro hijos con Betty llamados Christopher, Courtenay, Cynthia y Claudia.

Lee Marvin falleció de un ataque al corazón el 29 de agosto de 1987 en Tucson, Arizona. Tenía 63 años.

Ingrid Bergman (Estocolmo, Suecia, 29-8-1915 / London, UK, 29-8-1982): In memoriam

BELLEZA, INTELIGENCIA Y VITALIDAD NÓRDICA

Ingrid Bergman, nacida en Suecia y la primera actriz en obtener tres Oscars (de entre siete candidaturas), además de cuatro Globos de Oro, dos premios Emmy y un Tony teatral, es uno de los grandes mitos del séptimo arte. Desarrolló su carrera en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés). Protagonizó películas memorables en Hollywood y en Europa. Hoy se conmemora su nacimiento y muerte. Falleció el mismo día que cumplió los 67 años.

Perfil biográfico procedente de la página El Criticón:

Ingrid era hija del artista y fotógrafo sueco Justus Samuel Bergman y de Friedel Adler, mujer de nacionalidad alemana que falleció en 1918. Cuando Ingrid tenía doce años quedó huérfana al fallecer también su padre, residiendo desde ese momento junto a sus tíos. Desde pequeña e impregnada por el ambiente artístico de su progenitor, la rubia muchacha siempre soñó con convertirse en actriz. Poco después de terminar el bachillerato se matriculó en el Royal Dramatic Theater de Estocolmo para estudiar interpretación. A los diecisiete años de edad apareció en un breve papel sin acreditar en la película "Lanskamp" (1932). Después de actuar en representaciones teatrales, Ingrid retomó su carrera cinematográfica de forma más regular cuando regresó al cine con Munkbrogreven (1935). Un año más tarde protagonizó Intermezzo (1936), un film dirigido por Gustaf Molander que obtuvo un gran éxito en Suecia. Uno de los espectadores del film sería el productor David O. Selznick, quien se prendó de la belleza y talento de la muchacha sueca. Selznick quiso a toda costa llevarse a Ingrid a Hollywood para que protagonizase un remake en inglés de su exitoso film. En 1937 la actriz se casa con el dentista Petter Lindström, relación de la que nace su hija Pia Lindström al año siguiente. En 1939, y después de contabilizar una decena de películas en Suecia y una en Alemania, se traslada a los Estados Unidos. Finalmente debuta en Hollywood con Intermezzo (1939), nueva versión coprotagonizada por Leslie Howard y dirigida por Gregory Ratoff, que obtuvo un enorme éxito. La audiencia americana y mundial había encontrado una nueva estrella.

Ingrid se estableció en Hollywood con su familia y en  los primeros años de la década de los 40 protagonizó películas como Los cuatro hijos de Adán (1941), otro film dirigido por Ratoff, Alma en la sombra (1941) de W.S. Van Dyke, un título coprotagonizado por Robert Montgomery o El extraño caso del Dr. Jeckyll (1941) de Victor Fleming, junto a Spencer Tracy y Lana Turner. Estas cintas tuvieron una discreta acogida.

En el año 1942 protagonizó para la Warner junto a Humphrey Bogart un film dirigido por Michael Curtiz, Casablanca, destinado a convertirse en uno de los títulos más míticos de la historia del cine. Este trabajo supuso su asentamiento definitivo como estrella cinematográfica mundial, confirmado al año siguiente con Por quién doblan las campanas (1943), adaptación de Ernest Hemingway dirigida por Sam Wood que contaba con el protagonismo masculino de Gary Cooper. Por esta actuación Ingrid logró su primera nominación al Oscar. La estatuilla a la mejor actriz la obtuvo en su segunda candidatura, por la película Luz que agoniza (1944) de George Cukor, coprotagonizada por Charles Boyer y Joseph Cotten.

Los años 40 continuaron de forma exitosa para la intérprete sueca gracias al protagonismo en títulos como La exótica (1945) de Sam Wood, Las campanas de Santa María (1945) de Leo McCarey, Arco de triunfo (1948) de Lewis Milestone, Juana de Arco (1948) de Victor Fleming, además de Recuerda (1945), Encadenados (1946) y Atormentada (1949), tres películas dirigidas por Alfred Hitchcock. Por Las campanas de Santa María y Juana de Arco, Bergman volvió a ser candidata a los Oscar. En el rodaje de Encadenados entabló amistad con Cary Grant, en adelante uno de sus mejores amigos.

Cuando su carrera se encontraba en uno de sus momentos más álgidos, un gran escándalo amoroso casi la destroza. En la época del neorrealismo italiano brillaba con luz propia un director llamado Roberto Rossellini, cuyas películas "Roma, ciudad abierta" (1945) y "Paisà" (1946) habían levantado una gran admiración hacia su persona. Entre sus admiradores se encontraba Ingrid, quien fascinada por el cine del transalpino pidió expresamente trabajar con él. En el rodaje de Stromboli (1950), Rossellini y Bergman se enamoraron profundamente, abandonando ella a su esposo Peter Lindström y a su hija y marchándose a Italia para trabajar y casarse con Rossellini. Ingrid, que ya estaba embarazada de su hijo Robertino, contrajo matrimonio con el director italiano en México en el mes de mayo del año 1950. Este enlace fue recibido con desagrado por la opinión pública estadounidense, lo que provocó que la actriz no trabajase en Hollywood hasta 1958. Mientras tanto rodaba en Italia con Rossellini títulos como Europa 51 (1952), Nosotras, las mujeres (1953), Te querré siempre (1954), Ya no creo en el amor (1954) o Juana de Arco en la hoguera (1954). La relación con Rossellini dió como fruto otros dos hijos, las gemelas Isotta e Isabella Rossellini, nacidas en 1952.

Después de varios años apartada de los Estados Unidos, Ingrid trabajó de nuevo para una producción de Hollywood (aunque la película fue rodada en tierras británicas) al protagonizar Anastasia (1956), un título dirigido por Anatole Litvak que estaba coprotagonizado por Yul Brynner. En Francia rodó a continuación Elena y los hombres (1956), dirigida por Jean Renoir. Por su interpretación en Anastasia recibió su segundo Oscar a la mejor actriz principal. Ingrid no asistió a la ceremonia, siendo Cary Grant el encargado de recoger en su nombre la estatuilla. Mientras, la relación con Rossellini había tocado a su fin. En 1957 la historia de amor entre Rossellini y Bergman terminó en divorcio. Al año siguiente Ingrid se casó con el empresario sueco Lars Schmidt. Los años 50 terminaron con las películas Indiscreta (1958) de Stanley Donen, rodada en Londres, que le reunió con su amigo Cary Grant, y El albergue de la sexta felicidad (1958), un film dirigido por Mark Robson.

A partir de la década de los 60 Ingrid comenzó a alejarse de la gran pantalla, repartiendo su carrera entre el cine, el teatro y la televisión. Sus películas más importantes en esta década son No me digas adiós (1961) de Anatole Litvak, La visita del rencor (1964) de Bernhard Wicki, El Rolls-Royce amarillo (1964) de Anthony Asquith y Flor de cactus (1969), comedia dirigida por Gene Saks. En los primeros años 70 aparece en Secretos de una esposa (1970) de Guy Green y Asesinato en el Orient Express (1974) de Sidney Lumet, por la que Ingrid logró su tercer premio Oscar, esta vez en la categoría de mejor actriz secundaria. Un año después se divorció de Schmidt. Tras intervenir en Nina (1976) de Vincente Minnelli, en su última aparición cinematográfica coincidió por primera y única vez con su compatriota, el director Ingmar Bergman. La película era Sonata de otoño (1978), en la que interpretaba a la madre de Liv Ullman, y por la que recibió su última nominación a los premios de la Academia de Hollywood.

En 1980 publicó su autobiografía y con posterioridad, en 1982, Ingrid filmó una producción para televisión que relataba la vida de la primera ministra israelí Golda Meir, por la que la actriz sueca recibió el premio Emmy postumamente. Poco después de la finalización del rodaje, una de las mejores intérpretes de toda la historia falleció en Londres a causa de un cáncer de mama, curiosamente el mismo día y mes de su nacimiento, el 29 de agosto de 1982, día en el cual cumplía 67 años. Más tarde sus cenizas fueron arrojadas al mar sueco.

Ingrid Bergman

1st Oscar (best actress 1944)

2nd Oscar (best actress 1956)

3rd Oscar (best supporting actress 1974)

Fernando Fernán Gómez (Lima, Perú, 28-8-1921 / Madrid, España, 21-11-2007): In memoriam

EL GENIO ANARQUISTA

Hoy se cumple el 93 aniversario natal de este grandísimo actor y director de cine, teatro y televisión, guionista, prestigioso escritor -dramaturgo, novelista, articulista-  y miembro de la Real Academia Española, que dejó una huella imborrable en la cultura española. Presencia recurrente y categórica en películas de los mejores directores españoles década tras década, con una prolífica filmografía compuesta por más de ciento cincuenta títulos como actor y veinticinco como director, no hay ninguna otra figura en toda la historia del cine español que siquiera se le aproxime. Además de su ingente legado cinematográfico, es uno de los nombres esencialmente reconocidos del panorama cultural español de su tiempo por la pluralidad de su talento, su extensa y variada trayectoria artística y su carácter acerbo e independiente.

Texto biográfico procedente (con modificaciones) de la página El Criticón:

Nacido en Lima, Fernando (de apellido real Fernández) era hijo de la actriz teatral Carola Fernán Gómez, quien dio a luz a su retoño cuando se encontraba actuando en Sudamérica. A los tres años de edad Fernando viajó con su familia a Madrid después de residir en Argentina, país en el que fue registrado legalmente su nacimiento. Durante toda su vida mantuvo la nacionalidad argentina, que compartió con la española, cuando le fue otorgada en 1984.

Durante la Guerra Civil española, recibió clases en la Escuela de Actores de la CNT. Cursó estudios universitarios de Filosofía y Letras pero dejó la carrera para dedicarse al teatro con la compañía de Laura Pinillos. Con posterioridad fue impulsado profesionalmente por el famoso escritor Enrique Jardiel Poncela, representando varias de sus obras teatrales más conocidas. Debutó en la pantalla grande con la productora CIFESA en 1943. Una de sus primeras películas fue Cristina Guzmán (1943), comedia basada en una novela rosa de Carmen de Icaza que fue dirigida por Gonzalo Delgrás y protagonizada en el papel principal por Marta Santaolalla. En esta década trabajó con los nombres más conocidos de la cinematografía española del momento. Fue dirigido por Ladislao Vajda en Se vende un palacio (1943), Juan de Orduña en Rosas de otoño (1943), Edgar Neville en Domingo de carnaval (1945) o José Luis Sáenz de Heredia en El destino se disculpa (1945), Bambú (1945) y La mies es mucha (1948). Botón de ancla (1948), comedia rodada por Ramón Torrado e interpretada por Antonio Casal y Jorge Mistral, se convirtió en uno de sus títulos más populares.

En 1945 contrajo matrimonio con la actriz y cantante María Dolores Pradera, de quien se separó en 1959 (su divorcio no llegaría hasta los años 80). De su unión nacieron sus hijos Helena y Fernando. La pareja coincidió en las películas Es peligroso asomarse al exterior (1946) de Alejandro Ulloa, Los habitantes de la casa deshabitada (1946) de Gonzalo Delgrás, Embrujo (1947), título dirigido por Carlos Serrano de Osma, Tiempos felices (1950) de Enrique Gómez y Vida en sombras (1952), film dirigido por Lorenzo Llobret Gracia.

Durante los años 50 y 60 la popularidad de Fernán Gómez se agrandó como intérprete, comenzando también a asumir tareas de director. Como actor destacó en El último caballo (1950) de Edgar Neville, Balarrasa (1951) de José Antonio Nieves Conde, El capitán Veneno (1951), adaptación de Pedro de Antonio de Alarcón dirigida por Luis Marquina, Esa pareja feliz (1953) de Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem, Morena Clara (1954), comedia musical de Luis Lucia co-protagonizada por Lola Flores, El fenómeno (1956), comedia deportiva dirigida por José María Elorrieta, El inquilino (1957) de Nieves Conde, Faustina (1957) de Sáenz de Heredia, junto a María Félix, Un marido de ida y vuelta (1957) de Luis Lucia, Adiós, Mimí Pompón (1961) de Luis Marquina, Crimen para recién casados (1961) y ¿Dónde pongo este muerto? (1961), ambos títulos dirigidos por Pedro L. Ramírez, o La becerrada (1962) de José María Forqué.

A mediados de la década de los 50 dio comienzo una relación sentimental y profesional con la actriz argentina Analía Gadé, iniciada con Viaje de novios (1956), película dirigida por León Klimovsky. Posteriormente ambos protagonizaron nuevas comedias, varias de ellas dirigidas por Pedro Lazaga, como Muchachas de azul (1957), Ana dice sí (1958), o Luna de verano (1959).

Fernán Gómez debutó en la dirección junto con Luis María Delgado en Manicomio (1954), a la que siguieron El mensaje (1955) y El malvado Carabel (1956). Más adelante, dirigió con Analía Gadé como protagonista femenina las películas La vida por delante (1958), La vida alrededor (1959), Sólo para hombres (1960) y Mayores con reparos (1966). Dos años después de este último film suyo, intervinieron por última vez juntos a las órdenes de José María Forqué en La vil seducción (1968).

En los años 60 Fernán Gómez, al margen de sus aventuras con Analía Gadé, dirigió títulos como La venganza de Don Mendo (1961), adaptación de la conocida obra de Pedro Muñoz Seca que co-protagonizó junto a Paloma Valdés, El mundo sigue (1963), o su obra maestra El extraño viaje (1964), protagonizada por un joven Carlos Larrañaga, a la que siguió Ninette y un señor de Murcia (1965), estupenda versión cinematográfica del texto de Miguel Mihura que Fernando Fernán Gómez protagonizó junto a Rosenda Monteros y Alfredo Landa.

En los años 70 y 80 actuó en títulos como Pierna creciente, falda menguante (1970) de Javier Aguirre, Las Ibéricas, F. C. (1971) de Pedro Masó, Don Quijote cabalga de nuevo (1973) de Roberto Gavaldón, adaptación del clásico de Cervantes que contó con la participación de Cantinflas como Sancho Panza, Ana y los lobos (1973) de Carlos Saura, La leyenda del Alcalde de Zalamea (1973) de Mario Camus, El espíritu de la colmena (1973) de Víctor Erice, El amor del capitán Brando (1974) de Jaime de Armiñán, Pim, pam, pum... ¡fuego! (1975) de Pedro Olea, Parranda (1977) de Gonzalo Suárez, Mamá cumple 100 años (1979) de Carlos Saura, Maravillas (1981), Feroz (1984), La noche más hermosa (1984) y La mitad del cielo (1986), las cuatro de Manuel Gutiérrez Aragón, La corte de Faraón (1985) de José Luis García Sánchez, Moros y cristianos (1987) de Luis García Berlanga o Esquilache (1988) de Josefina Molina. Estas décadas confirmaron su estatus como intérprete y director, consiguiendo importantes galardones cinematográficos. Fue premiado en el Festival de Berlín por su actuación en El anacoreta (1976) de Juan Estelrich. Años después volvió a ganar el premio en Berlín con Stico (1984), destacada película dirigida por Jaime de Armiñán y co-protagonizada por Agustín González. Por su interpretación en Los zancos (1984) de Carlos Saura consiguió un premio en el Festival de Venecia.

En los años 70 impulsó también su carrera literaria, consiguiendo en 1978 su obra teatral “Las bicicletas son para el verano” (adaptada al cine por Jaime Chávarri) el premio Lope de Vega. Otras de sus obras de teatro son: "La coartada" (1972) o "Los domingos, bacanal" (1980). Más tarde debutó como novelista con “El viaje a ninguna parte” (1985), libro que llevó al cine como director. Otros de sus títulos literarios son “El vendedor de naranjas” (1986), “El mal amor” (1987) o “El ascensor de los borrachos” (1987). También escribió ensayos y poesía y su libro de memorias "El tiempo amarillo" (1990, ampliado en 1998).

Como director rodó películas como Crimen imperfecto (1970), Cómo casarse en siete días (1971), Yo la ví primero (1974), ¡Bruja, más que bruja! (1976), Mi hija Hildegart (1977), Cinco tenedores (1979), Mambrú se fue a la guerra (1986), la citada El viaje a ninguna parte (1986), El mar y el tiempo (1989), Siete mil días juntos (1994) o Pesadilla para un rico (1997). Por El viaje a ninguna parte, Fernán Gómez recibió el premio Goya como mejor director y mejor guionista. En esa misma edición obtuvo también el Goya como mejor actor por Mambrú se fue a la guerra. Años después recibió un Goya como mejor intérprete masculino de reparto por Belle epoque (1992) de Fernando Trueba y otro como mejor actor principal por El abuelo (1998) de José Luis Garci, consiguiendo el premio también como mejor guión adaptado por su última película como director, Lázaro de Tormes (2001), cuyo rodaje abandonó por enfermedad, siendo sustituido por José Luis García Sánchez. Asimismo, Fernando Fernán Gómez fue candidato al Goya como mejor director, actor y guionista por El mar y el tiempo y mejor actor por Esquilache y La lengua de las mariposas (1999) de José Luis Cuerda.

Al margen de estos títulos, Fernán Gómez también colaboró con directores como Imanol Uribe en El rey pasmado (1991) y Plenilunio (1999), Pedro Almodóvar en Todo sobre mi madre (1999), Fernando Trueba en El embrujo de Shanghai (2002), Antonio Hernández en En la ciudad sin límites (2002) o Patricia Ferreira en Para que no me olvides (2005), triunfando en la televisión con las series “El Pícaro” (1974), dirigida por el propio actor, “Fortunata y Jacinta” (1980) de Mario Camus, o “Los ladrones van a la oficina” (1993).

En cuando a su vida sentimental, Fernando Fernán Gómez compartió las últimas décadas de su vida desde los años 70 con la actriz Emma Cohen, con quien contrajo matrimonio en el año 2000. Ambos aparecieron juntos en diversos títulos cinematográficos como Pierna creciente, falda menguante, ¡Bruja, más que bruja!, El viaje a ninguna parte, El mar y el tiempo o El abuelo, el proyecto televisivo “Juan Soldado” (1973) o la serie “El Pícaro” (1974).

Los reconocimientos a su extensa y extraordinaria carrera se multiplicaron en los últimos años de su vida, logrando el Premio Nacional de Teatro en 1985, el Premio Nacional de Cinematografía en 1989, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1995 y el Premio Donostia en San Sebastián en 1999. En el año 2000 fue nombrado miembro de la Academia de la Lengua Española y en 2001 se le concedió la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. En 2005 recibió el Oso de Honor en el Festival Internacional de Cine de Berlín a toda su trayectoria.  

Fernando Fernán Gómez falleció a la edad de 86 años, recibiendo, a título póstumo, la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio otorgada por el Gobierno de España. En la capilla ardiente su féretro fue recubierto con una bandera rojinegra anarquista, siendo posteriormente incinerado.

Vintage delights (XIX)

Marilyn Monroe

Andy Warhol

David Bowie

Lou Reed

Marianne Faithfull

Prince

Jane Birkin

Janis Joplin

Keith Haring

Siouxsie Sioux

Brigitte Bardot

Woody Allen

Jayne Mansfield

Alfred Hitchcock

Gina Lollobrigida

Diana Ross

Malcolm X

Bruce Lee

Elvira

Jack Nicholson

Françoise Hardy

Marcus Schekenberg

James Dean

Clint Eastwood

Charles Boyer (Figeac, Francia, 28-8-1899 / Phoenix, Arizona, US, 26-8-1978): In memoriam

FRENCH CHIC IN HOLLYWOOD

Hace hoy 36 años falleció, quitándose la vida a los 78, el actor francés nacionalizado estadounidense Charles Boyer, cuatro veces nominado al Oscar, premio que nunca consiguió en competición. Actor culto, elegante y distinguido, de sutil ademán y modales refinados, hablaba, además de francés e inglés, otros idiomas como italiano, alemán y español. Favorito de las damas en la época dorada del cine clásico, encabezó repartos junto a (entre otras) Claudette Colbert, Marlene Dietrich, Danielle Darrieux, Jean Arthur, Greta Garbo, Hedy Lamarr, Irene Dunne, Bette Davis, Margaret Sullavan, Olivia de Havilland, Paulette Goddard, Rita Hayworth, Joan Fontaine, Barbara Stanwyck, Ingrid Bergman, Lauren Bacall, Jennifer Jones, Linda Darnell, Deborah Kerr, Martine Carol, Sophia Loren, Michèle Morgan, Leslie Caron, Ingrid Thulin o Lilli Palmer. Protagonizó, asímismo, films de importantes directores como Fritz Lang, Gregory La Cava, Frank Borzage, John Cromwell, Leo McCarey, John M. Stahl, Mitchell Leisen, George Cukor, Ernst Lubitsch, Lewis Milestone, Otto Preminger, Douglas Sirk, Max Ophuls, Vincente Minnelli o Joshua Logan. Su extensa filmografía abarca más de 75 títulos en seis décadas de exitosa carrera.

Reseña biográfica procedente (con modificaciones) de la página El Criticón:

Charles Boyer destacó en principio en el mundo del teatro y posteriormente en el cine dorado de Hollywood, en especial en papeles de galán romántico aprovechando sus características físicas (poseía una bonita voz) y procedencia francesa.

Como estudiante no perdió el tiempo y se licenció en Filosofía por la prestigiosa Universidad de la Sorbona, además de estudiar interpretación en la misma capital francesa. Su gusto por el mundo del teatro le llevó a establecerse en los escenarios durante toda la década de los 20 y, en menor medida, en el cine galo, debutando con la película L'homme du large (1920) de Marcel L'Herbier. Más tarde apareció en otros títulos como Chantelouve (1921), La ronde infernale (1927) o Le Capitaine Fracasse (1929). El joven Boyer podía hacer gala de su voz en el teatro pero no en el cine, mudo en aquellos tiempos, y hasta que no aparecieron las primeras películas habladas a principios de los años 30 no marchó a Hollywood. Charles Boyer dió inicio a su carrera allí  con títulos como Esta noche es nuestra (1932), protagonizada por Claudette Colbert, o La pelirroja (1932) con Jean Harlow, pero viendo que su talento no era apreciado, decidió regresar a Europa. En Alemania participó en las versiones francesas de algunas de aquellas películas que se rodaban en varias lenguas. Tras ello regresó a su Francia natal para intervenir, entre otros, en uno de los filmes más extraños de la época: Liliom (1934), de Fritz Lang. Esta adaptación de una pieza del escritor húngaro Ferenc Molnar constituyó una película aparte en la carrera de su director y un gran éxito de crítica para un Charles Boyer en el papel de un joven delincuente tan seductor como abocado a su fatal destino.

De vuelta en Hollywood, a medida que la década avanzaba, Boyer fue ascendiendo al estatus estelar gracias a films como Mundos privados (1935) de Gregory La Cava o El jardín de Alá (1936) de Richard Boleslawski, película en la que compartió créditos con Marlene Dietrich. Entre ambas aún rodó otro título en Francia, Sueños de príncipe (1936) de Anatole Litvak, sobre el drama de Mayerling, que protagonizó interpretando al Archiduque Rodolfo de Austria junto a Danielle Darrieux y lo estableció como estrella europea internacional.

En Hollywood, su carrera estuvo marcada  por el cliché de 'french lover', que el actor se esforzó por superar con su buen hacer en películas como Cena de medianoche (1937) de Frank Borzage, con Jean Arthur, María Walewska (1937) de Clarence Brown, emparejado a Greta Garbo, cinta en la que interpretó a Napoleón o Tovarich (1937) de Anatole Litvak, con Claudette Colbert como oponente. Por la segunda de estas obtuvo su primera candidatura al Oscar. Los años 30 terminaron para el actor francés con títulos como Argel (1938) de John Cromwell, película coprotagonizada por Hedy Lamarr que supuso una nueva nominación al Oscar para el actor, Tú y yo (1939) de Leo McCarey o Huracán (1939) de John M. Stahl, ambas con Irene Dunne de coprotagonista. Estas películas hicieron de Charles Boyer uno de los principales galanes de la época.

En la década de los 40 brilló en El cielo y tú (1940) de Anatole Litvak, al lado de Bette Davis, Su vida íntima (1941) de Robert Stevenson, junto a Margaret Sullavan, Si no amaneciera (1941) de Mitchell Leisen, con Olivia de Havilland y Paulette Goddard, Seis destinos (1942), film de Julien Duvivier en el que compartió escenas con Rita Hayworth, La ninfa constante (1943) de Edmund Goulding, con Joan Fontaine, Al margen de la vida (1943) de Julien Duvivier, con Barbara Stanwyck, Luz que agoniza (1944) de George Cukor, con Ingrid Bergman, Otra vez juntos (1944) de Charles Vidor, con Irene Dunne, Confidential agent (1945) de Herman Shumlin, con Lauren Bacall, El pecado de Cluny Brown (1946) de Ernst Lubitsch, con Jennifer Jones, Venganza de mujer (1947) de Zoltan Korda, junto a Ann Blyth, o Arco de triunfo (1948) de Lewis Milestone, película co-protagonizada por Ingrid Bergman. Si apreciamos las parejas de este y pasados decenios advertiremos que fue uno de los actores mejor acompañados en pantalla de la historia del cine. En el año 1942 adquirió la nacionalidad estadounidense y un año después le concedieron un Oscar honorífico por ayudar en la creación de la French Research Foundation en California y en 1944 lo volvieron a nominar al mejor actor por Luz que agoniza. En 1948 Charles Boyer fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa.

En su madurez el prestigio como actor de Charles Boyer siguió in crescendo gracias a su enorme clase como persona e intérprete. Otros títulos importantes de su carrera son Cartas envenenadas (1951) de Otto Preminger, La primera legión (1951) de Douglas Sirk, Tempestad en oriente (1952) de Charles Vidor, Madame De... (1953), obra maestra de Max Ophuls, rodada en Europa y probablemente su film más importante, donde compartió protagonismo con Danielle Darrieux y Vittorio De Sica, La tela de araña (1955) de Vincente Minnelli, La vuelta al mundo en 80 días (1956) de Michael Anderson, Los bucaneros (1958) de Anthony Quinn, Fanny (1961) de Joshua Logan, junto a Leslie Caron y su última nominación al Oscar, Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1962) de Vincente Minnelli, El favor (1965) de Michael Gordon, Cómo robar un millón y... (1966) de William Wyler, ¿Arde París? (1966) de René Clement, Descalzos por el parque (1967) de Gene Saks, Locos de abril (1969) de Stuart Rosenberg, La loca de Chaillot (1969) de Bryan Forbes, Horizontes perdidos (1973) de Charles Jarrott y Stavisky (1974) de Alain Resnais. Su última película fue Nina (1976), en donde volvió a coincidir con Ingrid Bergman y con Vincente Minnelli. El actor también trabajó en teatro y televisión. Charles Boyer sólo contrajo matrimonio en una ocasión, en el año 1934 con la actriz Pat Paterson,  de la que estaba profundamente enamorado, tanto que cuando ella falleció víctima de cáncer en el año 1978, Boyer no pudo resistir su ausencia y se suicidó con una sobredosis de Seconal dos días después, el 26 de agosto de 1978, justo a dos días de cumplir los 79 años. El matrimonio se había mantenido unido durante 44 años en su residencia en Paradise Valley, Arizona, a pesar de que perdieron tragicamente a su hijo Michael (1943/1965), que se suicidó a los 21 jugando a la ruleta rusa después de separarse de su novia.

Truman Capote (New Orleans, Louisiana, US, 30-9-1924 / Los Angeles, California, US, 25-8-1984): In memoriam

NOVELISTA CÉLEBRE Y 'ENFANT TERRIBLE'

El escritor y periodista estadounidense Truman Streckfus Persons, conocido como Truman Capote, genial autor de la novela-documento A sangre fría, un best-seller internacional e hito en la cultura popular, dejó este mundo tal día como hoy hace 30 años. Talentoso y audaz, ingenioso y astuto, despiadado y vanidoso, fue encumbrado y adulado por la misma alta sociedad neoyorquina que después le despreció y evitó. Obnubilado por su propio éxito, dijo de sí mismo : "Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio".

Este es su perfil entresacado de la página Biografías y Vidas:

Pese al carácter profundamente realista de su obra, combinó en sus narraciones el misterio y el refinamiento literario, poniendo de manifiesto las oscuras profundidades psicológicas del sistema norteamericano a través de caracteres inquietantes, como en el caso de A sangre fría (1966), la más famosa de sus novelas.

A los cuatro años sus padres se divorciaron y durante el resto de su niñez vivió la peripecia y la soledad del típico producto de 'hogares separados' (inestabilidad o bonanza, traslados entre uno y otro progenitor), todo ello con el horizonte imperturbable de las granjas del Sur profundo y rural. Su madre se volvió a casar con un próspero hombre de negocios apellidado Capote, nombre que adoptó Truman casi de inmediato.

Escritor precoz, desde muy adolescente había comenzado a pergeñar historias para, como él mismo diría, paliar la soledad de su infancia. A los dieciocho años entra a trabajar en el New Yorker y a los veintiuno deja el periódico y publica un relato, Miriam, en la revista Mademoiselle, que atrae la atención de los críticos y es seleccionado para el volumen de cuentos del premio O'Henry de 1946.

Después del galardón y tras haber conseguido que se hablara de su estilo "gótico e introspectivo" y de la influencia de Poe en sus cuentos, Truman Capote escribe, durante dos años, Otras voces, otros ámbitos (1948). Esta novela impresionó por su abierto planteamiento de las relaciones homosexuales  y por sus reflejos autobiográficos más que por su delicada exposición de las vivencias infantiles: un niño solo, Joel, que busca a su padre en el profundo Sur y termina por elegir a un travestido como figura paternal. En esta su primera novela, Capote fue comparado con Alain-Fournier, el autor de El gran Meaulnes, por su peculiar objetivación poética del mundo de la infancia, por su atmósfera lírica y por su exaltación de la naturaleza. En 1951 publica El arpa de hierba, que obtiene buena acogida crítica.

Vinieron luego los años de sus viajes y de residencia en Italia, Grecia y España; visitó también la Unión Soviética. Durante la década de los cincuenta publica insuperables entrevistas en Playboy y termina una de sus novelas más deliciosas, Desayuno en Tiffany's (1958). El relato gira en torno a Holly Golightly, una joven sofisticada a quien el supuesto autor del relato (está escrito en primera persona) tuvo por vecina antes de convertirse en escritor famoso. Holly es una muchacha que vive su vida, sin tener en cuenta los convencionalismos sociales y dispuesta a conservar su libertad como sea.

En sus 'horas negras', el mejor remedio que encuentra Holly es tomar un taxi e ir a Tiffany's; el ambiente elegante y la tranquilidad que allí se respira tienen la virtud de calmarla. Así pasa Holly por la vida, sin preocuparse por el pasado ni por el futuro; conservando un fondo de inocencia en medio de su alocada vida, que en muchos ambientes se consideraría reprobable.

El interés de Capote por el periodismo y su intensa colaboración con la revista New Yorker lo acercaron a la disciplina del reportaje de investigación, lo que dio como fruto su célebre obra A sangre fría (1966), creadora del género de la non-fiction novel, que relata el caso real del asesinato de la familia Cutters, basándose en documentos policiales y el testimonio de los implicados. Por esta novela, junto a Norman Mailer y Tom Wolfe, Capote es considerado uno de los padres del new journalism (nuevo periodismo), que combina la ficción narrativa y el periodismo de reportaje, dentro de una nueva concepción de la relación entre realidad y ficción. La escritura de esta novela le llevó siete largos años y la crítica no tardó en saludarla como la novela más 'dura' y significativa de la década de los sesenta. Minuciosa reconstrucción de un crimen real (el despiadado asesinato de una familia de granjeros de Kansas), A sangre fría llegó a ser, tras su publicación, el mejor exponente de la novela-documento o novela-reportaje, y un claro ejemplo del nuevo género narrativo que diluye los límites del periodismo y la literatura. Para la realización de su novela, Capote llevó a cabo una dilatada investigación de los terribles hechos que relata y realizó numerosas entrevistas, manteniendo un estrecho contacto con los asesinos antes de ser ejecutados. Narrada con detallado realismo y una fría distancia, la novela es en un estudio incisivo de la América de su época que expone el desorden y la violencia que laten bajo una feliz apariencia de progreso y desarrollo.

A principio de los setenta, Capote comenzó a escribir la que sería su obra póstuma e inacabada, Plegarias atendidas. En 1975 publica Música para camaleones, un conjunto de relatos escritos con el magistral estilo de Capote, en los que bucea con implacable lucidez en la poesía y el horror de la vida. Capote, tal vez uno de los mayores narradores del siglo veinte norteamericano, fue un maestro en el arte de la construcción imaginativa (tanto en el relato corto, reportajes o novelas), y sobre todo un poseso de la perfección estilística. Su obra quedará al lado de las ya clásicas de Faulkner, Penn, Welty y McCullers.

Truman Capote, 1952

 

Tim Burton's Ed Wood (1994) Official trailer

TRIBUTE TO TIM BURTON (Burbank, California, 25-8-1958)

El director, productor y guionista estadounidense Tim Burton celebra hoy su 56 cumpleaños. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Con fans en todo el mundo, en 2010 recibió la Medalla de la Orden de la Artes y las Letras de Francia.

Perfil biográfico procedente (con algún retoque) de la página El Criticón:

Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor.

Tim es hijo de la comerciante Jean Burton y de Bill Burton, un ex jugador de béisbol y trabajador del parque de su localidad natal, Burbank. Desde niño el mundo del pequeño Burton se nutría de cómics y antiguas películas de terror y fantasía, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos: Edgar Allan Poe. Desarrolló en su juventud talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979.

La Disney, quien había becado a Burton en su segundo curso, le contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional. En 1982 rodó su corto “Vincent” (1982), un título de seis minutos con apariencia expresionista y animación stop-motion en el que aparecía como narrador el mismísimo Vincent Price. Ese mismo año adaptó para televisión los cuentos de Aladino y la lámpara maravillosa y de Hansel y Gretel para televisión en la serie “Los cuentos de las estrellas”. En 1984 apareció, de nuevo en la Disney, uno de sus cortos más recordados, “Frankenweenie” (1984), historia de humor negro que narraba en blanco y negro la historia de un joven llamado Victor, quien, tras perder a su perro en un accidente de tráfico, decide revivirlo al estilo de Frankenstein.

La gran aventura de Pee-Wee (1985) se convirtió en el primer largometraje dirigido por Tim Burton. El film adaptaba las andanzas de un conocido personaje televisivo en los Estados Unidos que estaba encarnado por Paul Reubens, quien quedó encandilado con “Frankenweenie” y requirió a Burton para dirigir el film. La película, que ya muestra el proceder visual de su director y el protagonismo de un singular personaje, cuenta con la música de Danny Elfman, compositor que colaboró en casi todos los proyectos de Burton. En Bitelchús (1988) coincidió en los créditos por primera vez con el actor Michael Keaton en el papel principal. Era una comedia de corte fantástico con toques de humor negro que contaba con el co-protagonismo de Winona Ryder, Alec Baldwin y Geena Davis. Gracias el éxito de esta película Tim Burton salió del anonimato y comenzó a ser considerado por su indudable habilidad para construir singulares historias. Batman (1989), la adaptación del famoso cómic ideado por Bob Kane, se convirtió en su título más taquillero. Sometido a los rigores de la historia desarrollada, el film despliega parte de la particularidad de su autor en el trato a los personajes y especialmente en la creación estética y atmosférica, con una sombría apariencia gótica. El mismo año del estreno de Batman, Tim contrajo matrimonio con la pintora Lena Gieseke, de quien se divorció en 1991.

La siguiente década se inició con una de sus mejores obras y uno de sus trabajos más personales, Eduardo Manostijeras (1990), cuento fantástico de gran belleza y sensibilidad que reunía muchas de las constantes estéticas y culturales de su autor. Estaba protagonizado por Johnny Depp, rostro habitual en sus próximas películas. Después de retomar las aventuras del hombre murciélago en Batman vuelve (1992), idear junto a Chris Buck la serie de dibujos animagos “Family Dog” (1992) y producir y escribir Pesadilla antes de Navidad (1993), título de animación dirigido por Henry Selick, Tim estrenó otra de sus cumbres como autor, Ed Wood (1994), un afectivo biopic sobre la figura del denominado peor director de cine de todos los tiempos, Ed Wood Jr. El film obtuvo dos premios Oscar, uno al mejor maquillaje y otro para Martin Landau como mejor actor secundario por su estupenda encarnación de Bela Lugosi. En 1996 volvió a colaborar con Selick al producir James y el melocotón gigante (1996), una adaptación del conocido libro de Roald Dahl, y rodó Mars attacks! (1996), comedia de ciencia-ficción proyectada como tributo a las películas de serie B de los años 50. Tres años después apareció Sleepy Hollow (1999), un film que trasladaba a la pantalla una historia creada por Washington Irving sobre un fantasmal jinete sin cabeza que causa terror en una pequeña villa del siglo XVIII. En esta ocasión Burton rememoró las películas de la Hammer y le concedió un papel a Christopher Lee, uno de los nombres legendarios del estudio británico.

El planeta de los simios (2001) resultó decepcionante. La visión de la novela de Pierre Boulle carece de originalidad e inventiva visual, algo impensable en la trayectoria de su director. Con Big Fish (2003) Tim Burton prosiguió su senda de adaptaciones llevando al cine un texto de Daniel Wallace.

El siguiente fue Roald Dahl y su libro Charlie y la fábrica de chocolate (2005), adaptado con anterioridad al cine en 1971 por Mel Stuart.

En cuanto a su vida sentimental y tras su separación de Lena Gieseke, Burton mantuvo una larga relación entre 1994 y 2001 con la modelo y actriz Lisa Marie, quien apareció en Ed Wood (interpretando a Vampira), Mars attacks!, Sleepy Hollow y El planeta de los simios. En el rodaje del último título citado el vínculo entre Tim y Lisa se rompió, comenzando el director una relación con la actriz Helena Bonham Carter, que ha aparecido en todas las películas de Burton desde entonces. La pareja ha tenido dos hijos: Billy Raymond (nacido en el año 2003) y Nell (nacida en el 2007).

La novia cadáver (2005), una película de animación de género fantástico que Burton codirigió con Mike Johnson, obtuvo un resonante éxito. Con Johnny Depp como principal protagonista estrenó Sweeney Tood (2007), adaptación al cine del musical de Stephen Sondheim, que ganó un Globo de Oro en la categoría de mejor comedia o musical y otro para su actor protagonista en el mismo apartado. Posteriormente colaboró con la Disney para dirigir dos películas en animación 3-D. La primera fue una adaptación de la novela de Lewis Carroll Alicia en el país de las maravillas (2010); la segunda, Frakenweenie (2012), remake amplificado de su corto del mismo título veintiocho años anterior. Entre ambas se estrenó la comedia gótico-dramática Sombras tenebrosas (2012), de nuevo con Johnny Depp al frente del reparto.

Tim Burton, imaginativo cineasta de culto cada vez más extendido, consiguió su película más redonda en 1994: Ed Wood

West Side Story (1961) - Prologue

RECUERDO A LEONARD BERNSTEIN

Tal día como hoy, hace 96 años nació este gran compositor, pianista y director de orquesta estadounidense.  De entre sus obras destacan "Un día en Nueva York" o "West side story", ambas llevadas al cine: la primera por Gene Kelly y Stanley Donen (1949) y la segunda por Robert Wise y Jerome Robbins (1961). De esta última el video muestra el número inicial. También escribió la banda sonora original de "La ley del silencio" (On the waterfront, 1954) de Elia Kazan.

Tribute to Sean Connery (Edimburgo, Escocia, Reino Unido, 25-8-1930)

MY NAME IS BOND, JAMES BOND

Sean Connery, actor británico nacido en Edimburgo, Escocia, el 25-8-1930, celebra hoy su 84 cumpleaños. Alto, fornido y de seductora presencia, gran parte de su fama la debe al personaje de James Bond, al que interpretó en siete películas. En 1987 consiguió un BAFTA como mejor actor protagonista por "El nombre de la rosa" (1986) y al año siguiente recibió un Globo de Oro y un Oscar como mejor actor de reparto por "Los intocables de Elliot Ness" (1987). En 1998 recibió un BAFTA honorífico por su trayectoria profesional y en el año 2000 fue nombrado Sir por la reina Isabel II. El AFI lo reconoció con el Lifetime Achievement Award en 2006. Retirado en la actualidad, su carrera cinematográfica, se extiende a lo largo de medio siglo.

Informe biográfico a partir de la página El Criticón:
 
Thomas Sean Connery se crió en una familia de clase media baja (su madre era limpiadora y su padre  camionero). No demasiado amante del academicismo y los libros escolares, abandonó el colegio a los 13 años para ayudar a la economía familiar trabajando como repartidor de leche. Posteriormente se enroló en la marina británica, etapa militar que tuvo que abandonar debido a problemas de salud derivados de una úlcera duodenal, trabajando después como camionero. Desde los 18 años dedicó mucho tiempo al ejercicio físico, en especial a la práctica del body building, que le llevó a conseguir un atlético cuerpo y participar en el concurso de Mister Universo en 1953 (quedando en tercera posición en la categoría junior), y a proporcionarle empleos como modelo para escuelas de arte o socorrista. Connery descubrió su verdadera vocación cuando a los 20 años participó como chico de coro en la producción musical "South Pacific", inicio de diversas apariciones suyas tanto en el teatro londidense como en el panorama televisivo británico. En ese momento, y estimulado por su amigo el actor americano Robert Henderson, se convirtió en un gran amante de la lectura, devorando todo tipo de libros, especialmente obras teatrales.
Connery debutó en el cine en No road back (1957), un film británico de serie B, al que siguieron otros roles secundarios en títulos como Ruta infernal (1957) de Cy Endfield, La frontera del terror (1957) de Terence Young, Brumas de inquietud (1958) de Lewis Allen, melodrama protagonizado por Lana Turner,  La gran aventura de Tarzán (1959) de John Guillermin, con Gordon Scott en el papel de hombre mono, Operación Snafu (1961) de Cyril Frankel, o la superproducción bélica multiestelar El día más largo (1962) de Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki.

Se convirtió en estrella al ser elegido para encarnar a James Bond, el espía británico creado por el escritor Ian Fleming, en la película Agente 007 contra el Doctor No (1962), primer título dedicado a la serie del agente británico que fue dirigido por Terence Young y coprotagonizado por Ursula Andress. Los otros títulos de Bond con Sean Connery como protagonista son Desde Rusia con amor (1963) de Terence Young, James Bond contra Goldfinger (1964) de Guy Hamilton, Operación Trueno (1965) de Terence Young, Sólo se vive dos veces (1967) de Lewis Gilbert, Diamantes para la eternidad (1971) de Guy Hamilton y Nunca digas nunca jamás (1983) de Irvin Kershner.

Además de sus películas como 007, Sean Connery apareció en los años 60 en títulos más o menos estimables como Marnie, la ladrona (1964) de Alfred Hitchcock, con Tippi Hedren, La mujer de paja (1964) de Basil Dearden, con Gina Lollobrigida, La colina (1965) de Sidney Lumet, Un loco maravilloso (1966) de Irvin Kershner, con Joanne Woodward y Jean Seberg, o Shalako (1968) de Edward Dmytryk, con Brigitte Bardot y Stephen Boyd.

Los años 70 sirvieron para que Connery se fuera alejando de James Bond y demostrara que su capacidad de actuación sobrepasaba el estancamiento en un personaje, consiguiendo espléndidas interpretaciones en films como Odio en las entrañas (1970) de Martin Ritt, con  Richard Harris y Samantha Eggar, Supergolpe en Manhattan (1971) de Sidney Lumet, con  Dyan Cannon y Martin Balsam, La ofensa (1973) de Sidney Lumet, con  Trevor Howard, Zardoz (1974) de John Boorman, con  Charlotte Rampling, Asesinato en el Orient Express (1974), de nuevo dirigido por Lumet entre un reparto multiestelar, El viento y el león (1975) de John Millius, con Candice Bergen,  El hombre que pudo reinar (1975) de John Huston, con Michael Caine y Christopher Plummer, Robin y Marian (1976) de Richard Lester, con Audrey Hepburn, Un puente lejano (1977) de Richard Attenborough, superproducción bélica con reparto multiestelar, El primer gran asalto al tren (1979) de Michael Crichton, con Donald Sutherland y Lesley-Ann Down, o Cuba (1979) de Richard Lester, con Brooke Adams.

Su madurez como persona y actor prosiguió en los siguientes decenios, aumentando aún más si cabe su prestigio como actor y su sex-appeal entre la audiencia femenina. De la década de los 80 destacan títulos como Atmósfera cero (1981) de Peter Hyams, Los ladrones del tiempo (1981) de Terry Gilliam, Cinco días, un verano (1982) de Fred Zinnemann, Los inmortales (1986) de Russell Mulcahy, El nombre de la rosa (1986) de Jean-Jacques Annaud, Los intocables de Eliot Ness (1987) de Brian De Palma, Más fuerte que el odio (1988) de Peter Hyams, Indiana Jones y la última cruzada (1989) de Steven Spielberg, o Negocios de familia (1989) de Sidney Lumet.

Entre las películas más populares de su última etapa figuran La caza del Octubre Rojo (1990) de John McTiernan, La Casa Rusia (1990) de Fred Schepisi, Los últimos días del edén (1992) de John McTiernan, Sol naciente (1993) de Philip Kaufman, Causa justa (1995) de Arne Glimcher, El primer caballero (1995) de Jerry Zucker, La roca (1996) de Michael Bay, La trampa (1999) de Jon Amiel, Descubriendo a Forrester (2000) de Gus Van Sant, o La liga de los hombres extraordinarios (2003) de Stephen Norrington.

Sean Connery estuvo casado entre 1962 y 1973 con la actriz australiana Diane Cilento, matrimonio del que nació su hijo Jason, también actor. Desde 1975 está casado con la pintora marroquí-francesa Micheline Roquebrune, a quien conoció en un torneo de golf, deporte al que ha sido muy aficionado, en la ciudad marroquí de Casablanca. Ha sido muy criticado por defender por un lado la independencia de Escocia y por otro, aceptar el título de Sir que le otorgó el gobierno británico, al tiempo que vive en un paraíso fiscal (Bahamas).

 

POSDATA

Sean Connery falleció de un fallo cardiaco el 31 de octubre de 2020 en Nasáu, Bahamas. Contaba 90 años de edad.