René Clair (París, France, 11-11-1898 / Ibídem, 15-3-1981): In memoriam

PREMIER 'AUTEUR' FRANÇAIS

Hoy es aniversario natal del cineasta francés René Clair. Vanguardista e innovador en sus comienzos, a finales de la era del cine silente se le consideró uno de los grandes directores junto a Griffith, Chaplin, Pabst o Eisenstein y sus primeras películas sonoras le dieron celebridad internacional. Luego de sus cuatro films en Hollywood, sus obras, aun manteniendo su característica elegancia, se acomodaron a un mayor clasicismo y su prestigio crítico fue decreciendo. En 1953 recibió el Gran Premio del cine francés y sucesivamente fue galardonado como Gran Oficial de la Legión de Honor, Comandante de las Artes y las Letras, o con la Gran Cruz de la Orden Nacional al Mérito.

René Lucien Chomette nació y creció en el popular barrio parisino de Les Halles, cuya animación, vida nocturna y pintoresquismo, vistos a través de sus ojos de niño, dejarán en él una impronta inolvidable. Desde muy joven mostró interés por el teatro y la literatura. Durante la Primera Guerra Mundial, declarado no apto para el combate, fue conductor de ambulancias en el frente. Profundamente impresionado por los horrores bélicos, escribió dos colecciones de poemas que no fueron publicados. Finalizada la contienda trabajó como periodista para el diario de orientación izquierdista L'Intransigeant y escribió canciones para Damia, una figura del music-hall de la época, que le introdujo como actor en el mundo del cine con el nombre de René Clair. De ahí pasó a ayudante del director Jacques de Baroncelli en cuatro películas y también ejerció de crítico cinematográfico en diversas revistas.

Su primer estreno como director fue el corto silente Entreacto (1924), un encargo de Francis Picabia y Erik Satie para incorporar a su ballet Relâche. Antes había rodado París que duerme (1924), mediometraje de 35 minutos estrenado a comienzos de 1925, cuyo éxito sitúa a Clair en el contexto del cine de vanguardia de la época, cercano al dadaismo y al surrealismo, a la vez que consigue hacer popular su poesía visual. Después dirigió El fantasma del Moulin-Rouge (1925), El viaje imaginario (1926) y La presa del viento (1927), cerrando su periodo silente con la populares comedias Un sombrero de paja de Italia (1928) y Los dos tímidos (1928). René Clair, que escribió todas sus películas y se encargó del montaje hasta la llegada del cine sonoro, es uno de los primeros en aportar al cine una visión de autor. Con su mundo de fantasía, optimismo lúcido, ternura hedonista y énfasis en el sentimiento de conciencia colectiva, se propuso en sus primeras obras alegrar a la gente más sencilla con su humor sentimental, asociando sutilmente ingenuidad y refinamiento. Sus películas de entonces fueron concebidas como un homenaje al cine de los pioneros, dominado por el movimiento, el sentido del ritmo y el gusto por lo inexplorado.

Con la llegada del cine sonoro se mantuvo fiel a sus principios en sus siguiente cuatro films, en los cuales se ofrece una visión afectuosa e idealizada de vida de la clase obrera: Bajo los techos de París (1930), de gran éxito internacional, fue su título más famoso, además de El millón (1931), Viva la libertad (1931) y 14 de julio (1933). Todos ellos contribuyeron a crear en el mundo entero una imagen romántica y popular de la ciudad de París. Tras el fracaso de El último millonario (1934), sátira no exenta de fantasía del totalitarismo en general y del fascismo en particular, Clair aceptó una oferta del productor británico Alexander Korda para dirigir El fantasma va al oeste (1936), comedia fantástica con Robert Donat, Jean Parker y Eugene Pallette. En el Reino Unido dirigió también la comedia musical Break the news (1938), con Maurice Chevalier, Jack Buchanan y June Knight.

De regreso en Francia intentó rodar otra película, pero el comienzo de la Segunda Guerra Mundial se lo impidió, optando por emigrar a los Estados Unidos. Contratado por Universal Studios rodó su primera película en Hollywood, La llama de Nueva Orleans (1941), comedia romántica de época con Marlene Dietrich de protagonista que no tuvo éxito. Su siguientes films fueron las comedias fantásticas Me casé con una bruja (1942), con Fredric March y Veronica Lake, y Sucedió mañana (1944), con Dick Powell, Linda Darnell y Jack Oakie, ambas mejor aceptadas, y Diez negritos (1945) adaptación de Agatha Christie, con Walter Huston, Roland Young y Louis Hayward, que supuso su mayor éxito comercial pese a ser el menos personal de sus trabajos.

Nuevamente en París dirige El silencio es oro (1947), evocadora comedia romántica con Maurice Chevalier y François Périer, donde vuelve a mostrar el encanto de sus cintas de los primeros años 30. Más literarias o teatralizadas resultan sus siguientes películas, La belleza del diablo (1950), drama fantástico con Michel Simon y Gérard Philipe, Mujeres soñadas (1952), comedia fantástica con Gérard Philipe, Martine Carol y Gina Lollobrigida, Las maniobras del amor (1955), comedia romántica con Michèle Morgan y Gérard Philipe, y Puerta de las Lilas (1957), sombrío drama con Pierre Brasseur, Georges Brassens, Henri Vidal, Dany Carrel que fue nominado al Oscar a la mejor película en lengua extranjera.

En 1960 fue el primer director de cine nombrado miembro de la Académie Française, lo que le confirmó en su status de representante del cinéma de qualité denostado por los jóvenes de la nouvelle vague. Sus últimas películas fueron Todo el oro del mundo (1961), comedia rural protagonizada por Bourvil, y Fiestas galantes (1965), comedia histórica con Jean-Pierre Cassel. A partir de entonces se consagró a la escritura y a la puesta en escena teatral.

René Clair se casó en 1926 con la actriz Bronja Perlmutter, con quien un año después tuvo a su único hijo. El cineasta falleció a los 82 años.

 

Claude Rains (London, UK, 10-11-1889 / Laconia, New Hampshire, US, 30-5-1967): In memoriam

CLÁSICO ACTOR DE CARÁCTER

Hoy es aniversario natal del actor británico Claude Rains. Procedente del teatro, llegó al cine y mantuvo una sólida y extensa carrera como intérprete de carácter que dejó tras de sí varios clásicos. Candidato al Oscar al mejor actor secundario en cuatro ocasiones, nunca llegó a conseguir el premio de la Academia.

Hijo de un actor y criado entre bambalinas, William Claude Rains debutó en la escena a los once años e inició pronto una carrera interpretativa que tuvo que ser suspendida cuando acudió a combatir en la Primera Guerra Mundial. Durante la contienda perdió casi por completo la visión de un ojo en combate y fue licenciado con el rango de capitán. A su vuelta a Londres volvió al teatro y ocupó también plaza de profesor de interpretación en la Royal Academy of Dramatic Arts, en donde instruyó al mismísimo Laurence Olivier. Su talento escénico no pasó desapercibido en los Estados Unidos, siendo requerido a finales de los años 20 para actuar en Broadway. Ya un hombre veterano cuando Hollywood se fijó en él (tenía 44 años en su debut), Rains consiguió el papel protagonista en un magnífico clásico de la Universal, El hombre invisible (1933) de James Whale, adaptación de una novela de H.G. Wells, con Gloria Stuart. A partir de esta actuación Rains trabajó profusamente en la gran pantalla durante los años 30 y 40.

Algunos de sus títulos más importantes en lo sucesivo son El vidente (1934) de Maurice Elvey, drama de producción inglesa con Fay Wray, La última avanzada (1935) de Charles Barton, film bélico con Cary Grant y Gertrude Michael, y, tras firmar un contrato de larga duración con Warner Bros., Corazones divididos (1936) de Frank Borzage, drama histórico con Marion Davies, Dick Powell, Charlie Ruggles y Edward Everett Horton, donde Rains interpretó a Napoleón, El caballero Adverse (1936) de Mervyn LeRoy, film de aventuras con Fredric March y Olivia de Havilland, El príncipe y el mendigo (1937) de William Keighley, adaptación de la famosa novela de Mark Twain, con Errol Flynn, Ellos no olvidarán (1937) de Mervyn LeRoy, drama judicial con Gloria Dickson, Robin de los bosques (1938) de Michael Curtiz y William Keighley, clásico de aventuras medievales protagonizado por Errol Flynn y Olivia de Havilland, en donde Claude encarnó al Príncipe Juan sin Tierra, En busca del oro (1938) de Michael Curtiz, western con George Brent y Olivia de Havilland, Cuatro hijas (1938) de Michael Curtiz, drama tomántico con Priscilla Lane y John Garfield, Han hecho de mí un criminal (1939) de Busby Berkeley, thriller con John Garfield y Ann Sheridan, Juárez (1939) de William Dieterle, drama histórico con Paul Muni y Bette Davis en el que interpretaba a Napoleón III, Caballero sin espada (1939) de Frank Capra, comedia maestra con Jean Arthur y James Stewart por la que obtuvo su primera candidatura al Oscar al mejor actor secundario, El halcón del mar (1940) de Michael Curtiz, clásico de aventuras con Errol Flynn, El difunto protesta (1941) de Alexander Hall, estupenda comedia con toques fantásticos y Robert Montgomery y Evelyn Keyes de coprotagonistas, El hombre lobo (1941) de George Waggner, con Lon Chaney Jr. encarnando al licántropo, Abismo de pasión (1942) de Sam Wood, melodrama rural con Ann Sheridan, Robert Cummings, Ronald Reagan y Betty Field, Marea de luna (1942) de Archie Mayo, noir con Jean Gabin y Ida Lupino, o La extraña pasajera (1942) de Irving Rapper, drama romántico con Bette Davis y Paul Henreid.

Su actuación más recordada, a pesar de que representaba a un personaje secundario, fue en Casablanca (1942), la mítica película de Michael Curtiz en la que se narraba la conmovedora historia de amor entre Rick Blane (Humphrey Bogart) e Ilsa Lund (Ingrid Bergman). Su interpretación en ella del Capitán Louis Renault le supuso ser nominado al Oscar por segunda vez. Después apareció en El fantasma de la ópera (1943) de Arthur Lubin, adaptación de la novela de Gaston Leroux, con Nelson Eddy y Susanna Foster, Pasaje a Marsella (1944) de Michael Curtiz, drama bélico con Humphrey Bogart y Michèle Morgan, El señor Skeffington (1944) de Vincent Sherman, melodrama con Bette Davis por el que fue candidato al Oscar por tercera vez, Como te quise te quiero (1945) de William Dieterle, traslación de una obra de Pirandello, con Merle Oberon y Charles Korvin, César y Cleopatra (1945) de Gabriel Pascal, adaptación de Bernard Shaw, con Vivien Leigh y Stewart Granger, Encadenados (1946) de Alfred Hitchcock, excelente thriller de espionaje con el protagonismo de Cary Grant e Ingrid Bergman, en el que incorporaba a Alex Sebastian, el cerebro de una organización nazi en Brasil, papel que le reportó su cuarta y última nominación al Oscar, El diablo y yo (1946) de Archie Mayo, comedia fantástica con Paul Muni y Anne Baxter, Engaño (1946) de Irving Rapper, noir con Bette Davis y Paul Henreid, Sin sombra de sospecha (1947) de Michael Curtiz, noir con Joan Caulfield, Amigos apasionados (1949) de David Lean, drama romántico con Ann Tood y Trevor Howard, o Soga de arena (1949) de William Dieterle, noir con Burt Lancaster, Paul Henreid y Peter Lorre.

En las dos décadas siguientes continuó siendo un actor de carácter muy popular y pudo vérsele (además de en teatro y televisión) en títulos como La montaña trágica (1950) de Ted Tetzlaff, film de aventuras con Glenn Ford y Alida Valli, Donde habita el peligro (1950) de John Farrow, noir con Robert Mitchum y Faith Domergue, El expreso de París (1952) de Harold French, drama criminal con Marta Torén, Lisboa (1956) de Ray Milland, drama criminal con Milland y Maureen O'Hara, Esta tierra es mía (1959) de Henry King, drama con Rock Hudson, Jean Simmons, Dorothy McGuire, El mundo perdido (1960) de Irwin Allen, fantasía de aventuras con Michael Rennie y Jill St. John, Lawrence de Arabia (1962) de David Lean, drama biográfico con Peter O'Toole, A cualquier precio (1963) de Boris Sagal, drama judicial con Richard Chamberlain, o La historia más grande jamás contada (1965) de George Stevens, superproducción sobre la vida de Jesús de Nazaret interpretado por Max von Sydow al frente de un amplio reparto de estrellas donde Rains encarnó a Herodes el Grande, papel que constituyó su despedida del cine.

Nacionalizado norteamericano desde 1939, Claude Rains se casó seis veces y se divorció cinco. Sus esposas fueron Isabel Jeans (1913-1915); Marie Hemingway (1920); Beatrix Thomson (1924-1935); Frances Propper (1935-1956), madre de su única hija; Agi Jambor (1959-1960); y Rosemary Clark Schrode (1960-1964), de la que enviudó. Falleció de una hemorrragia intestinal a los 77 años.

     

Mary Travers - Follow me

MARY TRAVERS (Louisville, Kentucky, US, 9-11-1936 / Danbury, Connecticut, US, 16-9-2009): IN MEMORIAM

De no haber fallecido de leucemia seis años atrás a los 72, la cantante estadounidense Mary Travers habría cumplido hoy 79. Voz solista del trio folk Peter, Paul & Mary entre 1961 y 1970, prosiguió después carrera en solitario grabando cinco álbumes de 1971 a 1978, para en adelante volver con sus anteriores compañeros .

Follow me, una canción escrita por John Denver, apareció en Mary (1971), el primer y más exitoso álbum en solitario de Mary Travers.

Julio Romero de Torres - Pinturas

JULIO ROMERO DE TORRES (Córdoba, España, 9-11-1874 / Ibídem, 10-5-1930): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del pintor español Julio Romero de Torres. Abanderado de un romanticismo ciertamente trasnochado en la actualidad pero muy del gusto de su tiempo, en toda su pintura conjugó las influencias modernistas con los aires típicos de su tierra andaluza. Hizo, además, especial hincapié en los sentimientos trágicos y legendarios propios de la religiosidad y la cultura de sus paisanos, lo que explica la inmensa popularidad de que gozó tanto en vida como muchos años después de haber desaparecido. Los hogares más populares de la España rural exhibieron durante mucho tiempo reproducciones de las principales obras de Romero de Torres, casi siempre decorando las extensas páginas de unos enormes almanaques. Su recuerdo quedó vivo, además, en coplas y tonadillas folclóricas, y se hizo presente durante algún tiempo en las ilustraciones de sellos y papel moneda. En la actualidad, una buen parte de su obra  puede contemplarse en la Casa Museo que la ciudad de Córdoba ha dedicado a uno de sus artistas más universales. 

Hijo de Rafael Romero Barros, pintor y director-fundador del Museo Provincial de Bellas Artes en Córdoba, quien le inició en el sendero de la pintura desde muy temprana edad, cursó estudios en el Instituto Góngora y en 1884 se matricula en el Conservatorio de Música para estudiar solfeo. Paralelamente inicia clases de dibujo y pintura con su padre, aprendiendo de los maestros Sorolla y Fortuny,  de los que tomó la técnica impresionista y la temática costumbrista. De 1890 es su primera obra conocida y fechada, La huerta de Morales. En 1895 pinta ¡Mira qué bonita era! que presenta a la Exposición Nacional de Bellas Artes donde obtiene una Mención Honorífica y en 1897 con Conciencia tranquila opta a una beca para la Academia de España en Roma, que no consigue. En 1899 contrae matrimonio con la corbobesa Francisca Pellicer López con la que tendrá tres hijos. Ese mismo año, obtiene una plaza de auxiliar gratuito de Colorido y Composición en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Córdoba. Su integración en la vida cultural de su municipio va consolidándose en torno a la Academia de Ciencias, Nobles Artes y Bellas Letras, al Ateneo y a la Sociedad Económica de Amigos del País, y con la asistencia a las diversas tertulias literarias y artísticas que se celebraban en la ciudad.

En torno a 1900 su paleta alcanza uno de los momentos de más intenso luminismo de toda su producción. La luz y el color, junto a un detallado estudio de la figura femenina y la vegetación, serán protagonistas esenciales de pinturas como La siesta, Pereza andaluza, Patio cordobés, Jardín de Córdoba, Mujer a la puerta de un jardín o Mal de amores. En ella se pueden distinguir dos etapas bien diferenciadas, la de juventud. que se prolonga hasta 1907, y la de madurez, desde ese año hasta su fallecimiento. Durante la primera, su obra recibe las influencias de las corrientes pictóricas de finales del siglo XIX, como el realismo social, el impresionismo y el modernismo simbolista. En 1907, con la obra Nuestra Señora de Andalucía inaugura su etapa de madurez y su estilo queda practicamente definido con Musa gitana, su primera medalla en la Exposición Nacional de 1908. A este certamen también presentará Amor sagrado y amor profano. Estos y otros lienzos contienen ya los elementos estéticos que van a caracterizar su obra: el profundo simbolismo y sus argumentos alegóricos, la precisión de las formas, el dominio del dibujo, el deslizamiento de la tenue luz sobre las figuras, la supresión de la dureza del contraste, el artificio poético de los escenarios, el miniaturismo de los fondos idealizados, la morbidez de los cuerpos femeninos, las hábiles veladuras y la ondulación de los pliegues de los ropajes. De sus viajes a Roma en 1906 y 1908 absorbió influencias de la pintura renacentista italiana. 

En sus estancias en Madrid se relaciona con artistas e intelectuales y en 1910 participa en las Exposiciones Internacionales de Pintura Española que se celebran en Buenos Aires y en Santiago de Chile. Ramón del Valle Inclán pronuncia una serie de conferencias en la capital argentina en las que presenta a Julio Romero de Torres como primer pintor español. Aupado por los cánones modernistas vigentes en su tiempo, logró éxitos -no exentos de la controversia crítica que siempre acompañó al enjuiciamiento artístico de su pintura- en varias exposiciones nacionales e internacionales, como las realizadas en Barcelona (1911), Madrid (1912) y  Munich (1913). Pero lo cierto es que en su tiempo fue aclamado por pintores, escritores y contempladores de su obra, quienes celebraban la exaltación de los tópicos nacionales difundidos por la obra de Romero de Torres. Baste con recordar que las monografías de su pintura y los catálogos de sus exposiciones venían autorizados por comentarios elogiosos de autores como Jacinto Benavente, Ramón María del Valle Inclán, Gregorio Martínez Sierra o Santiago Rusiñol.

En 1914, con motivo del estallido de la Guerra Europea, firma el manifiesto de los intelectuales españoles en pro de la defensa de los valores espirituales y a favor de la causa aliada. Nombrado catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, en 1916 se instala definitivamente en la capital. En lo sucesivo, representó al arte español en diversas exposiciones internacionales en ciudades como París y Londres. Nocturno, La consagración de la copla, La saeta o Cante hondo son obras representativas de este periodo que nos permiten conocer la personalidad del pintor. Sus pinturas se caracterizan por la exaltación de valores tipicamente andaluces y sus tradiciones populares, como el flamenco, la copla o el toreo. Pero, sobre todo, se interesa por los prototipos humanos, siendo la mujer cordobesa la principal protagonista de sus cuadros. Se ha dicho de él que fue el pintor del alma de Andalucía. El artista cordobés pintó numerosas figuras femeninas, mujeres morenas de misteriosa y profunda mirada, envueltas en un halo ensimismado de pasión y sensualidad, en muchas ocasiones alegórico de lánguidas melancolías y perturbadores deseos ocultos. Así ocurre en Retablo del amor, Contrariedad, La niña de la jarra, Naranjas y limones, La nieta de la Trini o La chiquita piconera, su última obra acabada y la más emblemática, resumen de la concepción que el artista tenía de la pintura. Algunos de sus desnudos causaron escándalo en su época.

El Ayuntamiento de Córdoba le nombró Hijo Predilecto de la ciudad en 1922. Romero de Torres participó también de la corriente del cartel como medio de comunicación y realizó una serie de obras en las que se integra en la nueva tendencia (las etiquetas del Anís 'La Cordobesa', carteles de corridas de toros, calendarios de Explosivos Riotinto).

Durante los años 20, su estudio madriñeño fue centro de reuniones y tertulias, visitado incluso por la realeza. En 1928 pinta Viva el pelo, uno de sus lienzos más aclamados, y La Virgen de los Faroles, que es colocada en el retablo de la fachada norte de la Mezquita Catedral. Poco después comienza a sentir los primeros síntomas de una enfermedad que achaca al cansancio, dejando de pintar durante una temporada. Al no mejorar, consulta a los médicos que le diagnostican una grave dolencia hepática y pulmonar y vuelve a Córdoba para residir en la vivienda del Museo de Bellas Artes donde continuaba viviendo su familia. Los últimos homenajes y reconocimientos que recibió no impidieron el progresivo empeoramiento de su enfermedad, que le llevó a la muerte en su casa de la Plaza del Potro el 10 de mayo de 1930 cuando contaba 55 años. Su viuda e hijos donaron al pueblo de Córdoba los lienzos del artista que habían participado en la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929, para crear un Museo en su memoria.

Bram Stoker (Clontarf, Irlanda, 8-11-1847 / Londres, UK, 20-4-1912): In memoriam

EL CREADOR DE DRÁCULA

Hoy es aniversario natal del escritor irlandés Bram Stoker. Autor de una docena de novelas, en la mayoría de las cuales refleja la lucha entre el bien y el mal, debe su fama mundial a una de ellas, Drácula, historia ficticia basada en el personaje real del príncipe rumano Vlad Drăculea (alias Vlad el Empalador de Valaquia), en la que su creación del famoso conde vampiro le hizo pasar a la historia de la literatura.

Hijo de un funcionario público y una feminista, Abraham Stoker fue el tercero de los siete hijos en una familia burguesa austera y culta. Hasta los siete años sufrió una grave parálisis que le impedía andar. Postrado en la cama a consecuencia de su mala salud, las historias de terror basadas en leyendas irlandesas que le contó su madre durante su larga convalecencia habrían de ser determinantes cuando, con el correr del tiempo, se dispusiera a coger la pluma. Ya recuperado, asistió a una escuela privada y fue un buen deportista. Entre 1864 y 1870 estudió en el Trinity College de Dublín, donde se graduó con honores en Matemáticas; también fue empleado en la administración local como su padre. Durante su época de estudiante se aficionó al teatro y más tarde ejerció como crítico teatral para el Dublin Evening Mail. La London Society publicó su historia corta La copa de cristal (1972) y algunos de sus primeros relatos de misterio aparecieron en la revista semanal The Shamrock, como La cadena del destino (1975) o El camino de rosas, novela publicada por entregas entre 1875 y 1876.

En 1876 marchó a Londres acompañando al actor Henry Irving, quien le había contratado como representante y secretario tras leer su favorable crítica de "Hamlet", producción sobre William Shakespeare en la que Irving intervenía. Ambos cultivarían una estrecha relación personal y profesional hasta la muerte del actor en 1905 y juntos dirigieron el Lyceum Theatre londinense durante veintisiete años, lo que les proporcionó prosperidad económica. Stoker se casó en Dublín en 1878 con Florence Balcombe, una belleza anteriormente pretendida por Oscar Wilde (escritor a quien él había conocido en sus días de estudiante), trasladándose el matrimonio a Londres. Un año después nació Irving Noel, su único hijo. La pareja no fue feliz. A través de su amigo Irving, el escritor se introdujo en la alta sociedad londinense y con él viajó por diferentes lugares del mundo, sobre todo a Estados Unidos, donde el actor era popular. Ambos fueron invitados en la Casa Blanca por los presidentes William McKinley y Theodore Roosevelt. En ese país Stoker también llegó a conocer a su ídolo Walt Whitman.

Su primer libro publicado, un manual de referencia, fue Las obligaciones de los escribanos en los Tribunales de Primera Instancia en Irlanda (1879), escrito anteriormente en su época de funcionario. Después publicó Bajo el crepúsculo (1882), recopilación de ocho cuentos de hadas para niños, y novelas como El paso de la serpiente (1890) o El hombro de Shasta (1895).

Pero su obra más célebre y por la que alcanzó la inmortalidad es Drácula (1897), novela en la que construye, a través de diarios y cartas, el retrato de uno de los personajes más famosos del ideario romántico decadentista de la época victoriana, el conde vampiro de Transilvania, a quien dio su aspecto físico inspirándose en su amigo Henry Irving y en el compositor Franz Liszt. La narración se basa en diversas leyendas previas, aunque Stoker consigue una unidad de efecto e inquietantes resonancias eróticas y simbólicas, suprimiendo las fronteras sensibles entre vida y muerte a través de un juego de seducción de gran poder y sugerencia. Elogiada por Oscar Wilde y Arthur Conan Doyle, la novela se convertiría en uno de los libros más vendidos a lo largo del siglo XX y una fructífera inspiración para el cine, dando lugar a un auténtico reguero de películas a partir de "Nosferatu" (1922), la obra maestra del cineasta alemán F. W. Murnau, con Max Schreck como el Conde Orlock (versión no autorizada por la viuda de Stoker en la que hubo de cambiarse el nombre a su protagonista). Entre las siguientes adaptaciones sobresalen "Dracula" (1931) de Tod Browning, produccción de la Universal con Bela Lugosi  como protagonista, "Dracula" (1958) de Terence Fisher, producida por la Hammer británica, con Christopher Lee, o "Drácula de Bram Stoker" (1992) dirigida y producida por Francis Ford Coppola, con Gary Oldman como el tenebroso Conde.

Entre su restante producción cabe citar las novelas La señorita Betty (1898), El misterio del mar (1902), La joya de las siete estrellas (1903), El hombre (1905), La dama del sudario (1909), La guarida del Gusano Blanco (1911), o El invitado de Drácula y otras historias de terror (publicado postumamente en 1914) y los libros no ficticios Recuerdos personales de Henry Irving (1906) o Impostores famosos (1910).

Bram Stoker murió, empobrecido en una modesta pensión londinense, consumido por una sífilis terciaria a los 64 años.

Albert Camus (Mondovi, Argelia Francesa, 7-11-1913 / Villeblevin, Francia, 4-1-1960): In memoriam

EL HOMBRE REBELDE

Hoy es aniversario natal del novelista, ensayista y dramaturgo francés Albert Camus, considerado uno de los más importantes escritores posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra, caracterizada por un estilo vigoroso y conciso, refleja la filosofía del absurdo existencial, la sensación de alienación y desencanto junto a la afirmación de las cualidades positivas de la dignidad y la fraternidad humana. Anarquista convencido, se distanció del cristianismo, del marxismo y (a partir de los años 50) del existencialismo. En 1957 fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura.

Reseña biográfica procedente de la página AlohaCriticón:

 

Albert Camus nació en la localidad argelina de Mondovi (actualmente llamada Dréan) el 7 de noviembre de 1913, cuando el país africano estaba bajo dominio francés.

Su familia era muy humilde. Su padre Lucien Auguste Camus era un modesto agricultor galo que falleció a los pocos meses de su nacimiento en la batalla del Marne, y su madre Catherine Helen Sintes era una mujer analfabeta de origen español (concretamente de Menorca) que tuvo que trabajar como empleada de hogar para sacar adelante a sus hijos Lucien y Albert.

Camus fue un niño amante de los deportes y muy aplicado en los estudios que consiguió una beca para estudiar en la Universidad de Argel la carrera de Filosofía y Letras con la esperanza de acabar impartiendo clases. Este último propósito no pudo llevarlo a cabo al contraer la tuberculosis.

Al mismo tiempo que estudiaba, Camus trabajó en diversos oficios para ayudar económicamente a su madre. Gran amante del teatro, creó, dirigió y actuó en una compañía amateur llamada Theatre du Travail (posteriormente rebautizada como Theatre de L’Equipe), fundada en principio para audiencias de clase trabajadora.

A mediados de los años 30 se unió al Partido Comunista y por esa época realizó muchos viajes escribiendo sus impresiones en títulos como El revés y el derecho (L’envers at l’endroit, 1937) y Bodas (Noces, 1939).

En el año 1939, decepcionado por sus actitudes totalitarias, Albert Camus abandonó la ideología comunista, y se divorció de su primera esposa, Simone Hié, con quien se había casado en 1934 tras conocerla en la Federación Argelina de Jóvenes Socialistas.

Los problemas de Simone con las drogas y una infidelidad pusieron punto y final a la relación amorosa.

Con el cambio de decenio Camus comenzó a trabajar como periodista en Argelia, incorporándose a la plantilla del periódico Alger-Republican. Posteriormente, y tras haberse trasladado a la capital francesa, colaboró con el diario Paris-Soir.

Con la Segunda Guerra Mundial en plena ebullición, Camus se unió a la Resistencia y dirigió el periódico Combat. En 1940 se casó con Francine Faure.

Dos años después publicó su primera novela, titulada El extranjero (L’étranger, 1942), obra ambientada en su amada Argelia, un hecho usual en su trayectoria. Unos años antes, sin haberla publicado, Camus había escrito un libro precursor, La muerte feliz (La morte heureuse, 1937), novela que apareció publicada de forma póstuma en los años 70.

En sus textos se advierte una preocupación por la pequeñez y el absurdo del ser humano desde una óptica existencialista. Ese mismo año aparecieron también el ensayo El mito de Sísifo (Le mythe de Sisyphe, 1942) y la obra teatral El malentendido (Le malentendu, 1944). Calígula (Caligula, 1945) y La peste (La peste, 1947), una alegoría sobre la ocupación nazi, son dos de sus mejores trabajos que le valieron el reconocimiento de crítica y público.

Tras El hombre rebelde (L’homme révolté, 1951), obra en la que examinaba la ideología y formas revolucionarias, rompió relaciones con su amigo Jean-Paul Sartre, quien había simpatizado con las teorías stalinistas. Por esa época mantuvo un romance con la actriz María Casares.

Mientras trabajaba como periodista en el periódico L’Express, Albert Camus escribió La caída (La chute) (1956), otro de sus trabajos más importantes. En el año 1957 le concedieron el Premio Nobel de Literatura. Ese año se publicó el libro de relatos El exilio y el reino.

El primer hombre (Le premier homme) fue su última obra, una novela inacabada que se publicó de forma póstuma tras su fallecimiento el 4 de enero de 1960 a causa de un accidente de automóvil ocurrido en Villeblerin (Francia). Tenía 46 años de edad en el momento de su muerte.

Mike Nichols (Berlín, Alemania, 6-11-1931 / New York, US, 19-11-2014): In memoriam

REPUTADO DIRECTOR DE ACTORES

Hoy es aniversario natal del director estadounidense Mike Nichols. Accedió al cine tras sus resonantes triunfos como director en Broadway. Más valorado por la crítica a lo largo de su carrera como director teatral, en la pantalla destacó sobre todo en sus primeras películas, realizando después títulos abiertamente comerciales en los que se distinguió como reputado director de actores. Consiguió abundantes reconocimientos por sus trabajos escénicos, cinematográficos y televisivos, entre los que figuran seis premios Tony, un Oscar (de entre cuatro candidaturas), dos Globos de Oro, un BAFTA, dos Emmy y el Lifetime Achievement Award del American Film Institute en 2010.

Hijo de un médico judío de origen ruso, Mikhail Igor Peschkowsky (su nombre real) fue enviado a los Estados Unidos cuando tenía siete años junto a su hermano de tres para escapar de la persecución de los nazis. Reunidos en Nueva York en la primavera de 1939 con su padre, quien ya se encontraba allí desde meses antes (la madre llegó un año después desde Italia), la familia adoptó el apellido Nichols y se estableció en Manhattan. Mike Nichols adquirió la ciudadanía estadounidense en 1944 y posteriormente estudió medicina psiquiátrica en las universidades de Nueva York y Chicago, donde despertó su vocación artística, para finalmente optar por tomar lecciones de arte dramático con Lee Strasberg en Nueva York y unirse junto a la actriz Elaine May al grupo Compass Players, dedicado a improvisaciones humorísticas. Con May formó una pareja artística que triunfó en los clubs nocturnos, en la radio, y finalmente en un espectáculo de Broadway dirigido por Arthur Penn en 1960. El dúo finalmente se separó por tensiones internas, aunque al cabo de los  años, ambos se reconciliaron y llegaron a trabajar juntos de nuevo.

En 1963, Mike Nichols fue elegido para dirigir el montaje teatral de "Descalzos por el parque" de Neil Simon. La obra fue un gran éxito y Nichols descubrió que dirigir era lo suyo, tras ganar su primer Premio Tony, al que siguieron un segundo y un tercero en los dos años siguientes, lo que estableció su reputación como el director más solicitado del teatro americano y ser contratado por Warner Bros. para llevar a la pantalla ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), adaptación de la obra teatral de Edward Albee (estrenada en Broadway en 1962), con Elizabeth Taylor, Richard Burton, George Segal y Sandy Dennis, que obtuvo trece candidaturas al Oscar (incluyendo una para su director) y ganó en cinco de ellas. Después dirigió el mayor éxito del cine estadounidense del año, El graduado (1967), drama romántico con Anne Bancroft, Dustin Hoffman y Katharine Ross, por el que ganó el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA al mejor director y hoy un clásico. Sus siguientes films fueron Trampa 22 (1970), farsa antimilitarista de humor negro protagonizada por Alan Arkin, Conocimiento carnal (1971), comedia dramática con Jack Nicholson, Candice Bergen, Art Garfunkel y Ann-Margret, que causó controversia en su tiempo, El día del delfín (1973), thriller de ciencia-ficción con George C. Scott, y Dos pillos y una herencia (1975), comedia ambientada en los años 20, con Warren Beatty, Jack Nicholson y Stockard Channing.El escaso impacto de sus últimas películas apartó a Nichols de la pantalla (salvo para un documental en 1980) durante ocho años, concentrándose en su carrera teatral en Broadway, que le había seguido reportando un triunfo tras otro y sus tercer y cuarto premios Tony correspondientes a 1968 y 1971 (en 1984 ganaría el quinto).

Volvió al cine dirigiendo Silkwood (1983), un alegato antinuclear basado en hechos reales, con Meryl Streep, Kurt Russell y Cher, por el que Nichols fue nominado al Oscar por tercera vez, y continuó con Se acabó el pastel (1986), comedia dramática con Meryl Streep y Jack Nicholson, Desventuras de un recluta inocente (1988), comedia militar con Matthew Broderick y Christopher Walken, Armas de mujer (1988), comedia dramática con Harrison Ford, Sigourney Weaver y Melanie Griffith, un éxito notable y su cuarta nominación al Oscar como director, Postales desde el filo (1990), comedia dramática con Meryl Streep, Shirley MacLaine y Dennis Quaid, A propósito de Henry (1991), drama con Harrison Ford y Annette Bening, Lobo (1994), título de terror con Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer, Una jaula de grillos (1996), alocada versión de una comedia francesa de Jean Poiret sobre una madura pareja gay (ya llevada al cine por Edouard Molinaro en 1978) con Robin Williams, Gene Hackman, Nathan Lane y Dianne Wiest, Primary colors (1998), sátira política con John Travolta y Emma Thompson, ¿De qué planeta vienes? (2000), comedia de ciencia-ficción que supuso el mayor fracaso comercial de su carrera, del que se recuperó con Closer (2004), drama romántico con Julia Roberts, Jude Law, Natalie Portman y Clive Owen, y La guerra de Charlie Wilson (2007), sátira política con Tom Hanks, Julia Roberts y Philip Seymour Hoffman, su última película.

En la última etapa de su carrera también dirigió el telefilm Wit (2001), por el que ganó un Emmy, y la miniserie televisiva Angeles en América (2003), ganadora de cinco Globos de Oro y once premios Emmy, incluyendo el de mejor director. Asímismo prosiguió su trayectoria teatral, que le hizo lograr un sexto premio Tony en 2012.

Mike Nichols tuvo cuatro esposas: Patricia Scott (1957-1960); Margot Callas (1963-1974), madre de su primera hija; Annabel Davis-Goff (1975-1986), con quien tuvo un hijo y una hija; y Diane Sawyer (1988-2014), que sería su viuda. El director falleció de un ataque cardiaco a los 83 años.

 

Joel McCrea (South Pasadena, California, US, 5-11-1905 / Los Angeles, California, US, 20-9-1990): In memoriam

SOBRIO Y SIEMPRE EFICIENTE

 

Hoy se cumplen 110 años del nacimiento del actor estadounidense Joel McCrea. Apuesto, sobrio, siempre eficiente y versátil, fue un destacado galán en el Hollywood de los años 30 y 40, especializándose luego en protagonizar westerns. A lo largo de su muy prolífica carrera trabajó con importantes directores como Cecil B. DeMille, King Vidor, George Cukor, Gregory La Cava, Howard Hawks, William Wyler, Alfred Hitchcock, Preston Sturges, William A. Wellman, George Stevens, Raoul Walsh o Sam Peckinpah, dejando varios clásicos a la posteridad. 

Hijo de un ejecutivo de una compañía de gas y electricidad, Joel Albert McCrea sintió desde niño inclinación por el mundo del cine. Después de graduarse, actuó como figurante en diversas producciones silentes. Tras la llegada del cine sonoro, consiguió roles de más relieve en La era del jazz (1929) de Leslie Shores, Dinamita (1929) de Cecil B. DeMille, La horda argentada (1930) de George Archainbaud, Nacida para amar (1931) de Paul L. Stein, El obrero y la millonaria (1931) de Lloyd Bacon, El negocio ante todo (1932), o La escuadrilla deshecha (1932) de George Archainbaud. Ya se hace notar con Ave del paraíso (1932) de King Vidor, drama ambientado en la Polinesia que causó controversia por el erotismo de sus escenas con Dolores Del Río, El malvado Zaroff (1932) de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack, clásico de terror con Fay Wray y Leslie Banks, Tentación (1932) de George Cukor, melodrama con Constance Bennett, Lecho de rosas (1933) de Gregory La Cava, drama romántico con Constance Bennett, Dos amores (1933) de John Cromwell, drama con Irene Dunne, El viajero solitario (1933) de John S. Robertson, drama con Lionel Barrymore y May Robson, La novia de la suerte (1934) de Archie Mayo, drama con Barbara Stanwyck, La mujer más rica del mundo (1934) de William A. Seiter, comedia con Miriam Hopkins, Mundos privados (1935) de Gregory La Cava, drama con Claudette Colbert, Charles Boyer, Joan Bennett y Helen Vinson, La ciudad sin ley (1935) de Howard Hawks, drama con Miriam Hopkins y Edward G. Robinson, La fugitiva (1935) de George B. Seitz, drama criminal con Maureen O'Sullivan, Esplendor (1935) de Elliott Nugent, comedia romántica con Miriam Hopkins, Esos tres (1936) de William Wyler, drama con Miriam Hopkins y Merle Oberon, Antes de medianoche (1936) de Edward Ludwig, comedia con Jean Arthur, Rivales (1936) de Howard Hawks y William Wyler, drama con Edward Arnold y Frances Farmer, Quien conquista es la mujer (1937) de John G. Blystone, comedia romántica con Miriam Hopkins, Callejón sin salida (1937) de William Wyler, drama social con  Humphrey Bogart y Wendy Barrie, Una nación en marcha (1937) de Frank Lloyd, western con Bob Burns y Frances Dee, Vocación de marinero (1938) de Archie Mayo, comedia con Andrea Leeds, Unión Pacífico (1939) de Cecil B. DeMille, western con Barbara Stanwyck, o Rapsodia de juventud (1939) de Archie Mayo, drama musical con Andrea Leeds.

En los años 40 se afianzó como estrella en películas como Camino de rosas (1940) de Gregory La Cava, drama con Ginger Rogers, Enviado especial (1940) de Alfred Hitchcock, thriller de espionaje con Laraine Day y Herbert Marshall, Los viajes de Sullivan (1941) de Preston Sturges, comedia con Veronica Lake, probablemente el mejor título de su filmografía, Una gran señora (1942) de William A. Wellman, drama con Barbara Stanwyck y Brian Donlevy, Un marido rico (1942), otra gran comedia de Preston Sturges, con Claudette Colbert, Mary Astor y Rudy Vallee, El amor llamó dos veces (1943) de George Stevens, magnífica comedia con Jean Arthur y Charles Coburn, Las aventuras de Buffalo Bill (1944) de William A. Wellman, western con Maureen O'Hara y Linda Darnell, El gran momento (1944) de Preston Sturges, drama biográfico sobre el inventor de la anestesia dental, con Betty Field, Misterio en la noche (1945) de Lewis Allen, thriller con Gail Russell y Herbert Marshall, El virginiano (1946) de Stuart Gilmore, western con Brian Donlevy, La mujer de fuego (1947) de André De Toth, western con Veronica Lake, Cuatro caras del Oeste (1948) de Alfred E. Green, western con Frances Dee y Charles Bickford, Al sur de San Luis (1949), western con Alexis Smith, Zachary Scott y Dorothy Malone, o Juntos hasta la muerte (1949) de Raoul Walsh, western con Virginia Mayo.

A partir de la década siguiente la década siguiente intervino en producciones de bajo presupuesto, en su gran mayoría westerns: Jinetes (1950) de Roy Rowland, con Arlene Dahl, Estrellas en mi corona (1950) de Jacques Tourneur, con Ellen Drew y Dean Stockwell, Alma solitaria (1950) de Hugo Fregonese, con Wanda Hendrix, Frenchie (1950) de Louis King, con Shelley Winters, Amigos bajo el sol (1951) de Kurt Neumann, con Dean Stockwell y Chill Wills, Crimen en Hollywood (1951) de William Castle, con Julia Adams, Historia de San Francisco (1952) de Robert Parrish, con Yvonne De Carlo, Un disparo en la mañana (1953) de Robert Parrish, con Evelyn Keyes, La mano solitaria (1953) de George Sherman, con Barbara Hale, Río fronterizo (1954) de George Sherman, con Yvonne De Carlo, El cañón del corcel negro (1954) de Jesse Hibbs, con Marie Blanchard, El jinete misterioso (1955) de Jacques Tourneur, con Miroslava, Wichita (1955) de Jacques Tourneur, con Vera Miles, Libertad o muerte (1956) de Byron Haskin, con Felicia Farr y Jeff Morrow, Duelo en el desfiladero (1957) de Francis D. Lyon, con Mark Stevens y Joan Weldon, El hombre de Oklahoma (1957) de Francis D. Lyon, con Barbara Hale, El sargento Hook (1957) de Charles Marquis Warren, con Barbara Stanwyck, El imperio del ganado (1958) de Charles Marquis Warren, con Gloria Talbott, El fuerte de la matanza (1958) de Joseph M. Newman, con Forrest Tucker y Susan Cabot, El sheriff de Dodge City (1959) de Joseph M. Newman, o con Julie Adams, John McIntire y Nancy Gates. Su último film importante, junto a otro maduro ex-galán, Randolph Scott, fue el western crepuscular Duelo en la alta sierra (1962) de Sam Peckinpah que se considera hoy un clásico. También trabajó en la televisión, retirándose del cine en 1976 para vivir en su rancho con su familia tras haber ganado una fortuna.

Joel McCrea estuvo casado durante 57 años, desde 1933 hasta su muerte, con la actriz Frances Dee, con quien tuvo tres hijos varones. Falleció de una neumonía a los 84 años.

 

Vintage delights (LI)

Judy Garland

Katharine Hepburn

Bette Davis

Greta Garbo

Judy Holliday

Maureen O'Hara

 Ingrid Bergman

 Ava Gardner

Marlene Dietrich

Myrna Loy

Humphrey Bogart

Charlton Heston

 James Cagney

Greer Garson

Miriam Hopkins

 Ida Lupino

Helen Hayes

Paulette Goddard

Joan Fontaine

Lupe Vélez

 Lana Turner

George Raft

Mae West

Kim Novak

Tribute to Monica Vitti (Roma, Italia, 3-11-1931)

MUSA DE ANTONIONI E ICONO DE LA COMMEDIA ALL'ITALIANA

La actriz italiana Monica Vitti cumple hoy 84 años. De abundante cabellera rubia y belleza felina, en casi cuarenta años de carrera, con su brío innato y su característica voz ronca, llegó a ser una de las más sobresalientes intérpretes de la cinematografía italiana. Popularísima en su país, ganó cinco premios David di Donatello a la mejor actriz y tres Nastri d'Argento, entre otros muchos reconocimientos.

Nacida Maria Luisa Ceciarelli, de niña vivió en Messina (Sicilia), durante casi ocho años. Durante la II Guerra Mundial descubrió la pasión por el teatro, debutando en escena con sólo catorce años. En 1953 se diplomó en la Accademia Nazionale d'Arte Drammatica y comenzó su actividad escénica. Un año después debutó sin acreditar en el cine. En el teatro fue descubierta por el cineasta Michelangelo Antonioni, que la lanza en su trilogía sobre la incomunicación: La aventura (1960), con Gabriele Ferzetti y Lea Massari, La noche (1961), con Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau, y El eclipse (1962), con Alain Delon y Francisco Rabal. Ya convertida en estrella y estilizada musa oficial de Antonioni, con quien sostuvo una relación sentimental, volvió a ser dirigida por él emparejada a Richard Harris en El desierto rojo (1964), drama psicológico incidiendo en la misma temática que ganó el León de Oro a la mejor película en el Festival de Venecia.

Dejando a un lado su relación con su mentor, Monica actuó casi siempre en comedias. Así en adelante pudo ser vista en las películas de episodios: Alta infidelidad (1964), donde Vitti apareció en el dirigido por Luciano Salce, Las muñecas (1965), en la que fue dirigida por Franco Rossi, y Las brujas (1966), nuevamente dirigida por Luciano Salce. También protagonizó Modesty Blaise (1966) de Joseph Losey, encarnando a una seductora heroína de cómic junto a Terence Stamp y Dirk Bogarde, Mátame, tengo frío (1967) de Francesco Maselli, comedia criminal con Jean Sorel, El cinturón de castidad (1967) de Pasquale Festa Campanile, comedia medieval con Tony Curtis, La ragazza con la pistola (1968) de Mario Monicelli, comedia con Stanley Baker y Carlo Giuffrè por la que Vitti ganó la Concha de Plata en San Sebastián y el David di Donatello a la mejor actriz, La mujer escarlata (1969) de Jean Valère, comedia con Maurice Ronet y Robert Hossein, Amor mío, ayúdame (1969) de Alberto Sordi, comedia coprotagonizada junto a su director, El demonio de los celos (1970) de Ettore Scola, comedia dramática con Marcello Mastroianni y Giancarlo Giannini, La mujer más explosiva del mundo (1970) de Marcello Fondato, comedia con Gastone Moschin, su segundo David di Donatello, La pacifista (1970) de Miklós Jancsó, drama con  Pierre Clémenti, El proxeneta y la testigo (1971) de Franco Giraldi, comedia negra con Ugo Tognazzi, Erótika, exótika, psicopátika (1971) de Dino Risi, comedia de episodios, todos ellos protagonizados por Vitti, con Carlo Giuffrè y Enrico Maria Salerno, Confidencias de una esposa alegre (1972) de Franco Giraldi, comedia con Luigi Proietti, La Tosca (1973) de Luigi Magni, versión paródica del drama de Sardou con Luigi Proietti, Umberto Orsini y Vittorio Gassman, Teresa, la ladrona (1973) de Carlo Di Palma, comedia con Stefano Satta Flores, Esa rubia es mía (1973) de Alberto Sordi, comedia sobre el mundo de las variedades en los años 40, con Sordi y John Phillip Law, su tercer David di Donatello, El fantasma de la libertad (1974), comedia surrealista de Luis Buñuel, La ronda del placer (1975) de Marcello Fondato, comedia satírica con Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Renato Pozzetto y Giancarlo Giannini, Cita al final del camino (1975) de Carlo Di Palma, comedia dramática con Claudia Cardinale, Pato a la naranja (1975) de Luciano Salce, comedia con Ugo Tognazzi, su cuarto David di Donatello, Mimi Bluette (1976) de Carlo Di Palma, comedia de época con Shelley Winters, La otra mitad del cielo (1977) de Franco Rossi, comedia con Adriano Celentano, Razón de estado (1978) de André Cayatte, thriller político con Jean Yanne, Michel Bouquet y François Périer, Mis maridos y yo (1978) de Steno, comedia con Johnny Dorelli, Enrico Maria Salerno y Edwige Fenech, por la que logró su quinto David di Donatello, o Camas calientes (1979) de Luigi Zampa, comedia de episodios con Laura Antonelli, Ursula Andress y Sylvia Kristel.

En el último tramo de su carrera, tras protagonizar Cuarto de hotel (1981) de Mario Monicelli, comedia con Vittorio Gassman sobre el 'cinéma verité', Monica Vitti se reencontró con Michelangelo Antonioni en El misterio de Oberwald (1981), drama que adaptaba una obra de Jean Cocteau, y apareció también en títulos como El tango de los celos (1981) de Steno, comedia con Diego Abatantuono, Yo sé que tú sabes que yo sé (1982), comedia dirigida y coprotagonizada por Alberto Sordi, o Flirt (1983) de Roberto Russo, drama con Jean-Luc Bideau, por el que fue premiada en Berlín con un Oso de Plata. Poco a poco alejada de la pantalla, se despidió dirigiendo y protagonizando Escándalo secreto (1990), comedia con Elliott Gould y Catherine Spaak. Luego trabajó durante un corto período en televisión. En 1986 fue nombrada Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana, y en 1995 recibió el León de Oro en Venecia a toda su carrera.

Sentimentalmente, despues de Antonioni, se relacionó con el director de fotografía y realizador Carlo Di Palma y, finalmente con el director Roberto Russo, con quien, después de veintisiete años de noviazgo, se casó finalmente en el año 2000. Publicó su autobiografía en 1993. La enfermedad de Alzheimer la ha apartado del ojo público desde 2002. 

POSDATA

Monica Vitti falleció en Roma el 2 de febrero de 2022 a la edad de 90 años.

 

María Martha Serra Lima - Soy lo peor

FLORES DEL MAL (V): MARIA MARTHA SERRA LIMA 

Soy lo peor, contundente declaración de principios escrita por Armando Manzanero, fue grabada por la cantante y actriz bonaerense María Martha Serra Lima en 1987.

Ana María González - Pecadora

FLORES DEL MAL (IV): ANA MARÍA GONZÁLEZ

Pecadora, bolero original del gran compositor mexicano Agustín Lara, y registrado por primera vez en 1947, tuvo infinidad de versiones, entre ellas la de la cantante veracrucense Ana María González (1920-1983).

Olga Guillot - Soy lo prohibido

FLORES DEL MAL (III): OLGA GUILLOT

Soy lo prohibido (Roberto Cantoral / Dino Ramos), canción editada en 1975 por CBS en España, se convirtió en uno de los temas más emblemáticos y celebrados de la gran bolerista cubana Olga Guillot.

Paquita la del Barrio - Una corona de azahares

FLORES DEL MAL (II): PAQUITA LA DEL BARRIO

El álbum "Desquítate conmigo" (1992) de la cantante mexicana Paquita la del Barrio comenzaba con  Una corona de azahares, cantable escrito por Lucha Calderón.

Chelo Silva - Yo soy de cabaret

FLORES DEL MAL (I): CHELO SILVA

En 1971 CBS editó en España un single de la cantante texana Chelo Silva con Yo soy de cabaret, canción original de Carmen Salinas, en la cara A.

King Vidor (Galveston, Texas, US, 8-2-1894 / Paso Robles, California, US, 1-11-1982): In memoriam

INDIVIDUALISTA, ENÉRGICO Y PASIONAL

Hoy se cumplen 33 años del fallecimiento del director estadounidense King Vidor. Pionero en los años del cine silente, en su dilatada carrera radiografió la sociedad estadounidense de su tiempo con pasión y energía, defendió el individualismo americano y demostró su gusto por los elementos épicos y líricos de la narrativa. Cinco veces candidato al Oscar al mejor director sin lograrlo en competición, fue premiado con uno honorífico en 1979.

Nieto de emigrantes húngaros, su padre era un próspero hombre de negocios y su madre una seguidora de las teorias de la Christian Science. King Wallis Vidur (su nombre originario) sobrevivió junto a su familia al gran huracán de Galveston en 1900. Cursó estudios en la Academia Militar de San Antonio y después en el colegio de Fort Deposit.  Filmó como aficionado documentales publicitarios y noticiarios que a veces vendía a firmas especializadas. Debutó como realizador con el cortometraje "Hurricane in Galveston" (1913), rodado con una cámara de fabricación casera y que indagaba en las secuelas de la tragedia que había vivido trece años antes. En 1916, contrajo matrimonio con, la futura estrella Florence Vidor. Ambos e instalaron en Hollywood donde él trabaja de extra, contable, regidor o escribe guiones. Realiza unos cortometrajes para el juez Willis Brown, que quiere crear una ciudad para adolescentes. En 1919 trabaja para un grupo de médicos (la Brentwood Company), adeptos como él de la Christian Science. Su primer largometraje fue La vuelta del camino (1919), que atrajo la atención de los distribuidores. Un año después fundó su estudio Vidor Village, donde dirigió películas en las que en su mayor parte la estrella era su mujer Florence Vidor. El éxito de Tin-Tin de mi corazón (1922), comedia dramática con Laurette Taylor le procura un contrato con Goldwyn Studios (más tarde absorbidos por MGM) y en 1923 cierra su propio estudio.

Con El gran desfile (1925), film bélico sobre la Primera Guerra Mundial, con John Gilbert y Renée Adorée, consigue su primera obra maestra, seguida de otros títulos importantes como Vida bohemia (1926), drama romántico inspirado en la ópera de Puccini, con Lillian Gish y John Gilbert, Y el mundo marcha (1928), melodramática desmitificación del sueño americano, con James Murray, Eleanor Boardman y Bert Roach, por la que obtuvo su primera nominación al Oscar como mejor director en la edición inaugural de los Premios de la Academia. Este film está considerado una de las obras cumbres de todo el cine silente. Asímismo dirigió La que paga el pato (1928), comedia con Marion Davies y Marie Dressler, y Espejismos (1928), última comedia muda de Marion Davies en su mejor papel, con William Haines de coprotagonista, y hoy considerada último destacado baluarte de la era silente.

Su primera película sonora fue Aleluya (1929), musical con reparto formado íntegramente por afroamericanos que le supuso su segunda candidatura al Oscar. Entre sus títulos siguientes figuran Billy el niño (1930), western con Johnny Mack Brown y Wallace Beery, La calle (1931), realista narración sobre la vida de los habitantes de un edificio en un barrio pobre de Nueva York y la desesperación de los jóvenes por salir de él, con Sylvia Sidney, William Collier Jr. y Estelle Taylor, o Champ, el campeón (1931), melodrama de enorme éxito sobre un ex-campeón de boxeo (Wallace Beery) que tiene que ocuparse de cuidar a su hijo (Jackie Cooper) y superar su decadencia personal y profesional, film que le proporciona una tercera candidatura al Oscar a Vidor. Vinieron después Ave del paraíso (1932), drama exótico ambientado en la Polinesia con Dolores del Río y Joel McCrea, Su único pecado (1932), melodrama con Ronald Colman y Kay Francis, El regreso de una extraña (1933), drama con Lionel Barrymore y Miriam Hopkins, El pan nuestro de cada día (1934), drama social sobre la Gran Depresión americana, con Karen Morley y Tom Keene, Noche nupcial (1935), drama romántico con Gary Cooper y Anna Sten por el que fue premiado como mejor director en el Festival de Venecia, Cenizas de la guerra (1935), drama sureño de época con Margaret Sullavan, Walter Connolly y Randolph Scott, Milicias de paz (1936), western con Fred MacMurray, Jack Oakie y Jean Parker, Stella Dallas (1937), melodrama sobre el arrivismo social con Barbara Stanwyck, John Boles, Anne Shirley, considerado una de sus mejores obras, La ciudadela (1938), drama sobre un médico que deja atrás sus ideales conforme empieza a ganar dinero, con Robert Donat y Rosalind Russell, por el que fue nominado al Oscar por cuarta vez, finalizando la década con el rodaje de las escenas de Kansas en "El mago de Oz" (1939) de Victor Fleming (incluída la secuencia con la canción "Over the rainbow" interpretada por Judy Garland), film en el que su nombre no fue acreditado.

Entre sus películas de las década siguientes figuran Paso al noroeste (1940), film de aventuras con Spencer Tracy y Robert Young, su primera obra en color, Camarada X (1940), comedia de espionaje con Clark Gable y Hedy Lamarr, Cenizas de amor (1941) drama romántico con Hedy Lamarr, Robert Young y Ruth Hussey, Un sueño americano (1944), drama sobre la inmigración con Brian Donlevy, Duelo al sol (1946), épico western de gran dramatismo, con Jennifer Jones, Gregory Peck, Joseph Cotten, El manantial (1949), potente adaptación de una novela de Ayn Rand con toda la pasión y el pulso narrativo que caracterizan al mejor Vidor, con Gary Cooper y Patricia Neal como protagonistas, Más allá del bosque (1949), otro drama pasional con Bette Davis y Joseph Cotten, La luz brilló dos veces (1951), drama de intriga con Ruth Roman, Richard Todd, Mercedes McCambridge y Zachary Scott, Esposa de guerra japonesa (1952), drama sobre racismo con Shirley Yamaguchi y Don Taylor, Pasión bajo la niebla (1952), melodrama pasional con Jennifer Jones, Charlton Heston y Karl Malden, o La pradera sin ley (1955), vigoroso western con Kirk Douglas, Jeanne Crain y Claire Trevor. El mayor desafío al que se enfrentó Vidor fue Guerra y paz (1956), larguísima traslación a la pantalla de la novela de Leo Tolstoi que representó la producción más cara rodada hasta la fecha, con Audrey Hepburn, Henry Fonda, Mel Ferrer y Vittorio Gassman. Con excelentes interpretaciones y secuencias memorables, hoy se considera ésta una de las mejores películas de Vidor, pero en su día no obtuvo el éxito esperado, y Vidor fue por ella nominado al Oscar por quinta vez sin conseguirlo. Tampoco fue fácil el rodaje de Salomón y la reina de Saba (1959), sobre todo, porque durante el mismo falleció Tyrone Power, el protagonista, que hubo de ser sustituido por Yul Brynner, emparejado a Gina Lollobrigida. Después se retiró, y en 1979 recibió un Oscar honorífico.

King Vidor estuvo casado con las actrices Florence Arto (1915-1924), madre de su primera hija, y Eleanor Boardman (1926-1931), con quien tuvo otras dos hijas. Su tercera esposa fue Elizabeth Hill (1932–1978). En 1953 Vidor publicó su autobiografía, "Un árbol es un árbol". Falleció a los 88 años de una dolencia cardiaca.

 

Adamo - A demain sur la lune

À TROIS BORNES DES CIEUX

À demain sur la lune es mi canción favorita del repertorio de Adamo y una de mis preferidas en francés. Inspiradísima de letra y música, con fabulosos arreglos orquestales de Alain Goraguer, apareció encabezando un E.P. y un L.P. del mismo título en 1969.

À demain sur la lune (Salvatore Adamo)

À demain sur la lune
Aux quatre coins des dieux
À demain sur la lune
À trois bornes des cieux
Il y aura un carrosse
Qui nous emmènera
Voir mes rêves de gosse
Et tu t'y reconnaîtras
Et pour toi ma jolie
Le vent, ce magicien
Jouera une symphonie
De mille musiciens
A demain sur la lune...
Là nous verrons la terre
Comme une boule de Noël
Se balancer légère
Au grand sapin du ciel
Et d'étoile en étoile
Nos chevaux voleront
A l'heure où le ciel se voile
De mille rêves blancs
A demain sur la lune...
Le vent te couvrira
D'un voile de dentelles
Et tu t'endormiras
Dans la nuit la plus belle
Moi moi, moi je te bercerai
J'attendrai ton réveil
Puis je t'embrasserai
A la barbe du soleil
A demain sur la lune...
A demain sur la lune...
A demain sur la lune...
A demain sur la lune...
A demain sur la lune...
A demain sur la lune...

 

Adamo - Une larme aux nuages

TRIBUTE TO SALVATORE ADAMO (Comiso, Sicilia, Italia, 1-11-1943)

El cantautor italo-belga Salvatore Adamo cumple hoy 72 años. Autor e intérprete melódico de casi 500 canciones, particularmente en los años 60  fue un ídolo popular de gran calado en Europa, América Latina y otras partes del mundo como Israel, Turquía o Japón. Desde 1993 ha sido embajador honorario de UNICEF por Bélgica, su país de adopción, donde en 2001 fue nombrado Caballero de la Orden de La Corona por el Rey Alberto II y Oficial de la misma en 2002.

Salvatore Adamo es hijo de Antonio, un minero que emigró a Bélgica en 1947 para trabajar en las minas de Marcinelle. En junio de ese mismo año, su esposa, Concetta, ama de casa, y su hijo Adamo se le unieron en Ghlin (Mons) antes de trasladarse a Jemappes (Mons) donde se crió. En 1950, pasó un año postrado en cama con meningitis. Sus progenitores no querían que su hijo se convirtiese en minero, por lo que le ingresaron a una escuela católica dirigida por los Frères des Ecoles Chrétiennes. Fue un estudiante aplicado en la escuela y se distinguió en música y artes en general desde una edad temprana. Sus primeras influencias musicales fueron de autores franceses como Jacques Prèvert y Georges Brassens y la canción italiana, comenzando a cantar y componer sus propias canciones desde una edad muy temprana.

En 1960 participó en un concurso de Radio Luxemburgo con la canción Si j'osais de la que era autor y ganó la final celebrada en París el 14 de febrero del mismo año. Su primer triunfo fue con En blue jeans et blouson d'cuir (1962) y Sans toi, ma mie (1962) en Bélgica. A éste le siguieron una serie de hits como Tombe la neige (1963), Car je veux (1963), La nuit (1964), Vous permettez, Monsieur  (1964), Mes mains sur tes hanches (1965), Elle... (1965), J'aime (1965), Une meche de cheveux (1965), En bandoulière (1966), Tenez vous bien (1966), Elle était belle pourtant (1966), Ton nom (1966), Que le temps s'arrête ‎(1966), Et sur la mer (1967), Valse d'été (1967), Une larme aux nuages (1967), Inch' Allah (1967), Notre roman (1967), Ensemble (1967), Le ruisseau de mon enfance (1968), Pauvre Verlaine (1968), Petit bonheur (1969), A demain sur la lune (1969). Su presentación en el Olympia de París en 1965 se saldó con un gran éxito.

En la década de los 60, sus melodías, grabadas originalmente en francés y después en italiano, español, portugués, inglés, alemán, turco y japonés, triunfaron en gran parte del mundo y sus discos se vendieron por millones. A partir de los años 70 su impacto fue disminuyendo, aun con algún hit como C'est ma vie (1975). Su discos se han seguido reeditando en diferentes idiomas y él no ha dejado de grabar nuevos álbumes y de ofrecer conciertos cuando su salud se lo ha permitido. En 1984, tuvo problemas de corazón, lo que hizo necesaria una operación para implantarle un bypass. En 2004, un accidente cerebro-vascular le obligó a cancelar una gira programada, pero desde 2007 ha seguido actuando. Salvatore Adamo es, con Tino Rossi, Charles Aznavour, Dalida, Mireille Mathieu y Johnny Hallyday, uno de los seis intérpretes francófonos con ventas de discos superiores a los 100 millones de ejemplares.

El cantante está casado desde 1969 con Nicole Durant, con quien tuvo dos hijos nacidos en 1969 y 1980. También tiene una hija nacida en 1979 de una relación extramarital con la actriz alemana Annette Dahl. Conserva la nacionalidad italiana.

Une larme aux nuages, publicada en single en 1967, fue un gran hit en gran parte de Europa, particularmente en Francia, Italia y Alemania.