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viernes, 10 de julio de 2015

Marcel Proust (Auteuil, París, Francia, 10-7-1871 / París, Francia, 18-11-1922): In memoriam

NARRADOR GENIAL Y ESTILIZADO DE LA MEMORIA SUBJETIVA

Hoy es aniversario natal del escritor francés Marcel Proust, autor de la novela en siete partes En busca del tiempo perdido, publicada entre 1913 y 1927, cuyo eje central es la recuperación del pasado por medio del hilo conductor de la memoria. Considerada una de las cumbres de la literatura universal, esta magna obra describe minuciosamente la vida de un hombre ocioso que se mueve entre la alta sociedad. Toda la novela conforma un largo monólogo interior en primera persona y en muchos aspectos es autobiográfica. Su importancia reside, no tanto en sus descripciones de la cambiante sociedad francesa, como en el desarrollo psicológico de los personajes (más de doscientos) y en la preocupación filosófica de su autor por el paso del tiempo. Un poso de melancolía recorre sus páginas, impregnadas por un sentimiento de fracaso y vacío de la existencia. Cuando Proust trazó la trayectoria de su protagonista desde la infancia hasta el compromiso romántico de su propia conciencia como escritor, buscaba además verdades eternas, capaces de revelar la relación de los sentidos y la experiencia, la memoria oculta que de pronto se libera ante un acontecimiento cotidiano, y la belleza de la vida, oscurecida por el hábito y la rutina, pero accesible a través del arte. Trató el tiempo como un elemento a la vez destructor y positivo, solo aprenhensible gracias a la memoria intuitiva y percibido como un fluir constante en el que los momentos del pasado y el presente poseen una realidad igual. Asímismo exploró con audacia los abismos de la psique humana, las motivaciones inconscientes y la conducta irracional, sobre todo en relación con el amor. Esta obra, traducida a numerosos idiomas, hizo famoso a su autor en el mundo entero y su método de escritura ha ejercido una importantísima influencia en toda la literatura del siglo XX.
El mayor de los dos hijos de Adrien Proust, un prestigioso y adinerado médico epidemiólogo de familia tradicional y católica, y de Jeanne Weil, alsaciana de origen judío, Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust dio muestras tempranas de inteligencia y sensibilidad. A los nueve años sufrió el primer ataque grave de asma, afección que ya no le abandonaría, por lo que creció entre los continuos cuidados y atenciones de su madre. En el liceo Condorcet, donde cursó la enseñanza secundaria, afianzó su vocación por las letras, destacando en Lengua y Literatura. A los diecisiete años comenzó a frecuentar salones parisinos en los que entablaría relación con damas de la alta burguesía, artistas y literatos de la época. Su fina sensibilidad, aguda inteligencia y exquisita elegancia propiciaron su ascenso social. Tras cumplir como voluntario el servicio militar en 1889 en Orleans, asistió a clases en la Universidad de La Sorbona y en la École Livre de Sciences Politiques. Durante los años de su primera juventud llevó una vida mundana y aparentemente despreocupada, que ocultaba las terribles dudas que albergaba sobre su vocación literaria. Tras descartar la posibilidad de emprender la carrera diplomática, para complacer a su padre, estudió Derecho, carrera que nunca ejerció, y después obtuvo Licenciatura en Letras, si bien en esos años continuó viviendo de la fortuna familiar y frecuentando salones mientras escribía pequeños textos que nunca tuvieron mucha repercusión. En esos tiempos tuvo amores con jóvenes compañeros de su misma clase social como Lucien Daudet, uno de los hijos del célebre escritor Alphonse Daudet, o el músico francovenezolano Reynaldo Hahn. También visitó saunas y prostíbulos masculinos clandestinos y pagó con generosidad a jóvenes efebos para satisfacer sus deseos sexuales.
Sensible al éxito social y a los placeres de la vida mundana, el joven Proust tenía, sin embargo, una idea muy diferente de la vida de un artista, cuyo trabajo sólo podía ser fruto de "la oscuridad y el silencio". En 1896 publicó Los placeres y los días, colección autofinanciada de relatos y ensayos que, prologada por Anatole France, muestra sus dotes de observador para reproducir las impresiones recogidas en los salones parisinos, material que emplearía con más eficacia en obras posteriores. Entre 1896 y 1904 trabajó en la obra autobiográfica Jean Santeuil (publicada postumamente en 1952), en la que se proponía relatar su itinerario espiritual, y en las traducciones al francés de La biblia de Amiens y Sésamo y los lirios, de John Ruskin. Después de la muerte de su padre en 1903 y, sobre todo de su madre en 1905, el escritor se sintió solo y deprimido y se convirtió en un enfermo crónico, con la salud progresivamente deteriorada, estado proclive a la tarea que en esos años decidió emprender, la redacción de su ciclo novelesco En busca del tiempo perdido, que concibió como la historia de su vocación, tanto tiempo postergada y que ahora se le imponía con la fuerza de una obligación personal. Se dice que Proust regresó un día a su pueblo natal y, como cuando era pequeño, pidió magdalenas para desayunar. Cuando iba a comer la primera magdalena, el olor y el sabor de ésta le evocaron rápidamente recuerdos de su infancia que parecían olvidados. Según se cuenta, éste fue el motivo que lo impulsó a escribir su ingente y voluminosa obra maestra. A tal fin, pasó el resto de su vida (quince años) recluído, sin abandonar casi nunca la habitación del Boulevard Haussmann en París, donde ordenó cubrir de corcho las paredes para aislarse de ruidos y dedicarse sin ser molestado a crear En busca del tiempo perdido. Vivía exclusivamente de noche, tomando café en grandes cantidades y casi sin comer, no cesando nunca de escribir, y durmiendo de día. Tenía a su servicio un joven matrimonio de criados.
Consumado su aislamiento social, se dedicó en cuerpo y alma a ese proyecto desde 1907. El primer fruto de ese trabajo sería Por el camino de Swann (1913), cuya publicación tuvo que costearse él mismo ante el desinterés de los editores, pasando desapercibida. El segundo tomo, A la sombra de las muchachas en flor (1919), en cambio, le valió el Premio Goncourt. Las partes tercera y cuarta, El mundo de Guermantes (2 volúmenes, 1921-1922) y Sodoma y Gomorra (2 volúmenes, 1922-1923), también recibieron una excelente acogida. Las tres últimas partes, que dejó manuscritas, las publicó, después de su muerte, su hermano Robert: La prisionera (1925), La desaparición de Albertina (2 volúmenes, 1925) y El tiempo recobrado (2 volúmenes, 1927).
La totalidad de la novela, que el mismo Proust comparó con la compleja estructura de una catedral gótica, es la reconstrucción de una vida, a través de lo que llamó "memoria involuntaria", única capaz de devolvernos el pasado a la vez en su presencia física y sensible, y con la integridad y la plenitud de sentido del recuerdo, proceso simbolizado por la famosa anécdota de la magdalena, cuyo sabor hace renacer ante el protagonista una época pasada de su vida. El tiempo al que alude Proust es el tiempo vivido, con todas las disgresiones y saltos del recuerdo, por lo que la novela alcanza una estructura laberíntica. El más mínimo detalle merece el mismo trato que un acontecimiento clave en la vida del protagonista, Marcel, réplica literaria del autor. Aunque se han realizado estudios para contrastar los acontecimientos de la novela con la vida real de Proust, lo cierto es que nunca podrían llegar a confundirse, porque, como afirma el propio autor, la literatura comienza donde termina la opacidad de la existencia. El estilo de Proust se adapta perfectamente a la intención de la obra: también la prosa es subjetiva, morosa, indirecta, prolija en detalles y de períodos larguísimos, entrecruzados, como si no quisiera perder nada del instante.
Genial para algunos, demasiado extensa y compleja para otros, En busca del tiempo perdido es reconocida hoy como uno de los trabajos literarios más valiosos del siglo XX, al tiempo que se considera a su autor un pionero de la novela moderna. La obra de Proust, junto a la de novelistas como Joyce o Faulkner, constituye un hito fundamental en la literatura contemporánea.
Marcel Proust falleció a los 51 años de una neumonía subsiguiente a una bronquitis mal curada. Se dice que su última palabra fue "madre".

(Refundición de textos procedentes de páginas como Biografías y Vidas, Buscabiografías, El poder de la palabra y otras)

 

jueves, 9 de julio de 2015

Tribute to Chris Cooper (Kansas City, Missouri, US, 9-7-1951)

UN RANCHERO DE KANSAS EN HOLLYWOOD

El actor estadounidense Chris Cooper cumple hoy 64 años. Intérprete de semblante adusto y rara intensidad dramática, ha desarrollado una interesante carrera protagonista en títulos independientes. Ha ganado un Oscar y un Globo de Oro al mejor actor secundario.
Hijo de un médico y un ama de casa, Christopher W. Cooper vivió en su niñez en el rancho que poseían sus padres. Después de pasar un tiempo trabajando como guardacostas, estudió agricultura y arte dramático en la Universidad de Missouri y debutó como actor teatral en Nueva York. Allí amplió estudios con la prestigiosa instrucción de Stella Adler. Debutó en el cine protagonizando el drama social Matewan (1987) de John Sayles, con James Earl Jones y Mary McDonnell, y simultaneamente comenzó a participar en series televisivas.
Entre sus siguiente películas figuran Caza de brujas (1991) de Irwin Winkler, drama basado en hechos reales en la época del senador McCarthy, con Robert De Niro y Annette Bening, Ciudad de esperanza (1991) de John Sayles, drama con Vincent Spano, Vida de este chico (1993) de Michael Caton-Jones, drama familiar con Robert De Niro, Ellen Barkin y Leonardo DiCaprio, Asalto al tren del dinero (1995) de Joseph Ruben, thriller de acción con Wesley Snipes, Woody Harrelson y Jennifer López, Lone star (1996) de John Sayles, drama rural de intriga con Kris Kristofferson, Matthew McConaughey y Frances McDormand, Grandes esperanzas (1998) de Alfonso Cuarón, adaptación dickensiana con Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft y Robert De Niro, El hombre que susurraba a los caballos (1998) de Robert Redford, drama campestre con Redford, Kristin Scott Thomas, Sam Neill, Dianne Wiest y Scarlett Johansson, Cielo de octubre (1999) de Joe Johnston, film biográfico con Jake Gyllenhaal y Laura Dern, o American beauty (1999) de Sam Mendes, drama satírico de enorme éxito ganador de cinco Oscars, con Kevin Spacey y Annette Bening, donde Cooper destacó en su papel de homófobo coronel de la marina.
Su ascendente carrera prosiguió con títulos como Yo, yo mismo e Irene (2000) de Peter y Bobby Farrelly, comedia con Jim Carrey y Renée Zellweger, El patriota (2000) de Roland Emmerich, film bélico de época con Mel Gibson y Heath Ledger, El caso Bourne (2002) de Doug Liman, thriller de acción y espionaje de gran éxito, con Matt Damon y Franka Potente, Adaptation: El ladrón de orquídeas (2002) de Spike Jonze, aclamada metaficción satírica con Nicolas Cage y Meryl Streep, por la que Cooper ganó, entre otros muchos premios, el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario, Seabiscuit, más allá de la leyenda (2003) de Gary Ross, drama hípico (y épico) con Tobey Maguire y Jeff Bridges, Silver City (2004) de John Sayles, thriller político con Richard Dreyfuss y Danny Huston, El mito de Bourne (2004) de Paul Greengrass, secuela de El caso Bourne con los mismos protagonistas, Truman Capote (2005) de Bennett Miller, drama biográfico sobre el famoso escritor sureño interpretado por Philip Seymour Hoffman, Jarhead, el infierno espera (2005) de Sam Mendes, drama bélico sobre la Guerra del Golfo, con Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard y Jamie Foxx, Syriana (2005) de Stephen Gaghan, thriller geopolítico con George Clooney, Matt Damon y Jeffrey Wright, El espía (2007) de Billy Ray, thriller político con Ryan Phillippe y Laura Linney, La sombra del reino (2007) de Peter Berg, thriller de acción con Jamie Foxx y Jennifer Garner, La tempestad (2010) de Julie Taymor, adaptación de Shakespeare, con Helen Mirren, The Company men (2010) de John Wells, drama indie sobre la crisis económica actual, con Ben Affleck, Kevin Costner y Tommy Lee Jones, Amigo (2010) de John Sayles, drama sobre la guerra filipino-americana de principios del siglo XX, Ciudad de ladrones (2010) de Ben Affleck, drama criminal sobre un atracador de bancos en Boston, o Agosto (2013) de John Wells, drama familiar con Meryl Streep, Julia Roberts y Ewan McGregor.
En el año 1983 Chris Cooper contrajo matrimonio con la actriz y guionista Marianne Leone, con quien tuvo un hijo llamado Jesse, nacido prematuro en 1987 y que, tras desarrollar una parálisis cerebral, falleció en 2005.

 

Manolo Caracol - La Salvaora (con Lola Flores)

MANOLO CARACOL (Sevilla, España, 9-7-1909 / Madrid, 24-2-1973): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del legendario cantaor flamenco Manuel Ortega Juárez, conocido como Manolo Caracol. Descendiente de una añeja dinastía flamenca, canta desde pequeño y, con el apelativo El Niño de Caracol, consigue el triunfo en el Concurso de Cante Jondo de Granada  (1922), que organizan Falla y García Lorca, entre otros. Volcán de la pasión gitana, ya como Manolo Caracol llegaría a ser de los intérpretes de flamenco más aclamados por público y crítica; trabajó en diversos espectáculos de variedades e hizo giras por varias ciudades. En 1935 se estableció en Madrid, y en la capital se ganó la vida como antes en Sevilla: actuando en juergas flamencas pagadas por señoritos y terratenientes. El estallido de la Guerra Civil española en 1936 provocó el fin de este tipo de fiestas, y entonces Manolo Caracol trató de sobrevivir con el teatro. Hizo equipo con la Niña de los Peines y Pepe Pinto, y entre los tres diseñaron una idea que llevaron a la práctica tras la contienda civil y que tuvo un éxito instantáneo: la estampa escenificada, donde se mezclaban baile, cante y teatro junto con una orquestación completa o, si el presupuesto no daba para más, con piano solo. Asímismo, en la posguerra formó parte del espectáculo "Cuatro faraones", en unión de El Sevillano, Juanito Valderrama y Pepe Pinto. Después de una temporada con el elenco de Concha Piquer, inicia su colaboración con Lola Flores, a la que llevaba catorce años, formando pareja artística entre 1943 y 1951 tanto en los tablaos, el teatro o el cine.
Cantaor de largo recorrido, en su carrera cultivó muchos de los palos del cante flamenco (soleares, martinetes, carceleras, seguiriyas, bulerías, tientos, serranas, saetas), destacando especialmente en fandangos y zambras. Su talante innovador le llevó a cantar con acompañamiento de piano o de orquesta, algo verdaderamente novedoso por aquel entonces en el ámbito del flamenco. Con la grabación del disco doble Una historia del cante flamenco (1958), en la que Caracol cantó acompañado a la guitarra por Melchor de Marchena, adquirió el reconocimiento de los entendidos del género. En los años sesenta trabaja en el tablao Torres Bermejas de Madrid y en 1963 abre el suyo propio, Los Canasteros, en la calle Barbieri, que regentará hasta su fallecimiento el 24 de febrero de 1973 en accidente de tráfico en Aravaca (Madrid).

Estatua de Manolo Caracol en la Alameda de Hércules de Sevilla, realizada en 1990 por Sebastián Santos Calero.

Desde su debut en Valencia a finales de 1943 como pareja artística de Lola Flores con el espectáculo "Zambra", Caracol recorrió clamorosamente junto a la artista gaditana teatros de toda España. Uno de sus mayores éxitos fue La Salvaora, zambra de Quintero/León/Quiroga devenida uno de los cantes más populares y emblemáticos del cantaor sevillano.

miércoles, 8 de julio de 2015

Tribute to Anjelica Huston (Santa Mónica, California, US, 8-7-1951)

EL CINE EN LA SANGRE

La actriz estadounidense Anjelica Huston cumple hoy 64 años. Perteneciente a una saga familiar ligada al cine, se convirtió en estrella de la mano de su padre, John Huston, a raiz de su temperamental interpretación de Maerose Prizzi en 1985 que le reportó un Oscar a la mejor actriz secundaria. Desde entonces ha encarnado en dramas y comedias toda una serie de personajes de fuerte carácter a los que ha aportado su inconvencional presencia y acusada personalidad. Otras dos veces candidata al Premio de la Academia (una como secundaria y otra como protagonista), también ganó un Globo de Oro por su trabajo en televisión.
Hija del director John Huston y de la bailarina italoamericana Ricki Soma (su cuarta esposa, fallecida en accidente de tráfico en 1969), que se separaron en 1961, y nieta del actor Walter Huston, se crió en Irlanda (país de donde procede su rama paterna) e Inglaterra. Debutó como actriz cinematográfica participando en Hamlet (1969) de Tony Richardson y protagonizando la película medieval dirigida por su padre Paseo por el amor y la muerte (1969), junto a Assaf Dayan.
En la década de los 70 trabajó principalmente como modelo y no retornó al cine hasta mediada la década, haciendo breves apariciones en El corsario escarlata (1976) de James Goldstone y El último magnate (1976) de Elia Kazan. Tras otra pausa de cinco años, su presencia no se hizo regular en la gran pantalla hasta los años 80. En esa época intervino en El cartero siempre llama dos veces (1981) de Bob Rafelson, nueva adaptación de la novela de James M. Cain protagonizada por Jack Nicholson y Jessica Lange, Frances (1982) de Graeme Clifford, drama biográfico sobre la actriz Frances Farmer, encarnada por Jessica Lange, o Guerreros del espacio (1984) de Stewart Raffill, comedia de ciencia-ficción con Robert Urich. Sorprendió a todo el mundo con su interpretación de la nieta de un capo mafioso despechada por amor en la comedia negra El honor de los Prizzi (1985) de John Huston, con Jack Nicholson y Kathleen Turner, papel por el que Anjelica ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria. Después participó en Jardines de piedra (1987) de Francis Ford Coppola, drama militar con James Caan y James Earl Jones, Dublineses (1987), el último film que dirigió John Huston, bella adaptación del relato corto "Los muertos" de James Joyce, Mr. North (1988), adaptación de una novela de Thornton Wilder que dirigió su hermano Danny Huston, Un puñado de polvo (1988) de Charles Sturridge, producción británica según una novela de Evelyn Waugh, con James Wilby, Kristin Scott Thomas y Rupert Graves, Delitos y faltas (1989) de Woody Allen, comedia dramática protagonizada por el propio Allen y en la que formó parte de un reparto que incluía también a Mia Farrow, Alan Alda, Martin Landau y Claire Bloom, y Enemigos, una historia de amor (1989) de Paul Mazursky, comedia con Ron Silver y Lena Olin, por la que fue nuevamente candidata al Oscar como actriz secundaria.
En el siguiente decenio continuó destacando en títulos como La maldición de las brujas (1990) de Nicolas Roeg, comedia familiar de terror, con Mai Zetterling, Los timadores (1990) de Stephen Frears, neo noir con toques de comedia negra que adaptaba una novela pulp de Jim Thompson, con John Cusack y Annette Bening, por el que Anjelica fue nominada al Oscar por tercera vez, en esta ocasión como actriz principal, La familia Addams (1991) de Barry Sonnenfeld, taquillera comedia fantástica con Raul Juliá y Christopher Lloyd que llevaba a la pantalla grande una serie de televisión basada en un cómic y emitida entre 1964 y 1966, Misterioso asesinato en Manhattan (1993) de Woody Allen, comedia de intriga criminal con Allen, Diane Keaton y Alan Alda, La familia Addams. La tradición continúa (1993) de Barry Sonnenfeld, secuela donde repetía su papel de Morticia Addams, Cruzando la oscuridad (1995) de Sean Penn, thriller con Jack Nicholson, David Morse y Robin Wright, Phoenix (1998) de Danny Cannon, thriller con Ray Liotta y Anthony LaPaglia, Por siempre jamás (1998) de Andy Tennant, relato medieval romántico con Drew Barrymore, Buffalo '66 (1998) de Vincent Gallo, comedia dramática indie con Gallo y Christina Ricci, o Agnes Browne (1999), comedia dramática que también dirigió y supuso un fracaso.
Otros títulos de su filmografía son La copa dorada (2000) de James Ivory, adaptación de una novela de Henry James, Deuda de sangre (2002) de Clint Eastwood, thriller de misterio con Eastwood y Jeff Daniels, y varias comedias con dirección de Wes Anderson, como Los Tenenbaums. Una familia de genios (2001), Life aquatic (2004) y Viaje a Darjeeling (2007). Anjelica también ha trabajado en televisión en series y telefims, medio en el que ganó un Globo de Oro por "Iron jawed angels" (2005). 
Entre 1973 y 1989 fue pareja de Jack Nicholson. En 1992 se casó con el escultor Robert Graham Jr., de quien enviudó en 2008. No ha tenido hijos.



Jaime Morey - Amanece - Eurovision 1972 - Spain

JAIME MOREY (Alicante, España, 16-6-1942 / Madrid, 7-7-2015): R.I.P.

El cantante español Jaime García Morey (conocido cono Jaime Morey) falleció ayer a los 73 años víctima de un cáncer. Fue un baladista que comenzó su carrera discográfica en 1963; en sus primeros tiempos se le denominaba 'el cantante de la voz de arena'. Participó en varios festivales y grabó regularmente discos hasta mediados los años 70. En 1970 y 1971 fue candidato a representar a TVE en el Festival de Eurovisión, lo que finalmente consiguió en 1972 con la canción "Amanece", motivo por el que más se le recuerda hoy. Poco después se casó con María Mollejo, con quien tuvo dos hijas, Laura y Sandra. En los años 80 abandonó la música.



En el Festival de Eurovisión de 1972, celebrado en Edimburgo, Jaime Morey obtuvo para España el décimo puesto tras las votaciones (de un total de dieciocho países concursantes) con esta melodía escrita por Augusto Algueró y Ramón Arcusa.

martes, 7 de julio de 2015

Herbert Von Karajan - Mahler Adagietto (Symphony nº 5)

GUSTAV MAHLER (Kaliště, Bohemia, Imperio Austrohúngaro, actualmente República Checa, 7-7-1860 / Viena, 18-5-1911): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor bohemio-austriaco Gustav Mahler, cuya obra marca el cénit de la evolución de la sinfonía romántica. Influenciado por la música de Beethoven y Brahms, así como la de Anton Bruckner y Wagner (si bien de éste le interesaba el sonido por encima de la escenificación), destacó como intérprete de sus obras, así como de las de Mozart. Como autor, al igual que Bruckner y Wagner, utilizó amplios recursos orquestales, anticipándose en su tiempo a la búsqueda del color en los diferentes instrumentos y, siguiendo a sus maestros, llevó casi al límite el sistema tradicional de tonalidades y armonías, si bien alterando su premisa básica, por lo que la mayor parte de sus sinfonías presentan esquemas tonales progresivos que finalizan en una tonalidad diferente a la inicial. Consciente de la desintegración de los valores formales de su época, sus sinfonías constituyen una especie de viaje psicológico, mezcla de alegría y desesperación, cuyo origen fueron tristes recuerdos de infancia (determinantes en su obra e identificados por Sigmund Freud como la faceta central del carácter del compositor). La obras de Mahler transmiten en último término una mezcla de vulnerabilidad humana y consumada musicalidad. En cierta ocasión manifestó que su música no sería apreciada hasta cincuenta años después de su muerte. No le faltaba razón: valorado en su tiempo más como director de orquesta que como compositor, hoy es considerado uno de los más grandes y originales sinfonistas que ha dado la historia del género; más aún, uno de los músicos que anuncian y presagian en su obra de manera más lúcida y consecuente todas las contradicciones que definirán el desarrollo del arte musical a lo largo del siglo XX.  
Nacido en el seno de una familia judía de lengua alemana, sus padres regentaban una posada. Sólo seis de sus trece hermanos llegaron a adultos. A la edad de cuatro años empezó a tocar el viejo piano de sus abuelos, en cuya interpretación no tardó en exhibirse como un virtuoso. Cursó estudios musicales en el conservatorio de Viena y de filosofía en la misma ciudad.
En vida tuvo tuvo mucho más éxito como director que como compositor. Autor de 10 sinfonías, además de la monumental 'La canción de la Tierra'. Su existencia siempre fue una búsqueda de sentido al sufrimiento humano. En el año 1880 es director asistente en Bad Hall, Austria. Fue director de ópera en distintas ciudades europeas como Kassel, Praga, Leipzig, Pest o Hamburgo. Tres veces apátrida (como bohemio en Austria, como austriaco entre los alemanes, como judío en todas partes), logró triunfar en una Europa central donde el antisemitismo era doctrina casi oficial. Mahler tuvo que convertirse al catolicismo para acceder al puesto de director de la ópera vienesa, el cargo que más ansiaba ocupar. En 1897 es director artístico de la Ópera Imperial de Viena. En 1907 se traslada a Nueva York, donde dirigió la Metropolitan Opera y de 1910 a 1911 la Filarmónica.
Sus complejas composiciones orquestales son grandiosos mosaicos de color, rezumantes de una honda melancolía, en los que se mezclan ingredientes de lo más variado como marchas militares o melodías populares. La sinfonía Das lied von der Erde (El canto de la tierra, 1908) y cuatro de las nueve numeradas incluyen voces solistas. De los ciclos de canciones Kindertotenlieder (Canciones de los niños muertos, 1902) y de la colección de canciones titulada Des knaben wunderhorn (1888) hay versiones con acompañamiento orquestal y de piano. Las Lieder eines fahrenden gesellen (Canciones de un camarada errante, 1883) tienen acompañamiento orquestal.
Alma Marie Schindler influenció su creación musical; con ella contrajo matrimonio en 1902. Gustav estaba profundamente enamorado de ella (les separaban veinte años de edad), incluso tras descubrir que le era infiel con el famoso arquitecto Walter Gropius. Trastornado por su infidelidad, llegó a someterse a una sesión de psicoanálisis con Sigmund Freud.
También compuso canciones para voz y piano y una Décima Sinfonía, que dejó inacabada. En 1907 le diagnosticaron una lesión cardíaca aguda y falleció su hija María de sólo cuatro años. Toda la angustia y pena de Mahler ante la muerte abre el camino para las que habrían de ser sus tres últimas obras: la canción-sinfonía Das lied von der erde (compuesta en 1908), la Novena Sinfonía (comenzada ese año y terminada en 1910), y la Décima (inconclusa) esbozada en 1910.
Gustav Mahler murió el 18 de mayo de 1911 a causa de una endocarditis bacteriana en el sanatorio Loew de Viena. Sus restos yacen, conforme a su voluntad, en el cementerio vienés de Grinzing.

 


El Adagietto de la 5ª Sinfonia de Mahler, aquí ejecutado por la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Herbert Von Karajan, posee una belleza sobrecogedora. El cineasta italiano Luchino Visconti lo utilizó como fondo musical dramático y poderoso en su deslumbrante film "Muerte en Venecia" (1971).

lunes, 6 de julio de 2015

Janet Leigh (Merced, California, US, 6-7-1927 / Beverly Hills, California, US, 3 de octubre de 2004): In memoriam

LA BELLEZA EXPUESTA AL MAL

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Janet Leigh. Dotada de notable atractivo físico (se la conoció como 'Busto de acero'), tras demostrar su versatilidad interpretativa durante los años 50 en películas de diversos géneros, se consagró como la belleza expuesta a oscuros peligros en Sed de mal (1958) de Orson Welles y en Psicosis (1960), el film más taquillero de Alfred Hitchcock, por el que se la recuerda fundamentalmente, y que la hizo conseguir un Globo de Oro y una candidatura al Oscar como actriz secundaria.
Hija de inmigrantes daneses, cuando Jeanette Helen Morrison (su nombre real) estaba estudiando la carrera de psicología en la Universidad del Pacífico, fue descubierta para el cine por la actriz Norma Shearer, quien quedó prendada del atractivo físico de la muchacha tras contemplar una fotografía suya y la recomendó inmediatamente a la Metro Goldwyn Mayer. Aun sin preparación dramática, el estudio la contrató y la rebautizó como Janet Leigh, haciéndola debutar al lado de Van Johnson en The romance of Rosy Ridge (1947), comedia romántica dirigida por Roy Rowland.
Durante su trayectoria y trabajando al principio para la Metro o la RKO (estudio propiedad del magnate Howard Hughes, quien intentó por todos los medios acceder a los favores sexuales de la actriz), Janet demostró su versatilidad interpretativa actuando en comedias, películas de época, thrillers, dramas o musicales. Sus títulos más importantes fueron Mujercitas (1949) de Mervyn LeRoy, adaptación de la novela de Louisa May Alcott, con June Allyson, Peter Lawford, Margaret O'Brien, Elizabeth Taylor, Rossano Brazzi y Mary Astor, El Danubio rojo (1949) de George Sidney, drama sobre la Guerra Fría, con Walter Pidgeon, Ethel Barrymore, Peter Lawford y Angela Lansbury, La dinastía de los Forsyte (1949) de Compton Bennett, adaptación de una novela de John Galsworthy, con Errol Flynn, Greer Garson, Walter Pidgeon, Robert Young, Negocio en vacaciones (1949) de Don Hartman, comedia romántica con Robert Mitchum y Wendell Corey, Luces de Broadway (1951) de James V. Kern, musical con Tony Martin, Gloria DeHaven, Eddie Bracken y Ann Miller, Scaramouche (1952) de George Sidney, segunda adaptación de la novela de aventuras de Rafael Sabatini, con Stewart Granger, Eleanor Parker y Mel Ferrer, Colorado Jim (1953) de Anthony Mann, western con James Stewart y Robert Ryan, El gran Houdini (1953) de George Marshall, biografía novelada del famoso mago y artista del escapismo, en la cual coincidió por primera vez con Tony Curtis, El príncipe valiente (1954) de Henry Hathaway, film de aventuras artúricas con James Mason, Robert Wagner, Debra Paget y Sterling Hayden, Viviendo su vida (1954) de Norman Taurog, comedia con Dean Martin y Jerry Lewis, Coraza negra (1954) de Rudolph Maté, otro film de aventuras medievales, con Tony Curtis, Prisionero de su traición (1954) de Roy Rowland, noir con Robert Taylor y George Raft, Los blues de Pete Kelly (1955) drama musical dirigido y protagonizado por Jack Webb, Mi hermana Elena (1955) de Richard Quine, musical con Jack Lemmon y Betty Garrett, Amor a reacción (1957) de Josef von Sternberg, drama aéreo ambientado en la Guerra Fría, con John Wayne, Sed de mal (1958) de Orson Welles, noir con Charlton Heston y el propio Welles, Los vikingos (1958) de Richard Fleischer, film de aventuras medievales con Kirk Douglas, Tony Curtis y Ernest Borgnine, o Vacaciones sin novia (1958) de Blake Edwards, comedia con Tony Curtis.
En la década de los 60 apareció en ¿Quién era esa chica? (1960) de George Sidney, comedia con Tony Curtis y Dean Martin, Psicosis (1960) de Alfred Hitchcock, impactante thriller psicológico de terror con Anthony Perkins, Vera Miles y John Gavin, por el que Janet ganó un Globo de Oro a la mejor actriz secundaria y obtuvo su única nominación al Oscar por su inolvidable papel de Marion Crane, El mensajero del miedo (1962) de John Frankenheimer, thriller de intriga con Frank Sinatra y Laurence Harvey, Un beso para Birdie (1963) de George Sidney, musical con Dick Van Dyke y Ann-Margret, Ellas y las otras (1963) de John Rich, comedia con Van Johnson, Shelley Winters y Martha Hyer, Harper, investigador privado (1966) de Jack Smight, thriller protagonizado por Paul Newman, Tres en un sofá (1966), comedia dirigida y protagonizada por Jerry Lewis, o Diamantes a gogó (1967) de Giuliano Montaldo, thriller de acción de producción italiana, con Robert Hoffmann, Klaus Kinski y Edward G. Robinson.
A partir del decenio siguiente trabajó más en la televisión, realizando colaboraciones en películas como Una mujer sin amor (1972) de Mel Stuart, o La niebla (1980) de John Carpenter, que protagonizó su hija Jamie Lee Curtis. También fue autora de cuatro libros. Se retiró en 1998.
Janet Leigh se casó en cuatro ocasiones. La primera en 1942, cuando con sólo 15 años contrajo matrimonio con John Carlyle, en un enlace que fue anulado cuatro meses después de la boda. Su segundo marido fue Stanley Rames, con quien estuvo casada entre 1945 y 1949. En 1951 se casó con Tony Curtis con quien coincidiría en cinco películas y tuvo dos hijas, Kelly y Jamie Lee, futuras actrices. La pareja se rompió en 1962. Desde ese mismo año hasta que ella murió estuvo casada con el corredor de bolsa Rober Brandt durante 42 años. Janet Leigh, que sufría de vasculitis y neuropatía periférica, falleció a los 77 años de un ataque al corazón.


Bill Haley & his Comets - Rock around the clock

BILL HALEY (Highland Park, Michigan, US, 6-7-1925 / Harlingen, Texas, US, 9-2-1981): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen 90 años del nacimiento del legendario músico estadounidense Bill Haley, primer artista en popularizar la forma de música conocida como rock and roll. Su padre tocaba la mandolina y el banjo, su madre, el piano y órgano. Aprendió, por deseo de sus padres, a tocar la guitarra, y dio sus primeros recitales en la iglesia de su pueblo. Se presentó profesionalmente a los trece años como cantante y guitarra de country & western cobrando a un dólar la noche. A los quince creó una banda y a los dieciocho grabó su primer disco. Diez años después nació su grupo The Comets y hits como Rock around the clock y Shake, rattle and roll contribuyeron a formular la terminología del nuevo estilo musical que, desde mediados los años 50, cautivó a la juventud de medio mundo. Considerado el padre del rock and roll e intérprete del tema más vendido de ese género en la historia, Rock around the clock, Bill Haley fue pronto superado por otros rockers más jóvenes y, aunque prosiguió su carrera, su figura se fue oscureciendo. Se casó tres veces, tuvo cinco hijos y falleció, olvidado y alcohólico, a los 55 años a consecuencia de un tumor cerebral.

Perfil biográfico procedente de la página historiasderock:

BiII Haley no era una novedad en la escena musical cuando Rock around the clock se convirtió en un best-seller en 1955, e hizo que su intérprete se transformase en la primera estrella del rock'n'roll. Desde casi diez años atrás, Haley viajaban por los estados del Medio Oeste proponiendo su country and western, tras haberlo grabado para algunas pequeñas compañías locales. Nacido el 6 de julio de 1925 en Highland Park, en Michigan, el pequeño Haley se había trasladado con sus padres a Chester, en Pennsylvania, una pequeña ciudad de los alrededores de Filadelfia. Durante los años cuarenta la música country era muy popular en los pueblecitos de estados como Nueva Jersey y Pennsylvania y, junto con el swing, se convirtió en la base del estilo musical de Haley. Tras abandonar la casa de sus padres a los quince años, Haley pasó los siguientes 'on the road', con una pequeña banda de country, en giras de conciertos de Nueva Orleans a Chicago, donde encontró incluso la forma de presentarse con dos de sus ídolos personales, Red Foley y Hank Williams. Pero los padres, propietarios de una pequeña hacienda cercana a Chester, reclamaban a su hijo y, para persuadirlo, le encontraron un trabajo en la emisora de radio WPWA, abierta en Chester durante su ausencia. Haley volvió y se puso a trabajar como factótum del boss. Logró formar una banda country, The Four Aces of Western Swing, que comenzó a presentarse en vivo por las ondas de la WPWA al menos dos veces por día. La primera grabación llegó en 1949, gracias a una pequeña compañía de aficionados, Cowboy, con sede en Filadelfia y dirigido por un fan del hillbilly, Jack Howard, y por un hombre de negocios, Dave Myers, dos personas que influirían mucho en la carrera del joven Haley. Candy kisses fue uno de los tres singles grabados por el grupo de Haley para Cowboy. La respuesta de los críticos locales fue buena, pero las ventas resultaron casi nulas. No obstante, aquellas primeras grabaciones sirvieron para algo: Dave Miller, propietario del prestigioso sello pop Philly, se entusiasmó con Haley y lo contrató en 1951, proponiéndole tocar una versión hillbilly de un fragmento de rhythm and blues, Rocket 88, que había sido un éxito para la compañía Chess gracias al cantante Jackie Brenston. Una vez cambiado el nombre del grupo por el de Bill Haley and his Saddlemen, se publicó Rocket 88, acompañada por un plañidero country (Tearstains on my heart) en la cara B. A pesar de los esfuerzos, el éxito no llegó, ni siquiera con los cuatro singles siguientes. En 1952, tras una gira de conciertos mal pagados, el grupo de Bill Haley grabó otro rhythm and blues en una versión vagamente hillbilly: se trataba de Rock the joint, una composición agresiva, con un bajo potente y una steel-guitar que sustituía al conjunto originario de saxofones. Era un sonido nuevo que, probado en vivo, desencadenó el entusiasmo del público. El éxito y las ventas del disco convencieron a Haley para encaminarse hacia este sonido y para contratar a un manager experto, Jim Ferguson. La primera medida del manager fue la de reconsiderar el look del conjunto: fuera las vestimentas de cowboy. El nuevo look se basaba en smokings blancos y otros conjuntos de chaqueta y corbata. En 1953 el grupo cambió su nombre por el de The Comets y grabó Crazy man crazy, una composición de Haley, que llegó al Top ten. Sucesivos discos, siempre para el sello de Miller, no alcanzaron el mismo resultado. En ese momento Haley se acordó de una persona que le había ayudado mucho algunos años antes, Dave Myers, el antiguo socio de Howard en Cowboy. Precisamente Myers había propuesto a Haley, en 1952, Rock around the clock, una canción escrita por el entonces sexagenario Max C. Freedman, pero Dave Miller (que detestaba a Myers) había disuadido a Haley de grabarla. La canción era muy del agrado de Haley, y la compañía de Miller le quedaba ya estrecha. Myers se encargó de resolverlo: procuró a Bill Haley un contrato con Decca. El 12 de abril de 1954, Bill Haley and The Comets (el pianista Johnny Grande, el intérprete de steel-guitar Billy Williamson, el saxo tenor Joey D'Ambrosia, el bajo Marshall Pignatore y el guitarra solista Dandy Sedrone) abandonaron Chester directos a Nueva York, donde tenían a su disposición los estudios de Decca para tres horas de grabación. Con el agregado de un batería, Billy Gussack, y en tres horas cuarenta minutos, Bill Haley and The Comets grabaron Rock around the clock, acompañándola, en la cara B, con Thirteen women. El disco vendió sólo setenta y cinco mil ejemplares, pero el álbum sucesivo, Shake, rattle and roll, se vendió tan bien que se decidió la reimpresión de Rock around the clock. Corría el año 1955, y esta vez la canción se convirtió en un éxito estrepitoso, con sus 20 millones de copias vendidas, y en el himno del rock'n'roll. Inmediatamente llegaron otros tres éxitos, siempre en 1955: Dim dim the lights, Birth of the boogie y Razzle dazzle. Bill Haley comenzó a saborear la fama (See you later, alligator, Rip it up), pero a finales de 1956 se vio rápidamente superado en popularidad por los héroes del rock'n'roll más jóvenes, Little Richard y Elvis Presley los primeros. Discos como Forty cups of coffee no lograron superar la septuagésima posición en el Top 100, y sólo en Gran Bretaña, donde Haley había realizado una larga gira, composiciones como Don't knock the rock obtuvieron puestos excepcionales en las listas de éxitos. Bill Haley regresó a su país sólo parcialmente alentado; necesitaba nuevos éxitos en sus canciones, adaptadas al particular estilo de The Comets. Pensó haberlos encontrado en Rockin'rollin' rover y en Billy goat, pero fueron un fracaso, y ni siquiera una Skinny Minnie al estilo de Bo Diddley pudo restituirle la fama de los buenos tiempos. Bill Haley debió enfrentarse con la dura realidad: la llegada de Elvis Presley y de otros cantantes más jóvenes de rock'n'roll sellaba su fin como estrella. El mercado discográfico había hallado un público joven al que podía tener en el puño con artistas jóvenes; un hombre entrado en carnes y con una calvicie incipiente como Haley estaba decididamente out. Haley no pudo ir al compás de los tiempos, y su música de baile comenzó a sonar como demasiado 'old fashion'. El cantante de Rock around the clock había pasado a ser un anacronismo sin otro mercado disponible que el de la nostalgia. Su música se transformó en una curiosa mezcla de country ligero y sones de rhythm and blues esporádicos. Sólo continuó teniendo éxito en Gran Bretaña, y durante los años sesenta y setenta se multiplicaron las giras por aquel país. La primera señal de que la salud de Bill Haley se hallaba comprometida llegó en enero de 1981, cuando canceló una gira por Gran Bretaña sin especificar los motivos. Desde mediados de los años sesenta Bill Haley había vivido recluido en México. En los años setenta se trasladó con su familia a Harlingen, en Texas, donde Bill Haley murió, el 9 de febrero de 1981, a la edad de 55 años.



Rock around the clock, canción considerada himno fundacional del rock and roll, fue compuesta en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers. Grabada por Bill Haley & his Comets en 1954 para la compañía Decca, fue al año siguiente número uno en las listas USA y UK.

Tribute to Geoffrey Rush (Toowoomba, Queensland, Australia, 6-7-1951)

EL TALENTO DE AUSTRALIA

El actor australiano Geoffrey Rush cumple hoy 64 años. A los 45 se convirtió en estrella y, desde entonces, su carrera no ha hecho sino cobrar prestigio por la gran profesionalidad y versatilidad demostrada en sus actuaciones en teatro, cine y televisión. Ha ganado un Oscar (de entre cuatro nominaciones), dos Globos de Oro, tres BAFTA, un Emmy, un Tony y otros muchos premios.
Su interés por el teatro se materializó en 1971, cuando debutó con la compañía de su estado. En sus comienzos compatibilizó su labor como actor con sus estudios en la Universidad de Queensland. Tras licenciarse en 1975 viajó a París, donde por dos años estudió mimo y teatro del gesto en la escuela de Jaques Lecoq. Con la experiencia europea a cuestas, Rush volvió a Australia donde cultivó su faceta como actor de teatro hasta acumular más de setenta obras y numerosos premios. En el cine debutó con un papel secundario en Hoodwink (1981) de Claude Whatham. A partir de entonces compaginó su trabajo en cine, televisión y teatro, aunque sin destacar al principio en los dos primeros terrenos. En 1992 sufrió una crisis nerviosa que le mantuvo al margen del trabajo. Su vuelta al cine se produjo tres años después, justo unos meses antes de encontrarse con el papel que le abriría las puertas del Oscar, del Globo de Oro, del BAFTA y muchos otros premios, el de David Helfgott en el drama biográfico de producción australiana Shine (1996) de Scott Hicks. Era su primer protagonista en cine y Rush dio la talla interpretando a un pianista excepcional con graves problemas mentales.
A partir de ese momento comenzó a alternar los personajes protagonistas con los secundarios, algo que ha sido muy habitual en su filmografía. Enseguida se hizo también palpable otra constante, su colección de personajes malvados. La primera ocasión de ser el antihéroe le llegó en Los miserables (1998) de Bille August, donde interpretó al inspector Javert que traía de cabeza a Jean Valjean, el personaje de Liam Neeson. Con este título comenzó su andadura europea que se completó con coproducciones históricas como Elizabeth (1998), drama biográfico de época protagonizado por Cate Blanchett y dirigido por Shekhar Kapur, donde su papel de Sir Francis Walsingham le proporcionó un BAFTA al mejor actor secundario, o Shakespeare enamorado (1998) de John Madden, comedia romántica ganadora de siete Oscars con Gwyneth Paltrow y Joseph Fiennes, que le dio una nominación al Oscar. Su primera película completamente norteamericana fue Hombres misteriosos (1999) de Kinka Usher, donde demostró que podía ser algo más que malo, pues para la ocasión volvió a encarnar al villano, pero con grandes dosis de humor, pues se trataba de una parodia de las películas de superhéroes. Su carrera en Hollywood continuó con títulos como La casa de la colina encantada (1999) de William Malone y Quills (2000) de Philip Kaufman, otra buena dosis de personajes inquietantes, ya que en el primero era un extravagante y sádico millonario y en el segundo el Marqués de Sade, papel que le valió una nueva nominación al Oscar como actor principal.
En el nuevo milenio continuó actuando en películas interesantes como El sastre de Panamá (2001) de John Boorman, thriller basado en una novela de John Le Carré, con Pierce Brosnan, Lantana (2001) de Ray Lawrence, producción dramática australiana con Anthony LaPaglia, Barbara Hershey y Kerry Armstrong, Frida (2002) de Julie Taymor, biopic sobre la pintora mexicana Frida Kahlo, con Salma Hayek y Alfred Molin, en donde Rush personificó a Leon Trotsky. Su faceta oscura no pasó desapercibida en Hollywood, y fue elegido por Gore Verbinski para ser el malvado pirata Barbossa en la taquillera franquicia de Piratas del Caribe. Un personaje que a pesar de no aparecer en la segunda entrega (salvo un cameo al final), tiene mucha importancia en la historia que protagoniza Johnny Depp. Además de intervenir en los cinco títulos de la serie, también ha participado en otros como Crueldad intolerable (2003) de Joel Coen, comedia negra con George Clooney y Catherine Zeta-Jones, Llámame Peter (2004) de Stephen Hopkins, biopic sobre el actor inglés Peter Sellers, con Charlize Theron y John Lithgow, que le hizo ganar un Globo de Oro y un Emmy, Munich (2005) de Steven Spielberg, thriller basado en hechos reales acaecidos en los Juegos Olímpicos de 1972, con Eric Bana y Daniel Craig, Elizabeth: La edad de oro (2007) de Shekhar Kapur, secuela de Elizabeth, con Cate Blanchett y Clive Owen, El discurso del Rey (2010) de Tom Hooper, drama histórico ganador de cuatro Oscars, con Colin Firth y Helena Bonham Carter, donde interpretó a Lionel Logue, un experto logopeda que consiguió, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas, eliminar la tartamudez del rey Jorge VI de Gran Bretaña, papel que le aportó un tercer BAFTA y una cuarta candidatura al Oscar (segunda como secundario), El foco de la tempestad (2011) de Fred Schepisi, drama australiano con Charlotte Rampling y Judy Davis, La mejor oferta (2013) de Giuseppe Tornatore, drama romántico rodado en Italia con Jim Sturgess y Sylvia Hoeks, o La ladrona de libros (2013) de Brian Percival, drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial.
Geoffrey Rush esta casado desde 1988 con la actriz australiana Jane Menelaus, con quien ha tenido a sus hijos Angelica (1992) y James (1995). Reside en Camberwell, Victoria, un suburbio de Melbourne.

(Informe biográfico a partir de la página decine21)


domingo, 5 de julio de 2015

Jean Cocteau (Maisons-Laffitte, France, 5-7-1889 / Milly-la-Foret, France, 11-10-1963): In memoriam)

POETA Y VANGUARDISTA MULTIDISCIPLINAR

Hoy es aniversario natal del poeta, novelista, dramaturgo, libretista, ensayista, cineasta, dibujante y pintor Jean Cocteau, una de las figuras más representativas de la vanguardia francesa de las primeras décadas del siglo XX. Su copiosa obra, influida por innovadores movimientos como el futurismo, el surrealismo o el dadaísmo, se caracteriza por su versatilidad, audacia y falta de convencionalismo. A pesar de sus éxitos en practicamente todos los ámbitos artísticos, Cocteau insistió en que era ante todo un poeta y que todas sus obras eran poesía.  En 1955 se convirtió en Miembro de la Academia de la lengua francesa y asímismo fue nombrado Comandante de la Legión de Honor.
Hijo de un abogado y rentista que se suicidó cuando Jean contaba solamente con 9 años de edad, se crió consentido por su madre y fue mal estudiante. A los quince años dejó su casa y se marchó a París. Un año después conoció al actor Edouard de Max, que le lanzó como poeta. Max invitó a un grupo de personas selectas que asistió a una lectura de poemas de Cocteau en 1908. El primer libro de poemas del joven, La lámpara de Aladino (1909), al que siguió El príncipe frívolo (1910), rapidamente le situó como un escritor importante. En esa época se relacionó con escritores como Marcel Proust, André Gide y Maurice Barrè, el pintor Amedeo Modigliani, el empresario teatral Sergei Diaghilev y muchos otros personajes que le influirían como artista o con los que desarrollaría actividades conjuntas. En 1912 colaboró como libretista con el pintor y diseñador Léon Bakst en "El Dios azul" para los Ballets Rusos. Durante la Primera Guerra Mundial sirvió en la Cruz Roja como conductor de ambulancias tras ser declarado no apto físicamente para luchar como soldado. Diaghilev le persuadió para escribir un guión para el ballet "Parade" (1917), con decorados de Picasso, libreto de Guillaume Apollinaire y música de Erik Satie.
Después publicó el libro de poesía El cabo de Buena Esperanza (1918) y la novela El Potomak, uno de sus hitos vanguardistas, y descubrió al joven y talentoso escritor Raymond Radiguet, que fue su amante, encuentro que lo llevó a escribir El secreto profesional (1922), tratado de arte poética y estilo de una gran profundidad. La súbita muerte de Radiguet en 1923 le sumió en la desesperación y le condujo al consumo de opio, adicción que (pese a sucesivas desintoxicaciones) mantuvo toda la vida. Opio: diario de una desintoxicación (1930) sería consecuencia de sus experiencias como fumador de esa sustancia y su lucha por liberarse de la droga. Otras de sus novelas importantes fueron Thomas el impostor (1923), El libro blanco (1928), confesión homosexual editada anónimamente, pero en la que todos le reconocen, Los niños terribles (1929), posteriormente llevada al cine por Jean-Pierre Melville en 1950, El fin de Potomak (1940) y el relato Los dos travestís (1947).
Entre sus obras de teatro figuran el monólogo La voz humana (1930), La máquina infernal (1934), Los padres terribles (1938), Los monstruos sagrados (1940), El bello indiferente (1940), La máquina de escribir (1941) o El águila de dos cabezas (1944).
También destacó como cineasta con películas como La sangre de un poeta (1930), La bella y la bestia (1946), El águila de dos cabezas (1948), Los padres terribles (1948), Orfeo (1950) y El testamento de Orfeo (1960), clásicos del cine vanguardista.
Desde 1937 y durante más de dos décadas, el actor Jean Marais (que protagonizó alguna de sus obras teatrales y tres de sus películas) fue su pareja más duradera. En sus últimos años coqueteó con su retorno al cristianismo y se dedicó también a la actividad pictórica, realizando la decoración de diversas iglesias en la Costa Azul. Jean Cocteau falleció a los 74 años de un infarto de miocardio poco después de que se le comunicase la noticia de la muerte de su amiga Edith Piaf. A su último amante, el joven Edouard Dermit, lo hizo heredero universal e hijo adoptivo. Su casa en Milly-la-Foret es un museo abierto al público desde 2010.


sábado, 4 de julio de 2015

Tribute to Eva Marie Saint (Newark, New Jersey, US, 4-7-1924)

BELLA Y DISTINGUIDA

La actriz estadounidense Eva Marie Saint cumple hoy 91 años. En los años 50 y 60 se convirtió en una de las más sugestivas y elegantes presencias femeninas del cine de Hollywood. Aunque su filmografía en cine se compone sólo de veintiún títulos, ha desarrollado una mucho más copiosa carrera en televisión. Con su primera película ganó un Oscar a la mejor actriz secundaria y en 1990 fue premiada con un Emmy televisivo.
Pronto atraída por el mundo de la escena, tras estudiar interpretación en la Bowling Green State University de Ohio, Eva Marie cosechó críticas favorables por sus actuaciones teatrales y apareció a comienzos de la década de los 50 en emisiones televisivas. Debutó en el cine al lado de Marlon Brando en el drama portuario La ley del silencio (1954) de Elia Kazan, lo que le proporcionó la consecución del Oscar en la categoría de mejor actriz secundaria. Este excelente inicio en Hollywood no se confirmó posteriormente en una prolífica carrera, ya que Eva apareció durante los 50 y 60 en poco más de una docena de títulos, entre ellos Un sombrero lleno de lluvia (1957) de Fred Zinnemann, sombrío y duro retrato de un adicto a la morfina y de las repercusiones de su drogadicción en su ambiente familiar, con Anthony Franciosa y Don Murray, El árbol de la vida (1957) de Edward Dmytryk, melodrama paralelo a la Guerra de Secesión americana, con Montgomery Clift y Elizabeth Taylor, Con la muerte en los talones (1959) de Alfred Hitchcock, excelente thriller de espionaje con Cary Grant y James Mason, Éxodo (1960) de Otto Preminger, epopeya basada en una novela de Leon Uris sobre el nacimiento del estado de Israel, con gran reparto estelar encabezado por Paul Newman, Su propio infierno (1962) de John Frankenheimer, adaptación de una obra de William Inge, con Warren Beatty, Karl Malden, Angela Lansbury y Brandon de Wilde, 36 horas (1965) de George Seaton, thriller bélico de espionaje con James Garner y Rod Taylor, Castillos en la arena (1965) de Vincente Minnelli, drama romántico con Elizabeth Taylor y Richard Burton, ¡Que vienen los rusos! (1966) de Norman Jewison, exitosa comedia sobre la Guerra Fría, Grand Prix (1966) de John Frankenheimer, película ambientada en las carreras de Fórmula 1 en la que compartió créditos con James Garner e Yves Montand, o La noche de los gigantes (1968) de Robert Mulligan, western con Gregory Peck. 
Del resto de su carrera cinematográfica, con mayoría de títulos de escasa repercusión, cabe mencionar sus apariciones secundarias en Nada en común (1986) de Garry Marshall, comedia con Tom Hanks y Jackie Gleason, Soñé con África (2000) de Hugh Hudson, drama aventurero con Kim Basinger y Vincent Perez, Llamando a las puertas del cielo (2005) de Wim Wenders, road-movie con Sam Shepard, Jessica Lange y Tim Roth, Superman returns: El regreso (2006) de Bryan Singer, nueva secuela de la serie sobre el famoso superhéroe de cómic, con Brandon Routh, Kate Bosworth y Kevin Spacey, o Cuento de invierno (2014) de Akiva Goldsman, fantasía romántica con Colin Farrell y Russell Crowe.
Eva Marie Saint se casó en 1951 con el director especializado en series de televisión Jeffrey Hayden, con quien tuvo dos hijos. El matrimonio aún continúa unido.


Stephen Boyd (Glengormley, Northern Ireland, 4-7-1931 / Northridge, Los Angeles, California, US, 2-6-1977): In memoriam

MESSALA

Hoy es aniversario natal del actor norirlandés Stephen Boyd, recordado fundamentalmente por su malvado personaje de Messala en el espectacular drama épico Ben-Hur. Tras una carrera cinematográfica de más de veinte años, falleció a la temprana edad de 45.

Informe biográfico a partir de la página El Criticón:

De nombre real William Millar, nació en el seno de una familia numerosa de clase baja, comandada por su padre canadiense James Alexander y su madre irlandesa Martha. Con una inclinación natural hacia el mundo de la interpretación, Stephen comenzó apareciendo en la escena teatral desde niño, ampliando sus miras profesionales a partir de los años 40 con los seriales radiofónicos. Sería gracias a este último medio cuando Boyd (apellido de soltera de su madre) se trasladó a Norteamérica, más concretamente a Canadá, país al que llegó en 1946 y en donde trabajaría en varias compañías teatrales. A comienzos de los años cincuenta se asentó en los Estados Unidos, intentado sin demasiado éxito triunfar en Hollywood.
Decepcionado regresó a tierras británicas, momento en el cual Stephen Boyd consiguió por fin debutar en la pantalla grande a mediados de los 50 en títulos como An alligator named Daisy (1955), una comedia dirigida por J. Lee Thompson y protagonizada por la explosiva Diana Dors, El hombre que nunca existió (1956) de Ronald Neame, film ambientado en la Segunda Guerra Mundial con Clifton Webb y Gloria Grahame, donde destacó la interpretación de Boyd como espía nazi, o El mar no perdona (1957) de Richard Sale, drama de supervivencia protagonizado por Tyrone Power .
En 1957 dio de nuevo el salto a los Estados Unidos, apareciendo en Una isla al sol (1957) de Robert Rossen, drama con James Mason y Joan Fontaine, tras el cual se estrenó la exitosa producción francesa Los joyeros del claro de luna (1958) de Roger Vadim, que protagonizó junto a Brigitte Bardot y en la que Boyd volvió a destacar. Después apareció en El vengador sin piedad (1958) de Henry King, western con Gregory Peck y Joan Collins, La mujer obsesionada (1959) de Henry Hathaway, drama rural con Susan Hayward, y Mujeres frente al amor (1959) de Jean Negulesco, drama romántico con Hope Lange, Joan Crawford y Louis Jourdan.
Su papel más recordado e importante llegaría con Messala en la superproducción histórica Ben-Hur (1959) de William Wyler, basada en una novela de Lew Wallace y ya llevada al cine en época silente (1925). Para el papel titular se barajaron entre otros los nombres de Burt Lancaster, Paul Newman, Marlon Brando o Rock Hudson, antes de ofrecer el protagonismo a Charlton Heston, inicialmente previsto como Messala. Una vez que Heston aceptó, Boyd se hizo con el papel de su antagonista. La película obtendría un éxito descomunal y ganó once Oscars. Boyd fue premiado con un Globo de Oro al mejor actor secundario.
El éxito obtenido con este personaje no tuvo la esperada continuación y Stephen Boyd nunca alcanzó el gran estatus estelar que el papel de Messala parecía destinarle. Quizás esto hubiese cambiado de haber protagonizado "Cleopatra" junto a Elizabeth Taylor, pero al final y cuando todo estaba firmado y a causa de los continuos retrasos y problemas en su producción, el papel de Marco Antonio fue a parar finalmente a manos de Richard Burton (para el de Julio César, el también contratado Peter Finch fue sustituido por Rex Harrison).
Boyd continuó trabajando e intervino en películas (muchas de ellas de época) durante los años 60 y 70 como La gran apuesta (1961) de Richard Fleischer, título de acción con Juliette Greco, El inspector (1962) de Philip Dunne, thriller con Dolores Hart, Jumbo (1962) de Charles Walters, comedia musical circense con Doris Day, Venus imperial (1963) de Jean Delannoy, drama histórico sobre Paulina Bonaparte, que encarnó Gina Lollobrigida, El tercer secreto (1964) de Charles Crichton, drama criminal con Jack Hawkins, Richard Attenborough y Diane Cilento, La caída del imperio romano (1964) de Anthony Mann, peplum con Sophia Loren, Alec Guinness, James Mason y Christopher Plummer, Genghis Khan (1965) de Henry Levin, film histórico de aventuras con Omar Sharif y James Mason, El Oscar (1966) de Russell Rouse, drama sobre el mundo del cine con Elke Sommer, Milton Berle y Eleanor Parker, Viaje alucinante (1966) de Richard Fleischer, film de ciencia-ficción con Raquel Welch, La Biblia (1966) de John Huston, superproducción religiosa multiestelar donde Boyd encarnó a Nemrod, monarca de Mesopotamia, Carnaval de ladrones (1967) de Russell Rouse, comedia de acción ambientada en las fiestas de San Fermín de Pamplona (España), con Yvette Mimieux y Giovanna Ralli, Shalako (1968) de Edward Dmytryk, western con Sean Connery y Brigitte Bardot, o Kill: matar (1971) de Romain Gary, thriller de acción con Jean Seberg, James Mason y Curd Jürgens.
A medida que avanzaba su carrera, la calidad de sus films disminuía, siendo protagonista de varias películas olvidables rodadas en tierras italianas y españolas como Mil millones para una rubia (1972) de Pedro Lazaga, El diablo tiene siete caras (1972) de Ovaldo Civirani o el spaghetti western Los cuatro de Fort Apache (1973) de Giuseppe Rosati.
Boyd se casó dos veces. Su primer matrimonio en 1958 con la italiana Mariella Di Sarzana sólo duró tres semanas. Con su secretaria Elizabeth Mills, a quien había conocido en 1955, se casó, tras más de veinte años de convivencia, en 1977. Meses después, mientras estaba jugando al golf en Granada Hills, California, Stephen Boyd fallecía de un ataque al corazón a los 45 años.


viernes, 3 de julio de 2015

George Sanders (San Petersburgo, Rusia, 3-7-1906 / Castelldefels, Barcelona, España, 25-4-1972): In memoriam

EL VILLANO ILUSTRADO
Hoy es aniversario natal del actor inglés (nacido en Rusia) George Sanders, intérprete de porte distinguido, refinado y aristocrático, que durante alrededor de cuarenta años desarrolló una amplísima carrera en más de 110 películas. Especializado en papeles de villano, a los que dotó de un encantador trazo cínico, elegante, sofisticado, y en muchos momentos, perverso, trabajó con  buen número de los mejores directores de su época, dejó varios clásicos a la posteridad y ganó un Oscar al mejor actor secundario. Enfermo, deprimido y aburrido, se suicidó a los 65 años.
Justo en el momento del triunfo de la revolución bolchevique, sus padres, ambos de nacionalidad inglesa, abandonaron Rusia con sus hijos para trasladarse a Gran Bretaña. Después de terminar su formación universitaria en Brighton y Manchester, George Sanders trabajó en Birmingham en el sector de la industria textil. Con posterioridad se trasladó a Sudamérica para colaborar en la fabricación tabaquera pero tras comprobar que lo del tabaco no era lo suyo, regresó al Reino Unido con la intención de hacerse un hueco en el mundo artístico británico, iniciando unas primeras representaciones teatrales para posteriormente debutar en el cine británico con la película Love, life and laughter (1934) de Maurice Elvey.
En Hollywood firmó contrato con 20th Century Fox y Lloyds de Londres (1936) de Henry King fue la primera producción americana en que participó, a la que siguieron papeles secundarios en títulos como Amor y periodismo (1937), Redención (1937), ambas de Tay Garnett, Cuatro hombres y una plegaria (1938) de John Ford, La pequeña rebelión (1939) de William A. Seiter o Confesiones de un espía nazi (1939) de Anatole Litvak. Su rostro se popularizó cuando entre 1939 y 1941 interpretó una serie de cinco películas dedicadas al personaje de El Santo (anteriormente protagonizada por Louis Hayward y posteriormente por Roger Moore), rol que abandonó para encarnar a otro héroe, The Falcon, desarrollado en otra sucesión de cuatro films entre 1941 y 1942.
En la década de los años 40 intervino asímismo en otros títulos como El hijo de Montecristo (1940) de Rowland V. Lee, con Louis Hayward y Joan Bennett,  Siete torres (1940) de Joe May, con  Margaret Lindsay y Vincent Price, Rebeca (1940) de Alfred Hitchcock, con Laurence Olivier y Joan Fontaine, Enviado especial (1940) de Alfred Hitchcock, con Joel McCrea, Laraine Day y Herbert Marshall, Infierno verde (1940) de James Whale, con Douglas Fairbanks Jr. y Joan Bennett, Alma en la sombra (1941) de W. S. Van Dyke, con Robert Montgomery e Ingrid Bergman, El hombre atrapado (1941) de Fritz Lang, con Walter Pidgeon y Joan Bennett, Cuando muere el día (1941) de Henry Hathaway con Gene Tierney y Bruce Cabot, El hijo de la furia (1942) de John Cromwell, con Tyrone Power y Gene Tierney, La luna y seis peniques (1943) de Albert Lewin, con  Herbert Marshall, El cisne negro (1942) de Henry King, con Tyrone Power y Maureen O'Hara, Esta tierra es mía (1943) de Jean Renoir, con Charles Laughton y Maureen O'Hara, Jack el destripador (1944) de John Brahm, con Merle Oberon y  Laird Cregar, Extraña confesión (1944) de Douglas Sirk, con Linda Darnell (a partir de esta película fue protagonista en varias de las siguientes en este decenio), Concierto macabro (1945) de John Brahm, con Laird Cregar y Linda Darnell, El retrato de Dorian Gray (1945) de Albert Lewin, con Hurd Hatfield y Donna Reed, Pesadilla (1945) de Robert Siodmak, con Geraldine Fitzgerald y Ella Raines, Escándalo en París (1946) de Douglas Sirk, con Signe Hasso y Carole Landis, La extraña mujer (1946) de Edgar G. Ulmer, con Hedy Lamarr y Louis Hayward, Los asuntos privados de Bel Ami (1947) de Albert Lewin, con  Angela Lansbury y Ann Dvorak, El fantasma y la señora Muir (1947) de Joseph L. Mankiewicz, con Gene Tierney y Rex Harrison, El asesino poeta (1947) Douglas Sirk, con Lucille Ball, Charles Coburn y Boris Karloff, Ambiciosa (1947) de Otto Preminger, con Linda Darnell, Cornel Wilde y Richard Greene, El abanico de Lady Windermere (1949) de Otto Preminger, con Jeanne Crain, Madeleine Carroll y Richard Greene, o Sansón y Dalila (1949) de Cecil B. DeMille, con Hedy Lamarr y Victor Mature.
Su talento fue premiado con un Oscar al mejor actor secundario por Eva al desnudo (1950) de Joseph L. Mankiewicz, con Bette Davis, Anne Baxter y Celeste Holm. En esa década su carrera prosiguió a buen ritmo con películas como Ambición de mujer (1951) de Michael Gordon, con Susan Hayward y Dan Dailey, El milagro del cuadro (1952) de Richard Brooks, con Stewart Granger y Pier Angeli, Destino: Budapest (1952) de Robert Parrish, con Dana Andrews, Audrey Totter y Märta Torén, Llámeme señora (1953) de Walter Lang, con Ethel Merman, Donald O'Connor y Vera-Ellen, El único testigo (1954) de Roy Rowland, con Barbara Stanwyck y  Gary Merrill, El talismán (1954) de David Butler, con Rex Harrison, Virginia Mayo y Laurence Harvey, Te querré siempre (1954) de Roberto Rossellini, con Ingrid Bergman, La amada de Júpiter (1954) de George Sidney, con Esther Williams y Howard Keel, Los contrabandistas de Moonfleet (1955) de Fritz Lang, con Stewart Granger, El ladrón del rey (1955) de Robert Z. Leonard, con Ann Blyth, Edmund Purdom y David Niven, Duelo de espías (1955) de John Sturges, con Cornel Wilde, Michael Wilding y Anne Francis, Mientras Nueva York duerme (1956) de Fritz Lang, con Dana Andrews, Rhonda Fleming y Ida Lupino, Amores de un impostor (1956) de Charles Martin, con Yvonne De Carlo y Zsa Zsa Gabor, Hoy como ayer (1956) de Jerry Hopper, con Rock Hudson y Cornell Borchers, De la tierra a la luna (1958) de Byron Haskin, con Joseph Cotten y Debra Paget, Toda la verdad (1958) de John Guillermin, con Stewart Granger y Donna Reed, Esa clase de mujer (1959) de Sidney Lumet, con Sophia Loren y Tab Hunter, Salomón y la reina de Saba (1959) de King Vidor, con Yul Brynner y Gina Lollobrigida y Operación Robinson (1959) de Guy Hamilton, con James Mason y Vera Miles. 
Más altibajos encontró su filmografía en los años siguientes, entre los que, entre bastantes subproductos, se pueden destacar algunos films como El último viaje (1960) de Andrew L. Stone, con Robert Stack, Dorothy Malone y Edmond O'Brien, El asesino de mujeres (1960) de W. Lee Wilder, con Corinne Calvet, El pueblo de los malditos (1960) de Wolf Rilla, un clásico de la serie B, Los hijos del capitán Grant (1962) de Robert Stevenson, con Maurice Chevalier y Hayley Mills, El nuevo caso del inspector Clouseau (1964) de Blake Edwards, con Peter Sellers y Elke Sommer, Moll Flanders (1965) de Terence Young, con Kim Novak y Richard Johnson, Conspiración en Berlín (1966) de Michael Anderson, con George Segal, Alec Guinness, Max von Sydow y Senta Berger, La carta del Kremlin (1970) de John Huston, con Bibi Andersson y Patrick O'Neal, Holocausto radiactivo (1972) de Peter Sasdy, con Ian Bannen y Judy Geeson, o La noche sin fin (1972) de Sidney Gilliat, con Hayley Mills.
Sanders contrajo matrimonio en cuatro ocasiones. La primera boda se produjo en 1940, cuando se casó con Susan Larson, de la que se divorció en 1949 para casarse con la conocida actriz Zsa Zsa Gabor. Tras un tormentoso matrimonio, Zsa Zsa y George Sanders se divorciaron en 1954. Cinco años después se casó con la actriz inglesa Benita Hume, quien dejó viudo al actor en 1967. Por último se casó en 1970 con Magda Gabor, la hermana de Zsa Zsa,  pero el matrimonio resultó un fracaso y se divorciaron a los 32 días del enlace. Su última pareja fue Lorraine Chanel (1968-1972).
El 25 de abril de 1972, en un hotel de Castelldefels, población cercana a Barcelona, decidió acabar con su vida tras ingerir una sobredosis de Nembutal, no sin antes haber escrito una nota de despedida con su firma: “Querido mundo, me marcho porque estoy aburrido, siento que he vivido demasiado, te dejo con tus preocupaciones en esta dulce cloaca. Buena suerte.” Tenía 65 años.


Franz Kafka (Praga, Imperio Austrohúngaro, hoy República Checa, 3-7-1883 / Kierling, Austria, 3-6-1924): In memoriam

FRANZ K

Hoy es aniversario natal del escritor checo en lengua alemana Franz Kafka. Su desasosegante y simbólica narrativa anticipó la opresión, la angustia y la alienación del individuo del siglo XX. Está considerado como una de las figuras más significativas de la literatura moderna; de hecho, el término 'kafkiano' se aplica a situaciones personales o sociales retorcidas o grotescas, o a su tratamiento por escrito. Los temas de su obra son la soledad, la frustración y la angustiosa sensación de culpabilidad que experimenta el ciudadano al verse amenazado por fuerzas desconocidas que no alcanza a comprender y se hallan fuera de su control. Su obra, que pasó prácticamente inadvertida hasta después de su muerte, se adelantó al expresionismo y al existencialismo y ha ejercido enorme influencia en la literatura posterior. Camus, Sartre, Borges y García Márquez son algunos de los escritores que la han acusado.

Semblanza procedente (con modificaciones) de la página Biografías y Vidas:

Nacido en el seno de una familia de comerciantes textiles judíos, su padre fue una figura dominante, autoritaria y prepotente, cuya influencia impregnaría la obra de Franz Kafka y agobió su existencia. Entre los diez y los dieciocho años se formó en un riguroso ambiente cultural alemán y, obligado por su padre, se doctoró en Derecho a los veintitrés. En esa época era anticlerical y se interesó por el ateismo y el socialismo. En los últimos años de su vida enfocaría su interés hacia la mística y la religión judías, que favorecieron su adhesión al sionismo. Su proyecto de emigrar a Palestina se vio frustrado en 1923 al agravarse la tuberculosis, que padecía desde 1917 y sería la causante de su muerte. A pesar de la enfermedad, de la hostilidad manifiesta de su familia hacia su vocación literaria, de sus cinco tentativas matrimoniales frustradas y de su empleo de burócrata en una compañía de seguros de Praga, Franz Kafka se dedicó intensamente a la literatura, si bien en vida sólo publicó narraciones cortas.
Su obra, que nos ha llegado en contra de su voluntad expresa -pues ordenó a su íntimo amigo y consejero literario Max Brod que, a su muerte, quemara todos sus manuscritos- constituye una de las cumbres de la literatura en alemán y se cuenta entre las más influyentes e innovadoras del siglo XX.
En la línea de la Escuela de Praga, de la que es el miembro más destacado, la escritura de Kafka se caracteriza por una marcada vocación metafísica y una síntesis de absurdo, ironía y lucidez, mezclando con naturalidad fantasía y realidad, lo que da a su obra un aire claustrofóbico y fantasmal. Ese mundo de sueños, que describe paradójicamente con un detallismo minucioso, ya se halla presente en su primera novela corta, Descripción de una lucha (1905), que apareció parcialmente en la revista Hyperion, que dirigía Franz Blei.
En 1913, el editor Rowohlt accedió a publicar su primer libro, Meditaciones, que reunía extractos de su diario personal, pequeños fragmentos en prosa de una inquietud espiritual penetrante y un estilo profundamente innovador, a la vez lírico, dramático y melodioso. Sin embargo, el libro pasó desapercibido; los siguientes tampoco obtendrían ningún éxito, fuera de un círculo íntimo de amigos y admiradores incondicionales. De 1913 a 1917 mantuvo una difícil relación con la joven alemana Felice Brauer, a la que pretendió sin fortuna, que puede ser analizada en Cartas a Felice (1967).
El estallido de la Primera Guerra Mundial y el fracaso de un noviazgo en el que había depositado todas sus esperanzas señalaron el inicio de una etapa creativa prolífica. Entre 1913 y 1919 Franz Kafka escribió El proceso, La metamorfosis y La condena y publicó El chófer, que incorporaría más adelante a su novela América (también conocida como El desaparecido), En la colonia penitenciaria y el volumen de relatos Un médico rural. En Carta al padre, escrita en 1919 pero publicada, como casi toda su obra, postumamente, Kafka expresa sus sentimientos de inferioridad y rechazo paterno.
En 1920 abandonó su empleo, ingresó en un sanatorio y, poco tiempo después, se estableció en una casa de campo en la que escribió El castillo; al año siguiente Kafka conoció a la escritora checa Milena Jesenska-Pollak, con la que mantuvo un breve romance y una abundante correspondencia (Cartas a Milena), no publicada hasta 1952. El último año de su vida encontró en otra mujer, Dora Dymant, el gran amor que había anhelado siempre, y que le devolvió brevemente la esperanza. Frank Kafka falleció a los 40 años víctima de la tuberculosis en un sanatorio austriaco.
La existencia atribulada y angustiosa de Kafka se refleja en el pesimismo irónico que impregna su obra, que describe, en un estilo que va desde lo fantástico de sus obras juveniles al realismo más estricto, trayectorias de las que no se consigue captar ni el principio ni el fin. Sus personajes, designados frecuentemente con una inicial (Joseph K o simplemente K), son zarandeados y amenazados por instancias ocultas. Así, el protagonista de El proceso no llegará a conocer el motivo de su condena a muerte, y el agrimensor de El castillo buscará en vano el rostro del aparato burocrático en el que pretende integrarse.
Los elementos fantásticos o absurdos, como la transformación en escarabajo del viajante de comercio Gregor Samsa en La metamorfosis, introducen en la realidad más cotidiana aquella distorsión que permite desvelar su propia y más profunda inconsistencia, un método que se ha llegado a considerar como una especial y literaria reducción al absurdo. Su originalidad irreductible y el inmenso valor literario de su obra le han valido a posteriori una posición privilegiada, casi mítica, en la literatura contemporánea.


jueves, 2 de julio de 2015

Hermann Hesse (Calw, Wurtemberg, Imperio alemán, 2-7-1877 / Montagnola, Tesino, Suiza, 9-8-1962): In memoriam

EL LOBO ESTEPARIO

Hoy es aniversario natal del escritor alemán nacionalizado suizo Hermann Hesse. Uno de los escritores más representativos de la Europa de entreguerras, fue continuador de la línea del romanticismo alemán e intérprete al mismo tiempo de los problemas de la sociedad moderna. El tema central de su obra es la inquietud del hombre en busca de su destino. Ganó el Premio Nobel de Literatura en 1946 y a su muerte se convirtió en una figura de culto en el mundo occidental. Es uno de los escritores europeos más leídos en todo el mundo.
Vástago de una tradicionalista familia de misioneros cristianos, fue destinado al estudio de la teología y enviado en 1891 al seminario evangélico de Maulbronn. De allí se fugó al año siguiente, siendo sucesivamente expulsado de varios colegios. Un intento de suicidio hizo que su familia lo ingresase en un manicomio y en diversas instituciones infantiles. Tras abandonar los estudios comenzó a trabajar como mecánico en una fábrica de relojes y más tarde se empleó en una librería, donde surgiría su pasión por la literatura, educándose a sí mismo a base de lecturas. A partir de 1898, con su sueldo de asistente de librero, consiguió independencia económica. Después del éxito de su primera novela Peter Camenzind (1904) -inspirada en recuerdos de su reciente juventud y donde ya aborda el tema de la soledad del ser humano, una de las constantes de toda su escritura- se instaló a orillas del lago de Constanza dedicado a la literatura. Ese mismo año se casó con María Bernoulli, matrimonio del que nacieron sus hijos Bruno (1905), Heiner (1909) y Martin (1911).
Peter Camenzind puede ser considerada un arquetipo del género conocido como novela iniciática, de escritura reflexiva y melancólica, sobre un joven que llega del campo a la ciudad para, tras llevar una vida de vagabundo, acabar huyendo de la cultura urbana y regresar a la naturaleza y la vida sencilla. En esa misma línea, Bajo las ruedas (1906) expresa la rebelión contra la educación formal y la autoridad. Gertrud (1910) completó la primera etapa en su producción narrativa caracterizada por un idealismo juvenil.
Tras un viaje a la India, en 1912 se trasladó a Berna, la capital de Suiza, abandonando Alemania para siempre. El estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 le horrorizó y, tras presentarse como voluntario en la embajada de Alemania, fue declarado inútil para el combate y destinado en Berna para asistir a prisioneros de guerra en su embajada. Sus escritos antibelicistas le hicieron ser tildado de traidor por la prensa alemana, lo que unido a la muerte de su padre, una grave enfermedad de su hijo menor y un episodio esquizofrénico de su esposa, le sumieron en una profunda depresión que precisó de tratamiento psicoterapéutico entre 1916 y 1917, época en la que Hesse comenzó a interesarse por el psicoanálisis y las teorías propuestas por el psiquiatra suizo Carl Jung. Los protagonistas de sus nuevas novelas se convirtieron en individuos solitarios a través de los cuales se puede vislumbrar a la perfección la profunda crisis de los valores en que está sumido el mundo burgués. Sus escritos se fueron enfocando hacia la búsqueda espiritual de nuevos objetivos que sustituyeran a los tradicionales, que ya no eran válidos. Fruto de sus experiencias introspectivas surgió Demian (1919), publicada bajo el seudónimo Emil Sinclair. Aun escrita en medio de una acusada crisis existencial, la novela es sin embargo un canto a la amistad, al arte y a la vida. Siddharta (1922), diametralmente distinta, recoge la experiencia del autor en la India y su interés por el misticismo oriental, y se convertiría, una generación más tarde, en el libro de cabecera de los primeros 'hippies', difusores en Occidente de la cultura budista. Toda la historia gira alrededor de un protagonista que, en permanente conflicto entre el mundo burgués en el que vive y las exigencias del artista que es, se contempla a sí mismo como un ser desgarrado y dividido, un esquizofrénico incapaz de conciliar sus dos mitades.
Tras el armisticio, con su matrimonio arruinado y vendida su casa de Berna, Hesse se había mudado a Montagnola, donde alquiló un pequeño castillo en el que se dedicó a escribir y a pintar. En 1923 adoptó la nacionalidad suiza. Al año siguiente se casó con Ruth Wenger, matrimonio que no fue consumado.
El lobo estepario (1927), el más célebre de los títulos de Hesse, inicia sin duda la etapa de madurez de su obra: está construido a partir de las notas póstumas del artista Harry Haller, introducidas por los comentarios de un editor, y es un lúcido análisis sobre la locura de una época en la que muere lo viejo sin que haya nacido algo nuevo. La obra simboliza la escisión entre la individualidad rebelde y las convenciones burguesas. Narciso y Goldmundo (1930), situada en una imprecisa alba del Renacimiento, presenta la contraposición de Narciso, el monje ascético, y Goldmundo, el artista, en una escuela monástica, donde traban amistad. Es la confrontación entre el mundo paterno, encarnado en el logos y la ciencia, y el arte maternal, que no representa una certeza sino una búsqueda de por vida.
En 1931 se casó con Ninon Dolbin y, mientras observaba con preocupación el ascenso del nazismo en su país de origen, comenzó a concebir su último gran proyecto literario, la novela El juego de abalorios (1943), que, situada en un futuro utópico, cierra lo que puede entenderse como una trilogía de culminación de la obra de Hesse, a través de un nuevo intento de reunión (los abalorios) del mundo de las artes y de las ciencias: un auténtico resumen de los esfuerzos anteriores del autor por reflejar la inquietante dualidad entre el pensamiento y el espíritu. Esta obra fue decisiva para que se le concediese el Nobel de Literatura en 1946. También recibió Premio Goethe (1946), y el Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán (1953), pero no acudió a las respectivas ceremonias. Indiferente a las corrientes y movimientos literarios, rara vez aparecía en público y jamás firmó ejemplares.
Sus últimas publicaciones fueron colecciones de cuentos, relatos y meditaciones, y en 1951 la antología literaria de este educador humano, que une la interioridad de la lucha sostenida para la existencia del espíritu, consciente de su propia responsabilidad, con la advertencia dirigida a su misma época en peligro y al pueblo alemán. La edición completa de las obras de Hermann Hesse, en seis tomos, apareció en 1952. Diez años después, Hermann Hesse falleció mientras dormía, a causa de una hemorragia cerebral a los 85 años.


miércoles, 1 de julio de 2015

Tribute to Leslie Caron (Boulogne-sur-Seine, Francia, 1-7-1931)

EL 'CHIC' FRANCÉS EN HOLLYWOOD

La actriz y bailarina francesa Leslie Caron cumple hoy 84 años. Con sus dotes para el ballet, unidos a una juvenil imagen menuda, vivaz, ingenua y candorosa y una sonrisa entre dulce y pícara, conquistó Hollwywood de la noche a la mañana. Protagonizó grandes musicales clásicos y también películas de otros géneros. Fue dos veces candidata al Oscar y ganó un Globo de Oro, dos premios BAFTA y un Emmy. En su país natal fue nombrada sucesivamente Caballero (1993), Oficial (2004) y Comandante (2013) de la Legión de Honor, ademas de ser galardonada con la Orden Nacional del Mérito (1998).
Hija de un farmacéutico y una bailarina, mientras su hermano mayor Aimery Caron heredó la profesión de su padre, Leslie fue preparada para hacer una carrera artística desde la infancia por parte de su madre. Comenzó a bailar a los 10 años y en 1949 entró en la compañía de Ballet de los Campos Elíseos de Roland Petit como bailarina clásica. Allí fue descubierta por el actor y bailarín estadounidense Gene Kelly mientras buscaba pareja femenina para el musical de M-G-M Un americano en París (1951). Su director, Vincente Minnelli, le dio el papel y Caron firmó contrato con el estudio del león. La película resultó un gran éxito, fue premiada con seis Oscars y convirtió en una estrella a Leslie Caron con sólo 20 años.
Posteriormente intervino en el drama decimonónico The man with a cloak (1951) de Fletcher Markle, con Joseph Cotten y Barbara Stanwyck, interpretó a una bailarina de cabaret en Glory Alley (1952) de Raoul Walsh, y apareció dirigida por Vincente Minnelli en uno de los episodios de Tres amores (1953). El mismo año tuvo un gran triunfo personal con Lilí (1953) de Charles Walters, drama romántico con Mel Ferrer y Jean-Pierre Aumont, donde cantaba "Hi-Lili, Hi-Lo", motivo que se hizo muy popular. Caron obtuvo su primera nominación al Oscar y ganó un premio BAFTA por su papel de una joven francesa huérfana e ingenua, sin hogar ni recursos, que se enamora de un prestidigitador al que conoce en una función circense. Sus siguientes títulos fueron La zapatilla de cristal (1955) de Charles Walters, versión musical del cuento "La cenicienta", en clave de comedia romántica, con Michael Wilding como oponente, Papá piernas largas (1955) de Jean Negulesco, musical basado en una novela de Jean Webster, con Fred Astaire como protagonista, y Gaby (1956) de Curtis Bernhardt, remake en color de "El puente de Waterloo" que la emparejó a John Kerr. El fastuoso musical Gigi (1958) de Vincente Minnell, con canciones de Lerner y Loewe y basado en la novela de Colette, con Maurice Chevalier y Louis Jourdan, ganador de nueve Oscars, la confirmó como gran estrella. Posteriormente se estrenaron otros títulos suyos de menor repercusión como El dilema del doctor (1958) de Anthony Asquith, adaptación de la obra de Bernard Shaw, donde compartió créditos con Dirk Bogarde, o Austerlitz (1960) de Abel Gance, épica reconstrucción de la batalla en la que el emperador francés derrotó a los austríacos y a los rusos.
En la década de los 60 obtuvo otro éxito importante con Fanny (1961) de Joshua Logan, drama romántico con Maurice Chevalier, Charles Boyer y Horst Buchholz, por el que Caron ganó un Globo de Oro. Después protagonizó Al final de la noche (1962) de Anthony Asquith, drama de producción británica junto a David Niven, La habitación en forma de L (1962) de Bryan Forbes, otro título rodado en Inglaterra, donde su interpretación de una joven francesa soltera y embarazada fue reconocida con un BAFTA, un Globo de Oro y una segunda nominación al Oscar, Operación Whisky (1964) de Ralph Nelson, comedia bélica con Cary Grant que supuso uno de los mayores éxitos comerciales de su carrera, El favor (1965) de Michael Gordon, comedia romántica con Rock Hudson y Charles Boyer, Prométele cualquier cosa (1965) de Arthur Hiller, comedia romántica con Warren Beatty (con quien sostuvo un romance fuera de la pantalla), ¿Arde París? (1966) de René Clément, fresco histórico sobre la liberación de París por las fuerzas aliadas con reparto multiestelar, El padre de familia (1967) de Nanni Loy, comedia italiana con Nino Manfredi, a partir de la cual su carrera se hace más intermitente y compagina trabajos en cine y televisión.
Entre su restante filmografía destacan sus intervenciones secundarias en títulos como El amante del amor (1977) de François Truffaut, comedia dramática con Charles Denner, Valentino (1977) de Ken Russell, con Rudolf Nureyev, drama biográfico donde interpretó a Alla Nazimova, La diagonal del loco (1984) de Richard Dembo, film ganador del Oscar a la mejor película en lengua extranjera, Herida (1992) de Louis Malle, drama erótico con Jeremy Irons y Juliette Binoche, Chocolat (2000) de Lasse Hallström, fábula gastronómica con Juliette Binoche y Johnny Depp, y Le divorce (2003) de James Ivory, último film en que apareció. En 2006 ganó un Emmy televisivo como actriz invitada en un episodio de la serie "Ley y orden".
Leslie Caron ha estado casada con el músico Geordie Hormel (1951-1954), el director de teatro, cine y televisión Peter Hall (1956-1965), con quien tuvo un hijo y una hija, y el director, productor y guionista Michael Laughlin (1969-1980). También estuvo sentimentalmente ligada al actor Robert Wolders (última pareja de Audrey Hepburn hasta su fallecimiento en 1993) entre 1994 y 1995. En su autobiografía "Thank heaven" declaró haber adoptado la ciudadanía estadounidense a tiempo de votar a Barack Obama para Presidente.