Tribute to Marion Cotillard (Pars, France, 30-9-1975)

LA VIE EN ROSE

 

La acriz francesa Marion Cotillard cumple hoy 40 años. En 2007 sorprendió al mundo entero por su asombrosa caracterización como Edith Piaf en La vida en rosa, que le proporcionó todos los premios habidos y por haber, incluyendo el Oscar (el primero concedido a una interpretación en francés), y proyectándola como gran estrella internacional.

Hija de actores y profesores de interpretación, Marion Cotillard comenzó a actuar en el teatro en su niñez. Más tarde trabajó en televisión y en el cine. Debutó en la gran pantalla con La historia del joven que quería que lo besaran (1994) de Philippe Harel. Cuatro años después consiguió popularidad internacional gracias a su participación en la comedia Taxi Express (1998) de Gérard Pirès, una película por la que fue nominada a los premios César como actriz revelación y de la que se rodaría dos secuelas en 2002 y 2003. Por el thriller psicológico Las cosas bellas (2001) de Gilles Paquet-Brenner, título en el que interpretaba un doble papel, volvió a repetir candidatura al César. Estos films le abrieron puertas para trabajar en Big fish (2003) de Tim Burton. Por Largo domingo de noviazgo (2004) de Jean-Pierre Jeunet, drama romántico de ambientación bélica con el protagonismo de Audrey Tautou, ganó el César a la mejor actriz de reparto, interviniendo después en títulos foráneos como Mary (2005) de Abel Ferrara, drama de historias cruzadas con Juliette Binoche, Matthew Modine, Forest Whitaker y Heather Graham, o Un buen año (2006) de Ridley Scott, comedia romántica con Russell Crowe y Albert Finney.

El despegue decisivo de su carrera internacional se produjo tras su encarnación en la pantalla de la cantante Edith Piaf en La vida en rosa (2007) de Olivier Dahan, trabajo en el que Marion se involucró al 100 % y por el que logró numerosos premios, entre ellos el César, el BAFTA, el Globo de Oro y el Oscar a la mejor actriz. Desde entonces ha aparecido en películas como Enemigos públicos (2009) de Michael Mann, neo-noir con Johnny Depp y Christian Bale, El último vuelo (2009) de Karim Dridi, drama romántico de aventuras con Guillaume Canet donde encarnó a la aviadora Marie Vallières de Beaumont, una mujer que viaja al Sahara para intentar encontrar a su marido desaparecido, Nine (2009) de Rob Marshall, adaptación de un musical de Broadway de 1982 que, a su vez, era un remake modernizado del "8 y medio" de Fellini, en el que, entre un reparto internacional de estrellas, ella interpretó a Luisa Contini, la mujer del protagonista Daniel Day-Lewis, una producción de alto coste que supuso un fracaso de público y crítica, Origen (2010) de Christopher Nolan, thriller de ciencia-ficción protagonizado por Leonardo DiCaprio que constituyó un bombazo de taquilla, Pequeñas mentiras sin importancia (2010) de Guillaume Canet, comedia dramática con François Cluzet, Midnight in Paris (2011) de Woody Allen, comedia romántica con Owen Wilson, Contagio (2011) de Steven Soderbergh, thriller de ciencia-ficción con Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Gwyneth Paltrow y Kate Winslet, De óxido y hueso (2012) de Jacques Audiard, drama romántico con Matthias Schoenaerts, El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) de Christopher Nolan, enésimo y supertaqullero título de la franquicia Batman con Christian Bale de protagonista, Lazos de sangre (2013) de Guillaume Canet, thriller con Clive Owen y Billy Crudup, El sueño de Ellis (2013) de James Gray, drama sobre inmigración en los años 20, con Joaquin Phoenix y Jeremy Renner, Dos días, una noche (2014) de Jean-Pierre y Luc Dardenne, drama social con Fabrizio Rongione, o Macbeth (2015) de Justin Kurzel, sombría y oscura adaptación de la obra de Shakespeare, con Michael Fassbender, exhibida en Cannes y pendiente de estreno. 

Desde 2007, Marion Cotillard es pareja del actor y director Guillaume Canet, con quien tuvo a su hijo Marcel en 2011.

Udo Jürgens - Merci, chérie - Eurovision 1968 - Austria

UDO JÜRGENS (Klagenfurt, Austria, 30-9-1934 / Münsterlingen, Suiza, 21-12-2014): IN MEMORIAM 

Hoy es aniversario natal del cantante austriaco Udo Jürgens, fallecido el pasado diciembre a los 80 años. Se le recuerda fundamentalmente por su victoria en el Festival de Eurovisión de 1966 representando a Austria. Durante décadas fue uno de los artistas en lengua alemana más exitosos desde los años 60. Su legado musical cuenta con cerca de un millar de canciones, vendidas en más de cien millones de discos.

Jürgen Udo Bockelmann nació en el seno de una familia acomodada. Sus padres, ambos alemanes, le dieron una completa formación musical, por lo que cuando triunfó, Jürgens solía tocar temas al piano durante sus conciertos, en los que se hacía acompañar frecuentemente de una orquesta.

En 1950 ganó como compositor un concurso de la radiotelevisión austriaca y en 1961 escribió el hit "Reach for the stars" que, cantado por Shirley Bassey, fue número 1 en el Reino Unido. Al año siguiente formó un cuarteto musical y, ya como solista, representó a Austria en Festival de Eurovisión por tres años consecutivos con las composiciones propias Warum nur warum? (1964), clasificada en sexta posición, Sag ihr, ich lass sie grüßen (1965), que quedó cuarta, y Merci, chérie (1966), con la que finalmente se alzó con el triunfo en el certamen. El single vendió un millón de copias y fue premiado con un disco de oro.

Jürgens también compitió en Sanremo un par de ocasiones: en 1965 interpretó Abbracciami forte en doble vuelta junto a Ornella Vanoni, consiguiendo el segundo puesto, y en 1968, acompañado de Iva Zanicchi, presentó Per vivere, que quedó excluída de la final.

Entre sus éxitos se encuentran temas como Griechischer wein, Mit 66 jahren, Aber bitte, mit sahne, Vielen dank für die blumen o Buenos días, Argentina, que se convirtieron con el tiempo en clásicos de la canción en alemán. Muchos de sus temas han sido traducidos a otros idiomas y versionados por artistas como Matt Monro, The Supremes, Sammy Davis Jr., Frankie Laine, Bing Crosby o Al Martino. 

En 1977 trasladó su residencia a Zurich, en Suiza, país del que obtendría la ciudadanía 30 años más tarde. El cantante era un conocido mujeriego, que tuvo cuatro hijos de tres matrimonios. Un paro cardiaco acabó con su vida cuando aún se mantenía profesionalmente activo.

Greer Garson (London, UK, 29-9-1904 / Dallas, Texas, US, 6-4-1996)

LA SEGURIDAD BRITÁNICA

Hoy se cumple el 111 aniversario natal de la actriz británica (nacionalizada estadounidense en 1951) Greer Garson. Descubierta por Louis B. Mayer y fichada por M-G-M, se convirtió rapidamente en estrella y fue una de las intérpretes más populares de los años 40, particularmente en tiempos de guerra. De atractivo semblante que aunaba picardía, serenidad y distinción bajo su exuberante cabellera pelirroja, e indudable talento, fue la favorita de Mayer, quien siempre la vio como la gran dama del estudio que presidía, lo que en cierta medida la encasilló en arquetípicos roles de heroína romántica. Candidata al Oscar en siete ocasiones, lo consiguió en su tercera nominación. En 1993, cuando llevaba quince años retirada, la Reina Elizabeth II la nombró Comandante de la Orden del Imperio Británico.

Eileen Evelyn Greer Garson nació en el seno de una familia de clase media y estudió en el King's College de Londres y, con la intención de convertirse en profesora, en la Universidad de Grenoble en Francia. Luego comenzó a trabajar en una agencia de publicidad al mismo tiempo que iniciaba una trayectoria como actriz teatral en la segunda mitad de la década de los años 20, llegando a hacerse profesional en 1932. Louis B. Mayer, el jefe de producción de la Metro, la descubrió actuando en el teatro mientras estaba en Londres a la búsqueda de nuevos talentos para sustituir a la Garbo en su compañía, con la que Garson firmó contrato a finales de 1937.

En el estudio del león debutó con Adios, Mr. Chips (1939), un film dirigido por Sam Wood que estaba coprotagonizado por el también británico Robert Donat, que ganó el Oscar al mejor actor, mientras ella recibió su primera nominación a ese premio como mejor actriz. Después fue emparejada a Laurence Olivier en Más fuerte que el orgullo (1940), adaptación de la novela "Orgullo y prejuicio" de Jane Austen que dirigió Robert Z. Leonard. En los cinco años siguientes fue candidata al Oscar de forma consecutiva por el drama biográfico De corazón a corazón (1941) de Mervyn LeRoy, primera de sus nueve películas con Walter Pidgeon como coprotagonista, La señora Miniver (1942) de William Wyler, drama en tiempos de guerra con Walter Pidgeon, por el que Garson ganó el Oscar, Madame Curie (1943) de Mervyn LeRoy, drama biográfico con Walter Pidgeon, La señora Parkington (1944) de Tay Garnett, drama romántico con Walter Pidgeon, y El valle del destino (1945) de Tay Garnett, drama romántico de época con Gregory Peck. En esos años, además de esos cinco títulos, protagonizó Cuando ellas se encuentran (1941) de Robert Z. Leonard, comedia dramática con Joan Crawford, Robert Taylor y Herbert Marshall, Niebla en el pasado (1942) de Mervyn LeRoy, drama romántico con Ronald Colman, y Aventura (1945) de Victor Fleming, drama romántico con Clark Gable. Otros títulos de la década incluyen Julia se porta mal (1948) de Jack Conway, comedia con Walter Pidgeon, Peter Lawford, Elizabeth Taylor y Cesar Romero, o La dinastía de los Forsyte (1949) de Compton Bennett, adaptación de una novela de John Galsworthy con Errol Flynn, Walter Pidgeon, Robert Young y Janet Leigh.

En la década de los 50 la secuela La historia de los Miniver (1950) de H.C. Potter, con Walter Pidgeon, John Hodiak y Leo Genn, supuso su primer tropiezo en taquilla, y tampoco le fue bien a La enigmática señora Loverly (1951) de Edwin H. Knopf, comedia con Michael Wilding, mientras que La señora Chesney (1953) de Jean Negulesco, drama de nuevo con Walter Pidgeon,obtuvo un éxito discreto. En Julio César (1953) de Joseph L. Mankiewicz, que adaptó con brillantez el drama de Shakespeare, Garson interpretó a Calpurnia en un gran reparto que reunió a Marlon Brando, James Mason, John Gielgud, Louis Calhern, Edmond O'Brien y Deborah Kerr. Luego, ya expirado su contrato con M-G-M, su carrera no consiguió remontar con La pelirroja indómita (1955) de Mervyn LeRoy, western con Dana Andrews, y Garson permaneció ausente de la gran pantalla durante cinco años, tiempo en el que hizo algún trabajo televisivo y volvió al teatro en Broadway para sustituir a Rosalind Russell en "Auntie Mame" (1958). Su retorno al cine con el drama biográfico Amanecer en Campobello (1960) de Vincent J. Donehue, fue saludado con un Globo de Oro y una séptima nominación al Oscar por su interpretación de Eleanor Roosevelt junto a Ralph Bellamy, que encarnó al Presidente Franklin Delano Roosevelt. Posteriormente actuó como secundaria en Dominique (1966) de Henry Koster, El más feliz millonario (1967) de Norman Tokar y en el telefilm "Little women!" (1978) de David Lowell Rich. En adelante se dedicó a actividades filantrópicas.

Greer Garson estuvo casada tres veces. Su primer marido fue el funcionario público Edward Snelson (1933-1943), matrimonio que duró sólo unas pocas semanas pero que tardó diez años en disolverse. El segundo fue el actor Richard Ney, que había interpretado a su hijo en La señora Miniver. Cuando se casaron él tenía 26 años y ella 38. Esta unión se mantuvo de 1943 a 1947. Finalmente se casó con el magnate del petróleo Buddy Fogelson, con quien permaneció desde 1949 hasta enviudar en 1987. La actriz falleció de un paro cardiaco a los 91 años.

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, España, 29-9-1916 / Madrid, España, 29-4-2000): In memoriam

UN SOÑADOR PARA UN PUEBLO

Hoy se cumple el 99 aniversario natal del dramaturgo español Antonio Buero Vallejo. Autor de dramas históricos o de crítica social, las líneas maestras de su obra obedecen al propósito explícito de lograr una síntesis de dos estilos que, en sí mismos, son antagónicos, el realismo y el simbolismo, y que a lo largo de su producción se pueden ver integrados en armonía. Su carrera teatral ha sido ampliamente reconocida.

Hijo de un militar, tras estudiar el bachillerato en su localidad natal, Antonio Buero Vallejo cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, adonde su familia se había trasladado en 1934, impulsado por su afición desde muy pequeño por el dibujo y la pintura. También había mostrado gran interés por la literatura y el teatro. Poco después de estallar la Guerra Civil española, su padre, capitán de ingenieros, fue detenido y fusilado en diciembre de 1936. Al mes siguiente el joven Buero se enroló en el ejército republicano y fue destinado al frente del Jarama, de donde será trasladado al frente de Aragón. Al terminar la guerra es detenido y conducido al campo de concentración de Soneja, en la provincia de Castellón. El régimen franquista lo condenó a muerte por "adhesión a la rebelión", aunque se le conmutó la pena capital por otra de treinta años y pasó encarcelado casi siete en varias prisiones; en una de ellas coincidió con el poeta Miguel Hernández, a quien anteriormente había conocido en Benicasim y de quien dibujó su retrato más famoso. Al salir de la cárcel en 1946, no se le permitió volver a Madrid y se estableció en Carabanchel Bajo.

La experiencia de la guerra y de la cárcel del joven Buero Vallejo marcó después su trayectoria personal, así como su obra teatral, influida por el compromiso político, los anhelos de libertad y de justicia y la lucha por la vida. En sus primeras obras se propuso desvelar la angustia y soledad en las que se debate la existencia humana, casi siempre en condiciones mediocres cuando no hostiles. Se dio a conocer en el año 1949 con su obra Las palabras en la arena, premiada por la Asociación de amigos de los Quintero, e Historia de una escalera, una de las obras más importantes del teatro español contemporáneo, con la que logró un importante éxito cuando se presentó en el Teatro Español, causando gran impacto por su realismo y contenido social y por la que obtuvo el premio Lope de Vega del Ayuntamiento de Madrid.

En la etapa posterior, el autor muestra una tendencia al mito, la leyenda y la fábula, en obras como En la ardiente oscuridad (1950), La tejedora de sueños (1952), Madrugada (1953), Hoy es fiesta (1956), Las cartas boca abajo (1957), La doble historia del doctor Valmy (1964), estrenada en Inglaterra en 1968 y prohibida en España hasta 1976, El tragaluz (1967), Llegada de los dioses (1971), La fundación (1974), Jueces en la noche (1979), Caimán (1981), Diálogo secreto (1984), Lázaro en el laberinto (1986) o Música cercana (1989).

Una poderosa tendencia que anima su teatro es incorporar, convenientemente retocadas, corrientes antiguas del teatro español que han sido desdeñadas. Otro de los ejes de su dramaturgia es la preocupación por la realidad española y el intento de propiciar una reflexión apasionada y serena, rigurosa pero abierta, que abra la conciencia civil al espejo de la historia. Mediante el recurso al simbolismo y a la evaluación histórica, el autor esquivó de paso los rigores de la censura franquista y pudo ver estrenadas sus obras con relativa normalidad. Un soñador para un pueblo (1958), Las Meninas (1960), El concierto de San Ovidio (1962), El sueño de la razón (1970) y La detonación (1977) son otras obras que hablan de esa preocupación por desvelar enigmas que cubren momentos cruciales de la historia española.

A lo largo de su vida, Buero Vallejo, que luchó contra toda clase de adversidades (particularmente contra la censura) y que nunca abdicó de sus ideas ni de una actitud ética de compromiso con los más débiles, recibió numerosos homenajes. El mundo oficial se rindió ante su talento, fue elegido miembro de la Real Academia de la Lengua Española (1971) y se le concedió el Premio Nacional de Teatro (1980) y el Cervantes (1986). Fue también galardonado con el Premio Nacional de las Letras (1996) y con el Premio Max Honorífico (1999). Su última obra estrenada fue Misión al pueblo desierto (1999).

En 1959 se casó con la actriz teatral Victoria Rodriguez, con quien tendría dos hijos. Buero Vallejo falleció en Madrid tras sufrir una embolia cerebral a los 83 años.

 

Peter Finch (London, UK, 28-9-1916 / Los Angeles, California, US, 14-2-1977)

TALENTO TEMPERAMENTAL

Tal día como hoy hace 99 años vino al mundo el actor británico Peter Finch. Bohemio, independiente, inestable y reacio a someterse al star-system hollywoodense, a lo largo de su carrera ofreció interpretaciones de rara intensidad emocional. Ganó, entre otros, cinco premios BAFTA al mejor actor, además de un Globo de Oro y un Oscar (de entre dos candidaturas), que le fue otorgado postumamente, siendo el primer actor en la historia de los premios de la Academia en obtenerlo de tal modo.

Nacido Frederick George Peter Ingle-Finch, fruto del adulterio de su madre, sus padres se divorciaron cuando tenía dos años y cuatro años después su padre biológico desposó a su progenitora. El ex-marido de su madre ganó su custodia y el pequeño Peter se crió en Francia con su supuesta 'abuela'. En 1925 su madre lo llevó consigo a la India, de donde su padre real era oriundo, pasando con ella unos meses en un monasterio budista y un año después fue enviado a Australia para su educación. Tras su graduación, después de ejercer varios oficios, se decantó por el teatro, debutando profesionalmente en Sidney en 1935. Su primera intervención como secundario en una película australiana data de 1938. Tres años más tarde se alistó en el ejército australiano durante la Segunda Guerra Mundial, aunque se le permitió actuar en diversos films bélicos o propagandísticos en los años de la contienda, así como en la radio y la escena. Licenciado como sargento en 1945, un año después fue cofundador de la Mercury Theatre Company australiana (del mismo nombre que la anterior de Orson Welles en Estados Unidos). En ella, durante una representación de "El enfermo imaginario" de Molière en 1948, llamó la atención de Laurence Olivier y Vivien Leigh, entonces de gira por Australia con la Old Vic Company. Olivier animó a Finch a trasladarse a Londres, cosa que hizo poco después. 

Bajp la tutela de Olivier continuó su carrera teatral en Inglaterra en los años siguientes, introduciéndose asímismo en la cinematografía británica. Su debut en una película de Hollywood se produjo con un pequeño papel en The Miniver story (1950) de H.C. Potter y lentamente sus roles fueron aumentando en tamaño y prestigio en películas como Los arqueros del rey (1952) de Ken Annakin, con Richard Todd, El detective (1954) de Robert Hamer, con Alec Guinness como el Padre Brown de Chesterton, hasta coprotagonizar La senda de los elefantes (1954) de William Dieterle, con Elizabeth Taylor (que sustituyó a la protagonista inicialmente prevista, Vivien Leigh, tras sufrir ésta una crisis nerviosa) y Dana Andrews, o El príncipe negro (1955) de Henry Levin, con Errol Flynn y Joanne Dru. Desde 1948 Vivien Leigh y Peter Finch fueron amantes de forma intermitente, romance que concluyó debido a la deteriorada salud mental de ella. Finch firmó con la productora británica Rank Organisation tras finalizar su contrato teatral con Olivier, siendo su primera película importante Mi vida empieza en Malasia (1956) de Jack Lee, drama bélico con Virginia McKenna por el que el actor fue galardonado con el primero de sus cinco premios BAFTA, seguido de La batalla del Río de la Plata (1956) de Michael Powell y Emeric Pressburger, film bélico con John Gregson y Anthony Quayle, o Alarma en el Extremo Oriente (1957) de Ronald Neame, thriller con Mary Ure. Cedido a Warner Bros, coprotagonizó junto a Audrey Hepburn el drama religioso Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann, prosiguiendo su carrera en el cine de su país y el hollywoodense con títulos como El robo del siglo (1959) de Michael McCarthy, drama bélico con Eva Bartok, Los juicios de Oscar Wilde (1960) de Ken Hughes, drama donde encarnó al célebre escritor irlandés, con John Fraser como su amante Bosie, y por el que ganó su segundo BAFTA al mejor actor, No love for Johnnie (1961) de Ralph Thomas, drama por el que consiguió el Oso de Plata al mejor actor en el Festival de Berlín y su tercer BAFTA, Misión en la jungla (1961) de Gordon Douglas, drama ambientado en el Congo con Angie Dickinson y Roger Moore, Conspiración para matar (1962) de Robert Stevens, drama psicológico con Susan Hayward, Amor prohibido (1963) de Robert Stevens, drama romántico con Jane Fonda y Angela Lansbury, La chica de los ojos verdes (1964) de Desmond Davis, drama romántico con Rita Tushingham, Siempre estoy sola (1964) de Jack Clayton, drama con Anne Bancroft y James Mason, El vuelo del Fénix (1965) de Robert Aldrich, drama de supervivencia con James Stewart, Richard Attenborough, Hardy Krüger y Ernest Borgnine, La Venus de la ira (1966) de Daniel Mann, drama con Sophia Loren y Jack Hawkins, Las 10'30 de una noche de verano (1966) de Jules Dassin, adaptación de una novela de Marguerite Duras, con Melina Mercouri y Romy Schneider, Lejos del mundanal ruido (1967) de John Schlesinger, adaptación de la novela de Thomas Hardy con Julie Christie, Terence Stamp y Alan Bates, La leyenda de Lylah Clare (1968) de Robert Aldrich, drama con Kim Novak y Ernest Borgnine, La tienda roja (1969) de Mikhail Kalatozov, coproducción italo-soviética de aventuras con Sean Connery, Claudia Cardinale y Hardy Krüger, Domingo, maldito domingo (1971) de John Schlesinger, drama triangular con Glenda Jackson y Murray Head, que le supuso su cuarto BAFTA y su primera nominación al Oscar al mejor actor, La muchacha que llegó de la lluvia (1972) de Alastair Reid, thriller con Shelley Winters, Horizontes perdidos (1973) de Charles Jarrott, remake musical de un film de Frank Capra de 1937, con Liv Ullmann, Legado de un héroe (1973) de James Cellan Jones, drama histórico donde interpretó al Almirante Nelson, con Glenda Jackson como Lady Hamilton, Inglaterra me hizo (1973) de Peter Duffell, adaptación de una novela de Graham Greene, con Michael York y Hildegard Neil, Abdicación (1974) de Anthony Harvey, drama histórico con Liv Ullmann, y Network, un mundo implacable (1976) de Sidney Lumet, drama satírico sobre el periodismo televisivo con Faye Dunaway, William Holden y Robert Duvall candidato a diez Oscars y ganador de cuatro, uno de ellos para Peter Finch como mejor actor, quien además fue premiado con un Globo de Oro y un quinto BAFTA, todos ellos concedidos a título póstumo, pues Finch había perecido poco antes de un ataque cardiaco a los 60 años. Su último trabajo (para la televisión), "Brigada antisecuestro" (1977) de Irvin Kershner, se estrenó cinco días después de su muerte.

Peter Finch se casó tres veces; sus esposas fueron la bailarina rumana Tamara Tchinarova (1943–59), con quien tuvo una hija; la actriz sudafricana Yolande Turner (1959–65), matrimonio del que nacieron una hija y un hijo; y Eletha Barrett, su esposa desde 1973, madre de su cuarta hija y su viuda.

Helen Shapiro - You don't know

SO A SECRET IT MUST STAY

You don't know, canción escrita por John Schroeder y Mike Hawker y grabada por Helen Shapiro con producción de Norrie Paramor, se editó en single a finales de junio de 1961. En agosto llegó al número 1 en el Reino Unido y posteriormente fue un hit mayor en Irlanda, Nueva Zelanda, Noruega, Israel, Dinamarca, Japón, Bélgica, Francia y Holanda, consiguiendo un disco de oro.

You don't know (lyrics)

Woah, woah, woah, oh yeah, yeah, yeah
Woah, woah, woah, oh yeah, yeah, yeah
All though I love you so
Oh you don't know
You don't know just how I feel
For my love I daren't reveal
I am so, I'm so afraid
You might not care

Every time you pass me by
Oh you don't know, you don't know
What I go through
Seeing someone else with you
Oh I wish the one with you, were me
But you don't know

I would tell you, if I believed
That you might care some day
But until then I'll never give this away

So a secret it must stay
And you don't know, you don't know
How hard to bear
Is this one way love affair
For it breaks my heart to be in love
When you don't know

I would tell you, if I believed
That you might care some day
But until then I'll never give this away

So a secret it must stay
And you don't know, you don't know
How hard to bear
Is this one way love affair
For it breaks my heart to be in love
When you don't know
Woah, woah, oh yeah, yeah, yeah
Woah, woah, woah, oh yeah, yeah, yeah

Helen Shapiro - Walking back to happiness

TRIBUTE TO HELEN SHAPIRO (Bethnal Green, London, UK, 28-9-1946)

La cantante inglesa Helen Shapiro cumple hoy 69 años. Fuera del Reino Unido, acaso muchos no recuerden que, a comienzos de los años 60 y antes de cumplir los quince, con su voz sorprendentemente adulta, ella fue la intérprete femenina más de moda en su país, algo similar a lo ocurrido con Brenda Lee en los Estados Unidos. Sus primeros cuatro singles alcanzaron el Top 3 británico y luego, con la llegada y auge de la música beat, su estilo pasó pronto de moda.

Nacida en el seno de una familia de clase obrera, Helen Kane Shapiro mostró desde muy pequeña dotes para el canto y sus padres la animaron a introducirse en el mundo de la música. Gracias a su potente timbre vocal, muy inusual para una chica de catorce años, firmó un contrato con Columbia Records en 1961 y ese mismo año colocó Don't treat me like a child, su primer single, en el número 3 de las listas británicas y, a continuación, consiguió dos números 1 consecutivos con You don't know y Walkin' back to happiness, y en 1962 un número 2 con Tell me what he said y un número 8 con Little Miss Lonely. La mayoría de sus sesiones de grabación se efectuaron en los estudios de EMI en Abbey Road. De la noche a la mañana, Helen Shapiro se había convertido en la sensación de la música pop y en la vocalista más joven en alcanzar la cima de los charts británicos. Durante una gira en febrero de 1963 tuvo como teloneros a The Beatles, por entonces interesados en promocionar su primer álbum "Please, please me", del que sólo se había editado el single titular. Fue en esa gira precisamente cuando la prensa comenzó a hablar de 'beatlemania', la tendencia juvenil que acabaría postergando la figura de Helen. Otras canciones como Keep away from other girls (1962), Queen for tonight (1963), Woe is me (1963) o Fever (1964) fueron éxitos medianos en la voz de la cantante londinense.

Aunque Shapiro continuó grabando y actuando regularmente, al cabo de poco tiempo se la vio como un símbolo del pasado y en 1972, con sólo veinticinco años, anunció su retirada, si bien después hizo esporádicos retornos a estudios de grabación y escenarios. Mucho después la cantante declararía que su fama prematura la condujo a dos matrimonios rotos y arruinó su salud. Desde 1988, su tercer marido (y también manager), es el actor John Judd. En los años 80 y 90 Helen Shapiro se recicló en cantante de jazz y gospel y en 1993 publicó sus memorias, tituladas "Walking back to happiness".

Walkin' back to happiness, canción compuesta por John Schroeder y Mike Hawker, y editada sólo un día después del quince cumpleaños de la cantante, se convirtió en su segundo nº 1 en el Reino Unido y un hit mayor en Irlanda, Nueva Zelanda, Israel, Sudáfrica, Bélgica, Noruega, Austria, Holanda, Suecia, Australia y Francia. El single vendió un millón de copias y Helen Shapiro ganó por ello un disco de oro.

Tributo a José Sacristán (Chinchón, Madrid, España, 27-9-1937)

VETERANÍA RECONOCIDA

El actor español José Sacristán cumple hoy 78 años. Con cincuenta y cinco de carrera a sus espaldas en teatro, cine y televisión y una filmografía de más de ochenta títulos, es uno de los intérpretes más solventes y respetados de la pantalla y la escena en España (y también muy conocido en Argentina). Dos veces ganador de la Concha de Plata al mejor actor en San Sebastián, también ha sido premiado con el Cóndor de Plata honorífico argentino en 2011 y el Goya a la mejor actuación masculina protagonista de 2012.

Mientras trabajaba como mecánico, José María Sacristán Turiégano colaboraba con diversos grupos de aficionados al teatro, hasta que en 1960 decidió profesionalizarse como actor, actuando en diferentes compañías en pequeños papeles e incluso interviniendo en diversas zarzuelas como galán cómico. Sin abandonar el teatro debutó en cine con La familia y uno más (1965) de Fernando Palacios, participando como secundario en gran número de cintas populares como La ciudad no es para mí (1966) de Pedro Lazaga, ¿Qué hacemos con los hijos? (1967) de Pedro Lazaga, Un millón en la basura (1967) de José María Forqué, Sor Citroën (1967) de Pedro Lazaga, ¡Cómo está el servicio! (1968) de Mariano Ozores, Relaciones casi públicas (1968) de José Luis Sáenz de Heredia, Las secretarias (1968) de Pedro Lazaga, Sangre en el ruedo (1968) de Rafael Gil, Las amigas (1969) de Pedro Lazaga, Las nenas del mini-mini (1969) de Germán Lorente, Susana (1969) de Mariano Ozores, El ángel (1969) de Vicente Escrivá, Soltera y madre en la vida (1969) de Javier Aguirre, El alma se serena (1970) de José Luis Sáenz de Heredia, ¿Por qué pecamos a los 40? (1970) de Pedro Lazaga, La tonta del bote (1970) de Juan de Orduña, Cómo casarse en siete días (1970) de Fernando Fernán Gómez, Don Erre que Erre (1970) de José Luis Sáenz de Heredia, Cateto a babor (1970) de Ramón Fernández, El hombre que se quiso matar (1970) de Rafael Gil, Pierna creciente, falda menguante (1970) de Javier Aguirre, Una señora llamada Andrés (1970) de Julio Buchs, ¡Vente a Alemania, Pepe! (1971) de Pedro Lazaga, Españolas en París (1971) de Roberto Bodegas, El apartamento de la tentación (1971) de Julio Buchs, La graduada (1971) de Mariano Ozores, Las Ibéricas F.C. (1971) de Pedro Masó, No desearás la mujer del vecino (1971) de Fernando Merino,Vente a ligar al Oeste (1972) de Pedro Lazaga, El padre de la criatura (1972) de Pedro Lazaga, Dos chicas de revista (1972) de Mariano Ozores, Guapo heredero busca esposa (1972) de Luis María Delgado, París bien vale una moza (1972) de Pedro Lazaga, El abuelo tiene un plan (1973) de Pedro Lazaga, Las estrellas están verdes (1973) de Pedro Lazaga, Manolo la nuit (1973) de Mariano Ozores, o Lo verde empieza en los Pirineos (1973) de Vicente Escrivá. Casi todos estos títulos, aun de ínfima o nula calidad artística, fueron muy comerciales y sirvieron para que el público español se familiarizase con el rostro de Sacristán. 

Poco a poco, el cine de las postrimerías del régimen franquista fue evolucionando y el actor madrileño se convirtió en una especie de intérprete adalid de lo que entonces se llamó 'la tercera vía', es decir, películas que, aun realizadas bajo la presión de la censura, pero sin la consideración de 'cine de autor', pretendian llegar más lejos en retratar con mayor credibilidad los cambios en la sociedad española. Así Sacristán pasó a protagonizar con otro tipo de directores títulos como Vida conyugal sana (1974) de Roberto Bodegas, Sex o no sex (1974) de Julio Diamante, Los nuevos españoles (1974) de Roberto Bodegas, Mi mujer es muy decente, dentro de lo que cabe (1975) de Antonio Drove, El secreto inconfesable de un chico bien (1976) de Jorge Grau, Las largas vacaciones del 36 (1976) de Jaime Camino, Parranda (1977) de Gonzalo Suárez, o Asignatura pendiente (1977) de José Luis Garci. El tremendo éxito de esta última, la película de mayor recaudación durante la llamada 'transición' a la democracia, convirtió a Sacristán en el actor más popular del momento. Con su buen hacer, su prestigio no dejó de crecer con películas como Reina Zanahoria (1977) de Gonzalo Suárez, Solos en la madrugada (1978) de José Luis Garci, Un hombre llamado Flor de Otoño (1978) de Pedro Olea, por la que ganó el premio al mejor actor en el festival de San Sebastián, El diputado (1978) de Eloy de la Iglesia, Operación Ogro (1979) de Gillo Pontecorvo, Miedo a salir de noche (1980) de Eloy de la Iglesia, Navajeros (1980) de Eloy de la Iglesia, La cripta (1981) de Cayetano Del Real, Estoy en crisis (1982) de Fernando Colomo, o La colmena (1982) de Mario Camus, otro importante éxito del cine español basado en la novela de Camilo José Cela.

A estas alturas de su carrera, José Sacristán se estrenó como director con Soldados de plomo (1983). Más tarde dirigiría Cara de acelga (1987) y Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1992), adaptación de la obra de Adolfo Marsillach que once años antes había estrenado en el Teatro de la Comedia en Madrid junto a Concha Velasco. Otras películas que protagonizó fueron Epílogo (1984) de Gonzalo Suárez, La noche más hermosa (1984) de Manuel Gutiérrez Aragón, Dos mejor que uno (1984) de Angel Llorente, A la pálida luz de la luna (1985) de José María González Sinde, La vaquilla (1985) de Luis García Berlanga, otro de sus mayores éxitos, y El viaje a ninguna parte (1986) de Fernando Fernán Gómez, comedia dramática sobre una compañía de cómicos de la legua durante la posguerra española, la mejor película de toda su carrera (y una de las más importantes de toda la historia del cine español), con un excelente reparto que incluía a Fernán Gómez, Laura del Sol, Juan Diego, María Luisa Ponte, Gabino Diego, Nuria Gallardo y Agustín González. En marzo de 1987 se celebró en en el Teatro Lope de Vega de Madrid, la primera ceremonia de entrega de los Premios Goya, donde El viaje a ninguna parte consiguió los destinados a la mejor película, director y guión.

En adelante, Sacristán fue espaciando más sus intervenciones en el cine: El vuelo de la paloma (1989) de José Luis García Sánchez, comedia con Ana Belén, Juan Luis Galiardo, Juan Echanove, Un lugar en el mundo (1992) de Adolfo Aristarain, producción argentina ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián y el Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, con Federico Luppi, Cecilia Roth y Leonor Benedetto, El pájaro de la felicidad (1993) de Pilar Miró, drama con Mercedes Sampietro y Aitana Sánchez-Gijón, Madregilda (1993) de Francisco Regueiro, comedia satírica con Juan Echanove, Todos a la cárcel (1993) de Luis García Berlanga, comedia esperpéntica ganadora de tres premios Goya, con José Sazatornil al frente de un nutrido reparto de caras conocidas del la cinematografía española, Siete mil días juntos (1994) de Fernando Fernán Gómez, comedia negra con María Barranco, Pilar Bardem, Agustín González, Chus Lampreave y Tina Sáinz, La marcha verde (2001) de José Luis García Sánchez, comedia con Fedra Lorente y Álvaro de Luna, Roma (2004) de Adolfo Aristarain, drama con Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, Cosas que hacen que la vida valga la pena (2004) de Manuel Gómez Pereira, comedia con Ana Belén y Eduard Fernández, Madrid, 1987 (2011) de David Trueba, drama con María Valverde, El muerto y ser feliz (2012) de Javier Rebollo, drama con Roxana Blanco por el que volvió a ganar el premio al mejor actor en el festival de San Sebastián y, finalmente, con 75 años cumplidos, el Goya, premio al que volvió a ser candidato, pero como actor de reparto por Magical girl (2014) de Carlos Vermut, neo-noir con Bárbara Lennie y Luis Bermejo. Su último film estrenado es la comedia Perdiendo el norte (2015) de Nacho G. Velilla.

Desde finales de los años 80, Sacristán ha protagonizado un considerable número de obras teatrales, entre las que destacan "Una jornada particular" (1988) de Ettore Scola, "Las guerras de nuestros antepasados" (1989-1990) de Miguel Delibes, "La Gallarda" (1992) de Rafael Alberti, "Cristales rotos" (1995) de Arthur Miller, "El hombre de La Mancha" (1997-1999), musical con libreto de Dale Wasserman, "Amadeus" (2000) de Peter Shaffer, "La muerte de un viajante" (2000-2001) de Arthur Miller, "My fair Lady" (2001-2003) de Lerner y Loewe, "Danza macabra" (2004) de Strindberg, "Almacenados" (2004-2005) de David Desola, "Un picasso" (2007) de Jeffrey Hatcher, "Dos menos" (2008-2010) de Samuel Benchetrit, "Caminando con Antonio Machado" (2011-2012, obra que rinde homenaje al poeta sevillano), "Yo soy Don Quijote de la Mancha" (2012), según el texto de Cervantes con dramaturgia de José Ramón Fernández, o "El loco de los balcones" (2014) de Mario Vargas Llosa. Asímismo ha participado en varias series de televisión.

José Sacristán tuvo dos hijos de la actriz Isabel Medel, - Seguir leyendo: http://www.libertaddigital.com/cultura/2014-11-04/jose-sacristan-medio-siglo-como-actor-1276532408/ su primera esposa; luego tuvo una hija con la actriz francesa Liliane Méric y mantuvo romances con las actrices Mónica Randall, Laura del Sol y Leonor Benedetto. Desde hace dieciséis años está casado con Amparo Pacual.

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George Raft (New York City, US, 26-9-1901 / Los Angeles, California, US, 24-11-1980): In memoriam

EL VILLANO SEDUCTOR

Tal día como hoy, hace 114 años, nació el actor estadounidense George Raft. Introducido en Hollywood al mismo tiempo que el cine sonoro, actuó como bailarín en algunos de los primeros films musicales, pero se le recuerda fundamentalmente por su personificación de múltiples papeles de gangster, cuyo mundo conocía bien desde su juventud, según propia confesión. Muy popular en los años 30 y primera mitad de los 40, su tendencia a la frialdad expresiva, el hecho de que su estilo sofisticado pasase de moda y su fama de mafioso (que siempre le acompañó) dieron lugar a que en adelante el actor se contentase con interpretar al duro, elegante y frío George Raft allí donde se le requería.

Hijo de inmigrantes alemanes George Ranft (su nombre real) nació en el conflictivo barrio neoyorkino Hell's Kitchen. Fue boxeador y desde muy joven mostró aptitudes para el baile, lo que, unido a su sentido de la elegancia, le permitió ganarse la vida en nightclubs de Nueva York, en escenarios de Broadway y posteriormente en Londres. En esa época se relacionó con famosos personajes del hampa como Bugsy Siegel o Meyer Lansky. En 1929 marchó a Hollywood, debutando en el cine como bailarín en musicales o en pequeños papeles secundarios.

Su silueta delgada, su seducción sombría y su turbio encanto propiciaron que en un principio se pensara en él como 'el nuevo Valentino'. Sin embargo, su suerte fue echada por su composición de un frío asesino, mano derecha del protagonista Paul Muni, en Scarface (1932), obra maestra de Howard Hawks de fundamental y decisiva influencia en las películas de gangsters posteriores. En ella se estableció la imagen más recordada de Raft: vestido con impecable esmoquin, pelo engominado con la raya en medio y constantemente lanzando al aire una moneda que luego recogía. A partir de entonces se convirtió (junto a James Cagney y Edward G. Robinson) en una de las grandes estrellas del género gangsteril en las décadas de los 30 y 40, aunque también se le encomendaron papeles de otra índole. Entre sus siguientes películas figuran Noche tras noche (1932) de Archie Mayo, comedia dramática con Constance Cummings que supuso el debut de Mae West en el cine, Si yo tuviera un millón (1932), film con siete episodios realizados por otros tantos directores, correspondiendo a Raft protagonizar "The forger", el filmado por H. Bruce Humberstone, Pescada en la calle (1933) de Marion Gering, drama criminal con Sylvia Sidney, El arrabal (1933) de Raoul Walsh, comedia dramática de época con Wallace Beery y Jackie Cooper, Suena el clarín (1934) de Stephen Roberts, drama triangular con Adolphe Menjou, Frances Drake y Raft interpretando a un torero mexicano, Mi vida entera (1934) de James Flood, drama con Fredrich March y Miriam Hopkins, Bolero (1934) de Wesley Ruggles, musical de gran éxito con Carole Lombard que permitió a Raft lucir sus sofisticadas dotes como bailarín, Limehouse blues (1934) de Alexander Hall, drama criminal con Jean Parker y Anna May Wong, La llave de cristal (1935) de Frank Tuttle, primera adaptación a la pantalla de la novela de Dashiell Hammett, con Edward Arnold y Claire Dodd, A las ocho en punto (1935) de Raoul Walsh, comedia musical con Alice Faye, Frances Langford y Patsy Kelly, La danza de los ricos (1935) de Tay Garnett, comedia con Joan Bennett, Rumba (1935) de Marion Gering, drama musical con Carole Lombard donde también bailó aunque con mucho menor éxito, Lo quiso el destino (1936) de Roy Del Ruth, drama con Rosalind Russell, Almas en el mar (1937) de Henry Hathaway, film de aventuras marinas que coprotagonizó junto a Gary Cooper, You and me (1938) de Fritz Lang, drama criminal con Sylvia Sidney, Lobos del norte (1938) de Henry Hathaway, film sobre la pesca en Alaska, con Henry Fonda y Dorothy Lamour, Robé un millón (1939) de Frank Tuttle, drama criminal con Claire Trevor, o Muero cada amanecer (1939) de William Keighley, drama carcelario con James Cagney.

En la década siguiente, Raft aún conservó su estatus estelar con títulos como El gangster y la bailarina (1940) de Archie Mayo, drama criminal con Joan Bennett, Pasión ciega (1940) de Raoul Walsh, noir con  Ann Sheridan, Ida Lupino y Humphrey Bogart, hoy un clásico, Alta tensión (1941) de Raoul Walsh, drama triangular con Edward G. Robinson y Marlene Dietrich, o Broadway (1942) de William A. Seiter, drama musical con Pat O'Brien, donde Raft se interpretaba a sí mismo recreando un incidente antes de convertirse en actor de cine. El fin de su contrato con Warner, que empezó a asignar papeles pensados para él al emergente Humphrey Bogart, acarreó el inicio de su declive. Si bien todavía logró el éxito con Nob Hill (1945) de Henry Hathaway, drama musical con Joan Bennett, Vivian Blaine y Peggy Ann Garner, Capitán Angel (1945) de Edwin L. Marin, noir con Claire Trevor y Signe Hasso, Señal de parada (1946) de Léonide Moguy, noir con Ava Gardner y Victor McLaglen, y Nocturno (1946) de Edwin L. Marin, noir con Lynn Bari, tuvo su primer fracaso de taquilla en años con Mr. Ace (1946) de Edwin L. Marin, drama con Sylvia Sidney. Tampoco le fue bien en sus siguientes trabajos para RKO. Mejor resultado dieron las producciones de serie B La última carga (1949) de Robert Florey, film de aventuras en Marruecos con Marie Windsor y Akim Tamiroff, Johnny Allegro (1949) de Ted Tetzlaff, noir con Nina Foch y George Macready, Luz roja (1949) de Roy Del Ruth, noir con Virginia Mayo, o Una profesión peligrosa (1949) de Ted Tetzlaff, noir con Ella Raines y Pat O'Brien. 

En los primeros años 50 protagonizó varias películas europeas de bajo presupuesto, volviendo a su país para aparecer en La viuda negra (1954) de Nunnally Johnson, drama de intriga con Ginger Rogers, Van Heflin y Gene Tierney, Prisionero de su traición (1954) de Roy Rowland, noir con Robert Taylor y Janet Leigh, o El regreso del gangster (1955) de Lewis Allen, noir con Edward G. Robinson. Tras varios años de inactividad, Billy Wilder lo recuperó en Con faldas y a lo loco (1959), popular comedia con Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis, en la que interpretaba a un temible gangster de Chicago persiguiendo a estos últimos, dos músicos testigos presenciales de la célebre matanza del día de San Valentín y huidos a Florida travestidos y camuflados en una orquesta de señoritas. Un personaje, entre el pastiche y el homenaje, a la medida de Raft. Sin duda el gran éxito de la película fue decisivo para que dos años después Joseph N. Newman realizase "The George Raft story" (1961), una versión de la historia de la vida del actor, al que interpretó Ray Danton junto a Jayne Mansfield. 

El último tramo de su carrera incluye títulos como Jet sobre el Atlántico (1959) de Byron Haskin, drama aéreo con Guy Madison y Virginia Mayo, Du Rififi à Paname (1966) de Denys de La Patellière, thriller francés con Jean Gabin y Gert Fröbe, Cinco dragones de oro (1967) de Jeremy Summers, comedia británica de acción con Bob Cummings, Skidoo (1968) de Otto Preminger, comedia con Jackie Gleason y Carol Channing, Pacto con el diablo (1972) de Peter Ustinov, comedia negra con Elizabeth Taylor y Richard Burton, Sexteto (1978) de Ken Hughes, comedia con Mae West donde brevemente Raft se interpretaba a sí mismo, y A lo loco y con la cara del otro (1980) de Robert Day, comedia paródica con Robert Sacchi como un hombre con fijación por Humphrey Bogart que se realiza una cirugía plástica para ser exactamente igual que él.

George Raft sólo se casó una vez en toda su vida, en 1923, mucho antes de convertirse en estrella, con Grayce Mulrooney. Aunque la pareja se separó pronto y no tuvo hijos, la devota católica esposa se negó a concederle el divorcio y Raft permaneció casado y la mantuvo hasta que ella murió en 1970. No obstante, el actor tuvo asuntos sentimentales con estrellas de Hollywood, como Mae West, Marlene Dietrich, Norma Shearer o Betty Grable.

Fuera del cine su vida fue muy ajetreada. En 1959 perdió casi toda su fortuna cuando el nuevo régimen político de Fidel Castro le cerró una sala de juegos de su propiedad en La Habana. También se vio perseguido por el fisco norteamericano por evasión de impuestos y en 1967 se le negó la entrada en el Reino Unido (donde había dirigido el Casino Colony Club) debido a sus relaciones con los bajos fondos. George Raft falleció de leucemia a los 79 años. 

Tribute to Michael Douglas (New Brunswick, New Jersey, US, 25-9-1944)

TRIUNFADOR HOMBRE DE CINE

El actor y productor estadounidense Michael Douglas cumple hoy 71 años. Triunfador antes como intérprete televisivo y en las tareas de producción (ganó un Oscar y un Globo de Oro a la mejor película por "Alguien voló sobre el nido del cuco"), se consagró como gran estrella popular en los años 80 con una serie de films muy taquilleros, llegando a obtener amplio reconocimiento crítico y premios como el Oscar al mejor actor, tres Globos de Oro, un Emmy, un César honorífico (1998) y el  Life Achievement Award del AFI (2009). También se ha distinguido por su activismo humanitario y político.

Hijo primogénito del famoso actor Kirk Douglas y de la actriz Diana Dill, creció en Connecticut con su madre y su padrastro William Darrid tras el divorcio de sus padres cuando él tenía ocho años, pasando los veranos con su progenitor. Estudió interpretación en la Universidad californiana de Santa Barbara, en donde conoció a Danny DeVito, con quien compartió habitación. A finales de los años 60 y justo después de ampliar sus estudios en Nueva York en los centros American Place Theatre y Neighborhood Playhouse, Michael debutó en el cine sin acreditar en la película "La sombra de un gigante" (1966), protagonizada por su padre, y en producciones teatrales off Broadway. Tras películas como Héroes (1969) de David Miller, con Teresa Wright y Arthur Kennedy, El ladrón rebelde (1969) de James Clavell, con Toomy Steele y Stanley Baker, u otras, alcanzó la fama internacional en 1972 gracias a protagonizar junto a Karl Malden la serie de televisión "Las calles de San Francisco", que, emitida durante cuatro años, también sirvió para que Douglas diese inicio su faceta de director realizando algún episodio. Como productor obtuvo un Oscar , un Globo de oro y un BAFTA por "Alguien voló sobre el nido del cuco" (1975), tralación a cargo de Milos Forman de la novela de Ken Kesey. En 1977 se casó con Diandra Luker, hija de un diplomático austriaco, matrimonio del que nació su hijo Cameron al año siguiente y que finalizaría en 1995 tras un costoso divorcio.

Su carrera interpretativa comenzó a afianzarse con títulos como el thriller de ciencia-ficción Coma (1978) de Michael Crichton, junto a Genevieve Bujold, el thriller de intriga en una planta nuclear El síndrome de China (1979) de James Bridges, con Jack Lemmon y Jane Fonda, la comedia romántica Ahora me toca a mí (1980) de Claudia Weill, con Jill Clayburgh y Charles Grodin, o el thriller de misterio Los jueces de la ley (1983) de Peter Hyams, con Hal Holbrook. El gran éxito de las comedia de aventuras Tras el corazón verde (1984) de Robert Zemeckis, donde compartió créditos con Kathleen Turner y Danny DeVito, (por la que ganó su primer Globo de Oro) y su secuela La joya del Nilo (1985) de Lewis Teague (ambas producidas por Douglas), le convirtió en estrella de primera linea ya frisando la cuarentena. Después protagonizó el musical A chorus line (1985) de Richard Attenborough, Atracción fatal (1987) de Adrian Lyne, thriller psicológico con Glenn Close de enorme éxito comercial, y Wall Street (1987) de Oliver Stone, drama bursátil con Charlie Sheen y Daryl Hannah, por el que Douglas ganó el Oscar al mejor actor, el Globo de Oro y el David di Donatello. Su éxito continuó con Black rain (1989) de Ridley Scott, thriller de intriga con Andy García, La guerra de los Rose (1989) de Danny DeVito, comedia negra con Kathleen Turner y DeVito, Resplandor en la oscuridad (1992) de David Seltzer, thriller ambientado en la Segunda Guerra Mundial, con Melanie Griffith, Instinto básico (1992) de Paul Verhoeven, thriller erótico con Sharon Stone, Un día de furia (1993) de Joel Schumacher, thriller psicológico con Robert Duvall, Acoso (1994) de Barry Levinson, thriller erótico con Demi Moore, El Presidente y Miss Wade (1995) de Rob Reiner, comedia con Annette Bening, Los demonios de la noche (1996) de Stephen Hopkins, película de aventuras en Africa con Val Kilmer, The game (1997) de David Fincher, thriller de intriga con Sean Penn, Un crimen perfecto (1998) de Andrew Davis, remake del film de Hitcock de 1954, con Gwyneth Paltrow y Viggo Mortensen, Jóvenes prodigiosos (2000) de Curtis Hanson, comedia dramática con Tobey Maguire, Frances McDormand, Katie Holmes y Robert Downey Jr., Traffic (2000) de Steven Soderbergh, drama de intriga ganador de cuatro Oscars, en cuyo rodaje se enamoró de la actriz Catherine Zeta-Jones, con la que está casado desde ese año y con quien ha tenido un hijo (Dylan) y una hija (Carys).

Ya con menor empuje, la carrera de Douglas ha continuado con Ni una palabra (2001) de Gary Fleder, Hasta que la muerte los separe (2003) de Andrew Fleming, Cosas de familia (2003) de Fred Schepisi (donde también aparecían su padre, su mujer y su hijo mayor), Tú, yo y ahora... Dupree (2006) de Anthony y Joe Russo, La sombra de la sospecha (2006) de Clark Johnson, El rey de California (2007) de Mike Cahill, Los fantasmas de mis ex novias (2009) de Mark Waters, Más allá de la duda (2009)  de Peter Hyams, Un hombre solitario (2009) de Brian Koppelman y David Levien, o Wall Street: El dinero nunca duerme (2010) de Oliver Stone. En 2010 se anunció que padecía cáncer de garganta (en realidad, de lengua), por el que fue tratado con quimio-radio-terapia, sufriendo una considerable pérdida de peso. Tras el estreno de Indomable (2011) de Steven Soderbergh, volvió a colaborar con este director en el telefilm Detrás del candelabro (2013), drama sobre los últimos diez años de la vida del pianista Liberace, con Matt Dillon como oponente, por el que Douglas fue premiado con un Emmy y un Globo de Oro. Después ha intervenido en Plan en Las Vegas (2013) de Jon Turteltaub, con  Robert De Niro, Morgan Freeman y Kevin Kline, Así nos va (2014) de Rob Reiner, con Diane Keaton, o Ant-Man (2015) de Peyton Reed, con Paul Rudd.

 

Tribute to Catherine Zeta-Jones (Swansea, Wales, UK, 25-9-1969)

BELLEZA, TALENTO Y RIQUEZA

La actriz británica Catherine Zeta-Jones cumple hoy 46 años. Intérprete de gran belleza y versatilidad, ha desarrrollado una destacada carrera en cine, televisión y teatro, premiada con un Oscar, un BAFTA y un Tony. En 2010 fue nombrada Comandante de la Orden del Imperio Británico. Desde su matrimonio con Michael Douglas es una mujer muy rica.

Hija del gerente de una fábrica de dulces y de una modista, Catherine Zeta-Jones estudió danza desde los cinco años y a los once ya era campeona de tap-dancing en su país. Además de estudiar tres años de teatro musical, a los doce debutó sobre las tablas como protagonista del musical "Annie". Mas adelante participaría en otros musicales escénicos como "Bugsy Malone", "The pajama game", "42nd Street" o la ópera "Street scene". El rostro de Catherine comenzó a ser popular en Gran Bretaña a comienzos de la década de los 90 tras protagonizar con éxito la serie de televisión "The darling buds of May".

Philippe de Brocca le proporcionó su primer papel cinematográfico en Las 1001 noches (1990), a la que siguió Cristóbal Colón: el descubrimiento (1992) de John Glen, con Marlon Brando, Tom Selleck, George Corraface y Rachel Ward, producción que resultó un fracaso, y otros films menores. Al mismo tiempo que su labor profesional en Gran Bretaña, Catherine también intervino en producciones foráneas de televisión como la alemana "Catalina la Grande" (1995) o la estadounidense "Titanic" (1996). El éxito de La máscara del Zorro (1998) de Martin Campbell, junto a Antonio Banderas y Anthony Hopkins, la convirtió en una estrella. Luego protagonizó títulos como La trampa (1999) de Jon Amiel, comedia de intriga con Sean Connery, La guarida (1999) de Jan de Bont, film de terror con Liam Neeson, Alta fidelidad (2000) de Stephen Frears, comedia con John Cusack, y Traffic (2000) de Steven Soderbergh, drama de historias cruzadas sobre el mundo de la droga, con Michael Douglas, Don Cheadle, Benicio Del Toro y Dennis Quaid, que ganó cuatro Oscars. En el año 2000 se casó con el actor y productor Michael Douglas (nacido el mismo día que ella, veinticinco años antes), padre de sus hijos Dylan (2000) y Carys (2003).

Tras compartir créditos con Julia Roberts, Billy Crystal y John Cusack en la comedia La pareja del año (2001) de Joe Roth, obtuvo el mayor éxito de su carrera interpretando a Velma Kelly en el musical Chicago (2002) de Rob Marshall, junto a Renée Zellweger y Richard Gere, producción premiada con 6 Oscars, uno de ellos para Zeta-Jones como mejor actriz de reparto. En el mismo apartado ella también fue ganadora de un BAFTA. Sus éxitos continuaron con Crueldad intolerable (2003) de Joel Coen, comedia con George Clooney, La terminal (2004) de Steven Spielberg, comedia con Tom Hanks, Ocean's twelve (2004) de Steven Soderbergh, comedia de intriga con reparto multiestelar, La leyenda del Zorro (2005) de Martin Campbell, secuela de su anterior film con Antonio Banderas, y Sin reservas (2007) de Scott Hicks, comedia gatronómica con Aaron Eckhart. Sin embargo, El último gran mago (2007) de Gillian Armstrong, drama concerniente a un episodio de la vida de Harry Houdini, interpretado por Guy Pearce, no obtuvo la repercusión esperada. Después de protagonizar la comedia Mi segunda vez (2009) de Bart Freundlich, la actriz británica debutó en Broadway a finales de 2009, acompañada de Angela Lansbury, con el musical  "A little night music", con libreto de Hugh Wheeler y canciones de Stephen Sondheim, que le valió el premio Tony a la mejor actriz en un musical.

El cáncer de lengua sufrido por su marido, problemas familiares y la búsqueda de tratamiento para su propio desorden bipolar la mantuvieron alejada de la pantalla por tres años, hasta su retorno con Doble o nada (2012) de Stephen Frears, comedia dramática con Bruce Willis, La era del rock (2012) de Adam Shankman, musical con Tom Cruse y Alec Baldwin, y Un buen partido (2012) de Gabriele Muccino, comedia romántica con Gerard Butler, Jessica Biel, Uma Thurman y Dennis Quaid. Luego ha aparecido en La trama (2013) de Allen Hughes, thriller criminal con Mark Wahlberg y Russell Crowe, Efectos secundarios (2013) de Steven Soderbergh, thriller psicológico con Jude Law, Rooney Mara y Channing Tatum, y Red 2 (2013) de Dean Parisot, comedia de acción con Bruce Willis, John Malkovich y Mary-Louise Parker.  

Mundo Almodóvar

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MUNDO ALMODOVAR from Rehlu on Vimeo.

Almodóvar & McNamara ‎- Suck it to me

ENTRE EL FUNK Y EL PUNK

Pedro Almodóvar cumple hoy 66 años. Cuando tenía la mitad que ahora y sólo había rodado dos largometrajes muy marginales, se divertía desenfrenadamente formando pareja 'artística' con su amigo, el inefable Fany McNamara, con quien compartió celebradas grabaciones discográficas y desquiciadas actuaciones en vivo. El video muestra al legendario dúo, acompañado por miembros de Dinarama, interpretando sin complejos uno de sus mayores hits en el momento álgido de la movida madrileña, en la sala Rockola, su templo oficial.

 

Ray Charles - What'd I say

RAY CHARLES (Albany, Georgia, US, 23-9-1930 / Beverly Hills,California, 10-6-2004): IN MEMORIAM

Hoy se conmemora el 85 aniversario natal del cantante, músico y compositor estadounidense Ray Charles, una de las figuras más relevantes de la música negra del siglo XX. Influído en primera instancia por artistas como Nat King Cole, su fusión de variados géneros musicales resultó un hallazgo. En su repertorio puede hallarse desde el blues más tradicional o el gospel hasta el jazz o el soul, estilo en el que desarrolló una vertiginosa carrera. Es difícil catalogar sus cientos de grabaciones, quizá por el eclecticismo que siempre le caracterizó. Como pianista, su estilo marcado y percusivo fue casi insuperable dentro de la línea del blues negro: Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas son los rasgos musicales más característicos de Ray Charles al piano. Poseedor de una voz singular, marcada y trágica una veces, melodiosa y dulce otras, e instalada en la frontera de sus propios recursos interpretativos, Ray Charles es uno de los personajes más carismáticos e influyentes de la historia de la música popular. 

Ray Charles Robinson perdió la vista durante su infancia por un glaucoma que su familia no pudo tratar por razones económicas. Cuando era un bebé, su familia se había trasladado a Greenville, Florida, donde aprendió los rudimentos del piano escuchando al músico de un burdel. Ray fue un autodidacta del piano, pero también recibió clases de música en braille en la St Augustine School, un centro para invidentes, adonde asistió de 1937 a 1945. Cuando fallecieron sus padres tuvo que ganarse la vida como músico. A los quince años decidió formar su propio trío y comenzó a desarrollar un estilo personal de rhythm and blues con raíces en el gospel, el country blues y diversos elementos del jazz.

A finales de la década de los cuarenta, formando parte de The Maxin Trio, Ray Charles consigue colocar una composición propia en las listas de su país, Confession blues (1949) y dos años después The Ray Charles Trio alcanza el nº 5 en las listas de R&B con Baby, let me hold your hand (1951). En 1952 Atlantic Records se fija en el artista, y acuerdan un contrato. En esta discográfica se editaron varios importantes éxitos en las listas de R&B: Mess around (1953), It should've been me (1954), I've got a woman (1955), su primer nº 1, A fool for you (1955), Hallelujah I love her so (1956), Mary Ann (1956), Drown in my own tears (1956) y, sobre todo, What'd I say (1959), destinada a ser su canción más distintiva, nº 1 en las listas de R&B y 6 en las de pop, cuyas puertas se abrieron para su producción posterior. Con el tiempo, varias de estas canciones serían interpretadas por artistas como Elvis Presley, Eddie Cochran o Jerry Lee Lewis.

De Atlantic pasó a ABC Records, compañía en la que permaneció entre 1960 y 1976. Los títulos memorables se sucedieron: Georgia on my mind (1960), nº 1, Ruby (1960), Hit the road, Jack (1961), nº 1, One mint julep (1961), Unchain my heart (1962), I can't stop loving you (1962), nº 1, You don't know me (1962), Born to lose (1962), You are my sunshine (1962), Busted (1963),o Take these chains from my heart (1963). En 1964 fue arrestado por posesión de drogas, acusación que le alejó de los escenarios. Charles confesó su adicción a la heroína desde los 16 años. Regresó con un último hit mayor, Crying time (1966), pero el boom de la música beat afectó no poco a la difusión de sus discos, que tardaron dos décadas en volver a copar puestos importantes en las listas de pop. Aun así fueron memorables sus versiones de The Beatles: Yesterday (1967) y Eleanor Rigby (1968).

A lo largo de su carrera logró un total de doce premios Grammy, nueve de ellos entre 1960 y 1966 y uno honorífico en 1987. Entre otros galardones, fue premiado con la Medalla Nacional de las Artes en 1993.

Ray Charles se casó dos veces, la primera con Eileen Williams en 1951, de la que se divorció al año siguiente; la segunda con Della Beatrice Howard en 1955, con quien tuvo tres hijos, matrimonio que finalizó en 1977. Charles tuvo en total doce hijos de diez relaciones diferentes.

El artista de Georgia falleció a los 73 años a consecuencia de una grave enfermedad hepática. Meses después se estrenó la película "Ray" (2004), biografía del artista dirigida por Taylor Hackford, que presenta una sorprendente caracterización por parte de Jamie Foxx, que ganó el Globo de Oro, el BAFTA y el Oscar al mejor actor.

En el video se puede apreciar a Ray Charles, acompañado de orquesta y el coro denominado The Raelettes, cantando e interpretando al piano What'd I say, canción a partir de la cual fue aclamado por las masas y su composición más recordada.

Dúo Dinámico - Adiós verano, adiós amor

DESPEDIDA VERANIEGA

Escuchar esta preciosa balada hace que despedir al verano, mi estación favorita, no sea tan traumático. ¡Y vaya canción!, una de mis preferidas del Dúo Dinámico. Sus autores la presentaron al Festival de Benidorm de 1969 en las voces de Los Gritos y Bruno Lomas, pero la versión fetén la grabaron ellos después en Londres con lujosa producción del equipo técnico de (nada menos que) George Martin, el productor de Los Beatles, asesor del último álbum (1970) de Manolo y Ramón (tal fue el nombre artístico que adoptaron entonces). Al no obtener con él -puede decirse que esta canción fue su último y discreto hit en single- el éxito esperado, decidieron disolverse en 1972: la irrupción imparable de la música beat les había ido postergando y no volvieron a actuar hasta finales de los 70.
Aquí podemos ver a Ramón Arcusa haciendo la voz solista y Manuel de la Calva la segunda voz en una envolvente melodía de gran riqueza orquestal y soberbios arreglos con impresionantes bucles sonoros en la línea barroca que adoptó el pop de aquel momento. Un maravilloso tema a reivindicar, que podría escuchar una y otra vez sin cansarme.

Tribute to Anna Karina (Copenhague, Dinamarca, 22-9-1940)

LA PRINCESA DE LA NOUVELLE VAGUE

La actriz danesa (nacionalizada francesa) Anna Karina cumple hoy 75 años. Musa y esposa de Jean-Luc Godard, en la década de los 60 su rostro se convirtió en el icono femenino más representativo de la nouvelle vague francesa. Bella, espontánea, moderna y sin prejuicios, su seductora combinación de delicadeza y pasión la convirtió en la actriz perfecta para el cine de autor de su tiempo y en modelo a imitar por gran cantidad de jóvenes francesas.

Hija de un marinero que abandonó a su madre al poco de nacer ella, Hanne Karin Bayer tuvo una infancia inestable, viviendo sucesivamentte con sus abuelos, en casas de acogida o con su madre. Después de trabajar como secretaria o ascensorista, comenzó su carrera en su país natal, donde actuó como cantante en cabarets para aficionados y como modelo publicitaria. En 1959 apareció en un cortometraje premiado en Cannes y poco después se trasladó a París en auto-stop sin dinero ni contactos. Aprendió a hablar francés yendo al cine con mucha frecuencia. Merced a su belleza y fotogenia consiguió empleos esporádicos como modelo en revistas como Elle o Jours de France. Trabajando para Chanel, fue presentada por una maquilladora a la empresaria y directora Coco Chanel, quien le recomendó que, si quería ser actriz, pasara a llamarse Anna Karina, propuesta que la inexperta chica danesa aceptó encantada.

El cineasta principiante Jean-Luc Godard la vió por primera vez en un anuncio de jabón y la requirió en su debut como director para una escena de "Al final de la escapada" (1959), papel que ella rechazó porque no quería aparecer desnuda. No obstante, Anna Karina cayó seducida por Godard y ambos vivieron una pasión explosiva dentro y fuera de la pantalla. Ella protagonizó junto a Michel Subor su segundo film, El soldadito (1960), ambientado en la guerra franco-argelina, que, prohibido por la censura, no se estrenó hasta 1963. Anna y Jean-Luc se casaron en 1961 y colaboraron juntos en otras inolvidables seis películas: Una mujer es una mujer (1961), comedia experimental con Jean-Paul Belmondo y Jean-Claude Brialy, Vivir su vida (1962), donde interpretaba a una joven aspirante a actriz que decide ejercer la prostitución para sobrevivir, Banda aparte (1964), mezcla de thriller y comedia con Sami Frey y Claude Brasseur, Lemmy contra Alphaville (1965), thriller futurista con Eddie Constantine y Akim Tamiroff, Pierrot el loco (1965), drama romántico junto a Jean-Paul Belmondo, y Made in USA (1966), sátira política con Marianne Faithfull y Jean-Pierre Léaud. Estas películas han permanecido como títulos dorados y emblemáticos de la nouvelle vague. La unión de la pareja se rompió en 1967 tanto en lo personal como en lo profesional  y su última colaboración se dio en el sketch "Anticipación" en el film de episodios El oficio más viejo del mundo (1967). Ese mismo año protagonizó en la televisión francesa el musical "Anna", con canciones de Serge Gainsbourg, donde interpretó varias canciones.

Al margen de sus trabajos fílmicos con Godard, intervino en películas de otros directores: Esta noche o nunca (1961) de Michel Deville, Cleo de 5 a 7 (1962) de Agnès Varda, Juegos de amor a la francesa (1964) de Roger Vadim, La vida es magnífica (1965) de Maurice Ronet, o La religiosa (1966) de Jacques Rivette, adaptación de la novela de Diderot y considerada su mejor interpretación. A continuación amplió sus horizontes profesionales fuera de Francia en títulos como El extranjero (1967) de Luchino Visconti, según la novela de Albert Camus, con Marcello Mastroianni, El mago (1968) de Guy Green, con Michael Caine, Anthony Quinn y Candice Bergen, Cadenas de libertad (1969) de J. Lee Thompson, con David Niven, Topol y John Hurt, El rebelde (1969) de Volker Schlöndorff, con David Warner, Justine (1969) de George Cukor, con Anouk Aimée, Dirk Bogarde y Robert Foster, o Risa en la oscuridad (1969) de Tony Richardson, con Nicol Williamson. Asímismo continuó apareciendo en producciones francesas alternadas con otras foráneas: La alianza (1971) de Christian de Chalonge, con Jean-Claude Carrière, Cita en Bray (1971) de André Delvaux, con Mathieu Carriére, Aventuras y desventuras de un italiano emigrado (1974) de Franco Brusati, con Nino Manfredi, La ruleta china (1976) de Rainer Werner Fassbinder, con Macha Meril, y otras de menor repercusión. Ella misma probó suerte en la dirección con Vivre ensemble (1973), que también interpretó. 

Anna Karina asímismo ha grabado varios discos como cantante y escrito cuatro novelas. Después de Godard ha tenido otros cuatro maridos: Pierre Fabre (1968-1974), Daniel Duval (1978-1981), Dennis Berry (1982-1994) y Maurice Cooks (2009 hasta el presente).

POSDATA

Anna Karina falleció de cáncer en París el 14 de diciembre de 2019. Contaba 79 años de edad.

Tributo a Héctor Alterio (Buenos Aires, Argentina, 21-9-1929)

PRESTIGIOSO INTÉRPRETE A AMBOS LADOS DEL ATLÁNTICO

El actor argentino Héctor Alterio cumple hoy 86 años. Formado en grupos de teatro vocacional y, pese a iniciar tardíamente su carrera en el cine, su trayectoria posterior fue brillante. Incluido en las listas negras de la organización terrorista de extrema derecha Triple A, cuyas amenazas de muerte obligaron a varios actores argentinos al exilio, en 1975 recaló en España, donde fue requerido por los más reputados realizadores, incluso con posterioridad a la instauración de la democracia en su país (1983), circunstancia que lo indujo a trazar un puente y trabajar de forma alternativa a uno y otro lado del Atlántico. Intérprete siempre convincente y muy respetado, en 2004 recibió el Goya de Honor y en 2010 el Cóndor de Plata a su carrera.

Hijo de padres originarios de Italia, su debut en los escenarios se produjo en 1948 con la obra "Prohibido suicidarse en primavera" de Alejandro Casona. Nada más finalizar sus estudios de arte dramático, creó la compañía Nuevo Teatro, convirtiéndose en un renovador de la escena teatral argentina, en la que mantuvo una constante actividad hasta 1968, alternando montajes vanguardistas con otros de teatro clásico. Posteriormente destacó por  sus trabajos en el cine, que comenzaron  con Todo sol es amargo (1965) de Alfredo Mathé. En los años siguientes intervino en varias de las mejores películas de la entonces nueva generación de cineastas argentinos: El santo de la espada (1970) de Leopoldo Torre Nilson, La fidelidad (1970) de Juan José Jusid, Argentino hasta la muerte (1971) de Fernando Ayala, La mafia (1972) y Los siete locos (1973), ambas de Leopoldo Torre Nilson, La venganza de Beto Sánchez (1973) y La Patagonia rebelde (1974), las dos de Héctor Olivera o La tregua (1974) de Sergio Renán. Esta última, basada en una novela de Mario Benedetti, fue la cinta película sudamericana en conseguir una nominación al Oscar a la mejor película en lengua extranjera.

En 1975 se encontraba de gira en España cuando le llegó la noticia de que la organización paramilitar argentina Triple A había amenazado con represaliarle, por lo que decidió no regresar a su país e instalarse en España, donde continuó su carrera interpretativa y adquirió la nacionalidad española. Los comienzos no fueron fáciles, pero gracias a sus solventes trabajos en films como Cría cuervos (1975), de Carlos Saura, Geraldine Chaplin, Mónica Randall y Ana Torrent, y Pascual Duarte (1976), de Ricardo Franco, con José Luis Gómez, acabó haciéndose un nombre y una popularidad bien asentada, si bien en ocasiones se vio obligado por necesidades económicas a participar en proyectos de dudosa calidad. Entre los más destacados figuran: Asignatura pendiente (1977) de José Luis Garci, con José Sacristán y Fiorella Faltoyano, La guerra de papá (1977) de Antonio Mercero, con Lolo García, Teresa Gimpera y  Verónica Forqué, A un dios desconocido (1977) de Jaime Chávarri, con Xabier Elorriaga, por la que obtuvo el premio al mejor actor en el Festival de San Sebastián, Las palabras de Max (1978) de Emilio Martínez-Lázaro, con Ignacio Fernández de Castro y Gracia Querejeta, ¡Arriba Hazaña! (1978) de José María Gutiérrez Santos, con Fernando Fernán Gómez y José Sacristán, ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978) de Fernando Colomo, con Carmen Maura y Félix Rotaeta, El crimen de Cuenca (1979, prohibida por la censura posfranquista y no estrenada hasta 1981) de Pilar Miró, con Amparo Soler Leal, Daniel Dicenta, José Manuel Cervino y Fernando Rey, o El nido (1980) de Jaime de Armiñán, con Ana Torrent, nominada al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa.

Con Tiro al aire (1980) de Mario Sabato, retornó al cine argentino, alternando desde entonces su carrera con producciones en España y Argentina. En los años siguientes pudo vérsele en Los viernes de la eternidad (1981) de Héctor Olivera, Asesinato en el Comité Central (1982) de Vicente Aranda, con Patxi Andión y Victoria Abril, Antonieta (1982) de Carlos Saura, con Isabelle Adjani y Hanna Schygulla, Camila (1984) de María Luisa Bemberg, con Susú Pecoraro e Imanol Arias, también candidata al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Mención aparte merece La historia oficial (1985) de Luis Puenzo, soberbio drama en torno a las consecuencias de la última dictadura militar argentina, con Norma Aleandro, que ganó el Oscar a la mejor película en lengua foránea por primera vez para una producción argentina y el Globo de Oro en categoría similar. 

Otros títulos sucesivos son Mi general (1987) de Jaime de Armiñán, Yo, la peor de todas (1990) de María Luisa Bemberg, Don Juan en los infiernos (1991) de Gonzalo Suárez, Tango feroz (1993) de Marcelo Piñeyro, El detective y la muerte (1994) de Gonzalo Suárez, Caballos salvajes (1995) y Cenizas del paraíso (1997), ambas de Marcelo Piñeyro, Las huellas borradas (1999) de Enrique Gabriel, Esperando al mesías (2000) de Daniel Burman, El hijo de la novia (2001) de Juan José Campanella, comedia dramática con Ricardo Darín y Norma Aleandro de gran impacto popular y quinta entre las películas en las que intervino Alterio en ser nominada al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, Vidas privadas (2001) de Fito Páez, Kamchatka (2002) de Marcelo Piñeyro, Cleopatra (2003) de Eduardo Mignogna, Noviembre (2003) de Achero Mañas, o En ninguna parte (2005) de Miguel Angel Cárcano.

Héctor Alterio ha mantenido una importante carrera teatral tanto en Argentina como en España, e intervenido en series de televisión como "Anillos de oro" (1983), "Teresa de Jesús" (1984), "Segunda enseñanza" (1986), "La Regenta" (1995) o "Vientos de agua" (2005). Se casó en 1969 con Tita Bacaicoa. Sus hijos, Ernesto Alterio y Malena Alterio también son actores.

  

Jorge Drexler - Milonga del moro judío

POR CADA MURO UN LAMENTO

Recordamos el 51 cumpleaños de Jorge Drexler con Milonga del moro judío, versión en vivo de la mítica canción de Chicho Sánchez Ferlosio (contenida en el álbum "Eco" de 2004 del cantautor uruguayo).

Zapateado de Pablo Sarasate (Antologia de la Danza Española)

PABLO SARASATE (Pamplona, España, 10-3-1844 / Biarriz, Francia, 20-9-1908): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario del fallecimiento del violinista y compositor español Pablo Sarasate. Calificado en su época como "el mago de violín" o "el moderno Paganini", logró concitar en la segunda mitad del siglo XIX la admiración internacional por sus dotes interpretativas, que convirtieron sus conciertos en verdaderos acontecimientos y a él en el violinista mejor pagado de su época. Su reconocimiento como compositor llegaría más adelante.

Bautizado como Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascues, era hijo de un músico militar. Fue un niño precoz, tomó lecciones de volín, dio su primer recital en La Coruña a los 7 años y posteriormente continuó estudiando en Santiago de Compostela, Pontevedra y Madrid, donde fue presentado a la Familia Real. Bajo la protección de Isabel II, en 1856 viajó a París con su madre a fin de iniciar sus estudios allí. Por el camino enfermaron ambos y la madre falleció en Biarritz, dejandole huérfano a los 12 años. En la capital francesa tuvo como tutor a Jean-Delphine Alard. A los 13 años obtuvo el Premio de Violín del Conservatorio de París, emprendiendo en 1859 su carrera internacional como concertista, que le llevaría por toda Europa, América y Oriente. Su nombre se hizo famoso en las principales cortes europeas: además de la de Isabel II de España (que le regaló un Stradivarius), fue aclamado en las de Napoleón III de Francia o la reina Victoria de Inglaterra. También fueron frecuentes sus desplazamientos a América del Norte y del Sur. Según la prensa de la época sus conciertos y recitales fueron memorables. En ellos aunaba su facilidad natural para el violín con la sutileza, la pasión y la flexibilidad. Su técnica de la mano izquierda fue célebre, así como la velocidad de ejecución. Arrancaba el más hermoso sonido que pueda esperarse del violín sin mostrar el enorme esfuerzo. Como intérprete rehuía los falsos efectismos y fue muy relevante la importancia de su triunfo artístico en Europa Central y en el mundo germánico, contrapuesta su concepción estética a la entonces allí predominante. Fue muy apreciado por compositores de la época, como Max Bruch, Camille Saint-Saëns y Antonin Dvorák, quienes le dedicaron importantes obras.

Como compositor, una constante en sus obra es la presencia del folclore español, destacando las jotas navarras y zorcicos vascos como punto de partida y como principal elemento rítmico y melódico. De entre sus 50 obras catalogadas destacan la Fantasía sobre Carmen de Bizet, opus 25; los Aires gitanos, opus 20, y una serie de piezas con fuerte inspiración folclórica española, como la Malagueña n.º 1, opus 21, la Habanera n.º 2, opus 21, la Romanza andaluza, opus 22, el Zapateado, opus 23 y el Capricho vasco, opus 24.

Pablo Sarasate fue ampliamente reconocido y condecorado dentro y fuera de España. Entre sus distinciones nacionales figuran: Caballero de la Orden de Carlos III (1861), Comendador de la Orden de Isabel la Católica (1880) y Gran Cruz de Caballero de la misma (1886), y Placa de la Orden de Alfonso XII (1907). Entre las extranjeras: Caballero de la Legión de Honor Francesa (1892) y Oficial de la misma (1902), Cruz de Primera Clase de la Orden de Alberto de Sajonia (1893), Caballero de la Orden de Leopoldo de Bélgica (1895) o  Encomienda de la Orden de la Corona de Rumanía (1902).

El gran artista navarro se mantuvo activo hasta su muerte, acaecida a consecuencia de una angina de pecho a los 64 años.

El Zapateado, opus 23, de Sarasate, compuesto en 1878, es seguramente la pieza más conocida del músico pamplonés. El video muestra una coreografía incluida en la Antologia de la Danza Española, representada en el Teatro La Latina de Madrid en 2006.