Museo LoPiù: junio 2015

martes, 30 de junio de 2015

Tributo a Leonardo Sbaraglia (Buenos Aires, Argentina, 30-6-1970)

TALENTO PORTEÑO

El actor argentino Leonardo Sabaraglia cumple hoy 45 años. Reconocido tanto en su país natal como en España, ha desarrollado en ambos una destacada carrera en cine y televisión.

Hijo de una actriz y profesora de teatro, estudió arte dramático e inició su carrera en el cine con La noche de los lápices (1986), docudrama político dirigido por Héctor Olivera. En 1987 alcanzó la popularidad en Argentina al formar parte del reparto de la telenovela para adolescentes "Clave de sol", antes de coincidir por primera vez con el director Marcelo Piñeyro al intervenir en la película Tango feroz: La leyenda de Tanguito (1993), drama evocador de los años 60-70. Con posterioridad, Sbaraglia y Piñeyro volvieron a colaborar en Caballos salvajes (1995), road-movie con Héctor Alterio y Federico Luppi, Cenizas del paraíso (1997), thriller de intriga con Héctor Alterio y Cecilia Roth, y Plata quemada (2001), drama criminal con Eduardo Noriega y Pablo Echarri.

Al mismo tiempo que actuaba en el cine y la televisión, Leonardo alternó su capacidad interpretativa con representaciones teatrales. En el cine español debutó con Intacto (2001), thriller dirigido por Juan Carlos Fresnadillo que coprotagonizó Eusebio Poncela. Por esta película Sbaraglia fue galardonado con un Goya al mejor actor revelación del año.

Otros títulos en los que Sbaraglia ha intervenido son En la ciudad sin límites (2002) de Antonio Hernández, tenso drama familiar con Fernando Fernán Gómez y Geraldine Chaplin, Deseo (2002) de Gerardo Vera, drama romántico junto a Leonor Watling y Cecilia Roth, Carmen (2003), adaptación del clásico de Prosper Mérimée que realizó Vicente Aranda con Paz Vega como principal protagonista femenina, Cleopatra (2003) de Eduardo Mignogna, road-movie con Norma Aleandro, La puta y la ballena (2004) de Luis Puenzo, drama con Aitana Sánchez-Gijón, Oculto (2005) de Antonio Hernández, thriller psicológico con Laia Marull y Angie Cepeda, Salvador (2006) de Manuel Huerga, drama basado en hechos reales sobre Puig Antich, el último preso político ejecutado en España mediante 'garrote vil', con Daniel Brühl y Tristán Ulloa, film por el que Sbaraglia fue candidato a Goya como actor de reparto, Concursante (2007) de Rodrigo Cortés, satírico drama psicológico en el que su protagonista era agraciado con un importante premio que en vez de solucionarle su vida se la arruinaba, Las viudas de los jueves (2009) de Marcelo Piñeyro, drama de intriga con Ernesto Alterio, Juan Diego Botto y Pablo Echarri, El corredor nocturno (2009) de Gerardo Herrero, drama de intriga con Miguel Angel Solá, Sin retorno (2010) de Miguel Cohan, thriller con Federico Luppi, Una pistola en cada mano (2012) de Cesc Gay, comedia dramática de historias cruzadas, o Relatos salvajes (2014) de Damián Szifrón, comedia negra de episodios, con Ricardo Darín y Darío Grandinetti, que fue nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera.

Leonardo está casado con la escultora y pintora Guadalupe Marín. La pareja tiene una hija llamada Julia.

Anthony Mann (San Diego, California, US, 30-6-1906 / Berlín, Alemania Oriental, 29-4-1967): In memoriam

RENOVADOR DEL WESTERN

Hoy es aniversario natal del cineasta estadounidense Anthony Mann, conocido fundamentalmente como director de westerns, aunque también rodó películas de otros géneros. Su filmografía se compone de casi cuarenta títulos. Su interes por las pasiones humanas más primitivas y las acciones violentas, su gusto por el color, el paisaje y la leyenda, le decantaron hacia el western, género en el que más y mejor se prodigó. Muchos de sus films denunciaban el racismo, la intolerancia, la injusticia, la marginación y los abusos de poder. Una constante en su obra es su interés por la psicología de los personajes. Sus héroes, entre ambiguos y atormentados, se debaten entre respetar la ley o infringirla, viéndose abocados a un destino trágico que les pone a prueba y les lleva a aniquilar a sus enemigos, para luego descubrir que conseguir su objetivo les deja un poso de amargura y una total soledad. Con movimientos de cámara calculados siempre para acompañar la acción y un estilo sobrio, sereno y comedido, observó gestos y objetos, emociones y lugares, estrategias y enfrentamientos, elementos visualmente potenciados con sensible dramatismo en medio de la inmensidad de una poderosa naturaleza circundante.

Reseña biográfica procedente (con algún retoque) de la página decine21:

Paisajes, montañas, itinerarios...

por Juan Luis Sánchez

Es uno de los grandes del western, destacó en el cine negro, y tiene algún título notable en el terreno del cine histórico y bélico. Se le considera uno de los más importantes artesanos del Hollywood clásico, pero Anthony Mann es mucho más que eso, es uno de los grandes autores de la segunda generación de realizadores americanos, aquellos que no trabajaron en el cine mudo, a la altura de Robert Aldrich o Nicholas Ray.

Nacido el 30 de junio de 1906, en San Diego (California, EE.UU.), Emil Anton Bundsmann –nombre real del cineasta–, era hijo de un emigrante austríaco y una georgiana de familia judía, ambos profesores de filosofía. En un primer momento, el joven tenía la intención de convertirse en actor. Cuando su familia se fue a vivir a Nueva York, aprovechó para presentarse a pruebas para intervenir como secundario en montajes del circuito off-Broadway.

En una obra, llamó la atención del poderoso productor David O. Selznick, que decidió contratarle como director de casting y buscador de talentos. Cuando éste se embarcó en la épica búsqueda del reparto de Lo que el viento se llevó, Mann se encargó de dirigir la filmación de numerosas pruebas de aspirantes.

Posteriormente ascendió a ayudante de dirección, al servicio del especialista en comedias Preston Sturges, con el que colaboró en varias, entre ellas la irrepetible Los viajes de Sullivan. Encantado con su labor, Sturges le animó a emprender su propia carrera como realizador. Paramount le dio la oportunidad de debutar con la comedia criminal Dr. Broadway (1942), con la condición de que la terminara en 18 días. Su primer título importante es sin duda El gran Flamarion (1945), una historia criminal con Erich Von Stroheim interpretando a un tirador que actúa en espectáculos.

Por aquella época se especializó en el film noir de serie B y en concreto está considerado uno de los representantes más ilustres del docu-noir, que trataba el género con un estilo realista muy próximo al documental. En este terreno destacan La brigada suicida (1947) y El ejecutor (1948). Otro de sus primeros trabajos es El reinado del terror (1949), que aunque en esencia es un film de aventuras históricas en la época de la Revolución Francesa, también tiene tono de cine negro.

Demostró su valía para el western con la inolvidable Winchester 73 (1950) con James Stewart, originalísima cinta que sigue los pasos de un rifle que pasa de mano en mano. Los resultados fueron tan satisfactorios, tanto para el realizador como para el actor, que formaron 'matrimonio' profesional en otros cuatro impecables títulos del oeste. En Horizontes lejanos (1952), Stewart encarna a Glyn McLyntock, pistolero que conduce una caravana para redimirse de su carrera como pistolero. Colorado Jim (1953) está protagonizada por el violento Howard Kemp, en busca de un forajido por el que pagan una sustanciosa recompensa que usará para comprar nueva tierras y olvidar que su ex novia se fue con otro y se quedó con las suyas. En Tierras lejanas (1954) Stewart se mete en la piel del antipático Jeff Webster, que en la nevada Alaska intenta vender ganado, vengar a su mejor amigo y olvidarse de una mujer de antaño. Por último, en El hombre de Laramie (1955), el actor interpreta a Will Lokhart, un antiguo militar que investiga quién vendió las armas a los indios que mataron a varios soldados, entre ellos su hermano. En todas se repiten temáticas, la huida del pasado, la búsqueda de venganza, etc. y adquieren especial relevancia los escenarios abiertos en los que transcurre la acción, lo que entusiasmaba al maestro de críticos André Bazin: "Dadle a Mann un paisaje, una montaña y un itinerario. Y ya tendremos una obra maestra".

También colaboraron en otras tres películas que no pertenecían al género: Bahía negra (1953), sobre dos buscadores de petróleo, Música y lágrimas (1954), biografía de la figura de la música Glenn Miller, y Acorazados del aire (1955), en torno a un oficial de la Aviación. Sin Stewart, Mann rodó varios westerns de primera, como La última frontera (1955), con Victor Mature, Cazador de forajidos (1957), con Henry Fonda, El hombre del oeste (1958), con Gary Cooper, y Cimarron (1960), con Glenn Ford. Destaca especialmente La puerta del diablo (1950), con Robert Taylor como indio navajo que, a pesar de haberse convertido en héroe luchando en la Guerra de Secesión, sufre el acoso racista de un abogado que pone a todo el pueblo en contra suya. Fue uno de los primeros westerns que defendía la perspectiva de los indios.

Durante el rodaje del drama sobre un aspirante a tenor Dos pasiones y un amor (1956), adaptación de una obra de James M. Cain, se enamoró de la actriz española Sara Montiel, que actuaba en la película. Tras abandonar a su esposa Mildred (1936-1956), con la que tenía una hija, se acabaría casando en 1957 con Sara Montiel 'in articulo mortis', porque el realizador había sufrido un infarto y los médicos temían por su vida.

Cuando estaba con la actriz, Mann rodó en España El Cid (1961), uno de sus títulos más conocidos, con Charlton Heston como el heroico caballero de Vivar. Según Sara Montiel, el productor Samuel Bronston le ofreció a ella el papel de Doña Jimena, pero prefirió recomendar a Sophia Loren. El realizador se divorció de la manchega en 1963 y al año siguiente se casó con la bailarina Sadlers Wells.

De nuevo junto a Bronston y Loren, Mann se encarga de la notable La caída del imperio romano (1964). Le siguió un buen film de aventuras bélicas, Los héroes de Telemark (1965), con Kirk Douglas y Richard Harris como miembros de la resistencia noruega que deben impedir que los nazis desarrollen la bomba atómica.

Otro infarto acabó con la vida del gran Anthony Mann en plena faena, mientras rodaba Sentencia para un dandy (1968), el 29 de abril de 1967 en Berlín. El actor Laurence Harvey se encargó de terminar la cinta.

Lena Horne - Can't help lovin' dat man ("Till the clouds roll by")

LENA HORNE (Brooklyn, New York, 30-6-1917 / Manhattan, New York, 9-5-2010): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal de la cantante y actriz estadounidense Lena Horne. En su larguísima carrera intervino en una quincena de películas, grabó cuarenta álbumes y actuó sobre multitud de escenarios y en shows televisivos. Fue asímismo activista en el movimiento por los derechos civiles.

Hija de afroamericano y nativa americana que se separaron cuando Lena tenía dos años, su color de piel condicionó su vida desde la niñez. Criada por sus abuelos paternos, en su barrio la rechazaban por tener un color demasiado claro. A los 16 ya era corista en el Cotton Club de Harlem, al que luego volvería una y otra vez con diversas orquestas. A los 20 brillaba en el cabaret Mocambo, en el café Society y en el teatro Capitol. A los 22 grabó su primer disco y a los 23 triunfó en Broadway con "Blackbirds of 1940". Firmó con la MGM tras aparecer en un largometraje destinado al público afroamericano. Fue la primera negra contratada en exclusividad por un gran estudio de Hollywood.

En el musical Panama hattie (1942) de Norman Z. McLeod, su primera película en la Metro, cantaba Just one of those things, una canción de Cole Porter. Después apareció en Cabin in the sky (1943) de Vincente Minnelli, musical con reparto formado exclusivamente por actores de raza negra, al igual que Stormy weather (1943) de Andrew L. Stone, una producción Fox donde cantaba el famoso tema de Arlen/Koehler que daba título al film. En Thousand cheers (1943) de George Sidney interpretaba Honeysuckle rose, otra de sus canciones más conocidas, en I dood it (1943) de Vincente Minnelli, hacía su propia versión de Taking a chance on love, un éxito previo de Ethel Waters, y en Swing fever (1943) de Tim Whelan cantaba You're so indifferent. Asímismo participó en los musicales Broadway rhythm (1944) de Roy Del Ruth y Two girls and a sailor (1944) de Richard Thorpe. Formando parte de elencos con las mayores estrellas de M-G-M, intervino en los musicales: Ziegfeld follies (1945) de Vincente Minnelli, donde cantaba Love, otro de sus standards, Hasta que las nubes pasen (1946) de Richard Whorf, musical biográfico sobre el compositor Jerome Kern, en el que Lena se lució cantando Can't help lovin' dat man, y Words and music (1948) de Norman Taurog, retrato de las carreras profesionales de Richard Rodgers y Lorenz Hart, dos conocidos escritores de canciones, con brillantes interpretaciones de The Lady is a tramp y Where or when a cargo de Lena Horne. Ya en los años 50 cantó Baby come out of the clouds en Duchess of Idaho (1950) de Robert Z. Leonard y If you can dream en ¡Viva Las Vegas! (1956) de Roy Rowland.

En todas estas películas musicales Horne no tenía otro papel que el de cantante invitada o se interpretaba a sí misma, pues se había enfrentado a los productores negándose a ejercer papeles de sirvienta, reservados habitualmente a los actores negros, pero no consiguió imponerse al estudio, que cedía los roles adecuados para ella, como la Julie LaVerne de "Magnolia", a estrellas blancas. Hollywood por entonces temía que los estados del sur prohibieran las películas en las que actores negros interpretaban papeles de relevancia. Horne fue víctima de la discriminación racial reinante esos años en la industria y se convirtió en uno de los principales puntales de la lucha a favor de los derechos de la comunidad afroamericana. Rechazó cantar en locales donde se ejercía la segregación racial y sus protestas, apoyadas por varios compañeros de profesión, hizo que fuera incluida en la llamada 'lista negra' de Hollywood en los años 50, elaborada a instancias del senador McCarthy.
Tras dejar Hollywood, Lena se estableció como cantante de nightclubs, con actuaciones por todo su país, Canadá y Europa. También colaboró en shows televisivos como los de Ed Sullivan, Dean Martin y Perry Como. Con ella se vio la primera vez en televisión un saludo de mano entre alguien de raza blanca con alguien de raza negra. En la gran pantalla, por fin tuvo un personaje de más entidad (aun una cantante) junto a Richard Widmark en el western La ciudad sin ley (1969) de Don Siegel. Su último papel fue interpretando a Glinda, la bruja buena de El mago (1978) de Sidney Lumet, fallida versión de "El Mago de Oz" protagonizada por Diana Ross. En 1981 por su one-woman show, Lena Horne: The Lady and her music recibió un premio Tony especial y dos Grammy y en 1989 un Grammy honorífico por toda su carrera. En That's Entertainment! III (1994) de Bud Friedgen y Michael J. Sheridan, fue una de las presentadoras de antiguos números musicales de la compañía del león, entre los que figuraban varios suyos, uno de ellos Ain't it the truth, cortado en su día de Cabin in the sky por aparecer Lena cantando en un baño de espuma. Por su álbum en vivo An evening with Lena Horne obtuvo de nuevo un Grammy en 1995. Anunció su retiró en 1999 por sufrir esclerosis múltiple.
Lena Horne se casó en 1937 con Louis Jordan Jones, con quien tuvo una hija y un hijo (fallecido en 1970) y de quien, tras separarse en 1940, se divorció en 1944. Su segundo marido fue el director musical Lennie Hayton, con quien contrajo matrimonio en 1947, para separarse a comienzos de los años 60, si bien nunca se divorciaron (ël murió en 1971). La cantante falleció en un hospital de Manhattan a los 92 años.

Lena Horne cantaba Can't help lovin' dat man, número perteneciente al musical "Show Boat" de Jerome Kern y Oscar Hammerstein II, en la película Till the clouds roll by (1946) de M-G-M. Cuando el estudio produjo cinco años después la versión fílmica completa de dicho musical, contó con Ava Gardner (aun doblada en las canciones por Annette Warren) para el papel de Julie LaVerne, en lugar de con Lena Horne.

Flo Sandon's - Non dimenticar

SE CI SEPARÒ, SE CI ALLONTANÒ L'ALA DEL DESTINO

Recordamos el aniversario natal de la cantante italiana Flo Sandon's (fallecida en 2006 a los 82 años) con esta bellísima melodía de la banda sonora de la película "Ana" (1951) de Alberto Lattuada. En ella Sandon's no aparecía, pero su voz doblaba a la protagonista Silvana Mangano en las dos canciones del film: El negro zumbón y Non dimenticar (che t'ho voluto bene). El disco que contenía ambas, editado en 1952, vendió un millón de copias en Italia y fue el primero allí en ser premiado con un Disco de Oro. Fuera de ese país se vendieron diez millones de ejemplares. En lo sucesivo Non dimenticar fue grabada por Nat King Cole en 1958, por Dean Martin en 1962 y por Los Panchos en 1964, convirtiéndose en uno de los standards italianos más conocidos internacionalmente.

lunes, 29 de junio de 2015

Bernard Herrmann - "Psycho" Suite Prelude / The murder / Finale (Spoilers)

BERNARD HERRMANN (New York City, US, 29-6-1911 / Los Angeles, California, US, 24-12-1975): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor estadounidense Bernard Herrmann, definido como el nombre más insigne de toda la historia de la música cinematográfica. Llamado el impresionista del cine, comprendió mejor que nadie la imagen y su relación con la música en las películas, y fue creador de los temas líricos mas bellos y los más terroríficos. Nunca bastante reconocido por sus coetáneos, sólo ganó un Oscar al comienzo de su fértil carrera, siendo candidato al mismo por otras cuatro bandas sonoras. Independiente y rebelde, fue modelo para todos, con una sólida formación clásica que también le permitió una vida musical al margen de Hollywood gracias a sus sinfonías, cantatas y una ópera. El mismo orquestaba sus partituras dándole a su música un estilo propio definido e identificable.

Tras estudiar en la Universidad de Nueva York y en la Academia Juilliard, desarrolló su carrera profesional en la radio, y desde los años 30 compaginó su faceta de director de orquesta (que inició en 1938 en la orquesta de la CBS) con su labor como compositor, de la que se recuerdan especialmente sus magistrales creaciones para Hollywood.

Referencia indiscutible de la música para el cine, su nombre es indisociable del de dos cineastas de los que fue colaborador habitual, los realizadores Orson Welles y Alfred Hitchcock. Después de unos años dedicado a la creación de bandas sonoras radiofónicas, el primero, con quien en 1938 había trabajado en la adaptación de "La guerra de los mundos" de H. G. Wells, fue quien lo hizo debutar en el mundo de la composición cinematográfica con Ciudadano Kane (1941) y El cuarto mandamiento (1942). Por el primero de estos dos títulos Herrmann fue candidato al Premio de la Academia a la mejor banda sonora, aunque ganó su único Oscar ese mismo año por El hombre que vendió su alma (1941) de William Dieterle. En los años 40 compuso también la música de películas como Alma rebelde (1944) de Robert Stevenson, Concierto Macabro (1945) de John Brahm, Ana y el rey de Siam (1946) de John Cromwell, su tercera nominación al Oscar, El fantasma y la señora Muir (1947) de Joseph L. Mankiewicz, y Jennie (1948) de William Dieterle. En los años 50 las de Ultimátum a la Tierra (1951) de Robert Wise –una de las primeras bandas sonoras que incluyen instrumentos electrónicos–, La casa en la sombra (1951) de Nicholas Ray, Operación Cicerón (1952) de Joseph L. Mankiewicz, Las nieves del Kilimanjaro (1952) de Henry King, La hechicera blanca (1953) de Henry Hathaway, El jardín del diablo (1954) de Henry Hathaway, Sinuhé, el egipcio (1954) de Michael Curtiz -en la que compartió créditos con Alfred Newman-, El hombre de Kentucky (1955) de Burt Lancaster, El hombre del traje gris (1956) de Nunnally Johnson, Un sombrero lleno de lluvia (1957) de Fred Zinnemann, Los desnudos y los muertos (1958) de Raoul Walsh, Simbad y la princesa (1958) de Nathan H. Juran, o Viaje al centro de la Tierra (1959) de Henry Levin.

Mención aparte merecen sus bandas sonoras en películas de Alfred Hitchcock, para quien firmó algunas de las mejores partituras de la historia del séptimo arte: Pero ¿quién mató a Harry? (1955), El hombre que sabía demasiado (1956), Falso culpable (1957), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960) y Marnie, la ladrona (1964). Su colaboración con el rey del suspense se prolongó a lo largo de once años y ocho películas; la última de ellas Cortina rasgada (1966), rechazada por Hitch, que le sustituyó por John Addison, supuso la ruptura entre compositor y cineata.

Posteriormente trabajó con François Truffaut en Farenheit 451 (1966) y La novia vestía de negro (1967) y con Brian De Palma en Hermanas (1972) y Fascinación (1976), por la que obtuvo su cuarta nominación al Oscar. Suya es también la música de Taxi driver (1976) de Martin Scorsese, su último trabajo, y quinta candidatura al Oscar, por el que se le concedió un BAFTA postumamente. Fuera del ámbito del cine, Bernard Herrmann compuso algunas interesantes e infravaloradas obras, entre las que se cuentan las Variaciones sobre “Deep River” (1933) para orquesta, todavía bajo el influjo de Aaron Copland, la cantata Moby Dick (1938) y la ópera Cumbres borrascosas (1950).

Bernard Herrmann estuvo casado con Lucille Fletcher (1939-1948), con quien tuvo dos hijos, Lucy Anderson (1949-1964) y Norma Shepherd (1967-1975), que fue su viuda. Falleció a consecuencia de una enfermedad cardiovascular a los 64 años mientras dormía en un hotel de Los Angeles.

En la banda sonora de Psicosis, una de sus obras maestras, Herrmann trató de reflejar el mundo oscuro y macabro del film y llego a una solución sin precedentes en la historia de la música de películas: utilizar únicamente una orquesta de cuerdas intentando, de esta manera, complementar la fotografía en blanco y negro del film con una música "en blanco y negro".

domingo, 28 de junio de 2015

Tribute to John Cusack (Evanston, Illinois, US, 28-6-1966)

EL HOMBRE COMÚN

El actor estadounidense John Cusack cumple hoy 49 años. Con una extensa filmografía en más de treinta años de carrera, se convirtió en estrella en los años 90, decenio en el que rodó sus mejores películas, decantándose en adelante por un cine más comercial. No le va la tipología del héroe, sino la del hombre corriente. Y ahí radica su fuerza.

John Paul Cusack es hijo del actor y productor Richard Cusack y de la profesora de matemáticas Nancy Cusack. Tiene cuatro hermanos que también se dedican a la interpretación: Joan, Susie, Bill y Ann. A temprana edad se inició como actor teatral apareciendo en montajes organizados por el Piven Theatre Workshop de Chicago. Su película debut fue Class (1983), comedia dirigida por Lewis John Carlino que estaba protagonizada por Rob Lowe, Andrew McCarthy y Jacqueline Bisset.

Tras intervenir en la comedia adolescente Dieciséis velas (1984) de John Hughes, Cusack, que estudió en la Universidad de Nueva York, logró su primer papel protagonista en Juegos de amor en la Universidad (1985), comedia romántica dirigida por Rob Reiner, con quien repitió en la exitosa adaptación de Stephen King Cuenta conmigo (1986). Otros títulos de los años 80 en los que intervino el actor de Illinois fueron Un verano loco (1986) de Savage Steve Holland, Persecución muy, muy caliente (1987) de Steven Lisberger, Ocho hombres (1988) de John Sayles o Creadores de sombras (1989) de Roland Joffé, película protagonizada por Paul Newman.

En la siguiente década John trabajó con Stephen Frears en el neo-noir Los timadores (1990), encabezando el reparto junto a Anjelica Huston y Annette Bening , apareció en Sombras y niebla (1991) y Balas sobre Broadway (1995), dos comedias dirigidas por Woody Allen, compartió créditos con Al Pacino y Bridget Fonda en la fábula política La sombra de la corrupción (1995) de Harold Becker, intervino con Nicolas Cage y John Malkovich en el thriller de acción Con Air (1997) de Simon West, coprotagonizó junto a Kevin Spacey el drama criminal Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) de Clint Eastwood, formó parte del amplio elenco estelar en el fim bélico La delgada línea roja (1998) de Terrence Malick y fue el principal protagonista de la comedia fantástico-surrealista Cómo ser John Malkovich (1999), largometraje debut de Spike Jonze, con Cameron Diaz y Catherine Keener.

Tras co-escribir su primer guión para Un asesino algo especial (1997) de George Armitage, comedia criminal que también había protagonizado junto a Minnie Driver, Alan Arkin y Dan Aykroyd, John volvió a asumir esta tarea, compartiendo trabajo con otros guionistas al adaptar la novela de Nick Hornby Alta fidelidad (2000) dirigida por Stephen Frears. Por esta comedia dramática recibió una nominación al Globo de Oro. Con posterioridad intervino en títulos como La pareja del año (2001) de Joe Roth, comedia romántica coprotagonizada por Julia Roberts, Billy Cristal y Catherine Zeta-Jones, Serendipity (2001), de Peter Chelsom, comedia romántica con Kate Beckinsale, Identidad (2003) de James Mangold, thriller psicológico con Ray Liotta, El jurado (2003) de Gary Fleder, drama judicial con Gene Hackman, Dustin Hoffman y Rachel Weisz, ...Y que le gusten los perros (2005) de Gary David Goldberg, comedia romántica con Diane Lane, La cosecha de hielo (2005) de Harold Ramis, comedia negra con Billy Bob Thornton y Connie Nielsen, La vida sin Grace (2007) de James C. Strouse, drama sobre un viudo con dos hijas que intenta superar la pérdida de su mujer, 1408 (2007) de Mikael Håfström, thriller sobrenatural con Samuel L. Jackson, 2012 (2009) de Roland Emmerich, thriller de ciencia-ficción catastrofista, Jacuzzi al pasado (2010) de Steve Pink, comedia de ciencia-ficción, Shanghai (2010) de Mikael Håfström, thriller de intriga con Gong Li, El enigma del cuervo (2012) de James McTeigue, thriller de misterio donde encarnaba al escritor Edgar Allan Poe, El chico del periódico (2012) de Lee Daniels, drama sureño con Zac Efron, Matthew McConaughey y Nicole Kidman, El mayordomo (2013) de Lee Daniels, drama biográfico con Forest Whitaker y Oprah Winfrey, donde encarnó al Presidente Richard Nixon, Maps to the stars (2014) de David Cronenberg, comedia satírica con Julianne Moore, Mia Wasikowska y Robert Pattinson, o Dragon blade (2015) de Daniel Lee, film histórico de artes marciales con Jackie Chan.

Tribute to Kathy Bates (Memphis, Tennessee, US, 28-6-1948)

SÓLIDA ACTRIZ DE CARÁCTER

La actriz estadounidense Kathy Bates cumple hoy 67 años. Capaz de mostrarse odiosa o encantadora, en su amplia filmografía ha demostrado estar dotada tanto para el drama como la comedia. Premiada con un Oscar como actriz protagonista, obtuvo después otras dos nominaciones al mismo como secundaria, además de ganar dos Globos de Oro y dos Emmy televisivos.

Hija de un ingeniero y un ama de casa, Kathleen Doyle Bates (llamada Bobo entre sus conocidos), después de acabar sus estudios secundarios en la White Station High School de Memphis, Kathy se matriculó en interpretación en la Southern Methodist University de Dallas, centro del que se graduó en el año 1969, traslandándose a Nueva York en 1970. Antes de convertirse en actriz, Bates trabajó como camarera cantante y como dependienta de la tienda de regalos del MOMA. Tras sus inicios teatrales, en esa misma época, y acreditada como Bobo Bates (sería su única película con esa acreditación), intervino en Juventud sin esperanza (1971) de Milos Forman. Sus siguientes films con roles secundarios ya como Kathy Bates fueron Libertad condicional (1978) de Ulu Grosbard, con Dustin Hoffman como protagonista, Vuelve a la tienda de baratijas, Jimmy Dean (1982) de Robert Altman, con Sandy Dennis, Cher y Karen Black, Tal para cual (1982) de John Herzfeld, con John Travolta y Olivia Newton-John, y A la mañana siguiente (1986) de Sidney Lumet, con Jane Fonda y Jeff Bridges. Después de otras películas de menor relieve y varios éxitos en Broadway, Kathy consiguió triunfar en Hollywood con su personaje fanático de Annie Wilkes en Misery (1990), adaptación de un libro de Stephen King que dirigió Rob Reiner, con James Caan como víctima de su psicopatía. Por esta película la actriz de Memphis consiguió ganar el el Globo de Oro como mejor actriz dramática y el Oscar a la mejor actriz principal. Un año después del estreno de esta cinta, Kathy se casó con el actor Tony Campisi. En 1997 se divorciaron, año en el que ya mantenía relaciones con otro actor, Bernad Hill. Entre 2006 y 2009 fue pareja de Rodrigo Semporaci.

Otros títulos en que apareció a lo largo de la década de los 90 fueron Sombras y niebla (1991) de Woody Allen, Tomates verdes fritos (1991) de Jon Avnet, Hechizo de un beso (1992) de Norman René, Romance otoñal (1992) de Beeban Kidron, Nuestro propio hogar (1993) de Tony Bill, Un muchacho llamado Norte (1993) de Rob Reiner, Eclipse total (1995) de Taylor Hackford, Diabólicas (1996) de Jeremiah Chechik, El hombre que vino del mar (1997) de Beeban Kidron, Titanic (1997) de James Cameron, donde interpretó a Molly Brown, superviviente del naufragio, Primary colors (1998) de Mike Nichols, sátira política que le proporcionó una nominación al Oscar como actriz secundaria, o El aguador (1999) de Frank Coraci.

Más recientemente ha intervenido en Forajidos (2001) de Les Mayfield, Con amor, Liza (2002) de Todd Louiso, A propósito de Schmidt (2002) de Alexander Payne, por la que obtuvo otra candidatura al Oscar a la mejor actriz secundaria, Amor sin condiciones (2002) de P.J. Hogan, El puente de San Luis Rey (2004) de Mary McGuckian, Novia por contrato (2006) de Tom Dey, El viaje de nuestra vida (2006) de Christopher N. Rowley, Fred Claus, el hermano gamberro de Santa Claus (2007) de David Dobkin, Posdata: Te quiero (2007) de Richard LaGravenese, Ultimátum a la Tierra (2008) de Scott Derrickson, Revolutionary road (2008) de Sam Mendes, Chéri (2009) de Stephen Frears, Un sueño posible (2009) de John Lee Hancock, Historias de San Valentín (2010) de Garry Marshall, Medianoche en París (2011) de Woody Allen, Tammy (2014) de Ben Falcone, o El coro (2014) de François Girard.

Tras superar un cáncer de ovarios diagnosticado en 2003, Kathy Bates se sometió en 2012 a una doble masectomía al sufrir un cáncer de mama.

sábado, 27 de junio de 2015

Asier Etxeandía - El Intérprete (Intro: La infancia, El cantante, Puro teatro)

TRIBUTO A ASIER ETXEANDÍA (Bilbao, España, 27-6-1975)

40 cumpleaños del actor español Asier Etxeandía, uno de los mejores de su generación. Iniciado como actor y cantante en su tierra natal, se estableció en Madrid desde los 20 años, estudió arte dramático y trabajó en la televisión antes de debutar en el Teatro Alcalá de Madrid interpretando junto a Natalia Millán y Manuel Bandera a Emcee, el maestro de ceremonias de "Cabaret", papel que representó con gran éxito entre 2003 y 2005. Luego de participar en diversas películas, series televisivas y montajes teatrales, en 2010 ganó el premio teatral Max al mejor actor protagonista y el de la Unión de Actores por "La averia" de Friedrich Dürrenmatt. Su consagración como gran figura de los escenarios y entertainer de primera magnitud se produjo tras la presentación de "El intérprete", espectáculo musical en primera persona estrenado en marzo de 2013 en el madrileño Teatro La Latina, con el que después emprendió una triunfal gira por toda España que aún continúa.

En "El intérprete", el actor bilbaíno con la ayuda del dramaturgo Alvaro Tato, hilvana anécdotas personales para enlazar canciones de muy diversos tipos en un ecléctico e iconoclasta 'one man show' con tres músicos acompañantes. Etxeandía exhibe su arrebatador carisma como actor y cantante ante un público rendido a su talento. Su indudable dominio escénico hacen pensar en él como una mezcla a la española de, pongamos por caso, Joel Grey y Hugh Jackman, con unos toques de Raphael, Modugno o Mick Jagger.

Tribute to Isabelle Adjani (Paris, France, 27-6-1955)

LA DIVA ENIGMÁTICA

La actriz francesa Isabelle Adjani cumple hoy 60 años. Saltó a la fama internacional con sólo 20 de la mano de François Truffaut y pronto se convirtió en gran diva del cine galo. Conocida por sus apasionadas interpretaciones, admirada y polémica, misteriosa y distante, ha sido nominada ocho veces al premio César, ganado cinco de ellos (más que ninguna otra actriz en su país) y obtenido dos candidaturas al Oscar. En 2010 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor.

Hija de padre argelino y madre alemana, llegó al cine en los inicios de los años 70 después de representar en su adolescencia obras teatrales. En la década de los 70 trabajó con Claude Pinoteau en La bofetada (1974), comedia por la que ganó un David di Donatello especial; con François Truffaut en Diario íntimo de Adele H (1975), drama histórico por el que logró ser candidata al premio Oscar además de un recibir un David di Donatello a la mejor actriz extranjera; con Roman Polanski en el thriller psicológico El quimérico inquilino (1976); con André Téchiné en Barocco (1976), thriller romántico junto a Gérard Depardieu y Las hermanas Brontë (1979), film biográfico también protagonizado por Marie-France Pisier e Isabelle Huppert, en el que Adjani encarnó a la escritora Emily Brontë; con Walter Hill en Driver (1978), neo-noir con Ryan O'Neal y Bruce Dern, o con Werner Herzog en Nosferatu, vampiro de la noche (1979), película en la que interpretó al lado de Klaus Kinski a Lucy Harker.

En los años 80 recibió hasta tres premios Cesar. El primero por La posesión (1981) de Andrzej Zulawski, drama surealista por el que también fue galardonada en el Festival de Cannes junto por su trabajo el mismo año por Quartet (1981) de James Ivory, un drama ambientado en los años 20; el segundo por Verano asesino (1983), drama dirigido por Jean Becker, y el tercero por La pasión de Camille Claudel (1988) de Bruno Nuytten, drama biográfico que le valió también una segunda nominación al Oscar y un Oso de Plata en Berlín. Otros títulos de la década incluyen Antonieta (1982) de Carlos Saura, drama sobre un personaje de la revolución mexicana, con Hanna Schygulla, Subway: En busca de Freddy (1985) de Luc Besson, comedia dramática de acción con Christopher Lambert, o Ishtar (1987) de Elaine May, producción estadounidense de aventuras con Dustin Hoffman y Warren Beatty, que resultó un sonado fracaso.

A partir del decenio siguiente la carrera de Isabelle Adjani se hizo más escasa en títulos. No obstante, su protagonismo en La Reina Margot (1994) de Patrice Chéreau, adaptación de la novela de Alejandro Dumas con Daniel Auteuil, Jean-Hugues Anglade, Vincent Pérez y Virna Lisi, y en El día de la falda (2008), drama colegial de Jean-Paul Lilienfeld, volvió a ser recompensado con dos nuevos premios Cesar. Otros títulos destacables son Bon voyage (2003) de Jean-Paul Rappeneau, comedia coral entre el enredo y el espionaje ambientada en la caótica situación en la población de Burdeos en junio de 1940, o El señor Ibrahim y las flores del Corán (2003) de François Dupeyron, comedia dramática con Omar Sharif. Al margen del cine, Isabelle Adjani ha trabajado en teatro y publicado el disco Pull Marine (1983).

En cuanto a su vida sentimental fue novia en la parte final de los 70 de Serge Gainsbourg. Más tarde empezó una relación con el director Bruno Buytten, con quien tuvo a su hijo Barnabé en 1979. Con posterioridad se emparejó con Warren Beatty antes de iniciar un noviazgo con el actor Daniel Day-Lewis, con quien en 1994 tuvo a su hijo Gabriel-Kane. Otras de sus parejas han sido Jean-Michel Jarre, Stéphane Delajoux y Tonino Cacace.

viernes, 26 de junio de 2015

Chris Isaak - Wicked game

I DON'T WANT TO FALL IN LOVE... WITH YOU

Un recuerdo especial a Chris Isaak en su 59 cumpleaños con esta famosa canción de su álbum Heart shaped world (1989), que el director David Lynch utilizó en la película "Wild at heart" (1990).

Eleanor Parker (Cedarville, Ohio, US, 26-6-1922 / Palm Springs, California, US, 9-12-2013): In memoriam

LA MUJER DE LAS MIL CARAS

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense Eleanor Parker, una de las grandes bellezas del Hollywood dorado y una intérprete de considerable talento. Tres veces candidata al Oscar sin conseguirlo, fue llamada 'la mujer de las mil caras' por su gran versatilidad.

Después de actuar en producciones teatrales estudiantiles y concluir sus estudios secundarios, se marchó a Hollywood a comienzos de la década de los 40 para intentar abrirse camino en el mundo del cine. Tras firmar contrato con Warner Bros, su bello rostro y su pelirroja cabellera poco a poco se fueron significando con el paso del decenio al intervenir en títulos como El orgullo de los marines (1945), película bélica dirigida por Delmer Daves y protagonizada por John Garfield, Cautivo del deseo (1946) de Edmund Goulding, segunda adaptación de la novela "Servidumbre humana" de Somerset Maugham, con Paul Henreid y Alexis Smith, No me dejes (1947) de Peter Godfrey, melodrama con Errol Flynn y Ida Lupino, La mujer de blanco (1948) de Peter Godfrey, adaptación de una novela de Wilkie Collins, con Alexis Smith, Sydney Greenstreet y Gig Young, Un rayo en el cielo (1950) de Stuart Heisler, drama aéreo con Humphrey Bogart, Sin remisión (1950) de John Cromwell, drama carcelario con Agnes Moorehead, Ellen Corby y Hope Emerson por el que Parker ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia y obtuvo su primera nominación al Oscar como mejor actriz. Después de esta película Parker dejó La Warner.

Su mejor época profesional fueron los años 50, década en la que demostró que, además de una cara bonita, era una actriz de notables facultades interpretativas. La impronta de Eleanor Parker quedó de manifiesto en títulos como Tres secretos (1950) de Robert Wise, drama con Patricia Neal y Ruth Roman, Un millonario para Christy (1951) de George Marshall, comedia romántica con Fred MacMurray, Brigada 21 (1951) de William Wyler, noir con Kirk Douglas y William Bendix por el que la actriz de Ohio fue candidata al Oscar por segunda vez consecutiva, Scaramouche (1952) de George Sidney, clásico de aventuras basado en una novela de Rafael Sabatini, Stewart Granger, Janet Leigh y Mel Ferrer, El gran secreto (1952) de Melvin Frank y Norman Panama, drama bélico con Robert Taylor, Fort Bravo (1953) de John Sturges, magnífico western con William Holden y John Forsythe, Cuando ruge la marabunta (1954) de Byron Haskin, drama colonial con Charlton Heston, El valle de los reyes (1954) de Robert Pirosh, film de aventuras con Robert Taylor, La novia salvaje (1955) de Roy Rowland, western con Robert Taylor, Melodía interrumpida (1955) de Curtis Bernhardt, drama biográfico sobre Marjorie Lawrence, cantante de ópera de origen australiano, con Glenn Ford como coprotagonista, papel que le supuso su tercera candidatura al Oscar, El hombre del brazo de oro (1955) de Otto Preminger, drama sobre la drogadicción con Frank Sinatra y Kim Novak, Un rey para cuatro reinas (1956) de Raoul Walsh, western con Clark Gable, o Millonario de ilusiones (1959) de Frank Capra, comedia dramática con Frank Sinatra y Edward G. Robinson.

A partir de los años 60 su presencia en la gran pantalla se haría menos regular, interviniendo en Con él llegó el escándalo (1960), melodrama de Vincente Minnelli coprotagonizado por Robert Mitchum, Regreso a Peyton Place (1961) de José Ferrer, melodrama con Carol Lynley y Jeff Chandler, Operación fisco (1964) de George Sherman, producción italiana de bajo presupuesto con Maurice Chevalier y Jayne Mansfield, Sonrisas y lágrimas (1965) de Robert Wise, musical de enorme éxito mundial con Julie Andrews y Christopher Plummer, El Oscar (1966) de Russell Rouse, drama sobre el mundo del cine con Stephen Boyd, Elke Sommer y Milton Berle, Esclavos del pecado (1966) de Robert Gist, drama adaptado de una novela de Norman Mailer, con Stuart Whitman y Janet Leigh, Un tigre en la red (1967) de Dino Risi, comedia italiana con Vittorio Gassman y Ann-Margret, La gata en la terraza (1969) de David Lowell Rich, film de terror con Michael Sarrazin y Gayle Hunnicutt, tras el cual abandonó el cine, al que solo regresó diez años después para intervenir en Sol ardiente (1979) de Richard C. Sarafian, comedia detectivesca con Farrah Fawcett, Charles Grodin y Art Carney. Entre 1962 y 1991 trabajó con cierta asiduidad para producciones televisivas, actuando asímismo en Broadway durante los años 70.

Eleanor Parker sumó cuatro maridos y tres divorcios: Fred Losee (1943-1944), Bert E. Friedlob (1946-1953), con quien tuvo tres hijos, Paul Clemens (1954-1965), padre de su cuarto hijo, y Raymond N. Hirsch (1966-2001), de quien enviudó. La actriz falleció a los 91 años tras sufrir una neumonía.

Peter Lorre (Rózsahegy, Imperio Austrohúngaro, ahora Eslovaquia, 26-6-1904 / Los Angeles, California, US, 23-3-1964): In memoriam

VILLANO INQUIETANTE

Hoy es aniversario natal del actor Peter Lorre, hijo de una pareja judía que fijó su residencia en una pequeña población eslovaca bajo el Imperio Austrohúngaro y nacionalizado estadounidense en 1941. Inconfundible por su físico poco agraciado, menudo y de ojos saltones, e inolvidable por sus interpretaciones, a lo largo de más de treinta años de carrera destacó por sus roles de carácter en Alemania, Inglaterra o Hollywood. Encasillado en cierta medida, no obstante su versatilidad, en personajes oscuros o siniestros, participó en al menos media docena de títulos clásicos del séptimo arte.

László Löwenstein (su nombre real) se traladó con su familia a Viena en 1913. Desde su pronta adolescencia sintió la necesidad de convertirse en actor de teatro (vocación que a su familia no terminaba de agradarle del todo), comenzando a actuar sobre la escena desde los 17 años. Poco después se marchó de casa con destino a Suiza. Tras un período trabajando en diversas entidades bancarias para financiarse sus estudios de interpretación se estableció finalmente en Alemania. En Berlín consiguió gran reputación como intérprete gracias a que era uno de los actores favoritos del famoso dramaturgo Bertolt Brecht. Su peculiar físico y su sentido del humor le ayudaron a lograr papeles principalmente cómicos, hecho que la audiencia germana veía con agrado. Paradójicamente la consecución del estrellato en el mundo del cine no fue haciendo reír sino todo lo contrario. El director Fritz Lang requirió su presencia para protagonizar el thriller de intriga M, el vampiro de Düsseldorf (1931), con la que consiguió un éxito mundial que refrendó en títulos posteriores.

Después del ascenso al poder del partido nacionalsocialista, Lorre decidió emigrar de Alemania a Londres, en donde trabajó con otro de los grandes del cine mundial, Alfred Hitchcock, quien le hizo intervenir en la primera versión del film de suspense El hombre que sabía demasiado (1934). Tras esta película, el paso hacia la Meca del cine, Hollywood, estaba ya muy cerca. Su caracterización en los Estados Unidos estuvo en principio marcada por las actitudes malévolas del personaje que encarnó en la película citada de Fritz Lang, apreciable en films como Las manos de Orlac (1935), título de terror de Karl Freund o Crimen y castigo (1935) de Josef Von Sternberg, donde encarnó a Raskolnikov, el protagonista de la novela de Dostoyevsky. Estos papeles no agradaban demasiado a Lorre, que quería variar de registro e interpretar a personajes más humanos y simpáticos. Seguidamente volvió a encontrarse con Hitchcock en suelo británico para intervenir en El agente secreto (1936), film de espionaje con Madeleine Carroll, John Gielgud y Robert Young. Durante el resto de la década, junto a otros títulos, tuvo la oportunidad de protagonizar para la 20th Century Fox una tanda de películas de serie B en las que interpretaba el personaje de un detective japonés llamado Mr. Moto. Este personaje consiguió gran popularidad con una serie de ocho títulos iniciada por El misterioso Mr. Moto (1937) y terminada con El último mensaje de Mr. Moto (1939), ambas de Norman Foster.

A comienzos de los años 40 intervino en importantes películas como Extraño cargamento (1940) de Frank Borzage, film de aventuras con Clark Gable y Joan Crawford, La máscara de fuego (1941) de Robert Florey, drama criminal con Evelyn Keyes, Aventura en Bombay (1941) de Clarence Brown, donde secundaba a Clark Gable y Rosalind Russell, dos ladrones de joyas rivales, El halcón maltés (1941) de John Huston, gran clásico del cine negro con Humphrey Bogart y Mary Astor, en el que coincidió por primera vez con Bogart (colaboraron cinco veces más) y con Sidney Greenstreet, actor con quien Lorre compartió en diversas ocasiones rodajes para los estudios Warner. Asímismo destacó en A través de la noche (1941) de Vincent Sherman, thriller con Bogart y Conrad Veidt, Casablanca (1942) de Michael Curtiz, otro título legendario junto a Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid, La ninfa constante (1943) de Edmund Goulding, drama romántico con Charles Boyer, Joan Fontaine y Alexis Smith, La cruz de Lorena (1943) de Tay Garnett, film bélico con Jean-Pierre Aumont y Gene Kelly, Pasaje a Marsella (1944) de Michael Curtiz, mezcla de cine bélico y de aventuras, con Humphrey Bogart, Claude Rains y Michèle Morgan, La máscara de Dimitrios (1944) de Jean Negulesco, noir con Sydney Greenstreet, Zachary Scott, Faye Emerson, Arsénico por compasión (1944) de Frank Capra, comedia negra con Cary Grant y Priscilla Lane, Agente confidencial (1945) de Herman Shumlin, thriller de espionaje con Charles Boyer y Lauren Bacall, Tres extraños (1946) de Jean Negulesco, drama criminal con Sydney Greenstreet y Geraldine Fitzgerald, El veredicto (1946) de Don Siegel, noir con Sydney Greenstreet y Joan Lorring, La bestia con cinco dedos (1946) de Robert Florey, título de terror con Robert Alda y Andrea King, Morena y peligrosa (1947) de Elliott Nugent, comedia con Bob Hope y Dorothy Lamour, o Soga de arena (1949) de William Dieterle, noir con Burt Lancaster, Paul Henreid y Claude Rains.

En los años 50 sy primeros 60 su figura siguió brillando e incluso se atrevió con la dirección de la película El hombre perdido (1951), intriga criminal de producción alemana que no obtuvo resonancia en su época. Los títulos más importantes en este período fueron La burla del diablo (1953) de John Huston, comrdia paródica de aventuras con Humphrey Bogart, Jennifer Jones y Gina Lollobrigida, 20.000 leguas de viaje submarino (1954) de Richard Fleischer, adaptación de la novela de Jules Verne, con Kirk Douglas, James Mason y Paul Lukas, La bella de Moscú (1957) de Rouben Mamoulian, película que proponía un notable remake musical de "Ninotchka", con Fred Astaire y Cyd Charisse, El recluta (1957) de George Marshall, comedia con Jerry Lewis y David Wayne, El gran circo (1959) de Joseph M. Newman, drama con reparto encabezado por Victor Mature, Red Buttons y Rhonda Fleming, Viaje al fondo del mar (1961) de Irwin Allen, título de ciencia-ficción con Walter Pidgeon y Joan Fontaine, Historias de terror (1962) de Roger Corman, película de episodios con Vincent Price y Basil Rathbone, Cinco semanas en globo (1962) de Irwin Allen, otra adaptación de Jules Verne con Red Buttons, Fabian, Barbara Eden y Cedric Hardwicke, El cuervo (1963) de Roger Corman, comedia de terror que adaptaba a Edgar Allan Poe, con Vincent Price y Boris Karloff, con quienes volvió a coincidir en La comedia de los horrores (1963) de Jacques Tourneur. Su última película fue la comedia Jerry Calamidad (1964) dirigida y protagonizada por Jerry Lewis. Junto a las producciones cinematográficas (muchas de ellas paródicas y cómicas por esa época) y como era habitual en las antiguas estrellas del Hollywood clásico, Lorre logró acomodo en el mundo de la televisión.

Peter Lorre estuvo casado con las actrices Celia Lovsky (1934-1945) y Kaaren Verne (1945-1950). Tras su segundo divorcio contrajo matrimonio en 1953 con Anne Marie Brenning, madre de Catharine, su unica hija, con la que permaneció hasta su fin. El actor falleció a causa de un fatal ataque al corazón. Tenía 59 años y el orador de su panegírico el día de su sepelio fue el también inimitable y buen amigo suyo Vincent Price.

(Semblanza biográfica a partir de la página El Criticón)

jueves, 25 de junio de 2015

Eddie Floyd - Knock on wood

EDDIE FLOYD (Montgomery, Alabama, US, 25-6-1937)

Recordamos el 78 aniversario natal del cantante estadounidense de soul y rhythm & blues Eddie Floyd con esta canción de 1966 escrita por él y Steve Cropper, que fue el mayor hit de su carrera y objeto de múltiples versiones posteriores.

miércoles, 24 de junio de 2015

Carlos Gardel - Volver

SENTIR QUE ES UN SOPLO LA VIDA

Hoy se conmemora el 80 aniversario de la muerte en accidente aéreo en Medellín (Colombia) del mítico cantante argentino Carlos Gardel, cuando contaba 44 años y se encontraba en el esplendor de su fama.

Volver, de Gardel/LePera, uno de los tangos más famosos y recordados del llamado Morocho del Abasto, fue grabado en Nueva York el mismo año de su fallecimiento e incluído en la película "El día que me quieras" (1935) filmada en Long Island bajo el sello de Paramount.

martes, 23 de junio de 2015

Tribute to Frances McDormand (Chicago, Illinois, US, 23-6-1957)

POLIFACÉTICA NATURALIDAD

La actriz estadounidense Frances McDormand cumple hoy 58 años. Con aspecto de mujer común, en sus más de treinta años de carrera ha intervenido en films de diversos géneros, incluyendo cinco producciones de los hermanos Coen (Joel es su marido), y logrado un Oscar a la mejor actriz principal, además de tres nominaciones como secundaria y un premio Tony.

Frances Louise McDormand es hija adoptiva de una pareja canadiense. Su progenitor era predicador de los Discípulos de Cristo, por lo que la joven Frances tuvo que viajar por varios estados norteamericanos, en los que su padre ofrecía sus sermones, entre ellos Georgia, Kentucky, Tennessee y Pennsylvania. Estudió en el Bethany College en West Virginia y en la Escuela de Interpretación de Yale. Sus primeros papeles como actriz fueron en el teatro y en la televisión, apareciendo en 1981 en algunos episodios de la conocida serie televisiva "Canción triste de Hill Street". Comenzó su carrera cinematográfica cuando intervino en el thriller criminal Sangre fácil (1984), la película debut de los hermanos Joel y Ethan Coen, con quienes trabajaría en varias ocasiones. También en 1984 Frances contrajo matrimonio con Joel Coen, con quien adoptó un niño llamado Pedro. Asímismo participó dirigida por su marido en Arizona baby (1987), comedia negra con Nicolas Cage y Holly Hunter, y en Arde Mississippi (1988) de Alan Parker, drama sureño basado en hechos reales por el que fue nominada al Oscar como actriz secundaria. La actriz compaginó el cine con la pequeña pantalla y el teatro, actuando en la obra "Un tranvía llamado deseo" en el papel de Stella Kowalski.

A partir de la siguiente década destacó en títulos como Agenda oculta (1990) de Ken Loach, lúcido thriller político sobre el terrorismo del estado británico en Irlanda del Norte, con Brian Cox y Brad Dourif, Darkman (1990) de Sam Raimi, film de acción fantástico con Liam Neeson, Vidas cruzadas (1993) de Robert Altman, drama coral con reparto multiestelar, Fargo (1996) de Joel Coen, comedia negra con William H. Macy, por la que su actuación como una jefe de policia embarazada en una población rural de Minnesota fue recompensada con un Oscar a la mejor actriz principal, Las dos caras de la verdad (1996) de Gregory Hoblit, drama judicial con Richard Gere y Edward Norton, Lone star (1996) de John Sayles, drama rural indie con Kris Kristofferson, Matthew McConaughey y Chris Cooper, Camino al paraíso (1997) de Bruce Beresford, drama bélico con Glenn Close, Jóvenes prodigiosos (2000) de Curtis Hanson, comedia dramática con Michael Douglas, Tobey Maguire, Katie Holmes y Robert Downey Jr., Casi famosos (2000) de Cameron Crowe, comedia dramática con Billy Crudup y Kate Hudson por la que fue nuevamente candidata al Oscar como secundaria, El hombre que nunca estuvo allí (2001) de Joel Coen, neo noir con Billy Bob Thornton y James Gandolfini, Condenado (2002) de Michael Caton-Jones, policiaco con Robert De Niro, Cuando menos te lo esperas (2003) de Nancy Meyers, taquillera comedia con Jack Nicholson, Diane Keaton, Keanu Reeves y Amanda Peet, En tierra de hombres (2005) de Niki Caro, drama social con Charlize Theron que le supuso otra candidatura al Oscar a la mejor actriz secundaria, Quemar después de leer (2008) de Joel y Ethan Coen, comedia negra con George Clooney, John Malkovich, Tilda Swinton y Brad Pitt, Un lugar donde quedarse (2011) de Paolo Sorrentino, drama con Chris Penn, Transformers: El lado oscuro de la luna (2011) de Michael Bay, taquillerísimo film de ciencia-ficción, Moonrise kingdom (2012) de Wes Anderson, comedia dramática con Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray y Tilda Swinton, o Tierra prometida (2012) de Gus Van Sant, drama con Matt Damon. En 2011 ganó un Tony teatral por la obra "Good people".

Marujita Díaz - Achúchame

MARUJITA DÍAZ (Sevilla, España, 27-4-1932 / Madrid, España, 23-6-2015): R.I.P.

La popular actriz y cantante española Marujíta Díaz ha fallecido hoy a los 83 años. Su voz, desparpajo y simpatía le abrieron en los años 40 las puertas del teatro y el cine, en los que ha desarrollado principalmente su carrera, además de en la televisión. Desde 2005 padecía un cáncer de colon.

Nacida como María del Dulce Nombre Díaz Ruíz, en el sevillano barrio de Triana, era hija de un tramoyista. A los 6 años debutó en el teatro, en una obra infantil, y a los 16 en el cine, en La cigarra (1948) de Florián Rey, de la mano de Tony Leblanc. Despues de aparecer en La Revoltosa (1949) de Juan de Orduña o El sueño de Andalucía (1950) de Luis Lucia, intervino en Surcos (1951) de José Antonio Nieves Conde, una de las mejores películas de la historia del cine español. Después Marujita Díaz rodó una serie de filmes en la que abundan sobre todo la comedia ligera propia de un cine que, como era el español de aquella época, se desarrolló dentro de los límites impuestos por la censura: Una cubana en España (1951) de Luis Bayón Herrera, Puebla de las mujeres (1953) de Antonio Del Amo, El pescador de coplas (1954) de Antonio Del Amo, Goodbye, Sevilla (1955) de Ignacio F. Iquino, Polvorilla (1956) de Florián Rey, o El genio alegre (1957) de Gonzalo Delgrás.

Siendo ya una actriz popularmente consagrada, en 1958 representó a España en el Festival de Cine Español en América, celebrado en Caracas, donde conoció al actor Espartaco Santoni (1937-1998), con quien se casó por lo civil en la capital venezolana el 18 de septiembre de 1958, matrimonio que duraría tres años. A su vuelta se estrenó con éxito Y después del cuplé (1959) de Ernesto Arancibia. Con su marido creó la empresa Producciones Cinematográficas MD, con la que rodó cuatro películas de gran éxito comercial: Pelusa (1960) de Javier Setó, La corista (1960) de José María Elorrieta, La cumparsita (1961) de Enrique Carreras, y Abuelita Charlestón (1962) de Javier Setó. En 1961 obtuvo el Premio Nacional del Sindicato del Espectáculo a la mejor actriz por Pelusa. Después protagonizó otras comedias musicales como La casta Susana (1963) de Luis César Amadori o La pérgola de las flores (1965) de Román Viñoly Barreto. El 19 de marzo de 1964 se casó con el bailarín Antonio Gades, en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid, oficiando como padrinos Luis Escobar y Lucía Bosé. El matrimonio, que duró apenas un año, fue anulado en 1982.

Marujita, que disfrutaba de una gran popularidad, alternaba el cine con el teatro musical, en el que cultivaba la zarzuela o la revista. Cantante capaz de cultivar varios registros (copla, cuplé, pasodoble, tango, charlestón o zarzuela) popularizó canciones como Soldadito español o Banderita, y recuperó éxitos de Josephine Baker, como La pequeña tonkinesa, o de Celia Gámez, como Madre, cómprame un negro, Si vas a Paris, papá o Luna de España. En los años 70 apareció en varias películas de escasa repercusión y a partir de entonces trabajó en el teatro, la televisión y la radio.

Marujita Díaz ("Pelusa")

Marujíta Díaz siempre hizo alarde de picardía y sentido del humor en sus actuaciones, como en este picante chotis.

Laura Antonelli (Pola, Reino de Italia, 28-11-1941 / Ladispoli, Roma, Italia, 22-6-2015): R.I.P.

EL SUEÑO ERÓTICO DE LOS ITALIANOS

La actriz italiana Laura Antonelli falleció ayer a los 73 años a consecuencia de un infarto. Bella y de voluptuosa sensualidad, ella fue el mayor mito erótico en la Italia de los años 70. Apareció en cuarenta y cinco películas en veintiséis años de carrera, la mayoria de las cuales (ya comedias o películas de época) resaltaron al máximo sus encantos naturales. A los 50 años se retiró del cine.

De nombre real Laura Antonaz, vino al mundo en Pola, localidad en la actualidad croata que en el momento de su nacimiento pertenecía a Italia. Desde su niñez practicó gimnasia rítmica y estudió educación física en Nápoles antes de trabajar como profesora de gimnasia en un instituto de Roma. A comienzos de los años 60 trabajó como modelo y actriz de fotonovelas. Debutó en el cine con pequeños papeles en Celos a la italiana (1964) de Antonio Pietrangeli, Le sedicenni (1965) de Luigi Petrini o El gran amante (1966) de Alberto Sordi. Obtuvo su primer papel importante al protagonizar El placer de Venus (1969) de Massimo Dallamano, film erótico inspirado en la novela "La Venus de las pieles" de Leopold von Sacher-Masoch, que, por causa de la censura, no pudo verse en Italia hasta seis años más tarde. Con la comedia erótica El mirlo macho (1971) de Pasquale Festa Campanile, coprotagonizada junto a Lando Buzzanca, comenzó a adquirir cierta notoriedad y también compartió créditos con el francés Jean-Paul Belmondo en Gracias y desgracias de un casado del año II (1971) de Jean-Paul Rappeneau, comedia ambientada en la Revolución Francesa. Casada con el editor Enrico Pianceti, a partir de esta película la actriz italiana se separó de su marido y mantendría con Belmondo un romance de casi nueve años. Asímismo formó parte del reparto de Sin móvil aparente (1971) de Philippe Labro, thriller con Jean-Louis Trintignant, Dominique Sanda y Sacha Distel, Al senador le gustan las mujeres (1972) de Lucio Fulci, comedia satírica con Lando Buzzanca, y Doctor Casanova (1972) de Claude Chabrol, comedia negra con Jean-Paul Belmondo y Mia Farrow.

El gran éxito de la comedia erótica Malicia (1973) de Salvatore Samperi, con Turi Ferro y Alessandro Momo, por la que ganó un Nastro d'Argento, convirtió a Laura Antonelli en el mayor sex symbol italiano de su época. Siguieron otros títulos populares que intentaron explotar el atractivo erótico de la nueva estrella: Sexo loco (1973) de Dino Risi, comedia con Giancarlo Giannini, Me gusta mi cuñada (1974) de Salvatore Samperi, con Alessandro Momo, ¡Dios mío, como he caído tan bajo! (1974) de Luigi Comencini, comedia de época con Alberto Lionello, Michele Placido y Jean Rochefort, o Divina criatura (1975) de Giuseppe Patroni Griffi, drama erótico ambientado en los años 20, con Terence Stamp y Marcello Mastroianni.

El suntuoso drama decimonónico El inocente (1976) de Luchino Visconti, basado en una novela de Gabriele D'Annunzio, con Giancarlo Giannini y Jennifer O'Neill, resultó la mejor película de su carrera, continuada con títulos como Sólo Dios sabe la verdad (1977) de Mauro Bolognini, drama criminal con Shelley Winters y Max von Sydow, Esposa amante (1977) de Marco Vicario, drama con Marcello Mastroianni, Camas calientes (1979) de Luigi Zampa, comedia con Ursula Andress, Sylvia Kristel y Monica Vitti, El enfermo imaginario (1979) de Tonino Cervi, comedia basada en la obra de Molière, con Alberto Sordi, Entre el amor y la muerte (1981) de Ettore Scola, drama romántico de época con Bernard Giraudeau y Jean-Louis Trintignant, Casta y pura (1981) de Salvatore Samperi, comedia con Fernando Rey y Massimo Ranieri, Sexualmente hablando (1982) de Dino Risi, comedia con Johnny Dorelli, La jaula (1985) de Giuseppe Patroni Griffi, drama erótico con Tony Musante y Florinda Bolkan, La veneciana (1986) de Mauro Bolognini, comedia erótica ambientada en el siglo XVXI, con Mónica Guerritore y Jason Connery, o El avaro (1990) de Tonino Cervi, otra comedia basada en una obra de Molière, con Alberto Sordi. El fracaso de Malizia 2000 (1991) de Salvatore Samperi, secuela del film que la convirtió en estrella dieciocho años antes, añadido a sus problemas personales, precipitó su retirada del cine. Ese mismo año fue arrestada por la policía italiana, cuando fueron encontrados en su casa 36 gramos de cocaína. Condenada a entre tres y seis meses de cárcel por tráfico de estupefacientes, nueve años después, la corte de Apelación la absolvió, reconociéndola consumidora pero no traficante. A sus desventuras se sumaron varias operaciones quirúrgicas faciales que deformaron su rostro, persistentes depresiones y diversos internamientos en un centro de salud mental en Civitavecchia. A partir de los años 2000, la actriz manifestó su deseo de ser olvidada. Pasó sus últimos años de vida sola y en precarias condiciones económicas. Su asistenta social fue quien encontró su cuerpo sin vida.

lunes, 22 de junio de 2015

Tribute to Meryl Streep (Summit, New Jersey, US, 22-6-1949)

LA INTÉRPRETE MÁS PREMIADA

La actriz estadounidense Meryl Streep cumple hoy 66 años. Con cuarenta años de carrera en cine, teatro y televisión se ha convertido en la intérprete más laureada de la historia: 3 Oscars (de 19 nominaciones), 8 Globos de Oro (de 29 nominaciones), dos BAFTA (de 14 nominaciones), dos Emmy (de tres nominaciones) y un Tony teatral, entre otros muchos. En 2003 fue nombrada Comandante de las Artes y las Letras por el gobierno francés y, entre sus galardones honoríficos, figuran asímismo el César francés (2003), el Life Achievement Award del AFI (2004), el Premio Donostia del Festival de San Sebastián (2008), la Medalla Nacional de las Artes (2010), el Kennedy Center Honors (2011), el Oso de Oro del Festival de Berlín (2012) y la Medalla Presidencial de la Libertad (2014).

Mary Louise Streep es la mayor de los tres hijos de un ejecutivo farmacéutico y una editora de arte. Desde niña Meryl se sintió atraída por el mundo de la actuación, apareciendo en producciones teatrales organizadas en el instituto. Se instruyó en interpretación en el Vassar College y posteriormente amplió estudios en el Darmouth College y en la Yale School of Drama, donde se graduó con un master en Bellas Artes. En 1975 se trasladó a Nueva York, donde trabajó en varias obras de teatro y ganó un Tony. Después de algunas incursiones televisivas logró debutar en el cine con la película Julia (1977), un drama de Fred Zinnemann protagonizado por Jane Fonda y Vanessa Redgrave. El éxito como actriz de Meryl avanzó con paso firme durante la parte final de los años 70, al intervenir en títulos como El cazador (1978), drama épico sobre la guerra de Vietnam con Robert De Niro como protagonista por el que fue nominada como mejor actriz secundaria, Manhattan (1979), comedia romántica de Woody Allen en la que interpretó a su resentida ex-mujer, o Escalada al poder (1979) de Jerry Schatzberg, drama político con Alan Alda y Barbara Harris.

En 1978 la actriz de New Jersey contrajo matrimonio con el escultor Donald Gummer, con quien tendría cuatro hijos y todavía permanece casada. Con anterioridad mantuvo una relación de tres años con el actor John Cazale, fallecido seis meses antes de la boda de Meryl con Gummer. Ese mismo año alcanzó la popularidad internacional al protagonizar la famosa serie televisiva sobre el horror nazi Holocausto. Streep consiguió el premio Emmy por su trabajo en ella. Su primer gran triunfo cinematográfico se produjo con Kramer contra Kramer (1979), drama matrimonial de Robert Benton que coprotagonizó Dustin Hoffman por el que Meryl ganó el Globo de Oro y el Oscar a la mejor actriz secundaria.

Los años 80 constituyeron la época más significativa como actriz de Meryl Streep con memorables interpretaciones en bastantes de sus películas: La mujer del teniente francés (1981) de Karel Reisz, drama romántico de época con Jeremy Irons que adapta una novela de John Fowles, que le supuso un BAFTA, un segundo Globo de Oro y una tercera candidatura al Oscar (primera como actriz protagonista), Bajo sospecha (1982) de Robert Benton, thriller con Roy Scheider, La decisión de Sophie (1982) de Alan J. Pakula, desgarrador drama con Kevin Kline y Peter MacNicol que, adaptando una novela de William Styron, brindó a Streep el papel probablemente más intenso de su carrera: una prisionera judía en Auschwitz forzada a escoger la muerte de uno de sus dos hijos para salvar al otro, actuación premiada con un Globo de Oro y un Oscar, Silkwood (1983) de Mike Nichols, alegato antinuclear basado en hechos reales, con Kurt Russell y Cher, por el que fue nuevamente nominada al Oscar, Enamorarse (1984) de Ulu Grosbard, drama romántico con Robert De Niro por el que Meryl ganó un David di Donatello, Plenty (1985) de Fred Schepisi, drama según una obra de David Hare, con Sam Neill, Memorias de África (1985) de Sydney Pollack, drama romántico con Robert Redford y Klaus Maria Brandauer basado en textos de Isak Dinesen (seudónimo de la escritora danesa Karen Blixen) ganador de siete Oscars, con nominación para Streep, que fue premiada con un segundo David di Donatello, Se acabó el pastel (1986) de Mike Nichols, comedia dramática que adaptaba una novela de Nora Ephron, con Jack Nicholson como coprotagonista, Tallo de hierro (1987) de Héctor Babenco, drama basado en una novela de William Kennedy describiendo las relaciones entre indigentes durante la Gran Depresión americana, por el que, de nuevo emparejada a Jack Nicholson, obtuvo otra candidatura al Oscar, Un grito en la oscuridad (1989) de Fred Schepisi, drama de intriga basado en hechos reales, con Sam Neill, premio a la mejor interpretación femenina en Cannes y nueva nominación al Oscar para ella, y Vida y amores de una diablesa (1989) de Susan Seidelman, comedia con Roseanne Barr.

Los años 90 también le depararon éxitos (y algunos fracasos) con títulos como Postales desde el filo (1990) de Mike Nichols (el director con el que más ha trabajado), comedia dramática donde era la hija de Shirley MacLaine y su novena candidatura al Oscar, El cielo próximamente (1991), comedia romántica de y con Albert Brooks, La muerte os sienta tan bien (1992) de Robert Zemeckis, comedia sobrenatural con Bruce Willis y Goldie Hawn, La casa de los espíritus (1993) de Bille August, fallida adaptación de la novela de Isabel Allende, pese a contar en su reparto con Glenn Close, Jeremy Irons Winona Ryder, Antonio Banderas y Vanessa Redgrave, Río salvaje (1994) de Curtis Hanson, thriller de supervivencia con Kevin Bacon y David Strathairn, Los puentes de Madison (1995), drama romántico dirigido y coprotagonizado por Clint Eastwood con raíz en una novela de Robert James Waller, que supuso a Streep su décima candidatura al Oscar, Antes y después (1996) de Barbet Schroeder, drama de intriga con Liam Neeson, La habitación de Marvin (1996) de Jerry Zaks, drama con Leonardo DiCaprio, Diane Keaton y Robert De Niro, El baile de agosto (1998) de Pat O'Connor, drama rural irlandés ambientado en los años 30, Cosas que importan (1998) de Carl Franklin, drama con Renée Zellweger y William Hurt, su undécima nominación al Oscar, y Música del corazón (1999) de Wes Craven, drama con Aidan Quinn, Gloria Estefan y Angela Bassett, por el que fue candidata al Oscar por duodécima vez.

En el nuevo siglo prosigue su imparable y prolífica carrera con cada vez más películas, entre las que figuran Adaptation (El ladrón de orquídeas) (2002) de Spike Jonze, interesante metaficción satírica con Nicolas Cage y Chris Cooper, que suma una más a su lista de nominaciones al Oscar (en este caso como secundaria), Las horas (2002) de Stephen Daldry, adaptación de una novela de Michael Cunningham, con Julianne Moore, Nicole Kidman y Ed Harris, El mensajero del miedo (2004) de Jonathan Demme, thriller psicológico con Denzel Washington y Liev Schreiber, El último show (2006) de Robert Altman, film coral sobre el cierre de una emisora de radio en Minnesota, El diablo viste de Prada (2006) de David Frankel, comedia sobre el mundo de la moda, con Anne Hathaway, por la que obtiene un Globo de Oro y una nominación al Oscar, Expediente Anwar (2007) de Gavin Hood, thriller con Jake Gyllenhaal, Reese Witherspoon y Peter Sarsgaard, Leones por corderos (2007) de Robert Redford, drama político sobre la guerra de Afghanistan, con Redford y Tom Cruise, Mamma mia! (2008) de Phyllida Lloyd, desmañado musical con canciones de Abba y Pierce Brosnan y Colin Firth como compañeros de reparto, La duda (2008) de John Patrick Shanley, drama religioso con Philip Seymour Hoffman y Amy Adams, donde interpretaba a la estricta superiora de un colegio, trabajo nuevamente nominado al Oscar, Julie y Julia (2009) de Nora Ephron, comedia culinaria con Amy Adams por la que obtiene otro Globo de Oro y otra nominación al Oscar, No es tan fácil (2009) de Nancy Meyers, taquillera comedia romántica con Steve Martin y Alec Baldwin, La dama de hierro (2011) de Phyllida Lloyd, relato biográfico sobre la Primera Ministra británica Margaret Thatcher por el que ganó su segundo BAFTA, su tercer Oscar y su octavo Globo de Oro, Si de verdad quieres... (2012) de David Frankel, comedia dramática con Tommy Lee Jones y Steve Carell, Agosto (2013) de John Wells, drama familiar con Julia Roberts, Ewan McGregor y Chris Cooper, su última mnominación al Oscar como actriz principal, o Into the woods (2014) de Rob Marshall, exitosa adaptación a la pantalla del musical de Stephen Sondheim y James Lapine, su última nominación al Oscar como actriz secundaria.

Streep ganó un Globo de Oro y un segundo Emmy por la miniserie televisiva Angels in America (2003) y volvió al teatro con "La gaviota" de Chejov en 2001 y "Madre Coraje y sus hijos" de Brecht en 2006.