Placido Domingo & Anna Netrebko - Lippen schweigen ("Die lustige witwe", Franz Lehár)

DUETO FINAL DE "LA VIUDA ALEGRE"

Acordes del famoso Vals de la viuda alegre se repiten en Lippen schweigen (Labios callados), dueto al final del III acto de la operereta "La viuda alegre" de Franz Lehár.

El tenor abaritonado español Plácido Domingo y la soprano rusa Anna Netrebko interpretaron brillantemente el mencionado dueto de Danilo y Anna en un recital al aire libre en Viena en 2008.

Johann Strauss Orchester - Ballsirenen walzer ("Die lustige witwe", Franz Lehár)

FRANZ LEHÁR (Komárom. Imperio Austrohúngaro, 30-4-1870 / Bad Ischl, Oberösterreich, Austria, 24-11-1948)

Hoy es aniversario natal del compositor austrohúngaro Franz Lehár. Cultivador a comienzos del siglo XX del género ligero de la opereta, otorgó al mismo una calidad dramática y expresiva desconocida hasta entonces. Entre sus obras es mundialmente famosa La viuda alegre (1905), llevada al cine en cinco ocasiones: dos en películas silentes dirigidas respectivamente en 1918 por Michael Curtiz y en 1925 por Erich von Stroheim, dos sonoras dirigidas en Hollywood por Ernst Lubitsch en 1934 y Curtis Bernhardt en 1952 y una última austriaca dirigida por Werner Jacobs en 1962.

Hijo del director de una banda militar, Franz Lehár estudió violín desde los doce años en el conservatorio de Praga. Allí tuvo la ocasión de conocer a Antonín Dvorak, quien le aconsejó que abandonara el violín en favor de la composición. Sin embargo, tanto su padre como su profesor insistieron en que se graduase en violín, lo que resultaría más práctico, aunque Franz recibió algunas lecciones clandestinas de composición. Tras finalizar sus estudios musicales en 1888, se alistó en el ejército e ingresó como violinista en la banda de su padre. Dos años después llegó a ser director (el más joven del imperio) en una banda militar.  

En 1896 dejó el ejército y estrenó en Leipzig su primera ópera, Kukuschka, pero al no obtener el éxito deseado se vio obligado a volver a dirigir una banda militar, primero en Budapest y luego en Viena. Su popularidad comenzó cuando en 1902 compuso el vals Gold und silber (Oro y plata) para la princesa Metternich. Este éxito le dio la posibilidad de abandonar el ejército y obtener un puesto de director en el histórico Teatro de Viena, donde ese mismo año se puso en escena su opereta Mujeres vienesas (Wiener frauen). A finales de 1905 estrenó La viuda alegre (Die lustige witwe), la opereta que le consagraría como uno de los grandes del género. El libreto de Victor Léon y Leo Stein se basó en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en su principado balcánico encontrándole un buen marido. Entre sus pasajes más conocidos figuran la Canción de Vilja, Me encontraréis en el Maxim's y el Vals de las sirenas, también llamado Vals de la viuda alegre. El extraordinario éxito en Viena de esta opereta propició su posterior estreno en ciudades como Hamburgo, Budapest, Londres, París y Berlín. A día de hoy es no sólo su obra más famosa sino la más representada del género. Entre sus operetas siguientes figuran El conde de Luxemburgo (1909), Amor gitano (1910) y Eva (1911). 

La obra de Lehár puede dividirse en dos etapas separadas por la Primera Guerra Mundial. La primera contiene melodías ligeras y de gran fluidez, apareciendo en sus obras el vals como compás dominante. Los valses de Lehár son más vaporosos y sutiles que los de compositores de la anterior generación y su orquestación es de gran calidad, ya que recibió influencias de grandes maestros como Puccini o Dvorak. Asimismo, y debido a sus conocimientos de violín, dedicó a ese instrumento numerosos solos que aparecen a lo largo de sus obras escénicas. Finalizada la contienda se centró en argumentos de mayor profundidad y se asoció con el famoso tenor de ópera Richard Tauber, quien estrenó la mayoría de su producción posterior: Frasquita (1922), de ambiente español, Paganini (1925), sobre el célebre violinista, El zarévich (1926), nombre dado al primogénito del zar, Friederike (1928), que aborda la vida de Goethe, El país de las sonrisas (1929), alusiva a la costumbre china de sonreír y en la que sobresale su muy versionada canción Mi corazón es tuyo (Dein ist mein ganzes herz), y Giuditta (1934), su obra más ambiciosa, más próxima a la ópera que a la opereta por estar escrita para voces más poderosas y de tesitura más amplia, que fue retransmitida en vivo por más de 120 emisoras de radio europeas.

Sus relaciones con el régimen nazi fueron complicadas. Aunque Lehár era católico, siempre había usado libretistas judíos. Su esposa, Sophie Paschkis, era de origen judío (aunque se convirtió al catolicismo al contraer matrimonio), lo que fue suficiente para generar aversión contra ellos y el trabajo del compositor. Sin embargo, a Hitler le encantaba su música y en 1938 Joseph Goebbels intervino para dar a la señora Lehár el status de "aria honorífica" por matrimonio, lo que hizo que la hostilidad disminuyese en Alemania, aunque hubo algún intento de deportarla. En todo caso Lehár recibió en 1939 y 1940 recompensas de Hitler y su música fue usada por el régimen con fines propagandísticos, así en 1941 en el París ocupado. Por otra parte, libretistas y cantantes judíos colaboradores del compositor perecieron en campos de concentración. Durante la Segunda Guerra Mundial, Lehár residió en Viena y en la localidad termal austriaca de Bad Ischl y no quiso pronunciarse sobre el nazismo, por lo que fue objeto de críticas fuera de Alemania. 

Tres años después del fin de la guerra, Franz Lehár falleció a la edad de 78 años.

El Vals de las sirenas, también conocido como Vals de la viuda alegre, correspondiente al final del primero de los tres actos de La viuda alegre, es la pieza más popular de la célebre opereta de Lehár. En el video se puede apreciar su ejecución a cargo de la Orquesta Johann Strauss de Wiesbaden (Alemania),  dirigida por Herbert Siebert.

Tommy James & The Shondells - Mony mony

OOH, I LOVE YOU MONY, MO, MO, MONY

El cantante y compositor estadounidense de rock Tommy James (Dayton, Ohio, US, 29-4-1947) cumple hoy 72 años. Entre 1966 y 1970 lideró el grupo Tommy James & The Shondells, del que fue voz solista, con hits como Hanky panky (1966), nº 1 en USA, I think we're alone now (1967), Mirage (1967), Mony mony (1968), Crimon and clover (1968), nº 1 en USA, Sweet cherry wine (1969) o Crystal blue persuasion (1969). Tras la disolución de la banda continuó su carrera en solitario.

Tommy James

Tommy James & The Shondells

Entre la música de garaje y el sonido chicle de moda a finales de los años 60, Mony mony de Tommy James & The Shondells fue nº 1 en las listas británicas, nº 3 en USA y Canadá y un hit internacional en varios continentes.

Zizi Jeanmaire - Ah! dis donc dis donc

TRIBUTE TO ZIZI JEANMAIRE (Paris, France, 29-4-1924)

La bailarina, vedette de revista, actriz y cantante francesa Zizi Jeanmaire cumple hoy 95 años. Figura emblemática del music-hall parisino con carrera internacional, ha encabezado númerosos ballets dirigidos y coreografiados por Roland Petit, su marido durante 57 años, además de protagonizar películas, espectáculos musicales teatrales y grabar discos. Símbolo viviente de l'esprit de París, entre las distinciones recibidas figuran los títulos de Caballero de las Artes y las Letras (1962), Caballero de la Legión de Honor (1974), Oficial de la Orden Nacional del Mérito (1983), Oficial de la Legión de Honor (1993) y Comandante de la Orden Nacional del Mérito (1997).

Nacida Renée Marcelle Jeanmaire, a los nueve años entró en la escuela del Ballet de la Opera de París, donde tuvo por condiscípulo a Roland Petit, su futuro marido. Ambos se integraron en el cuerpo de baile en 1940, aunque él se decantaría por la coreografía. En 1944 Jeanmaire dejó la Opera y estrenó Aubade con los Ballets de Monte Carlo, con coreografía de Serge Lifar. Al año siguiente se unió a los Ballets des Champs Élysées, recién creados por Roland Petit, estrenando allí Le poète (1945). Poco después volvió a la compañía anterior hasta que en 1948 Jeanmaire y Petit se reencontraron en los Ballets de París, en los cuales Zizi se convirtió en estrella de la danza con representaciones como Que le diable l'empòrte (1948), L'oeuf à la coque (1949) y, sobre todo, Carmen (1949), basada en la ópera de Bizet.

El gran éxito de la última propició a la compañía un contrato en Broadway, que se prolongó con una gira por ciudades estadounidenses y otros países. En 1950 Petit creó para ella La croqueuse de diamants, musical con canciones de Raymond Queneau donde Jeanmaire cantó por primera vez en un escenario. Su fama creciente la llevó a ser reclamada por Hollywood, donde protagonizó las películas El fabuloso Andersen (1952) de Charles Vidor, musical con Danny Kaye y Farley Granger sobre el escritor de cuentos danés Hans Christian Andersen que contó con coreografías de Roland Petit y obtuvo seis nominaciones al Oscar, y Anything goes (1956) de Robert Lewis, musical con canciones de Cole Porter donde compartió créditos con Bing Crosby y Donald O'Connor y en el que Jeanmaire cantó y bailó "I get a kick out of you" coreografiada por Petit. Este, a la sazón, ya era su esposo, pues ambos habían contraído matrimonio en 1954, siendo padres de una niña, Valentine, en 1955. Entre ambas películas Jeamaire representó en Broadway la comedia musical The girl in pink tights (1954).

En Francia actuó en las películas Folies-Bergère (1957) de Henri Decoin, musical con Eddie Constantine, ¡Oh, los hombres! (1957), de Henri Decoin, comedia con Daniel Gélin, Henri Vidal, François Périer y Gert Fröbe, Guinguette (1959) de Jean Delannoy, comedia con Jean-Claude Pascal y Paul Meurisse, y Los ballets de París (1961) de Terence Young, musical con Cyd Charisse, Moira Shearer, Roland Petit y Maurice Chevalier.

A lo largo de décadas Jeanmaire y Petit colaboraron juntos en más de sesenta espectáculos, ente ellos La Revue des Ballets de Paris (1956), Patron (1959), La Revue de Roland Petit (1961), donde ella estrenó el celebérrimo número "Mon truc en plumes" (con vestuario de Yves Saint Laurent), o La dame de chez Maxim (1965). En 1970 el matrimonio compró el Casino de París, donde Zizi estrenó los ballets Revue de Roland Petit (1970) y Zizi, je t'aime (1972). Regresó a la Opera de París para el estreno de Parfume suite (1977) y posteriormente pasó a bailar con el Ballet de Marseille, donde Petit creó para ella La chauve souris (1979), Parisiana (1979), Hollywood Paradise (1984), Java for ever (1988) y el papel de Carabosse en La bella durmiente (1990). En Broadway llevaron a efecto un revival de Can-can (1981), musical con canciones de Cole Porter, y en París estrenaron Marcel et la belle excentrique (1992). Zizi ha publicado más de una quincena de álbumes discográficos, algunos de ellos grabaciones de sus shows en directo en el Olympia (1968), el Casino de París (1970), el teatro Bobino (1977) o la sala Zenith (1995). 

Zizi Jeanmaire enviudó de Roland Petit en 2011.

Entre las canciones más exitosas de Zizi Jeanmaire figura Ah! dis donc dis donc, con aire de charleston y procedente del musical "Irma la douce" (letra de Alexandre Breffort y música de Marguerite Monnot) que la artista parisina grabó por primera vez en 1956.

Tribute to Mary McDonnell (Wilkes-Barre, Pennsylvania, US, 28-4-1952)

SUAVE DETERMINACIÓN

La actriz estadounidense Mary McDonnell cumple hoy 67 años. Procedente del teatro, estaba ya próxima a la cuarentena cuando destacó en Bailando con lobos, film por el que fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto. Dos años después fue nominada como mejor actriz principal, pero no han sido demasiados sus trabajos para la gran pantalla, al contrario que en la televisión, donde se ha prodigado bastante más. 

Una de los seis hijos de un asesor informático, Mary Eileen McDonnell se crió en la población de Ithaca, Nueva York. Después de graduarse en la universidad estatal de Fredonia, recibió lecciones de arte dramático y se unió a una compañía teatral de la Costa Este en New Haven, Connecticut. Allí permaneció durante más de veinte años. En los años 80 actuó en varias obras en Broadway y en series de televisión, medio en el que ha desarrollado buena parte de su carrera hasta hoy.

En el cine debutó con un pequeño papel en Buscando a Greta (1984) de Sidney Lumet, comedia dramática con Anne Bancroft, Ron Silver, Carrie Fisher y Catherine Hicks. Mas extensos fueron sus roles en Matewan (1987) de John Sayles, drama social ambientado en los años 20, con Chris Cooper y James Earl Jones, Tiger, la última oportunidad (1988) de Amin Q. Chaudhri, drama protagonizado por Patrick Swayze, y, sobre todo, en Bailando con lobos (1990) de Kevin Costner, western épico con Costner, Graham Greene y Rodney A. Grant donde interpretó a una mujer blanca adoptada por indios sioux. El film obtuvo un gran éxito y acaparó trece nominaciones al Oscar, incluyendo la de mejor actriz de reparto para McDonnell, ganando en siete apartados, ninguno para sus actores. 

Ya convertida en estrella emergente y más adelante en actriz de carácter, apareció en Grand Canyon (1991) de Lawrence Kasdan, drama de historias cruzadas en Los Angeles, con  Danny Glover, Kevin Kline, Steve Martin, Mary-Louise Parker y Alfre Woodard, Los fisgones (1992) de Phil Alden Robinson, thriller con Robert Redford, Dan Aykroyd, Ben Kingsley, River Phoenix, Sidney Poitier y David Strathairn, Passion fish (1992) de John Sayles, drama sureño con Alfre Woodard por el que volvió a ser candidata al Oscar, en este caso en la categoría de mejor actriz principal, Ganar de cualquier manera (1994) de William Friedkin, drama deportivo con Nick Nolte, Independence Day (1996) de Roland Emmerich, enormemente taquillero film de ciencia-ficción con reparto encabezado por Jeff Goldblum, Trapos sucios (1998) de Shimon Dotan, comedia dramática con Ellen Burstyn, Amanda Plummer y Ted Levine, Mumford (1999) de Lawrence Kasdan, comedia dramática rural con Hope Davis, Loren Dean, Jason Lee, David Paymer, Martin Short, Pruitt Taylor Vince y Alfre Woodard, Donnie Darko (2001) de Richard Kelly, thriller de ciencia-ficción con Jake Gyllenhaal, Jena Malone, Drew Barrymore, Katharine Ross, Patrick Swayze y Noah Wyle, o Nola (2003) de Alan Hruska, comedia romántica con Emmy Rossum. En los últimos lustros su actividad se ha concentrado mucho más en la televisión, medio en el que ha triunfado con series como "Battlestar Galactica" (2004-2009). Sus últimas dos intervenciones en la gran pantalla se produjeron con Scream 4 (2011) de Wes Craven, film de terror con David Arquette y Neve Campbell, y Margin call (2011) de J.C. Chandor, drama con Kevin Spacey, Paul Bettany y Jeremy Irons.

En 1984 se casó con el actor Randle Mell, con quien ha tenido dos hijos, Olivia y Michael.

 

Sandy Dennis (Hastings, Nebraska, US, 27-4-1937 / Westport, Connecticut, US, 2-3-1992): In memoriam

MOLDEAR LA NEUROSIS

Hoy es aniversario natal de la actriz estadounidense de teatro, cine y televisión Sandy Dennis. De aspecto frágil, fue una notable intérprete -más apreciada por la crítica que por el público- que se especializó en personajes excéntricos o neuróticos afectados por tics nerviosos y manierismos muy en la línea del 'Método' stanislavskiano. Fueron rasgos distintivos de sus interpretaciones balbucear, tartamudear, tragar saliva, parpadear, la risa nerviosa o la agitación histérica. Después de ganar dos premios Tony consecutivos en Broadway consiguió el Oscar a la mejor actriz de reparto por ¿Quién teme a Virginia Woolf?, accediendo después a un pasajero estrellato con una filmografía reducida.

Hija de un empleado de correos y una secretaria, Sandra Dale Dennis y su hermano Frank crecieron en las localidades de Kenesaw y Lincoln, en el estado de Nebraska. En la última se graduó Sandy para después estudiar en dos universidades, una privada y otra pública del estado. En ellas desarrolló su pasión por la actuación mientras se unió al Lincoln Community Theater Group. A los diecinueve años se trasladó a Nueva York firmemente decidida a ser actriz. En el HB Studio tuvo como profesora a Uta Hagen y simultáneamente debutó en la televisión. 

Pronto tuvo su primera oportunidad en Broadway en 1957 cuando el director Elia Kazan le ofreció sustituir a otra actriz en el drama "La oscuridad en lo alto de la escalera" de William Inge. Más adelante trabajó en otras obras con actores como Jack Lemmon o Michael Redgrave. Su consagración en el teatro se produjo con las comedias "Miles de payasos" (1962-1963), con Jason Robards y "Cualquier miércoles" (1964-1966), con Gene Hackman. Por ambas Dennis alcanzó notoriedad y ganó dos premios Tony consecutivos. Antes había hecho una pequeña aparición como amiga de la protagonista en la película Esplendor en la hierba (1961) de Elia Kazan, drama con guión de William Inge protagonizado por Natalie Wood y Warren Beatty, y se había fogueado participando en varias series televisivas.

Su segunda película fue ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) de Mike Nichols, adaptación de la cruda obra de Edward Albee con un lenguaje no escuchado antes en el cine y con Elizabeth Taylor, Richard Burton y George Segal como compañeros de reparto. En ella interpretó de forma conmovedora a Honey, una tímida y apocada joven, invitada junto a su marido por un maduro matrimonio en crisis a lo largo de una tensa y alcohólica velada. El film obtuvo un éxito resonante y fue candidato al Oscar en todas las categorías existentes entonces (trece), logrando cinco premios de la Academia, entre ellos el de mejor actriz de reparto para Sandy Dennis. El mismo año se estrenó Las tres hermanas (1966), adaptación de la obra de Chéjov filmada por Paul Bogart que en 1965 había interpretado en Londres junto a Geraldine Page, Kim Stanley, Shelley Winters y Kevin McCarthy.
Ya convertida en estrella protagonizó Contra corriente (1967) de Robert Mulligan, drama donde interpretó a una solitaria maestra en una conflictiva escuela, La zorra (1967) de Mark Rydell, drama de producción canadiense basado en una novela de D. H. Lawrence sobre una pareja de lesbianas que ve truncada su relación cuando aparece un apuesto extraño, con Anne Heywood y Keir Dullea, Dulce noviembre (1968) de Robert Ellis Miller, drama romántico con Anthony Newley y Theodore Bikel, Aquel día frío en el parque (1969) de Robert Altman, drama de intriga con Michael Burns, Su vida íntima (1969) de Waris Hussein, drama británico sobre una joven embarazada en su primer encuentro sexual, con Ian McKellen, John Standing, Michael Coles y Eleanor Bron, y Los encantos de la gran ciudad (1970) de Arthur Hiller, comedia escrita por Neil Simon donde encarnó a la esposa de Jack Lemmon, formando ambos una provinciana pareja que sufren tremendas peripecias en Nueva York.
Después volvió a la televisión y el teatro, reapareciendo más tarde en la gran pantalla en roles de carácter. Así pudo ser vista en Mr. Sycamore (1975) de Pancho Kohner, comedia dramática con Jason Robards y Jean Simmons, Demon (1976), mezcla entre ciencia ficción, fantasía pseudo-religiosa y thriller de terror, con Tony Lo Bianco, Sylvia Sidney, Sam Levene y Deborah Raffin, y Malas costumbres (1977) de Michael Lindsay-Hogg, comedia británica con Glenda Jackson, Melina Mercouri y Geraldine Page sobre la lucha por el poder en un convento de monjas, que reproducen el célebre caso Watergate.
El último tramo de su filmografía incluye películas como Las cuatro estaciones (1981) de Alan Alda, comedia con Alan Alda y Carol Burnett, Vuelve a la tienda de baratijas, Jimmy Dean (1982) de Robert Altman, comedia dramática que llevaba a la pantalla una obra donde ella misma había actuado en Broadway, con Cher, Karen Black y Mark Patton, Otra mujer (1988) de Woody Allen, drama psicoanalítico con Mia Farrow, Gena Rowlands y Gene Hackman, 976 - El teléfono del infierno (1988) de Robert Englund, film de terror con Stephen Geoffreys y Jim Metzler, Padres (1989) de Bob Balaban, comedia negra de terror con Randy Quaid y Mary Beth Hurt, o Extraño vínculo de sangre (1991) de Sean Penn, drama con David Morse, Viggo Mortensen, Valeria Golino, Patricia Arquette, Jordan Rhodes y Dennis Hopper.
Sandy Dennis mantuvo sendas relaciones sentimentales con el músico de jazz Gerry Mulligan (entre 1965 y 1974) y el actor Eric Roberts (de 1980 a 1985), diecinueve años más joven que ella. No se casó con ninguno de los dos. En 1965 sufrió un aborto y después no tuvo hijos, aunque llegó a tener 33 gatos. Tras su muerte, Roberts declaró que Dennis le había confesado ser bisexual y haber vivido muchos contactos lésbicos. La salud declinante de la actriz desde la segunda mitad de los años 80 la fue apartando de su actividad profesional. Un cáncer ovárico acabó con su vida a los 54 años de edad.

Lole y Manuel - Tu mirá

DE AMORES LLORA UNA ROSA

La cantaora flamenca Dolores Montoya Rodríguez (Sevilla, España, 26-4-1954), conocida como Lole, cumple hoy 65 años. De 1974 a 1995 (con intermitencias) formó con Manuel Molina Jiménez el dúo Lole y Manuel, que fueron pareja sentimental y artística representativa del llamado nuevo flamenco. Tras su separación, Lole continuó su carrera en solitario.

Nacida en el seno de una familia de etnia gitana, su padre fue el bailaor Juan Montoya y su madre la cantaora y bailaora Antonia Rodríguez.  En 1974 se unió sentimental y profesionalmente al guitarrista Manuel Molina, que había formado parte del grupo Smash. Con Lole y Manuel el hippismo llegó al flamenco y el dúo logró notoriedad desde su primer álbum, Nuevo día (1975), editado por Movieplay, que además de la canción que le daba título contenía las asímismo populares Todo es de color o Un cuento para mi niño. La espectacular voz de Lole compañada a la guitarra por Manuel causó sensación entre la crítica y un público joven no acostumbrado al flamenco, lo que valió a la pareja un contrato con la discográfica CBS. En ella grabaron su álbum más exitoso, Pasaje del agua (1976), que incluía temas como Tu mirá, Alquivira o Taranto del hombre y los siguientes: Lole y Manuel (1977), del que se extrajeron los singles Romero verde y Bulería de la pena; Al alba con alegría (1980), que contenía Cabalgando y Tierra que canta y Casta (1984), del que salió Aljarafe. En 1978 Lole y Manuel fueron padres de Alba Molina, que ha continuado la tradición artística familiar.

A finales de los 80 se separaron, aunque después hubo reencuentros en los que grabaron los álbumes Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla (1992), acompañados por la Orquesta Sinfónica de Londres, Alba Molina (1994), dedicado a su hija, y Una voz y una guitarra (1995), grabado en directo desde el Teatro Monumental de Madrid. Estos dos últimos fueron publicados por Virgin Records.

Lole ha grabado después en solitario los álbumes Liberado (1996), Ni el oro ni la plata (2003) y Metáfora (2008). Su ex pareja, Manuel Molina, murió de cáncer en 2015 a los 66 años.

Tu mirá, composición de Juan Manuel Flores (letra) y Manuel Molina (música) encabezó Pasaje del agua (1976), el segundo álbum de Lole y Manuel.

Ella Fitzgerald - Ev'ry time we say goodbye

THERE'S NO LOVE SONG FINER

En su aniversario natal recordamos a la extraordinaria Ella Fitzgerald con Ev'ry time we say goodbye, composición de Cole Porter incluida en el álbum Ella Fitzgerald sings the Cole Porter Song Book (1956).

Ev'ry time we say goodbye  (lyrics)

Every time we say goodbye
I die a little
Every time we say goodbye
I wonder why a little

Why the Gods above me
Who must be in the know
Think so little of me
They allow you to go

When you're near
There's such an air of spring about it
I can hear a lark somewhere
Begin to sing about it

There's no love song finer
But how strange the change from major to minor
Every time we say goodbye

 

When you're near
There's such an air of spring about it
I can hear a lark somewhere
Begin to sing about it

There's no love song finer
But how strange the change from major to minor
Every time we say goodbye

Shirley MacLaine - Irma la Douce (Live at the Palace)

A LOVE I LONG TO SHARE

La actriz Shirley MacLaine cumple hoy 85 años. Uno de los personajes que mayor celebridad dieron a su carrera fue el de Irma la douce, que dio título a la película que en 1963 dirigió Billy Wilder con ella y Jack Lemmon como protagonistas. El origen de la misma fue la muy exitosa comedia musical francesa del mismo título estrenada en París en 1956 con libreto y canciones de Alexandre Breffort y música de Marguerite Monnot, que tuvo después su versión inglesa (con libreto y canciones de Julian More, David Heneker y Monty Norman) en Londres (1958) y Nueva York (1960). En su adaptación a la pantalla, Wilder prescindió de las canciones y, no obstante, el film resultó muy taquillero.

En 1976 la estrella de Virginia se presentó en Nueva York con el espectáculo Shirley MacLaine live at the Palace. En él cantó, bailó y conquistó a público y crítica con su profesionalidad, simpatía y dominio de la escena. Una de las canciones que interpretó fue Irma la douce, en una personal y vibrante versión de la melodía procedente del músical antes mencionado. El álbum con todo el concierto fue luego distribuido por Columbia.

Barbra Streisand - People

ONE VERY SPECIAL PERSON

Barbra Streisand, que hoy cumple 77 años, emergió como estrella escénica en 1964 protagonizando en Broadway el musical "Funny girl" con libreto de Isobel Lennart y canciones de Jule Styne (música) y Bob Merrill (letra), basado en la vida de Fanny Brice, antigua luminaria de las Ziegfeld Follies a comienzos el siglo XX. People, su canción más conocida, fue nº 5 en las listas de Billboard y se convirtió en emblemática del repertorio de la artista neoyorquina. El musical fue llevado al cine cuatro años después por William Wyler y Streisand consiguió un Oscar a la mejor actriz por él.

En 1965 CBS emitió el aclamado especial televisivo "My name is Barbra" que ganó muchos premios, entre ellos cinco Emmys, uno de ellos para Barbra Streisand. Obviamente el programa incluyó la interpretación de People, su éxito del momento.

 People  (lyrics)

People,
People who need people,
Are the luckiest people in the world
We're children, needing other children
And yet letting a grown-up pride
Hide all the need inside
Acting more like children than children

Lovers, a very special people
They're the luckiest people in the world
With one person
One very special person

A feeling deep in your soul
Says you were half now you're whole
No more hunger and thirst
First be a person who needs people
People who need people
Are the luckiest people in the world.

Harold Arlen (Buffalo, New York, US, 15-2-1905 / New York City, US, 23-4-1986): In memoriam

AUTOR DE "OVER THE RAINBOW"

Tal día como hoy hace treinta y tres años falleció el compositor estadounidense Harold Arlen, uno de los más grandes de la música popular norteamericana. Fue autor de más de quinientas canciones para el teatro musical o el cine, en las que contó con diversos letristas. Así, por ejemplo, con Ted Koehler firmó Get happy y Stormy weather; con Yip Harburg, la más célebre, Over the rainbow (ganadora del Oscar y considerada la mejor canción del siglo XX) y asímismo todas las de "El mago de Oz"; con Johnny Mercer, Blues in the night y That old black magic; y con Ira Gershwin, The man that got away y varias para la película "Ha nacido una estrella". Todas ellas fueron grabadas por Judy Garland, su más ferviente admiradora, además de por infinidad de artistas de primera magnitud. Aunque buen número de sus composiciones se popularizaron a escala internacional, Arlen siempre sintió que sus canciones eran más famosas que él mismo.

Nacido Hyman Arluck en el seno de una familia judía, su padre era cantor y su madre pianista. Desde su infancia mostró un talento excepcional para la música. Educado en la escuela pública, la abandonó a los quince años para convertirse en músico profesional, lo que disgustó pero no sorprendió a sus padres. A tal fin se integró en la banda the Buffalodians, como cantante y pianista de vaudeville, lo que más adelante le permitió dejar Buffalo y establecerse en la ciudad de Nueva York con el nombre de Harold Arlen. Allí comenzó como pianista en clubs nocturnos y hasta en buques de vapor y formó parte de diversas agrupaciones musicales y orquestas a las que empezó a aportar sus propias composiciones.

En 1929 compuso su primera canción famosa, Get happy, con el letrista Ted Koehler, que estrenó al año siguiente la cantante Ruth Etting. En adelante Arlen y Koehler escribieron canciones para musicales de Broadway y (entre 1930 y 1934) para el legendario Cotton Club de Harlem, entre ellas los standards Between the devil and the deep blue sea (1931), I gotta right to sing the blues y I've got the world on a string, ambos de 1932, Stormy weather y Let's fall in love, ambos de 1933 o As long as I live y I'll wind, ambos de 1934. En esos años también colaboró para diversos espectáculos de Broadway con otros letristas como Jack Yellen, Ira Gershwin, Leo Robin o Edgar Yipsel Harburg (conocido como Yip Harburg), siendo su asociación con éste último la que en principio resultaría más prolífica y exitosa. El primer encargo de Arlen para el cine fue cuando Samuel Goldwyn le encomendó escribir las canciones (junto al letrista Lew Brown) para la película "¿Hombre o ratón?" (1936), dirigida por Norman Taurog con Eddie Cantor como protagonista.

Dos años después Arlen y Harburg fueron contratados por Metro-Goldwyn-Mayer para componer las canciones de "El mago de Oz" (1939), musical fantástico firmado por Victor Fleming y protagonizado por Judy Garland. De entre ellas, Over the rainbow consiguió enorme fama internacional, ganó el Oscar a la mejor canción e hizo inmortales a sus autores. Además de convertirse en la canción más emblemática del repertorio de Garland, a finales del siglo XX varias importantes asociaciones de la industria discográfica y el entretenimiento la declararon mejor canción del siglo. El American Film Institute (AFI) también la situó en el primer lugar de entre todas las canciones procedentes de una película. Desde 2017 la grabación de ella a cargo de Judy Garland forma parte de la Biblioteca del Congreso estadounidense para su preservación. Las versiones posteriores son innumerables aunque ninguna supera la original.

Arlen y Harburg también fueron autores de It's only a paper moon (1932), en cuya letra participó Billy Rose, Let's take a walk around the block (1934), en la que también colaboró Ira Gershwin, Last night when we were young (1935), Hooray for what (1937), Buds won't bud (1937), Down with love (1937), Lydia the tattooed Lady, que Groucho Marx cantó en "Los hermanos Marx en el circo" (1939),  o Happiness is a thing called Joe, que Ethel Waters interpretó en la película "Cabin in the sky" (1943).

Arlen se reencontró con Ted Koehler para componer Sing my heart, estrenada por Irene Dunne en la película "Tu y yo" (1939) y When the sun comes out (1941). Luego formó equipo con el letrista Johnny Mercer, de cuya colaboración surgieron las canciones Blues in the night (1941), nominada al Oscar, That old black magic (1942), nominada al Oscar, My shining hour (1943), nominada al Oscar, One for my baby (and one more for the road (1943), Ac-cent-tchu-ate the positive (1944), nominada al Oscar, Out of this world (1945), Come rain or come shine (1946), Any place I hang my hat is home (1946) o Fancy free (1950).

Especial mención merece su colaboración con Ira Gershwin en varias de las canciones de la película "Ha nacido una estrella" (1954), dirigida por George Cukor y protagonizada por Judy Garland. La más conocida es la estremecedora The man that got away, candidata a un Oscar (que injustamente no logró, al igual que tampoco su intérprete) y considerada por el AFI la undécima mejor de la historia del cine. La película tambien incluye las magníficas Gotta have me go with you, Here's what I'm here for, It's a new world, Someone at last y Lose that long face. También en 1954 compuso varias canciones con Truman Capote como letrista, la más conocida A sleepin' bee.

Arlen y Harburg aportaron su última canción memorable, I could go on singing (1963), que dio título a la película homónima dirigida por Ronald Neame con la que Judy Garland se despidió de la gran pantalla.

Enfermedades y problemas familiares le fueron apartando de la música: Su padre murió en 1953, su madre en 1958 y su esposa Anya Taranda, con la que llevaba casado desde 1937, en 1970, a causa de un tumor cerebral. Cuando contaba 80 años, Arlen adoptó a Samuel, hijo de su hermano menor, y le nombró su heredero. Un año después falleció de cáncer en su apartamento de Manhattan.

Mina - Le mille bolle blu

SE TU CHIUDI GLI OCCHI E MI BACI

Muchas de las canciones del gran paroliere Vito Pallavicini fueron presentadas en el Festival de Sanremo. La primera de ellas en alcanzar el éxito fue la originalísima Le mille bolle blu (con música de Carlo Alberto Rossi), quinta en la final de 1961 en las voces de Mina y Jenny Luna. La tigresa de Cremona, participante por segundo año consecutivo en el certamen aspirando a una mejor clasificación, manifestó desilusionada que nunca más competiría en otro festival, cosa que cumplió.

Le mille bolle blu  (testo)

Se tu
chiudi gli occhi e mi baci,
tu non ci crederai
ma vedo
le mille bolle blu
E vanno leggere e vanno
si rincorrono,
salgono, scendono, per il ciel.
Blll… le mille bolle blu
Blll… le vedo intorno a me
Blll… le mille bolle blu
che volano
e volano
e volano
Blll… le mille bolle blu
Blll… mi sento dondolar
Blll… tra mille bolle blu
che danzano
su grappoli
di nuvole.
Dentro a me
le arpe suonano.
Bacio te
e folli immagini
giungono.
Blll… le mille bolle blu
Blll… le vedo intorno a me
Blll… le mille bolle blu
che volano
mi chiamano,
mi cercano.

Amor,
impazzisco di gioia
se vedo passeggiar
nel vento
le mille bolle blu.
Un bacio, ancora un bacio
S’avvicinano
eccole, eccole, sono qui
Blll… le mille bolle blu
Blll… le vedo intorno a me
Blll… le mille bolle blu
che volano
e volano
e volano.
Blll… le mille bolle blu
Blll… mi sento dondolar
Blll… tra mille bolle blu
che danzano
su grappoli
di nuvole.
Dentro a me
le arpe suonano.
Bacio te
e folli immagini
giungono.
Blll… le mille bolle blu
Blll… le vedo intorno a me
Blll… le mille bolle blu
che volano,
mi chiamano,
mi cercano
e volano e volano e volano
e volano e volano
Blllllllll… nel ciel.

Squadra Nazionale Italiana 2004 - Azzurro

VITO PALLAVICINI (Vigevano, Lombardia, Italia, 22-4-1924 / Ibid., 16-8-2007): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen noventa y cinco años del nacimiento del letrista Vito Pallavicini, uno de los más sobresalientes de la canción italiana en los años 60 y 70. Una inmensa mayoría de los grandes cantantes en Italia han interpretado canciones escritas por él y bastantes de ellas lograron resonantes éxitos internacionales. La más famosa es Azzurro (por Adriano Celentano), como también lo son Le mille bolle blu (por Mina), Io che non vivo senza te (por Pino Donaggio), Una casa in cima al mondo (por Pino Donaggio y Mina), Nel sole (por Al Bano), Insieme a te non ci sto più (por Caterina Caselli) o L'ultimo romantico (por Pino Donaggio).

Graduado en ingeniería química, Vito Pallavicini se dedicó a partir de 1946 a escribir en periódicos. En 1959, el día que celebraba su 35 cumpleaños, el músico y productor Pino Massara le dijo que una casa discográfica estaba buscando un letrista. Aunque Pallavicini nunca había escrito una canción, en aquel momento improvisó la letra de una, Amorevole, a la que Massara puso música y, grabada por  Nicola Arigliano, se convirtió en uno de los éxitos del año. Después escribió Ghiaccio bollente (1959), con música de Massara, un hit de Tony Dallara.

En los años siguientes fue un letrista (paroliere en italiano) muy habitual en el Festival de Sanremo, firmando entre otras: Le mille bolle blu (1961), con música de Carlo Alberto Rossi, Stanotte al Luna Park (1962), con música de Carlo Alberto Rossi, Come potrei dimenticarti (1964), con música de Ezio Leoni, La prima che incontro (1964), con música de Gorni Kramer, Stasera no no no (1964), con música de Roncarati, Io che non vivo senza te (1965), con música de Pino Donaggio, Amici miei (1965), con música de Giancarlo Colonnello, Invece no (1965), con música de Ezio Leoni, Aspetta domani (1965), con música de Fred Bongusto, Prima o poi (1965), firmada con Antonio Amurri, con música de Alfredo Ferrari, Una casa in cima al mondo (1966), con música de Pino Donaggio, Parlami di te (1966), con música de Edoardo Vianello, Nessuno di voi (1966), con música de Gorni Kramer, Dipendesse da me (1966), con música de Iller Pattacini, Lei mi aspetta (1966), con música de Dario Baldan Bembo, Io per amore (1967), con música de Pino Donaggio, Sopra i tetti azzurri del mio pazzo amore (1967), con música de Domenico Modugno, Deborah (1968), con música de Paolo Conte y Pino Massara, La siepe (1968), con música de Pino Massara, Le solite cose (1968), con música de Pino Donaggio, No amore (1968), con música de Enrico Intra, Il treno (1969), con música de Elio Isola, Occhi a mandorla (1970), con música de Piero Soffici, 13 storia d'oggi (1971), con música de Albano Carrisi, L'ultimo romantico (1971), con música de Pino Donaggio, Santo Antonio, Santo Francisco (1971), con música de Paolo Conte, Ci sono giorni (1972), con música de Pino Donaggio,  La bandiera di sole (1973), con música de Fausto Leali, Senza titolo (1974), con música de Gino Mescoli y Alfredo Ferrari, o Un telegramma (1975), con música de Pino Donaggio.

Fue asímismo letrista de otras canciones muy exitosas, entre ellas: Amore, scusami (1964), para John Foster (musica de Gino Mescoli), Nel sole (1967), para Al Bano (música de Albano Carrisi y Pino Massara), Insieme a te non ci sto più (1968), para Caterina Caselli (música de Paolo Conte y Michele Virano), Azzurro (1968), para Adriano Celentano (música de Paolo Conte y Michele Virano), Tripoli 1969 (1969), para Patty Pravo (en colaboración con Miki Del Prete; música de Paolo Conte y Michele Virano), Acqua di mare (1969), para Romina Power (música de Albano Carrisi), Non sono Maddalena (1969), para Rosanna Fratello (música de Paolo Conte y Michele Virano), Messico e nuvole (1970), para Enzo Jannacci (música de Paolo Conte y Michele Virano), Figlio dell'amore (1971), para Rosanna Fratello (música de Fausto Leali), o Non ti bastavo più (1971), para Patty Pravo (música de Shel Shapiro). También adaptó al italiano hits foráneos como Tous les garçons et les filles (Quelli della mia età), The house of the rising sun (La casa del sole), Downtown (Ciao ciao) o E' ou nãò é (La filanda).

Vito Pallavicini falleció de un enfermedad pulmonar a los 83 años. 

Sin duda, la canción más popular en Italia escrita por Vito Pallavicini es Azzurro, que en 1968, con música de Paolo Conte y Michele Virano (sin olvidar el sonoro y original arreglo orquestal de Nando de Luca), fue un enorme éxito de Adriano Celentano (ya objeto de una publicación anterior en este blog). El tiempo ha introducido con fuerza esta especie de marcha rítmica y pegadiza en el imaginario colectivo de los italianos, hasta el punto de constituir un segundo himno nacional y, a semejanza de O sole mio o Volare, convertirla en una de las canciones italianas más famosas en países extranjeros. 

El video corresponde a una grabación de la misma con fines benéficos a cargo de la Selección Italiana de Fútbol (acompañada y asesorada por Gianni Morandi) en 2004.

Azzurro  (testo)

Cerco l'estate tutto l’anno e all'improvviso eccola qua.
Lei è partita per le spiagge e sono solo quaggiù in città.
Sento volare sopra i tetti un aeroplano che se ne va.
Azzurro, il pomeriggio è troppo azzurro e lungo per me.
Mi accorgo di non avere più risorse senza di te
e allora io quasi quasi prendo il treno e vengo vengo da te.
Il treno dei desideri nei miei pensieri all'incontrario va.

Sembra quand'ero all'oratorio, con tanto sole, tanti anni fa.
Quelle domeniche da solo in un cortile, a passeggiar.
Ora mi annoio più di allora, neanche un prete per chiacchierar.
Azzurro, il pomeriggio è troppo azzurro e lungo per me
Mi accorgo di non avere più risorse senza di te
e allora io quasi quasi prendo il treno e vengo vengo da te.
Il treno dei desideri nei miei pensieri all'incontrario va.

Cerco un po' d'Africa in giardino, tra l'oleandro e il baobab
come facevo da bambino, ma qui c'è gente, non si può più.
Stanno innaffiando le tue rose, non c'è il leone, chissà dov'è.
Azzurro, il pomeriggio è troppo azzurro e lungo per me.
Mi accorgo di non avere più risorse senza di te
e allora io quasi quasi prendo il treno e vengo vengo da te.
Il treno dei desideri nei miei pensieri all'incontrario va.
Azzurro, il pomeriggio è troppo azzurro e lungo per me.
Mi accorgo di non avere più risorse senza di te
e allora io quasi quasi prendo il treno e vengo vengo da te.
Il treno dei desideri nei miei pensieri all'incontrario va.