GEORGE HARRISON (Liverpool, 25-2-1943, UK / Los Angeles, California, US, 29-11-2001): IN MEMORIAM
Hoy se cumplen trece años del fallecimiento a los 58 a causa de un cáncer de pulmón de George Harrison, el miembro más joven de The Beatles que, tras la disolución de la celebérrima banda, fue el primero en editar un disco en solitario.
Este es su perfil según la página Biografías y Vidas:
Guitarrista y compositor británico de música pop, miembro fundador de
los Beatles. George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en
Wavertree, suburbio de Liverpool, ciudad por entonces devastada por los
aviadores nazis.
Su padre, Harold, fue marinero y conductor de autobús, y
su madre, Louise, ama de casa, era de origen irlandés e intentó educar a
sus hijos (tres niños y una niña) en el catolicismo. Harrison recordó
haber tenido una infancia feliz, aunque humilde. Creció en una pequeña
casa de protección social, sin cuarto de baño y a veinte minutos a pie
de la estación donde tomaba el autobús para ir a la escuela.
De The Quarrymen a los Beatles
Desde
pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio, desde el viejo
music-hall británico hasta el country de Hank Williams. A los trece años
le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres libras.
Por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el
mismo trayecto diario en autobús. Paul le presentó a John Lennon, con
quien formaba el grupo The Quarrymen.
George se
uniría a ellos más tarde, ya que entonces era demasiado joven (catorce
años). Paul era nueve meses mayor, y John le llevaba dos años. Por
entonces, estaba enamorado de Fats Domino, Elvis Presley
y del rock, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly
en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de
fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.
Harrison
participó en la primera formación de los Beatles, con quienes trabajó
durante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania). La historia
emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les
consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de
productor, Love me do. Durante esa sesión fue expulsado el
batería Pete Best. Su sustituto, Ringo Starr, se convertiría en uno de
los mejores amigos de George hasta el final de sus días.
En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de la «beatlemanía» un fenómeno mundial.
La primera canción de George que apareció en un disco de los Beatles fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles,
pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde.
Su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin
embargo, decisiva. Sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet
Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las armonías de
Lennon y McCartney fueron sus señas de identidad más características.
En 1966 se casó con la modelo y actriz Patti Boyd. Ese
mismo año, los Beatles abandonaron los escenarios para consagrarse al
trabajo en estudio, y Harrison entró en su fase más productiva en la
banda. Aportó tres temas al clásico Revolver, entre ellos Taxman,
y experimentó con instrumentos inéditos en el mundo del pop, como el
sitar indio (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña).
Enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD,
participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band
(1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el
fogonazo de salida al «verano del amor», al hippismo y a la psicodelia.
En
1968 arrastró a los otros tres beatles y sus respectivas esposas a unas
jornadas de meditación en la India con el Maharishi Mahesh Yogi, un
gurú espiritual que había conocido a través de Patti. La idea de George
no llegó muy lejos, y en lugar de unir más al grupo tras la muerte del
mánager Epstein, acentuó las discrepancias entre los cuatro. Aquel año
publicó la banda sonora de la película Wonderwall music, el primer disco en solitario de un beatle, y compuso While my guitar gently weeps, una de las canciones más bellas del álbum conocido como «doble blanco».
Carrera en solitario
Para Abbey Road (1969) aportó dos de sus mejores composiciones: Here comes the sun y Something,
el primer single de los Beatles no firmado por Lennon-McCartney, que
fue número uno en ventas en Estados Unidos. Poco después de la
separación oficial de la banda, publicó el triple All things must pass (1970), con material acumulado durante años. Fue saludado como una obra maestra y contenía el éxito My sweet lord,
una oda al Hare Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado
por un beatle en solitario. Años más tarde, sin embargo, tuvo que pagar
una cuantiosa multa por ese tema, acusado de ser un «plagio
involuntario» del She’s so fine de The Chiffons.
En 1971 impulsó el Concierto por Bangladesh, junto con
Bob Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros, del cual se hicieron
una película y otro triple disco. Sin embargo, el dinero recaudado
estuvo retenido casi una década por culpa de las disputas legales
acumuladas por los Beatles. A pesar de las tremendas expectativas
creadas, el material publicado por Harrison en los años setenta no fue
de gran nivel: discos como Living in the material world, publicado en 1973, Dark horse (nombre también de la discográfica que fundó en 1974) o 33 & 1/3 (1976) estaban claramente por debajo de All things must pass.
A
mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo abandonó por su
amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa, aunque
ambos nunca abandonarían su amistad). Poco después se casó con su
segunda y última esposa, Olivia Arias, que le dio su único hijo, Dhani,
nacido en 1978. Ese mismo año impulsó la productora cinematográfica
Handmade Films, nacida para sacar adelante la película La vida de Brian,
de los Monthy Python. La compañía se convirtió en una importante
referencia del cine alternativo británico en la década de los ochenta,
aunque fracasó en su intento de ampliar mercados con la fallida Shanghai Surprise (1986), con Madonna y Sean Penn, y acabó en venta.
Última grabación con los Beatles
Harrison se alejó de la vida pública tras el asesinato de Lennon en 1980, y publicó la autobiografía I me mine en 1982. Volvió a la actualidad musical con el gozoso Cloud nine (1987), uno de sus mejores discos, que contenía el éxito Got my mind set on you. A continuación se sumó al curioso proyecto The Traveling Wilburys, un supergrupo junto a Bob Dylan, Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Publicaron dos discos, Volume I (1988) y Volume III (1990. Orbison, fallecido, fue sustituido por Del Shannon), llenos de optimismo y buenas melodías.
En 1992 publicó el directo Live in Japan,
que sería su último disco en solitario aparecido en vida. En 1995 se
reunió con los otros dos beatles para grabar sus voces encima de dos
canciones inéditas de Lennon, Free as a bird y Real love,
pero por enésima vez se descartó el regreso de la banda. Con su
característico sarcasmo, Harrison declaró: «Los Beatles no se reunirán
mientras John siga muerto».
En 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en Oxfordshire, en el
sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho. Pudo escapar a la muerte
gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara. En sus
últimos días, George no dejó de crear música. Grabó su última canción un
mes antes de su muerte, A horse to water, coescrita con su hijo
Dhani, y que fue publicada la misma semana en que se despidió del mundo
con el mensaje: «Amaos los unos a los otros».
El 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió
rodeado de su mujer y su hijo en casa de un amigo en Los Ángeles,
California. Su lucha contra el cáncer le había llevado a varias
intervenciones en clínicas de Suiza y Estados Unidos, desde que se le
detectó un tumor en la garganta en 1997. La reina Isabel II, el
presidente George W. Bush y los primeros ministros británico y francés,
Tony Blair y Lionel Jospin, entre otros, expresaron sus condolencias, y
los dos beatles que le han sobrevivido, Paul McCartney y Ringo Starr,
lamentaron emocionados la pérdida de su amigo.
Mientras
el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados se reunían en lugares
emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey Road, en Londres,
los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en
Liverpool-, los medios de comunicación recordaban la poco reconocida
contribución creativa de Harrison, durante mucho tiempo, a la música de
los Beatles y su influencia en géneros como la psicodelia. También, su
introducción de temas espirituales en el mundo del pop y su devoción por
las causas humanitarias, que le llevó a impulsar, en 1971, el Festival
por Bangladesh, el primer concierto benéfico de rock.
Su
pérdida conmocionó a generaciones enteras en todo el mundo, sólo un año
depués de que los Beatles volvieran al número uno de ventas con el
recopilatorio Anthology. Su legado en la obra de la banda más famosa del mundo y dentro de la música rock es indiscutible.
El
caracter retraído y a veces esquivo de George le valió el apodo de «el
beatle silencioso», «serio», o incluso «místico», por su afición a las
religiones orientales, en oposición a la exhuberancia y el magnetismo de
sus compañeros de banda. Sin embargo, a su muerte, sus amigos
recordaron principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y
su capacidad para disfrutar de la vida y de aficiones mundanas como la
jardinería y los coches deportivos.
What is life es una canción de George Harrison, la primera pista del lado B de su álbum en solitario de 1970 All things must pass.
Fue lanzada el 15 de febrero de 1971, como segundo sencillo de ese
álbum, en los Estados Unidos, junto con otro tema del álbum, "Apple scruffs". El 27 de marzo alcanzó el puesto 10 en el Billboard Hot 100. La canción fue co-producida por George Harrison y Phil Spector.
La actriz española de cine, teatro y televisión Concha Velasco cumple hoy 75 años. Con sus más de 60 años de carrera, ella es, probablemente, la intérprete más popular en España. En 2013 fue galardonada con un Premio Goya honorífico a toda su trayectoria.
Semblanza biográfica a partir de la página El Criticón:
Hija de un militar y de una maestra, en su niñez estudió danza. Debutó en el teatro con la obra "Bienvenido
Mr. Dólar" y bailó para el cantaor flamenco Manolo Caracol. En sus inicios
también trabajó como vicetiple en la revista musical con Celia Gámez. Debutó en el cine a mediados de la década de los 50 como Conchita
Velasco, nombre con el que se acreditó hasta la parte final de los años
70. Sus primeros films fueron La reina mora (1954) de Raúl Alfonso y El bandido generoso (1954) de José María Elorrieta. Se convirtió en una estrella del cine español gracias al éxito popular de
películas como Las chicas de la Cruz Roja (1958) de Rafael J. Salvia, su primera
colaboración con Tony Leblanc, o El día de los enamorados (1959), comedia romántica dirigida por Fernando Palacios en la que también aparece Leblanc. También encabezó los créditos junto a Fernando FernánGómez en la comedia Crimen para recién casados (1959) de Pedro L. Ramírez.
Junto a Tony Leblanc protagonizó asímismo películas como Los tramposos (1959) de Pedro Lazaga, Vida sin risas (1959) de Rafael J. Salvia, Amor bajo cero (1960) de Ricardo Blasco, Mi noche de bodas (1961) de Tulio Demicheli, Julia y el celacanto (1961) de Antonio Momplet, Sabían demasiado (1962) de Pedro Lazaga, Historias de la televisión (1965), película con dirección de José Luis Sáenz de Heredia en la que cantaba "La chica ye-yé", de enorme éxito popular, Los que tocan el piano (1968) y Una vez al año ser hippy no hace daño (1969), ambas de Javier Aguirre.
En los años 60 también intervino en La paz empieza nunca (1960) de Leon Klimowsky,
versión cinematográfica de una novela de Emilio Romero, con Adolfo
Marsillach, La boda era a las doce (1962) de Julio Salvador, La verbena de la Paloma (1963) de José Luis Sáenz de Heredia, Casi uncaballero
(1964) de José María Forqué, Hoy como ayer (1965) de Mariano Ozores, Las que tienen que servir (1967) de José María Forqué, Cuatro noches de boda (1968), deMariano Ozores o El alma se serena (1969) de José Luis Sáenz de Heredia.
Otra de sus parejas frecuentes en el cine fue Manolo Escobar, con quien
rodó Pero… ¿en qué país vivimos? (1967), Relaciones casi públicas
(1968), Juicio de faldas (1969) las tres de José Luis Sáenz de Heredia, En un lugar de
La Manga (1970) de Mariano Ozores y Me debes un muerto
(1971) de Sáenz de Heredia.
En los años 70 también protagonizó Préstame 15 días (1971) de Fernando Merino, La decente
(1971) de Sáenz de Heredia, Venta por pisos
(1972) de Mariano Ozores, No encontré rosas para mi madre (1972) de Francisco Rovira Beleta o Las señoritas de mala compañía (1973) de J. A. Nieves Conde. Hasta aquí su filmografía había discurrido por el fácil cauce de un cine comercial para públicos poco exigentes. Eso empezó a cambiar con El love feroz (1973) de José Luis García Sánchez y, sobre todo, cuando dirigida por Pedro Olea, protagonizó Tormento (1974), adaptación de una novela de Benito Pérez Galdós, con Ana Belén y Paco Rabal, y Pim, pam, pum… ¡fuego! (1975), donde fue la
amante pelirroja de Fernán Gómez en una historia de posguerra. En estas películas ofreció dos de las mejores interpretaciones de su carrera. Siguiendo esa tónica intervino en Las bodas de Blanca (1975) de Francisco Regueiro, Las largas vacaciones del 36 (1976) de Jaime Camino, Libertad provisional (1976) de Roberto Bodegas, interpretó a la madre de Victoria Abril en Esposa y amante (1977) de Angelino Fons y a la esposa infiel de José Sazatornil en Cinco tenedores (1979) de Fernando Fernán Gómez.
En las décadas de los 80 y 90 trabajó muy poco en el cine, rodando sólo La colmena (1982), adaptación de la novela de Camilo José Cela que
dirigió Mario Camus, La hora bruja (1983) de
Jaime de Armiñán, con Francisco Rabal y Victoria Abril, Esquilache (1989) film histórico de Josefina Molina, con Fernando Fernán Gómez en el
papel principal, Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1992), comedia con
dirección y coprotagonismo de José Sacristán, Más allá del jardín (1996), drama que supuso su reencuentro con Pedro
Olea, el director que mejor partido le sacó en la gran pantalla, y que adaptaba una novela de Antonio Gala, y París - Tombuctú
(1999), su única colaboración con el director Luis García Berlanga. Otros títulos restantes de su filmografía son Km. 0 (2000) de Yolanda García Serrano y Juan Luis Iborra, Los pasos perdidos (2001) de Manane Rodríguez, El oro de Moscú (2002) de Jesús Bonilla, Bienvenido a casa (2006) de
David Trueba, o Rabia (2009) de José Luis Cordero.
Paralelamente al cine ha intervenido en producciones televisivas, destacando sobre todo en la teleserie "Teresa de Jesús"(1984).
Su gran popularidad en España, cimentada en el cine y la televisión se ha visto complementada con el prestigio alcanzado en el teatro. Tras debutar en la revista Ven y ven al Eslava (1959), ha protagonizado obras comoDon Juan Tenorio (1964) de José Zorrilla, La llegada de los dioses (1970) de Antonio Buero Vallejo, Abelardo y Eloísa (1972) de Ronald Millar, Las cítaras colgadas de los árboles (1974) de Antonio Gala, Las arrecogías del beaterio de Santa María Egipciaca (1977) de José Martín Recuerda, Filomena Marturano (1979) de Eduardo de Filippo, Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1981) y Mata Hari (1983), ambas de Adolfo Marsillach, Buenas noches, madre (1985) de Marsha Norman, junto a Mary Carrillo, Mamá, quiero ser artista (1986) de Angel F. Montesinos, Carmen, Carmen (1988) y La Truhana (1992), las dos de Antonio Gala, La rosa tatuada (1997) de Tennessee Williams, Las manzanas del viernes (1999) de Antonio Gala, Hello, Dolly!, musical de Jerry Herman y Michael Stewart, Inés desabrochada (2003) de Antonio Gala, La vida por delante (2009) de Romain Gary, Yo lo que quiero es bailar(2011), musical autobiográfico con texto de Juan Carlos Rubio, Hécuba (2013) de Eurípides y Olivia y Eugenio (2014) de Herbert Morote.
Concha Velasco estuvo casada entre 1977 y 2005 con el actor y productor teatral Paco Marsó, con quien
tuvo un hijo, Francisco Martínez Velasco. Al matrimonio Concha incorporó
un hijo que previamente tuvo de soltera, Manuel Martínez Velasco, y que
Paco crió como suyo, y él a su vez incorporó a su hija Diana Patricia,
que tuvo igualmente de soltero.
El 28 de mayo de 2014 reveló que lucha contra un cáncer linfático. Tras someterse al correspondiente tratamiento, recuperó su actividad profesional unos meses después.
El actor estadounidense Ed Harris ha cumplido hoy 64 años. Tres veces nominado al Oscar como secundario y una como actor principal, ha ganado un Globo de Oro y se le considera un respetado intérprete dramático de probada solvencia.
Perfil biográfico procedente (con modificaciones) de la página El Criticón:
Edward Allen Harris es hijo del librero y cantante Robert L. Harris y
de la agente de viajes Margaret Harris. Tiene un hermano mayor, Robert,
y otro menor, Spencer. Ed Harris era un muchacho atlético que destacó en fútbol americano en el
Instituto y consiguió una beca para asistir en 1969 a la Universidad de
Columbia. Tras dos años en esta universidad se trasladó con su familia a
Oklahoma, en donde comenzó a estudiar interpretación. A mediados de la década de los 70 Harris representó obras de teatro en
Los Angeles, acudiendo también al Instituto de las Artes de la localidad
californiana de Valencia. Por esa época debutó como actor de
televisión, apareciendo en episodios de series como “Lou Grant” o “Hart
to Hart”. En 1977 pudo ser visto con brevedad en el biopic televisivo sobre Howard
Hughes “The amazing Howard Hughes” (1977), telefilm que protagonizó Tommy Lee Jones.
Su trayectoria cinematográfica se inició con un pequeño papel en Coma
(1978), película dirigida por Michael Chrichton, logrando su primer
papel protagonista en Los caballeros de la moto (1981) de George A. Romero. En esos primeros años intervino en títulos como Creepshow (1982) de Romero o Bajo el fuego (1983) de Roger Spottiswoode. Gracias a Elegidos para la gloria (1983) de Philip Kaufman, película
en la que encarnó al astronauta John Glenn, Ed Harris alcanzó la fama
internacional. Siguieron Chicas en pie de guerra (1984) de Jonathan Demme, En un lugar delcorazón
(1984) de Robert Benton, Alamo Bay (1985) de Louis Malle, Dulce sueños (1985) de Karel Reisz, Conspiración para matar a un cura (1988) de Agnieszka Holland, Jacknife (1989) de David Jones o Abyss (1989) de James Cameron. En 1986 debutó en Broadway, recibiendo una nominación al premio Tony por su interpretación en la obra “Precious sons”.
En la siguiente década apareció en conocidos títulos como Glengarry Glen Ross (1992) de James Foley, La tapadera (1993) de Sydney Pollack, Causa justa (1995) de Arne Glimcher, Apolo 13 (1995) de Ron Howard, Nixon (1995) de Oliver Stone, Ojo por ojo (1996) de John Schlesinger, La Roca (1996) de Michael Bay, Poder absoluto (1997) de Clint Eastwood, El show de Truman (1998) de Peter Weir o El tercer milagro (1999) de Agnieszka Holland. Por sus interpretaciones en Apolo 13 y El show de Truman fue nominado al Oscar como mejor actor secundario. Por esta última consiguió un Globo de Oro.
En el año 2000 debutó como director con Pollock (2000), un título
biográfico sobre la figura del pintor expresionista abstracto Jackson
Pollock que le valió una nominación al Oscar como mejor actor principal. Después apareció en Enemigo a las puertas (2001) de Jean-Jacques Annaud y Una mente maravillosa (2001) de Ron Howard. Por Las horas (2002) de Stephen Daldry volvió a ser nominado, de nuevo en la categoría de mejor actor secundario. Otros títulos de su filmografía son Me llaman Radio (2003) de Michael Tollin, La mancha humana (2003) de Robert Benton, Una historiade violencia (2005) de David Cronenberg, Copying Beethoven (2006) de Agnieszka Holland, en donde Harris encarnaba al compositor del
título, o Adiós, pequeña, adiós (2007) de Ben Affleck. Su segunda película como director fue el western Appaloosa (2008), co-protagonizado por Viggo Mortensen y Renée Zellweger. Entre sus últimas películas más destacadas están Camino a la libertad (2010) de Peter Weir o Dolor y dinero (2013) de Michael Bay.
Ed Harris se casó en 1983 con la actriz Amy Madigan, con quien compartió créditos en varias películas. La pareja tiene una hija llamada Lyly Dolores nacida en 1993.
Tal día como hoy hace 91 años nació la actriz estadounidense Gloria Grahame, ganadora de un Oscar de entre dos candidaturas como mejor actriz secundaria. Se la recuerda principalmente por la mórbida y turbadora sensualidad que aportó a sus personajes en varios títulos clásicos del cine negro en los años 40 y 50.
Perfil biográfico a partir de la página El Criticón:
Hija de un arquitecto, Gloria Grahame (de nombre real Gloria Hallward) intervino durante su niñez en producciones teatrales escolares, ya que su madre, Jean McDougall, era profesora y actriz de teatro (en donde actuaba bajo el nombre de Jean Grahame) a la vez que su maestra desde su infancia.
Tras sus comienzos en la escena teatral en su época estudiantil, Gloria debutó en Broadway en los años 40. Allí fue descubierta por el magnate de la Metro, Louis B.
Mayer, quien después de apreciar su belleza y sus modos interpretativos
le hizo firmar un contrato con su poderosa compañía cuando Gloria tenía
solamente veinte años de edad. Rebautizada con el apellido artístico de su madre, Grahame debutó en el cine con la comedia Blonde fever (1944) de Richard Whorf, interpretando a una vampiresa. En 1945 se casó con el actor Stanley Clements, de quien se divorciaría en 1948. Con posterioridad intervino en una película protagonizada por la pareja Spencer Tracy y Katharine Hepburn, Sin amor (1945) de Harold S. Bucquet, llamó la atención por su papel secundario en Qué bello es vivir (1946), la obra maestra de Frank Capra, y apareció también en It happened in Brooklyn (1947) de Richard Whorf.
A pesar de estos trabajos, a la Metro no le interesó prorrogar su contrato y la cedió a la RKO, estudio donde permaneció lo que restaba de década. En esa etapa participó en algunas interesantes películas como Encrucijada de odios (1947) de Edward Dmytryk, por la que obtuvo su primera nominación al Oscar, Un secreto de mujer (1949) o En un lugarsolitario (1950), ambas dirigidas por su marido en aquellos momentos,
Nicholas Ray (la segunda de ellas ya para Columbia), con quien se había casado en 1948, padre de su hijo Timothy, y de quien se divorció en 1952.
Cinematográficamente, los años 50 fueron espléndidos
para la actriz californiana, que logró el Oscar a la mejor intérprete
femenina secundaria por Cautivos del mal (1952), un título dirigido por Vincente Minnelli. Al margen de este film, Gloria intervino en películas como El mayor espectáculo del mundo (1952) de Cecil B. DeMille, Una aventurera en Macao (1952) de Josef Von Sternberg, Miedo súbito (1952) de David Miller, Fugitivos del terror rojo (1953) de Elia Kazan, Los sobornados (1953) de Fritz Lang, film con Glenn Ford en el que Lee Marvin le arrojaba un café hirviendo en pleno rostro, que quedaba desfigurado, Deseos humanos (1954), película de cine negro que la emparejó de nuevo conGlenn Ford, también con la dirección de Lang, La tela de araña
(1955), de nuevo con Minnelli de director, No serás un extraño (1955),
el primer largometraje de Stanley Kramer, Oklahoma (1955), un western musical dirigido por Fred Zinnemann en el que Gloria cantaba con su propia voz, El hombre que nunca existió (1956), film bélico de Ronald Neame o Apuestas contra el mañana (1959), noir de Robert Wise. A partir de ahí los trabajos en los que intervino disminuyeron en calidad y, como muchos otros ilustres intérpretes, Grahame dirigió sus pasos hacia el mundo del teatro y la televisión.
Su tercer marido fue el escritor y productor televisivo Cy Howard, con quien tuvo a su hija Marianna Paulette. El matrimonio duró de 1954 a 1957. Después, curiosamente, se casó en 1960 por cuarta y última vez (en secreto) con su hijastro Anthony Ray (hijo de Nicholas
Ray), enlace que no favoreció a su imagen pública y del que nacieron dos niños, Anthony y James. El stress que le produjo el escándalo desatado en los tabloides al conocerse la unión en 1962, unido a la decadencia de su carrera afectó gravemente a su salud psíquica, y Gloria fue tratada con terapia de electroshock en 1964. Aunque éste fue el matrimonio más duradero de la actriz, en 1974
Anthony y Gloria terminaron divorciándose. Ese año fue diagnosticada de cáncer de pecho, que un tratamiento homeopático hizo remitir en menos de un año, pero el mal retornó en 1980, mientra ella vivía y trabajaba en Inglaterra. Hospitalizada tras una peritonitis, sus dos hijos mayores la trasladaron a Nueva York, donde ya nada se pudo hacer por su vida, muriendo a las pocas horas de su ingreso en el St. Vincent's Hospital a la edad de 57 años.
Hoy se cumplen 48 años de que el popular actor español José Isbert nos dejase. Su trabajo en casi 120 películas lo convirtió en uno de los mejores y más destacados secundarios del cine español. Su personalísima vis cómica, su peculiar físico y su voz ronca son recordados y reconocidos por muchas generaciones de espectadores a cada nuevo visionado de sus películas, algunas de ellas títulos ya clásicos. Fue galardonado con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes y la Medalla al Mérito en el Trabajo. En los últimos días de su vida publicó sus memorias con el título de "Mi vida artística". En la actualidad hay varios premios que llevan su nombre.
Semblanza biográfica procedente (con algún retoque) de la página El Criticón:
Gran mito del cine español y extraordinario actor, Pepe Isbert se fundía
de manera genial con sus personajes sin perder un ápice sus propias
características personales. Más que interpretaba, era, haciendo resultar
creíbles a sus caracteres por su prodigiosa naturalidad en la actuación
y la simbiosis instintiva con sus inolvidables papeles.
José Ysbert Alvarruiz nació el 3 de marzo de 1886 en Madrid. En la
capital de España y en 1903 debutó en la escena teatral, consiguiendo un
gran reconocimiento por sus actuaciones en el Teatro Lara. En esos
momentos cambió su apellido por el de Isbert. Por esa época estuvo trabajando como profesor mercantil y ocupando
puesto en el Tribunal de Cuentas, profesión que abandonó para dedicarse
de lleno a la interpretación.
Logró su primer papel en el cine apareciendo en Asesinato y entierro de Don José Canalejas (1912), cortometraje que narraba la
muerte del político liberal Canalejas, presidente del gobierno que
falleció asesinado por el anarquista Pardiñas, personaje que fue
interpretado por el propio Pepe Isbert.
En la etapa del período mudo, Isbert centró su actividad profesional en
el teatro, interviniendo en contadas ocasiones en títulos
cinematográficos. Con la llegada del cine sonoro las cosas cambiaron. En la década de los
30 su voz enronquecida y su entrañable presencia física se hicieron
notar por primera vez en las pantallas españolas, debutando como
protagonista en La pura verdad (1931), una comedia dirigida por
Florián Rey. En esos primeros años sus trabajos cinematográficos fueron escasos,
rodando media docena de títulos en los años 30, entre ellos ¿Cuándo te suicidas? (1931) de Manuel Romero, La bien pagada (1935) de Eusebio
Fernández Ardavín o El bailarín y el trabajador (1935), comedia
dirigida por Luis Marquina basada en la obra teatral de Jacinto
Benavente.
Durante la década de los 40 sus intervenciones en la gran pantalla se
hicieron más asiduas, ensanchando su popularidad gracias a películas
como Te quiero para mí (1944) o El testamento del Virrey (1944),
ambas dirigidas por Ladislao Vajda, Ella, él y sus millones (1944) de Juan de Orduña, El fantasma y Doña
Juanita (1945) de Rafael Gil o Pacto de silencio (1949), film
dirigido por Antonio Román.
La mejor y más prolífica etapa de Pepe Isbert en el cine fueron los años
50 y la primera mitad de la década de los 60, brillando especialmente
en sus trabajos con Luis García Berlanga
y Marco Ferreri. Bienvenido, Mr. Marshall (1953), Calabuch (1956), Los jueves, milagro (1957) y El verdugo (1963), películas dirigidas
por Berlanga, que junto a El cochecito (1960) de Ferreri permanecen como
algunos de los mejores títulos jamás filmados con producción española. El guión de estas dos últimas cintas se debe al brillante Rafael Azcona.
Al margen de estos títulos, Isbert intervino en películas muy populares
en la época, como Once pares de botas (1954) de Francisco Rovira Beleta, título ambientado en el
mundo del fútbol en el que aparecía el jugador del Real Madrid Alfredo
Di Stefano, La pícara molinera (1955) de León Klimowsky,
comedia protagonizada por Carmen Sevilla y Paco Rabal,
Historias de la radio (1955), film de episodios dirigido y
escrito por José Luis Sáenz de Heredia,Mi tío Jacinto (1956), estupendo título dirigido por Ladislao Vajda,con el niño prodigio Pablito Calvo y Antonio Vico, Los ladrones somos gente honrada (1956), película dirigida por Pedro
L. Ramírez y co-protagonizada por otro de los grandes del cine español, José Luis Ozores, Manolo, guardia urbano (1956) de Rafael J. Salvia, popular film protagonizado por Manolo
Morán, Un ángel pasó por Brooklyn (1957), estimable película de Vajda
que mezclaba comedia y fantasía, protagonizada por Peter Ustinov y Pablito Calvo, La vida por delante (1958), comedia dirigida y protagonizada por Fernando Fernán Gómez, Nada menos que un arkángel (1958) de Antonio del Amo, La Casa de la Troya (1959) de Rafael Gil, film protagonizado por Arturo Fernández
de ambiente universitario, el mismo que se reflejaba en Margarita se llama mi amor (1961) de Ramón Fernández, comedia que convirtió en sex symbol local a la
actriz Mercedes Alonso.
Entre sus últimos éxitos comerciales destacan Sabían demasiado (1962),
parodia del cine de gángsters dirigida por Pedro Lazaga y protagonizada
por Tony Leblanc,
La gran familia (1962) título dirigido por Fernando
Palacios y protagonizado por Alberto Closas, Amparo Soler Leal y José Luis López Vázquez, que giraba sobre los avatares de una familia numerosa, y la comedia negra Los dinamiteros (1964) de Juan G. Atienza.
Pepe Isbert, que contrajo matrimonio con Elvira Soriano, falleció en
Madrid el 28 de noviembre de 1966 a causa de problemas del corazón.
Tenía 80 años. Una de sus cuatro hijos, María Isbert, también se dedicó a la
interpretación, al igual que su nieto Tony Isbert.
Aniversario natal del prolífico y polifacético literato austríaco Stefan Zweig, poeta, traductor, biógrafo, ensayista, además de autor de buen número de novelas en el período de entreguerras, muchas de las cuales fueron muy populares. Escritor de gran cultura, profundamente humanista, europeista, cosmopolita, propugnó la idea de la reconciliación franco-alemana y a su pesar fue fidedigno testigo de excepción de un período terriblemente convulso en Europa, presenciando cómo el mundo en que había vivido se derrumbó, primero con la Gran Guerra y después con el ascenso del nacionalsocialismo alemán. Su capital obra autobiográfica El mundo de ayer(Memorias de un europeo), escrita entre 1939 y 1941, poco antes de su suicidio a los 60 años, así lo describe con admirable precisión.Olvidado durante décadas,su importante contribución a la culturaeuropease conserva intactay recientemente, en bastantes países de Europa, se ha reeditado su obra, densa, rica, elegante y de perspicacia psicológica inigualable. Convencido que Europa no será nada si no es la Europa de la cultura y de los valores, la figura de Stefan Zweig no ha hecho sino agrandarse con el tiempo.
Informe biográfico a partir de la página Editorial Juventud:
Stefan
Zweig es sin duda, uno de los grandes escritores del siglo XX,
y su obra ha sido traducida a más de cincuenta idiomas.
La cultivada Viena donde nació
Zweig, de acomodada familia judía, oriunda de Moravia, era una
ciudad única en el mundo. En el ambiente hipercivilizado de la monarquía de los Habsburgo se
forma Zweig, que ha sido uno de los más populares escritores
de este curioso período comprendido entre las dos guerras mundiales.
Su vocación literaria es
muy temprana. Siendo estudiante, descubre los
versos de Rilke. El primer ensayo en prosa, que remite al periódico
más prestigioso de Viena es aceptado. No tarda en traducir poemas
de Verhaeren para las revistas y publicar sus primeros versos de bachiller: Cuerdas de plata.
Tras obtener en 1904 el título de Doctor en Lengua y Literaturas Románicas, reside un año en París. Luego
va a Londres y se siente fascinado por la obra del poeta William Blake.
Viaja por Bélgica, Inglaterra, Francia, España, el norte de África e Italia, formando parte activa de la vida cultural de los países que visita. De su asombroso intercambio epistolar con los intelectuales más
importantes de su época en Europa quedaría constancia en más de 20.000 cartas privadas. De vuelta conoce en Leipzig
a Kippenberg, el director de la prestigiosa editorial Insel-Verlag, y traba
con él una amistad que nunca declina. La primera novela corta
de Zweig, escrita en los años 1910 y 1911, es Ardiente secreto.
Viajero impenitente, visitará asímismo Rusia, la India, Norteamérica, Panamá, Cuba y México. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial se alista en el ejército, pero es declarado no apto para el combate y se le concede un puesto
en el archivo de guerra. La influencia de Romain Rolland, premio Nobel
de Literatura en 1914, le va imbuyendo del espíritu pacifista que a partir de 1915 caraterizaría su pensamiento y su obra. La rebelión personal y el enfrentamiento entre
el individuo y la injusticia y arbitrariedad del Estado serán temas
centrales de buena parte de sus escritos. En 1917, la editorial
Insel publica el drama Jeremías, su primera obra antibelicista.
Durante la guerra había tenido que exiliarse en Zurich tras su deserción del ejército consecuentea sus ideas pacifistas. Después del armisticio vuelve a una Austria destruída y desde
1919 a 1935 fija su residencia en Salzburgo. Es en esta época en la que publica las obras que le concederán
fama mundial, además de ensayos, biografías y estudios, con los que acerca
a sus lectores a los grandes humanistas europeos. Con la misma intención
recorre Europa como conferenciante y en la mayoría de los países
que visita da la conferencia en el idioma del país. Las salas en
las que se celebraban las charlas de Stefan Zweig estaban siempre
llenas, lo que demuestra lo apreciado
que era como intelectual en toda Europa. En 1920 se casa
con Friderike Maria Burger von Winnternitz, de quien se divorciaría en 1938, y publica Tres maestros, obra biográfica sobre Balzac, Dickens y Dostoievski. También tuvieron gran éxito sus estudios de carácter
inspirados en las obras de Sigmund Freud y en los que trataba tabús
eróticos y sociales de su época como la infidelidad, las
obsesiones sexuales y la homosexualidad. Así aparecen sucesivamente las novelas Miedo (1920), Amok(1922),Los ojos del hermano
eterno (1922), La confusión de los sentimientos (1926), Carta de una desconocida(1927) yVeinticuatro horas de la vida de una mujer(1929). Asímismodestacan el primer estudio de divulgación del psicoanálisis para el gran públicoLa curación por el espíritu (1931), fruto de su intensa amistad con Freud, el ensayo histórico Momentos estelares de la humanidad (1927) y sus libros biográficosMaría Antonieta (1932) María Estuardo (1934), Erasmo de Rotterdam (1934) o Castellio contra Calvino (1936). Durante estos años el autor había seguido con gran preocupación la expansión del fascismo en Europa. En 1933, con la llegada de los nazis al poder, los libros de Zweig fueron prohibidos o quemados y el escritor pierde la editorial que había publicado todas sus obras. En 1934 la policía registra su casa en Salzburgo en busca de armas, lo que le empuja a abandonar su país y separarse de su esposa.
En 1935 se establece como exiliado en Londres y, tres años después, con la ocupación alemana de Austria, privado de su nacionalidad, se ve forzado a solicitar la ciudadanía británica, que obtuvo en 1940.
Tras el divorcio de su esposa en 1938, se casa al año siguiente con su secretaria Lotte Altmann y se traslada brevemente a París. La impaciencia del corazón (1939) fue su última novela escrita en Europa. A poco de estallar la Segunda Guerra Mundial busca refugio al otro
lado del Atlántico, dando conferencias en Estados Unidos y diversos países latinoamericanos y en 1941 acaba por establecerse en Brasil. Convencido de
la definitiva destrucción de los valores culturales y espirituales
europeos bajo la totalitaria expansión del nazismo de Hitler, desolado por su exilio forzoso y sumido en un estado de profunda depresión y melancolía, se quita
la vida, envenenándose junto a su esposa el 22 de febrero de 1942. El trágico
fin de su vida ocurrió
en su residencia de Petrópolis, estado de Río de Janeiro. Su entierro,
celebrado en Río
con honores de jefe de estado, fue un acto multitudinario. Su magistral y evocadora obra autobiográfica El mundo de ayer (1942) fue publicada postumamente en Estocolmo.
Los
centenares de miles de ejemplares de sus obras que se han vendido
en todo el mundo atestiguan que Stefan Zweig es uno de los autores
más leídos
del siglo XX. Zweig se ha labrado una fama de escritor completo
y se ha destacado en todos los géneros. Como novelista refleja
la lucha de los hombres bajo el dominio de las pasiones con un estilo
liberado de todo tinte folletinesco. Sus tensas narraciones reflejan
la vida en los momentos de crisis, a cuyo resplandor se revelan los
caracteres; sus biografías, basadas en la más rigurosa
investigación de las fuentes históricas, ocultan hábilmente
su fondo erudito tras una equilibrada composición y un admirable
estilo, que confieren a estos libros categoría de obra de arte.
En sus biografías es el atrevido pero devoto admirador del genio,
cuyo misterio ha desvelado para comprenderlo y amarlo con un afecto
íntimo y profundo. En sus ensayos analiza problemas culturales,
políticos y sociológicos del pasado o del presente con
hondura psicológica, filosófica y literaria.
Pero, ¿por
qué han tenido tanta resonancia y tanto éxito sus obras?
El mismo Zweig nos da la clave en su Autobiografía: " ... el
inesperado éxito de mis libros proviene, según creo, en
última instancia de un vicio personal, a saber: que soy un lector
impaciente y de mucho temperamento. Me irrita toda facundia, todo lo
difuso y vagamente exaltado, lo ambiguo, lo innecesariamente morboso
de una novela, de una biografía, de una exposición intelectual.
Sólo un libro que se mantiene siempre, página tras página,
sobre su nivel y que arrastra al lector hasta la última linea
sin dejarle tomar aliento, me proporciona un perfecto deleite. Nueve
de cada diez libros que caen en mis manos, los encuentro sobrecargados
de descripciones superfluas, diálogos extensos y figuras secundarias
inútiles, que les quitan tensión y les restan dinamismo".Toda
una época
de guerras y de esplendor cultural, a un mismo tiempo encuentra un fiel reflejo
en la obra polifacética, brillante y, en cierto sentido, única
de Stefan Zweig.
Respecto a su vida sentimental, El exilio imposible,recientemente publicadolibro biográfico de George Prochnik, profesor de Literatura inglesa en la Universidad Hebrea de Jerusalén, descubrió que Zweig estaba lleno de contradicciones y ambigüedades:«Amaba a las mujeres y entendía la vida interior femenina de un modo muy
raro en aquella época. Sus deseos eróticos son bastante misteriosos y
hay indicios de que pudo tener aventuras homosexuales.
Sus amistades más apasionadas eran masculinas. Parece que prefirió ser
un voyeur de las relaciones amorosas y le inquietaba la fuerza de sus
propios deseos».
"Go away from my window" es una American folk song de John Jacob Niles, que grabaron entre otros, Harry Belafonte, Joan Baez, Esther Ofarim o Linda Ronstadt. Más que ninguno de ellos, la inigualable Marlene Dietrich la hizo suya y en muchos de sus conciertos también la incluyó, como se puede apreciar en esta sentida actuación captada por la televisión australiana en el programa especial "The magic of Marlene" (1968).
Go away from my window (Lyrics)
Go away from my window
Go away from my door
Go away, way, way from my bedside
And bother me no more
And bother me no more
I'll give you back your letters
I'll give you back your ring
But I'll never forget my own true love
As long as song birds sing
As long as song birds sing
Go on tell all your brothers
Tell all your sisters too
That the reason what my heart is broke
Is on account of you
Is on account of you
Go on your way, be happy
Go on your way and rest
But remember dear that you're the one
I really did love best
I really did love best
Go away from my window
Go away from my door
Go away, way, way from my bedside
And bother me no more
And bother me no more
En 1969 se editó en Francia el single de Françoise Hardy que contenía "J'ai coupé le téléphone", una canción propia de la cantautora parisina, en su día icono de la música y la moda francesa.
J'ai coupé le téléphone (paroles)
J'ai coupé le téléphone et je reste dans mon lit.
Je dors, je rêve ou je lis, dans mon lit, je n'ai besoin de personne.
J'ai aussi fermé la porte, qu'on soit l'hiver ou le printemps.
J'ai fermé la porte au temps aux intempéries de toutes les sortes.
Je n'ai besoin de personne pour parler, pour ne rien dire
Pour prouver que je suis meilleure ou pire, je n'aimais qu'une personne
Mais rien, plus rien en moi ne l'étonne, non.
Nacida en la isla de Cerdeña, Marisa Sannia (1947-2008) fue una sensible cantante italiana que se reveló en Sanremo 1968 con "Casa bianca", canción que, compartida con Ornella Vanoni, consiguió el segundo puesto. Dos años después volvió a ese festival, donde junto a Gianni Nazzaro presentó "L'amore è una colomba", un bello tema de Bigazzi/Savio que alcanzó la finalissima.
L'amore è una colomba (testo)
L'amore è una colomba
Che trema già nelle mie mani
L'amore è una canzone
Leggera come un petalo di rosa al mattino
Non dimenticare, non mi far soffrire
Io t'amo sempre da morire
Non coprirmi il sole con le tue parole
Ripeti ancora che cos'è
L'amore è una colomba
L'amore è una canzone
Io morirò di un sentimento
Io sbaglierò ma non mi pento
Io sono un soffio, tu sei la luce
Com'è lontano il primo bacio
Ora che farò se mi dici addio
Amore grande, amore mio
Di lasciare te l'ho pensato anch'io
Ma poi mi hai detto che cos'è l'amor
L'amore è una colomba
L'amore è una canzone
Io morirò di un sentimento
Io sbaglierò ma non mi pento
L'amore è una colomba
Che trema già nelle mie mani.
"La mente torna" es una canción de Mogol/Battisti, que apareció en un single de Mina en 1971 como cara B de "Uomo" y posteriomente fue incluída en el álbum Del mio meglio n.2,publicado en Italia en abril de 1973.
La mente torna (testo)
La mente va,
dove va
chissà.
Mi sento donna così
come mai
poi c'è un mondo che
ormai
mi aspetta
io lo so.
Io voglio vivere
anche per me,
scoprire quel che c'è
io voglio
apro già la porta ma...
Arrivi tu
la mente torna
il cuore mio
quasi si ferma
e intorno a me
lo spazio immenso
che persino io
non ho più senso.
Arrivi tu
il mondo è acceso
quello che era mio
tu l'hai già preso
non ci son più per me
esitazioni
ti chiedo solo se mi perdoni.
Non mi saluti
ti siedi
e poi
apri il giornale
non guardi più me
mi lasci sola così
perchè io volo senza te.
Io voglio vivere
anche per me
scoprire quel che c'è
io voglio
apro già la porta ma...
Mi parli tu
la mente torna
il cuore mio
quasi si ferma
e intorno a me
lo spazio è immenso
che persino io
non ho più senso.
Mi parli tu
il mondo è acceso
quello che era mio
tu l'hai già preso
non ci son più per me
esitazioni
ti chiedo solo
se mi perdoni.
"Perlas ensangrentadas" de Berlanga/Canut resultó ser la canción estrella del álbum Canciones profanas (1983), primero del grupo Dinarama tras la disolución de Pegamoides, y ya un clásico de la 'movida'.
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