Ignacio Zuloaga - Pinturas

IGNACIO ZULOAGA (Éibar, País Vasco, España, 26-7-1870 / Madrid, España, 31-10-1945): IN MEMORIAM

Tal día como hoy hace setenta y un años falleció el pintor español Ignacio Zuloaga, el más universal de los artistas vascos. Viajero pero de mentalidad tradicionalista, destacan en su obra retratos de costumbres y paisajes genuinamente españoles:  mujeres con mantillas, abanicos, flores y trajes de volantes, toreros de luces o tipos y panorámicas castellanas, territorios con los que se sintió muy identificado. Su visión de España le aproxima a la generación literaria del 98: muestra la decadencia de las ciudades, el deseo de la vuelta a la tierra y el paisaje yermo, en busca de una autenticidad e identidad nacional. En muchos de sus lienzos, mezcla de sobria austeridad, nobleza y pesimismo, recurrió a los pueblos y sus tradiciones y a los campesinos, retratados como personajes solemnes, hieráticos y atemporales. En sus paisajes, su técnica fuertemente empastada, la estructura de sus planos, el dramatismo y el estudio de la luz son fruto de una interpretación personal de gran energía y vigor expresivo; en sus retratos, a fin de expresar mejor el carácter del personaje, sacrifica detalles, rasgos o delicadezas para subrayar el gesto, la acción o la mirada. Triunfador internacionalmente desde principios del siglo XX, sus cuadros se exponen hoy en muchos lugares del mundo y, particularmente, en los museos españoles a él dedicados en Castillo de Pedraza (Segovia) y en Zumaya (Guipúzcoa).

Ignacio Zuloaga Zabaleta nació en el seno de una familia de cuatro generaciones de artistas y artesanos. Aunque en principio su padre, damasquinador de oficio, quería que estudiase ingeniería minera, a él le tentaban más el dibujo y la pintura, por lo que, superado un resentimiento pasajero, recibió de su progenitor una primera formación básica. Muy joven abandona Éibar y marcha a Madrid para estudiar en el Museo del Prado a los grandes maestros del Siglo de Oro español. Despues de sucesivas estancias en Roma y Londres recala en 1889 en París, donde se introduce en los círculos culturales y artísticos más prominentes y cosmopolitas. Atraído en un primer momento por la pintura impresionista, se relaciona con varios de los pintores de esta tendencia y con los artistas catalanes de Montmartre.

Desde 1893 a 1898 trabaja en Andalucía y reside en Sevilla. Fascinado por la imaginería popular, plasmó en sus cuadros figuras de la tauromaquia o bailarinas de flamenco; más tarde eligió como tema de sus pinturas diversas escenas de la vida cotidiana, a menudo festivas o religiosas, que plasmó con una paleta oscura de pincelada larga y segura, fuertes dosis de realismo y un gran sentido dramático. En 1898 halla en Segovia las raíces profundas de sus maestros de El Prado. Va a trabajar en esa ciudad castellana dieciséis años y en su estilo pueden observarse las huellas del influjo de El Greco, Ribera, Velázquez y Goya. En 1898 contrajo matrimonio con la francesa Valentine Dethomas, con quien tendría una hija (1902) y un hijo (1906). 

Tras diversas exposiciones en ciudades europeas de Bélgica y Alemania, su nombre empieza a cobrar relieve. En 1902 es declarado socio de la Nacional de Bellas Artes de París. Se le han abierto las puertas de Europa y sus cuadros continúan exponiendose en París, Burdeos, Munich, Budapest o Berlín. En 1909 envía cuadros a los Estados Unidos, será la primera de las cuatro exposiciones en que triunfará. La última, de 1924 y 1925, por varios estados de la Unión y, finalmente, la de Cuba es apoteósica. Mientras, es aplaudido en Nueva York, México, Argentina y Chile, ya tiene el gran premio de Venecia (1903), el del rey de España (1907) y el del rey de Italia en Roma (1911). Ha colgado cuadros en los más importantes museos estatales, se los han comprado exigentes coleccionistas y ha sido solicitado para realizar retratos. En 1914 adquiere una propiedad en Zumaya (Guipúzcoa), cerca de Éibar, que convertirá en vivienda, taller y museo. Muy cotizado, sus obras están bien esparcidas por Europa: de San Petersburgo a Budapest, de Berlín a Triste. Finalmente, con el fin de inaugurar el nuevo edificio del Círculo de Bellas Artes en 1926, realiza una gran exposición en Madrid, a la que asistió el rey Alfonso XIII. Convertido en el mejor retratista de España, deja a la posteridad famosos retratos como los del Duque De Alba, Gregorio Marañón, Miguel de Unamuno, Ramón Pérez de Ayala, Manuel de Falla, Ramón del Valle-Inclán o José Ortega y Gasset, además de hermosos cuadros de paisajes.

Al instaurarse la Segunda República Española en 1931 y ser el pintor el español más conocido internacionalmente, le nombran sin su consentimiento presidente del patronato del Museo de Arte Moderno, una forma de desagravio por el trato elusivo que le dispensaron durante tantos años. Al igual que muchos de sus amigos de las generaciones del 98 y del 14, su ideario cosmopolita y pro-republicano no impidió que a partir de la revolución de 1934 fuera atemperando sus simpatías izquierdistas. Al comenzar la guerra civil se encontraba en París, regresando a Zumaya para acompañar a su familia y tratar de evitar el expolio de su museo. Se mantuvo neutral hasta la destrucción de su villa natal de Eibar en abril de 1937; al creer que ésta había sido obra de los milicianos en su retirada, decidió marchar a París, desde donde él y su hijo comenzaron a apoyar al régimen de Franco, cuyo retrato pintó en 1940. Un cambio de postura que fue paralelo al que tuvieron sus amigos Unamuno, Baroja, Ortega y Gasset, Marquina, Pérez de Ayala, Marañón y Sert, entre otros que pasaron del republicanismo a avalar el franquismo. Zuloaga tenía una obvia percepción conservadora y tradicionalista de España. Por otra parte era francófilo y le horrorizó la invasión alemana del país vecino.

En sus últimos años Zuloaga se dedicó especialmente a pintar para si mismo bodegones y paisajes, realizando retratos de personalidades como forma de ganarse la vida. El pintor falleció a los 75 años durante un viaje a Madrid.

Auto-retrato, 1942

Video resumen de la obra de Zuloaga con el fondo musical de la Danza lejana (segundo movimiento de "Noches en los jardines de España") de Manuel de Falla, en interpretación de orquesta con la pianista Alicia de Larrocha.

Ruth Gordon (Quincy, Massachusetts, US, 30-10-1896 / Edgartown, Massachusetts, US, 28-8-1985): In memoriam

VITALISMO Y TALENTO POLIFACÉTICO

Hoy se cumplen 120 años del nacimiento de la prestigiosa actriz, dramaturga y guionista Ruth Gordon. Menuda, nerviosa, de carácter alegre y vitalista, mantuvo una polifacética carrera artística durante casi setenta años, diversificada en el teatro, el cine y la televisión. Como guionista fue candidata tres veces al Oscar junto a su marido Garson Kanin, con quien formó pareja profesional, y como intérprete ganó un Oscar y dos Globos de Oro a la mejor actriz de reparto y un Emmy televisivo a la mejor actriz protagonista.

Hija única de un capataz de fábrica y ex-capitán de barco, Ruth Gordon se desplazó a Nueva York en 1914 para estudiar arte dramático. Al año siguiente debutó como extra en una película silente e inició su carrera como actriz en Broadway. En 1920 se casó con el actor teatral Gregory Kelly, de quien enviudaría en 1927. Dos años después, mientras triunfaba con la obra "Serena Blandish" de Enid Bagnold, quedó embarazada de Jed Harris, productor de la misma. A finales de 1929 dio a luz a su único hijo, Jones Harris, en París.

En los años 30 continuó su carrera teatral triunfando con obras como "La aldeana" de William Wycherley (1936-1937) o "Casa de muñecas", de Henrik Ibsen (1937-1938). A comienzos de los años 40 actuó como característica en varias películas de Hollywood: Lincoln en Illinois (1940) de John Cromwell, drama histórico protagonizado por Raymond Massey donde Gordon interpretó a la esposa del Presidente, La bala mágica (1940) de William Dieterle, historia del doctor Paul Ehrlich, premio Nobel de Medicina que descubrió el tratamiento contra la sífilis, drama con el protagonismo de Edward G. Robinson, La mujer de las dos caras (1941) de George Cukor, comedia que supuso la última aparición en la pantalla de Greta Garbo, cuyo reparto también incluía a Melvyn Douglas y Constance Bennett, Al filo de la oscuridad (1943) de Lewis Milestone, drama bélico con Errol Flynn y Ann Sheridan, y Acción en el Atlántico Norte (1943) de Lloyd Bacon, bélico con Humphrey Bogart, Raymond Massey y Alan Hale. Posteriormente no volvió a aparecer en una película hasta veintidós años después y se concentró en su actividad teatral.

En 1941 escribió su primera obra, "Over 21", que ella misma interpretó en Broadway tres años después, estrenando y protagonizando a lo largo de toda la década otras obras propias, o ajenas como "Las tres hermanas" de Chejov (1942-1943). Su matrimonio en 1942 con el escritor, director y guionista Garson Kanin (dieciséis años mas joven y con quien compartió el resto de su vida) fue decisivo en su carrera. La pareja adquirió celebridad por los guiones coescritos para notables films dirigidos por su amigo George Cukor como Doble vida (1947) de George Cukor, La costilla de Adán (1949), La impetuosa (1952), los tres candidatos al Oscar al mejor guión, Chica para matrimonio (1952) o La actriz (1953). De nuevo sobre las tablas, Gordon volvió a triunfar en Broadway interpretando "La casamentera" de Thornton Willder (1955-1957).

Su vuelta a la actuación cinematográfica se produjo en La rebelde (1965) de Robert Mulligan, drama ambientado en el Hollywood de los 30, con Natalie Wood, Christopher Plummer, Robert Redford y Roddy McDowall, donde era la excéntrica madre de la protagonista, interpretación que le valió un Globo de Oro y una nominación al Oscar en la categoría de mejor actriz secundaria. En sus papeles solía combinar dosis de encanto e irritación. Incorporando a la atrabiliaria pero simpática bruja vecina de La semilla del diablo (1968) de Roman Polanski, drama de terror con Mia Farrow y John Cassavetes, ganó un segundo Globo de Oro y el Oscar a la mejor actriz secundaria. Después apareció en títulos como ¿Qué fue de tía Alice? (1969) de Lee H. Katzin, thriller de terror junto a Geraldine Page y Rosemary Forsyth, ¿Dónde está papá? (1970) de Carl Reiner, comedia negra con George Segal, Harold y Maude (1971) de Hal Ashby, comedia dramática de humor negro, donde a sus 74 años enamoraba a un Bud Cort de 23, El autobús atómico (1976) de James Frawley, comedia absurda con Joseph Bologna, Stockard Channing y John Beck, Duro de pelar (1978) de James Fargo, comedia de acción con Clint Eastwood y Sondra Locke, Tonto el último (1979) de Michael Schultz, comedia coral con Richard Benjamin y James Coco, Mi guardaespaldas (1980) de Tony Bill, comedia familiar con Chris Makepeace, Adam Baldwin y Matt Dillon, La gran pelea (1980) de Buddy van Horn, comedia de acción con Clint Eastwood y Sondra Locke, o Maxie (1985) de Paul Aaron, comedia con Glenn Close y Mandy Patinkin. Hasta 1976 continuó actuando en teatro y hasta 1984 en la televisión, medio en el que fue premiada con un Emmy en 1979.

Ruth Gordon falleció en su casa a consecuencia de un ictus cerebral a los 88 años. Se hallaba con ella Garson Kanin, su marido durante cuarenta y tres años, quien reveló que hasta el final su esposa mantuvo su vitalidad y continuaba haciendo planes para el futuro.

 

Paralisis Permanente - Sangre

ES LO QUE QUIEREN VER

Recordamos el 54 aniversario natal de Eduardo Benavente, lider del grupo español de rock gótico Parálisis Permanente e icono de la movida madrileña, con este video grabado poco antes de su fallecimiento en accidente de circulación a la edad de 20 años (y emitido por RTVE después del mismo en el programa "La Edad de Oro" de Paloma Chamorro). El grupo interpreta Sangre, composición de Benavente y Ana Isabel Fernández ('Ana Curra') que apareció como cara B de su último single en la primavera de 1983.

Fanny Brice - Cooking breakfast for the one I love

FANNY BRICE (New York City, US, 29-10-1891 / Hollywood, California, US, 29-5-1951): IN MEMORIAM

Tal día como hoy hace 125 años vino al mundo la actriz, cantante y entertainer estadounidense Fanny Brice. Sin ser bella ni especialmente dotada para el canto, gracias a su vis cómica consiguió el estrellato sobre las tablas en Broadway de la mano de Florence Ziegfeld, en cuyos espectáculos triunfó repetidas veces. Muy popular durante más de cuarenta años, intervino en algunas películas y fue una solicitada comediante radiofónica en la última etapa de su carrera.

Hija de emigrantes judíos europeos, Fania Borach (su nombre natal), abandonó la escuela a los dieciséis años para trabajar en una revista de burlesque. Dos años después comenzó a trabajar para el célebre empresario teatral Flo Ziegfeld, y durante las tres décadas siguientes, en varias temporadas, encabezó las famosas Ziegfeld Follies (1910, 1911, 1916, 1917, 1920, 1921, 1923, 1934 y 1936), participando también en otros espectáculos en Broadway de los Shuberts, David Belasco o Billy Rose. En 1921 popularizó en su país canciones como "My man", versión en inglés de un éxito cinco años anterior de Mistinguett en Francia o "Second hand rose".

El cine la utilizó esporádicamente en películas como My man (1928) de Archie Mayo, un film hoy perdido, El punto flaco (1930) de Thornton Freeland, comedia musical con Robert Armstrong y Harry Green, Everybody sing (1938) de Edwin L. Marin, comedia musical con Judy Garland y Allan Jones, El gran Ziegfeld (1936) de Robert Z. Leonard, musical dramático con William Powell, Myrna Loy y Luise Rainer donde se interpretó a sí misma, y Ziegfeld Follies (1946), comedia dirigida por varios realizadores que alternaba números musicales con segmentos cómicos, apareciendo Fanny en uno de éstos últimos, del que se hizo cargo Roy Del Ruth. Desde los años 30 hasta su muerte trabajó en la radio popularizando el programa The Baby Snooks Show.

Conocida por su agudeza verbal, dijo frases como: "Hice todo en el teatro excepto casarme con el hombre adecuado", "Nunca me gustaron los hombres que amé y nunca amé a los hombres que me gustaron", "Los hombres siempre se enamoran de mujeres frígidas porque son las que mejor actúan", "El amor es como un truco de cartas: una vez que sabes como funciona, ya no es divertido", o "Soy una mala mujer, pero una maldita buena compañía".

Fanny Brice contrajo tres matrimonios que acabaron en divorcio, siendo sus maridos el peluquero Frank White (1910-1913), el jugador profesional Julius "Nicky" Arnstein (1919-1927), con quien tuvo una hija y un hijo, y el empresario teatral y letrista Billy Rose (1929-1938). Una hemorragia cerebral acabó con su vida a los 59 años.

En 1964 se estrenó en Broadway el exitoso musical basado en su vida "Funny girl", donde Brice fue interpretada por Barbra Streisand, quien también la encarnó en el film del mismo título que William Wyler dirigió en 1968 y en su secuela, "Funny Lady" (1976) de Herbert Ross.

Cooking breakfast for the one I love, composición de Billy Rose y Henry Tobias, fue grabada por Fanny Brice en 1930.

Frida Boccara - Pour vivre ensemble

VOILÀ COMMENT ON S'AIME POUR LA VIE

Recordamos a la cantante francesa Frida Boccara en su aniversario natal con Pour vivre ensemble, composición de Jean Michel Braque y Eddy Marnay que en 1971 encabezó el álbum del mismo título de la desaparecida intérprete.

Pour vivre ensemble  (paroles)

Pour vivre ensemble il faut savoir aimer
Et ne rien prendre que l'on ait donné
Deux amants dans la nuit et le jour deux amis
Voilà comment on s'aime pour la vie

Pour vivre ensemble il faut ouvrir son cœur
Au sourire d'un enfant ou d'une fleur
Il faut ensoleiller ce monde émerveillé
Pour vivre ensemble il faut s'aimer

Je te regarde et je te garde et tout s'éclaire
L'ombre se change en lumière
Je te vois vivre je me sens libre et je le chante
Le reste est sans importance

Pour vivre ensemble il faut savoir aimer
Et ne rien prendre que l'on ait donné
Deux amants dans la nuit et le jour deux amis
Voilà comment on s'aime pour la vie

Pour vivre ensemble il faut trouver le port
Où les bateaux viennent verser de l'or
Il faut se marier à tous les mois de mai
Pour vivre ensemble il faut s'aimer
La la la la la la la la la la

La la la la la la la la la la
Il faut se marier à tous les mois de mai
Pour vivre ensemble il faut s'aimer!

 

Evelyn Waugh (London, UK, 28-10-1903 / Combe Florey, Somerset, UK, 10-4-1966): In memoriam

BILIS BRITÁNICA

Hoy es aniversario natal del escritor inglés Evelyn Waugh, autor de novelas, biografías y libros de viajes. Su sobresaliente y estilizada labor literaria se caracteriza por sus descripciones ácidas, satíricas y mordaces de las clases altas o aristocráticas de la sociedad inglesa y la crítica a la falta de valores de la sociedad moderna. Sin la ironía feroz o el humor sarcástico presente en la mayoría de su obra, Retorno a Brideshead es su novela más seria y también la más célebre, sobre todo después de su adaptación como serial televisivo en 1981 que alcanzó difusión internacional.

Hijo de un editor, Arthur Evelyn St. John Waugh (su nombre natal) estudió en el Lancing College y en el Hertford College de Oxford, donde llevó, según sus posteriores palabras, una vida de "pereza, disolución y derroche" (comenzó a beber desenfrenadamente y se introdujo en círculos homosexuales, manteniendo relaciones íntimas con varios de sus compañeros). En 1924, sin concluir sus estudios de Historia, Evelyn comenzó a trabajar primero como maestro de escuela y luego como periodista. Su condición de escritor satírico se manifestó en su primera novela, Decadencia y caída (1928), libro con el protagonismo de Paul Pennyfeather, un estudiante expulsado de Oxford, que le dio notoriedad inmediata. El mismo año de su debut como novelista, Waugh se casó con la aristócrata Evelyn Gardner. Poco después de confesar a su esposa que tenía un amante masculino, la pareja se divorció en 1930, año coincidente con su conversión al catolicismo y en el que había aparecido su segunda novela, Cuerpos viles (1930), su primer gran éxito comercial. En los años siguientes, además de viajar por Africa y Latinoamérica, se editaron otras de sus novelas, sobresalientes por su satírica crítica social sobre aspectos de la vida británica: Merienda de negros (1932), Un puñado de polvo (1934) y ¡Noticia bomba! (1938).

Waugh quería casarse y tener hijos por lo que en 1933 comenzó el procedimiento para conseguir la anulación de su matrimonio, lo que finalmente consiguió en 1936. En 1937 contajo nuevas nupcias con Laura Herbert, una prima católica de su primera mujer. Con ella, que sería su viuda, tuvo siete hijos.

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial se alistó en la Marina británica, desempeñando el cargo de capitán, pero sus dificultades para adaptarse a la vida militar y la falta de entendimiento con sus subordinados y jefes acabaron por apartarle del servicio activo. En esos años apareció Más banderas! (1942), novela en la que retomaba a sus personajes aristocráticos pero ahora en tiempos de guerra. Finalizada la contienda, continuó viajando por el mundo y publicó Retorno a Brideshead (1945), rememoración ficcionalizada entre la nostalgia y la crítica de sus años en Oxford, que está considerada como su mejor obra y una de las más importantes de la novela inglesa del siglo XX. Después se editó Los seres queridos (1948), novela a la que imprimió un elevado nivel de humor negro, desarrollada en torno a la rivalidad entre dos funerarias norteamericanas de humanos y animales. Otras novelas posteriores fueron Helena (1950) o Amor entre ruinas (1953). Basándose en sus experiencias durante la guerra y sin perder su visión satírica, publicó la trilogía formada por Hombres en armas (1952), Oficiales y caballeros (1955) y Rendición incondicional (1961). Al margen de sus novelas, escribió libros de viajes y relatos de corte satírico así como algunos cuentos de terror y fantasía y su autobiografía Un aprendizaje mínimo (1964).

Evelyn Waugh falleció de un ataque cardiaco a los 62 años.

 

Jacques Demy (Pontchâteau, France, 5-6-1931 / Paris, France, 27-10-1990): In memoriam

ROMÁNTICO, SENTIMENTAL Y EXQUISITO

Hoy se cumplen veintiséis años del fallecimiento del cineasta francés Jacques Demy, probablemente el más atípico de los directores surguidos en la época de la Nouvelle Vague francesa. Fue junto a François Truffaut uno de los mayores románticos surgidos de ese movimiento y su estilo -como el de éste, asímismo clásico, melancólico y sentimental- se alejaba bastante de la tendencia predominante de otros realizadores del grupo que abogaban principalmente por la experimentación formal, la crítica social y la agitación política a la hora de hacer y entender el cine. Demy iba a reflujo en esta corriente artística con su personal universo imaginativo, colorido y poderosamente romántico. Sus películas, rebosantes de audacia y emoción, desprenden una belleza, sensibilidad, encanto y delicadeza que cautivan. Demostró su maestría sobre todo en el  músical, un género sin tradición en Francia del que, con la colaboración habitual del músico Michel Legrand, su obra cumbre es Los paraguas de Cherburgo.  

Hijo de un mecánico y una peluquera, Jacques Demy fue un niño creativo, despierto y soñador. Cinéfilo precoz, era un apasionado del arte, desde la pintura, el cine y el teatro hasta los espectáculos de marionetas o títeres. Tras estudiar Bellas Artes en Nantes se trasladó a París para cursar decoración. Sus primeros pasos profesionales en el cine fueron como director de cine publicitario y como ayudante de dirección del documentalista Georges Rouquier. Al mismo tiempo dirigió cortometrajes con compañeros de estudios y amigos: uno de ellos, François Truffaut, le ofreció un pequeño papel (un policía) en su debut como director, "Los cuatrocientos golpes" (1959). También apareció en "Paris nous appartient" (1960) de Jacques Rivette.

Su debut como director, Lola (1960) obtuvo un notable éxito de crítica y público. Dedicada a Max Ophüls, es un homenaje a su última película como director, "Lola Montes" (1955), y a Lola-Lola, el personaje interpretado por Marlene Dietrich en "El ángel azul" (1930) de Josef Von Sternberg. Anouk Aimée interpreta a Lola, una bailarina de cabaret y madre soltera alrededor de la cual se forma un complejo entramado de personajes en constante movimiento. Una de las mejores películas de la primera nouvelle vague, a la frescura propia del cine de ese movimiento, Demy añadió el sentimentalismo ingenuo que caracterizó lo mejor de su obra. La banda sonora de Michel Legrand añadió un toque de jazz que se adaptó perfectamente al espíritu de improvisación y libertad del cine de la época. El personaje de Lola se hizo recurrente en la filmografía de Demy y las referencias a esta película aparecen en buena parte del resto de su trabajo. El éxito de su primer largometraje le permitió llevar a cabo otros proyectos, como su participación en el film de siete episodios y otros tantos directores Los siete pecados capitales (1961), al que contribuyó con La lujuria, y La bahía de los ángeles (1963), drama romántico con Jeanne Moreau, Claude Mann y Paul Guers, posiblemente la cinta más decadente, sobria y desgarrada de su filmografía. En ella se cuenta la historia de una mujer cada vez más a la deriva debido a su ludopatía.

Después acometió su obra más ambiciosa, Los paraguas de Cherburgo (1964), melodrama romántico con Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon y Marc Michel que cuenta la frustrada historia de amor entre Guy y Geneviève, una joven pareja que las circunstancias personales adversas impiden consolidar. Absolutamente novedosa en su planteamiento, todos sus diálogos son cantados sobre una inspiradísima y memorable partitura de Michel Legrand que ya es clásica, y a la vez, con su estética pop y colorista, un homenaje naif a la gran tradición del musical americano. Concebida como ópera popular, es sin duda la obra maestra de Demy. La película ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes, obtuvo un enorme éxito internacional y fue candidata al Oscar como mejor película en lengua extranjera. Cosa curiosa en los Premios de la Academia, al año siguiente fue nuevamente nominada en otras cuatro categorías: mejor guión original (Demy), mejor banda sonora original (Legrand), mejor banda sonora adaptada (Legrand) y mejor canción ("I will wait for you", Demy/Legrand). El film, además, convirtió a Catherine Deneuve en una estrella. Tres años más tarde, Demy intentó repetir el éxito de su anterior película con Las señoritas de Rochefort (1967), musical alegre y vitalista con Catherine Deneuve y su hermana Françoise Dorléac, flanqueadas por un seductor reparto que incluía a George Chakiris, Gene Kelly, Michel Piccoli, Jacques Perrin, Grover Dale y Danielle Darrieux. Homenaje aún más explícito a los grandes musicales de la época dorada de Hollywood, triunfó ampliamente en Francia pero en menor medida en otros países. Demy y Legrand fueron de nuevo candidatos al Oscar por su banda sonora adaptada.

Con Estudio de modelos (1969), drama rodado en inglés con Anouk Aimée, Gary Lockwood y Alexandra Hay, considerado como la segunda parte de Lola, materializó su sueño de rodar en Hollywood. No obstante la película no fue bien acogida y Demy volvió a su país para dirigir Piel de asno (1970), adaptación musical del cuento de Perrault, con Catherine Deneuve, Jean Marais, Jacques Perrin, Micheline Presle y Delphine Seyrig, su película más taquillera en Francia. Menos afortunados resultaton sus siguientes títulos: El flautista (1972), producción británica que adaptaba el cuento de los hermanos Grimm "El flautista de Hamelín", con Donovan, Jack Wild, Donald Pleasence y John Hurt, No te puedes fiar ni de la cigüeña (1973), comedia con Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni donde éste último aparecía embarazado, y Lady Oscar (1979), drama histórico inspirado en un cómic de Manga, con Catriona MacColl y Barry Stokes.

Su carrera se recuperó en parte con Una habitación en la ciudad (1982), musical trágico acerca de unos trabajadores durante una huelga en Nantes en 1955, con Dominique Sanda, Danielle Darrieux, Richard Berry y Michel Piccoli, nominado a nueve premios César. Al igual que en Los paraguas de Cherburgo, todos los diálogos de la película son cantados, aunque en esta ocasión la música no era de Legrand sino de Michel Colombier. Después rodó Parking (1985), revisión musical del mito de Orfeo, con Francis Huster, Laurent Malet, Keïko Ito, Gérard Klein y Marie-France Pisier, La table tournante (1988), un film de animación codirigido con Paul Grimault, y Tres entradas para el 26 (1988), musical con Yves Montand, Mathilda May, Patrick Fierry y Françoise Fabian.

Jacques Demy se casó en 1962 con la también directora Agnès Varda, que aportó al matrimonio una hija anterior, Rosalie, que fue adoptada por Demy. La pareja tuvo un hijo en 1972, Mathieu Demy. El director falleció de sida a los 59 años.

 

Mahalia Jackson - You'll never walk alone

WITH A HOPE IN YOUR HEART

Un recuerdo en su 105 aniversario natal a la cantante estadounidense Mahalia Jackson, apelada 'la Reina del gospel'. Aunque You'll never walk alone es una canción profana devenida standard (procede del musical "Carousel" de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, estrenado en Broadway en 1945 y llevado al cine en 1956), esta gran dama de New Orleans, con su portentosa voz de contralto, la interpreta con un fervor religioso que estremece en el siguiente video de 1957.

You'll never walk alone (lyrics)

When you walk through a storm
Hold your head low high
And don't be afraid of the dark

At the end of a storm
It's a golden rave
And the sweet silver song of a lark

Walk on through the storm
Walk on through the rain
Though your dreams be tossed and blown

Walk on, walk on
With a hope in your heart
And you'll never walk alone

You'll never walk alone

Walk on, walk on
With a hope in your heart
And you'll never walk alone

You'll never walk alone.

Wiener Philharmoniker - Wiener blut (walzer, Johann Strauss II)

JOHANN STRAUSS II (St. Ulrich, Viena, Austria, 25-10-1825 / Ibíd, 3-6-1899): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor austriaco Johann Strauss II (segundo o Johann Strauss hijo), famoso especialmente por sus valses y que formó parte de la dinastía de músicos que convirtió esta modalidad de baile en un símbolo de la ciudad de Viena.

Hijo primogénito del músico Johann Strauss y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, su nacimiento fue motivo para que su padre se casara con Anna Streim, a la que había dejado embarazada. Niño prodigio, compuso su primer vals cuando sólo contaba seis años. No obstante, su dedicación a la música encontró la firme oposición de su progenitor, que quería que fuese comerciante. Sin embargo, gracias al apoyo de la madre, pudo tomar lecciones de violín y composición en secreto y continuar con sus planes musicales. A los diecinueve años realizó su primera aparición pública dirigiendo su propia orquesta. De joven hizo gala del mismo comportamiento indisciplinado y disipado que su padre, con quien estuvo enfrentado y rivalizó hasta la muerte del anciano Johann Strauss en 1849. Apenas un mes después fusionó su orquesta con la que su padre había lanzado a la fama. Los músicos, sin embargo, se contraponían al joven sucesor, por lo que a éste no le quedó más remedio que disolver eventualmente la orquesta y reorganizarla. Posteriormente no tardó en superar en popularidad a su progenitor y dio conciertos con gran éxito en las principales ciudades de Austria, Alemania, Polonia, Francia, Italia, Gran Bretaña, Rusia y los Estados Unidos. Aclamado en todo el mundo, en 1863 fue nombrado director de la música de baile de la Corte de Viena. Tiempo después confió la dirección de su famosa orquesta a sus hermanos Josef y Eduard. A partir de entonces se consagró a la composición.

Strauss revitalizó el vals ennobleciendo una danza de origen campesino para el entretenimiento de la Corte Real de los Habsburgo. Strauss es sinónimo de vals, una música que representa a la perfección el espíritu alegre y sentimental que presidió la Viena del siglo XIX. Con veintiocho años disponía de un cuerpo orquestal de 300 instrumentalistas, divididos en varios conjuntos musicales. Tocaban en diferentes establecimientos y salones de baile. Strauss mismo iba de un lugar a otro, a veces dirigiendo en más de seis estrados durante una sola noche. Compuso alrededor de 500 piezas de baile, de las cuales más de 150 corresponden a valses. Entre ellos destacan Mariposa nocturna (1955), Bombones de Viena (1866), El Danubio Azul (1867), Vida de artista (1867), Cuentos de los bosques de Viena (1868), Vino, mujeres y canto (1869), Sangre vienesa (1873), Rosas del sur (1880), Voces de primavera (1883), o Vals del Emperador (1888). Asímismo compuso gran número de polcas (Tritsch-trastch, 1858) y marchas (Marcha persa, 1864). Entre 1871 y 1897 compuso 16 operetas, con títulos como El murciélago (1874), Una noche en Venecia (1883) o El barón gitano (1885).

Johann Strauss se casó en 1862 con la cantante Jetty Treffe, matrimonio que se mantuvo hasta el fallecimiento de ella en 1878. Seis meses después se casó con la actriz Angelika Dittrich, veinticinco años menor que él y de quien pronto se separó por diferencias insalvables. Para poder divorciarse, en 1882 cambió de religión (abandonó el catolicismo) y hasta de nacionalidad (se hizo ciudadano del Ducado de Sajonia). Su tercera esposa, desde 1887 y a la postre su viuda, fue Adele Deutsch. No tuvo hijos. Célebre y rico, el llamado 'Rey del vals' falleció en su ciudad natal a consecuencia de una neumonía a los 73 años.

El vals Sangre vienesa (1873), uno de los más populares de Johann Strauss, dio origen a una opereta del mismo título que se estrenó en octubre de 1899, poco después de la muerte de su autor. En el video se puede apreciar esta famosa pieza en interpretación de la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Zubin Mehta.

Gilbert Bécaud - L'important c'est la rose

TOI QUI MARCHES DANS LE VENT

Recordamos al cantante y compositor francés Gilbert Bécaud en su aniversario natal con L'important c'est la rose, canción con letra de Louis Amade y música suya que fue editada en 1967, convirtiéndose desde entonces en un standard europeo.

Al Jolson - Sonny Boy ("The singing fool", 1928)

I STILL HAVE YOU

Recordamos al cantante, actor y entertainer estadounidense Al Jolson en el sesenta y seis aniversario de su fallecimiento con Sonny Boy (Henderson / De Sylva / Brown), hiper-sentimental canción incluida en la película "El loco cantor" (1928) de Lloyd Bacon, protagonizada por el que fue primer ídolo del cine sonoro. Este título, que constituyó el primer largometraje 100% hablado del cantante, emocionó profundamente a toda América contando la historia de un artista determinado a continuar con su espectáculo mientras su hijo pequeño yace moribundo. Jolson, que había triunfado clamorosamente un año antes con "El cantor de jazz", logró un éxito popular aún mayor con "El loco cantor", película que se mantuvo en el box office como la más taquillera durante once años hasta que fue desbancada por "Lo que el viento se llevó" (1939). En cuanto a Sonny Boy, la grabación se prolongó durante doce semanas en el nº 1 de las listas estadounidenses y fue la primera canción en la historia en superar el millón de copias vendidas.

Sonny Boy (lyrics)

Climb up on my knee, Sonny Boy
Though you're only three, Sonny Boy
You've no way of knowing
There's no way of showing
What you mean to me, Sonny Boy.

When there are grey skies,
I don't mind the grey skies.
You make them blue, Sonny Boy.
(Please, I can make it, I can)

Friends may forsake me.
Let them all forsake me.
I still have you, Sonny Boy.

You're sent from heaven
And I know your worth.
You've made a heaven
For me, right here on earth.
And when I'm old and grey, dear
Promise you won't stray, dear
From your dear old Dad, Sonny Boy.

When there are grey skies,
I don't, I don't mind grey skies.
I don't mind, you make them blue, Sonny Boy.
Friends may forsake me.
Let, let them all forsake me.
I still have you, Sonny Boy.

You're sent from heaven
And I know your worth.
Why you've made a heaven
For me, right here on earth.
The angels, they grew lonely
And they took you because they were lonely
I'm lonely too, Sonny Boy.

Jose Guardiola - Enamorada

CON LOS LABIOS EN FLOR ENCENDIDOS

Recordamos el aniversario natal del cantante español José Guardiola con su versión de Enamorada, composición de Rafael de León (letra) y Augusto Algueró (música) vencedora en 1961 de la tercera edición del extinto Festival de Benidorm en la voz de José Francis.

Manfred Mann - Ha, ha, said the clown

TRIBUTE TO MANFRED MANN (Johannesburg, Transvaal, Union of South Africa, 21-10-1940)

El músico británico de rock Manfred Mann cumple hoy 76 años. Se le conoce principalmente por haber sido líder entre 1964 y 1969 del grupo que llevaba su nombre, uno de los más interesantes de la música beat de aquella década.

Michael Lubowitz (su nombre real), gran amante del jazz y en concreto del batería neoyorquino Shelly Manne, adoptó para escribir artículos de jazz como homenaje a éste el seudónimo de Manfred Manne, cambiado posteriormente por Mann. Después de tocar jazz en diferentes locales de su país natal, Manfred se trasladó al Reino Unido con la intención de proseguir interpretando su música favorita en tierras inglesas. En el período que llegó a Londres el sonido R&B era uno de los favoritos de parte de la juventud inglesa y pronto comenzó a atraer también al sudafricano, en especial cuando conoció en 1962 al batería y vibrafonista Mike Hugg, con quien formó el dúo The Mann-Hugg Brothers. Más tarde se incorporaron al proyecto el cantante y armonicista Paul Jones, el multi-instrumentista Mike Vickers y el bajista Dave Richmond. Como quinteto el grupo comenzó a ganar audiencia gracias a sus regulares actuaciones en los locales de moda como el Marquee o el Crawdaddy. En 1963 conocieron a Kenneth Pitt, quien se convirtió en su representante y les consiguió un contrato discográfico con EMI.

Sus dos primeros singles pasaron desapercibidos pero consiguieron un nº 3 en las listas inglesas con el tercero, 5-4-3-2-1 (1964), cosechando otros éxitos importantes con Do wah diddy diddy (1964), nº 1 en el Reino Unido y un hit internacional, Sha-la-la (1964), nº 3, Come tomorrow (1964), If you gotta go, go now (1965), nº 2, o Pretty flamingo (1966), nº 1. Entretanto Mike Vickers, el bajista Jack Bruce y el cantante Paul Jones fueron dejando el grupo para pasar a otras formaciones o emprender carreras en solitario. Ante estas importantes bajas el futuro de Manfred Mann era incierto. Sin embargo, las llegadas del cantante Mike D’Abo y del bajista Klaus Voorman, prorrogaron el éxito para el grupo, que tendió hacia sonidos más pop. Así Manfred Mann continuó triunfando dentro y fuera del Reino Unido con canciones como Just like a woman (1966), versión del tema de Dylan que llegó al nº 10, Semi-detached suburban Mr. James (1966), nº 2,  Ha, ha, said the clown (1967), nº 4, Mighty Quinn (1968), nº 1, My name is Jack (1968), nº 8, Fox on the run (1968), nº 5, o Ragamuffin man (1969).

A pesar de estos éxitos Manfred Mann no estaba contento con el predominio pop de las composiciones, así que el grupo dejó de existir para intentarlo Mann y Mike Hugg como Manfred Mann Chapter Three antes de que el teclista creara Manfred Mann’s Earth Band, banda con sonidos progresivos.

 

Manfred Mann, 1967

Manfred Mann group, 1966

Jean-Pierre Melville (Paris, France 20-10-1917 / Ibíd, 2-8-1973): In memoriam

PRECURSOR DE LA NOUVELLE VAGUE

Hoy es aniversario natal del director cinematográfico francés Jean-Pierre Melville, considerado maestro del 'polar' o policiaco galo. Muy influido por las películas de gangsters norteamericanas de los años 30 y 40, construyó una filmografía que, aun breve, ocupa un lugar único en el cine francés (del que se le ha calificado como el 'más americano' de los directores). Autor en toda regla, con una muy personal y depurada puesta en escena a base de estilización visual en decorados (planos de ciudad nocturna próxima al alba con siluetas inciertas), vestuario con accesorios a la americana (abrigos, sombreros, armas), escasos diálogos y montaje sincopado con saltos de eje que acentúan la tensión y la violencia, amén de sus temáticas en las que componía una mitología de la virilidad y de las sociedades entre hombres. Extremadamente individualista e independiente, además de moralista desengañado, Melville dotó a sus obras de un halo trágico de fatalidad, dejando al menos media docena de clásicos a la posteridad. Adorado por los nuevos realizadores de la nouvelle vague, que le consideraron su guía (Godard o Chabrol le hicieron aparecer en sendas películas por ellos filmadas), su influencia se hizo después patente en films de Walter Hill, John Woo, Jim Jarmusch, Quentin Tarantino u otros.

Hijo de judios alsacianos, Jean Pierre Grumbach (su nombre real) descubrió la magia del cine con un pequeña cámara Pathé-Baby de 8 mm. que le regalaron sus padres a los cinco años. Doce meses después, sus primeras inquietudes fílmicas se ven satisfechas con el obsequio de un proyector en miniatura. Con ello tuvo la oportunidad de aprender los rudimentos del lenguaje cinematográfico y de ver muchos clásicos del cine mudo americano, lo que incrementó su afición por el séptimo arte. De adolescente pasaba días enteros en el cine, nutriéndose fundamentalmente de producciones norteamericanas, que siempre fueron sus preferidas y cuya visión repetida le hizo formarse en la técnica de filmar de manera autodidacta. 

La irrupción de la Segunda Guerra Mundial aplazó sus aspiraciones de convertirse en realizador. Durante ésta prestó sus servicios en la caballería francesa, después en el ejército inglés y finalmente en las FFI (Fuerzas Francesas del Interior), que organizaban la resistencia contra los alemanes y el régimen de Vichy. En la clandestinidad su seudónimo era Melville -tomado del autor de "Moby Dick", escritor a quien admiraba- y que, tras la contienda, adoptó como nombre profesional. Con él filmó su primer cortometraje, Veinticuatro horas en la vida de un payaso (1946).

Sin encontrar ayudas para rodar lo que quería, formó su propia productora y tuvo hasta sus propios estudios en París. Su primer largo fue El silencio del mar (1949), drama sin estrellas que adaptaba una novela de Jean Bruller sobre la reciente ocupación alemana, tema sobre el que Melville volvería en films posteriores. El talento y originalidad demostrados en su puesta en escena hicieron que Jean Cocteau personalmente le encargase la adaptación cinematográfica de su obra teatral Los niños terribles (1949). Depués de dirigir a Juliette Greco, Philippe Lemaire e Yvonne Sanson en el drama Cuando leas esta carta (1953), realiza su primer policiaco, Bob el jugador (1956), con Isabelle Corey, Roger Duchesne y Daniel Cuchy, al que sucede el noir Dos hombres en Manhattan (1959), su único film rodado en Estados Unidos y también el único que protagonizó como actor (junto a Pierre Grasset).

Deseoso de lograr mayor reconocimiento popular para sus obras, a partir de los años 60 apoyó sus filmaciones en la presencia de actores conocidos, fundamentalmente tres: Jean-Paul Belmondo, Lino Ventura y Alain Delon, que se alternaron en el protagonismo de sus siguientes películas. En Léon Morin, sacerdote (1961), drama con Jean-Paul Belmondo y Emmanuelle Riva, volvía a describir el ambiente de la Francia ocupada en una pequeña localidad de provincias donde, bajo una apariencia de normalidad, subyace una profunda violencia. Sus siguientes títulos fueron todos policiacos en los que hizo uso de una violencia cada vez más estilizada: El confidente (1962), intenso thriller con aires de tragedia clásica y protagonismo de Jean-Paul Belmondo y Serge Reggiani, considerada la primera de sus obras maestras, El guardaespaldas (1963), adaptación de una novela de Georges Simenon, con Jean-Paul Belmondo y Charle Vanel, Hasta el último aliento (1966), thriller con Lino Ventura y Paul Meurisse, El silencio de un hombre (1967), thriller con Alain Delon, François Périer y Nathalie Delon que muchos consideran la cima de su obra, clásico de culto donde cuenta la historia de un hermético y frío asesino a sueldo con una desnudez formal llevada al límite, El ejército de las sombras (1969), drama con Lino Ventura, Paul Meurisse, Jean-Pierre Cassel y Simone Signoret, que supone el más emotivo homenaje que el cine ha rendido a la resistencia francesa ante la ocupación alemana, Círculo rojo (1970), noir con Alain Delon, André Bourvil, Gian Maria Volontè, Yves Montand y François Périer, y Crónica negra (1972), thriller con Alain Delon, Richard Crenna y Catherine Deneuve.

Jean-Pierre Melville falleció de un ataque cardiaco a los 55 años. Atras quedó su cine que, desde 1962, es una sucesión de obras maestras que subliman los cánones del cine negro estadounidense conformando una suerte de territorio mítico, donde el valor, la soledad, la ocultación de los sentimientos y los finales inexorablemente desdichados llegan a límites no alcanzados ni por los clásicos del otro lado del Atlántico.