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sábado, 31 de marzo de 2018

ArtMusik Quartet - Andante Cantabile (Joseph Haydn)

JOSEPH HAYDN (Rohrau, Archiducado de Austria, Sacro Imperio Romano Germánico, 31-3-1732 / Viena, Imperio austríaco, 31-5-1809): IN MEMORIAM

El eminente compositor austriaco del periodo clásico Joseph Haydn nació tal día como hoy en 1732. Influyente predecesor en el tiempo de Mozart y Beethoven, es con ellos el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que, sin su aportación, la obra de los dos primeros, y tras ellos la de Schubert o Mendelssohn, nunca habría sido lo que fue. A Haydn, más que a ningún otro, se debe el definitivo establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin apenas modificaciones hasta bien entrado el siglo XX. Su música se sitúa entre el barroco tardío y el prerromanticismo y en su catálogo, aún incompleto, figuran 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 45 tríos, 16 óperas (bufas en su mayoría), 38 conciertos para diversos instrumentos, 52 sonatas para piano, 14 misas, 4 oratorios, además de cánones, piezas sacras, canciones alemanas e italianas, coros a tres y cuatro voces, así como la armonía y el acompañamiento para cientos de canciones antiguas escocesas, y también divertimentos, fantasías, caprichos y composiciones para todo tipo de instrumentos y voces. La productividad de Haydn se vio fortalecida por su forzosa originalidad, al vivir casi treinta años aislado y sin contacto con otros compositores como músico de corte para sus mecenas, la rica y aristocrática familia húngara de los Esterházy. Son característicos de su estilo los cambios repentinos de momentos dramáticos a efectos humorísticos, así como su inclinación por las melodías de tipo folclórico. La forma innovadora en que transformaba un simple motivo musical en complejos desarrollos fascinó a sus contemporáneos y, en las dos últimas décadas de su vida, ya independiente, Haydn gozó de gran popularidad y se hizo rico.
Nacido en un pueblecito austriaco cercano a la frontera con Hungría, Franz Joseph Haydn fue el segundo de los doce hijos de un fabricante y reparador de carros al servicio de un aristócrata para el que su esposa trabajó de cocinera. El pequeño recibió sus primeras nociones musicales de su padre, quien, después de la jornada laboral, cantaba acompañándose al arpa con toda su familia reunida. Estos conciertos domésticos constitu­yeron la primera escuela de Joseph, quien, heredero de una voz magnífica, no tardó en ser confiado a un pariente en la vecina población de Hainburg para que progresara en sus estudios musicales. Haydn, a la sazón con seis años de edad, ya no volvió a vivir con su familia. Tras pasar hambre y sufrir humillaciones, dos años después, en Viena, ingresó en el coro de la catedral de San Esteban, severa institución donde tuvo oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales y aprender a tocar el piano de forma autodidacta. Allí, de nuevo mal alimentado, permaneció Haydn hasta 1749. El cambio de su voz conllevó su despido del coro, quedándose en la calle, hambriento y sin sitio a donde ir. Por suerte, un amigo le albergó varios meses en la atestada buhardilla donde residía su familia. Por mor de su voluntad y esfuerzo, ya que apenas poseía formación académica, Haydn llegó a ser un buen violinista y clavecinista. En esa época dio serenatas callejeras y se apuntaba a cualquier recital en un salón nobiliario con tal de acceder a los cana­pés. Durante un periodo fue asistente del compositor italiano Nicola Porpora (maestro vocal del castrato Farinelli), de quien aprendió los fundamentos de la composición. Ya anciano, aquel regresó a su Nápoles natal. En esos años Haydn compuso sus primeros cuartetos de cuerda y su primera ópera, El diablo cojuelo (1751), que le dio cierta reputación, a pesar de ser pronto retirada por la censura.
Tras servir temporalmente a varios aristócratas, pasó en 1759 a ejercer como maestro de capilla en la residencia del conde Morzin, para quien compuso sus primeras sinfonías y divertimentos. Por fin con un empleo estable, en 1760 se casó con Maria Anna Theresia Kelle, hija de un peluquero en cuya casa se había hospedado, matrimonio que resultó infeliz y no produjo descendencia. La leyes de la época no permitían el divorcio y ambos cónyuges tuvieron amantes (Entre otras, Joseph mantendría posteriormente una larga relación con una cantante, con la que parece que tuvo uno o varios hijos). Las dificultades económicas de su primer mecenas derivaron en el despido de sus músicos empleados en 1761, año en que se produjo un giro decisivo en la carrera del joven músico: fue entonces cuando los húngaros príncipes de Esterházy -primero Pál Antal y poco después, a la muerte de éste en 1763, su hermano Miklós durante casi treinta años- lo tomaron a su servicio. Merced a esta culta y acaudalada familia, Haydn tendría a su disposición una de las mejores orquestas de Europa, para la que escribió la mayor parte de sus numerosas obras orquestales, operísticas y religiosas. Con estatus de lacayo, librea incluida, acompañó a sus empleadores en sus residencias de Eisenstadt (Austria) y Esterháza (Hungría), su palacio veraniego. Además de componer constantemente las obras que el príncipe le encargaba, ensayarlas y dirigirlas, así como también las de otros compositores, debía enseñar a los cantantes, mantener la colección de instrumentos y la librería musical, trabajar como organista, violista y violinista cuando fuera necesario y solventar las disputas de los músicos a su cargo. Aunque con frecuencia se quejaba del peso de su trabajo y de la soledad y el aislamiento social que le suponía, su posición era envidiable para cualquier músico del siglo XVIII.
Durante el período correspondiente a la década de 1770, Haydn vivió la época llamada del Sturm und Drang (tormenta e ímpetu), movimiento que tuvo reflejo en la música, la literatura y la pintura, un período en la cultura germánica durante el cual los creadores trataban de expresar una especie más personal y subjetiva de emoción y sentimiento, en contraposición a las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración y los movimientos asociados a su estética. Fue un impulso prerromántico que persistió hasta 1785.  Algunas de las composiciones de Haydn más conocidas de esta época son la Sinfonía de los adioses, la Sonata para piano en do menor y los Seis cuartetos de cuerda Op. 20 (los cuartetos 'Sol'), todos ellos de 1772.
Un aspecto importante de su contrato con Esterházy después de 1779 fue la libertad de vender su música a los editores y de aceptar comisiones por ello. Como consecuencia, durante la década siguiente, su obra empezó a conocerse fuera de los límites palaciegos y su fama se extendió considerablemente. Obras tan importantes como sus seis Cuartetos de cuerda Opus 33 (1881),  las seis Sinfonías de París (1785-1786) o el oratorio Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz (1786) fueron compuestas en aquellos años. En sus desplazamientos a Viena, alrededor de 1784 trabó estrecha amistad con Mozart. Este, veinticuatro años más joven que él, lo llamaba papá. Ambos se profesaron gran admiración mutua y pertenecieron a la misma Logia masónica.
En 1790, un año después de la Revolución francesa, murió el príncipe Miklós y su sucesor, sin interés por la música, retiró a Haydn con una pensión y conservando su título de Maestro de Capilla. El compositor pasó a residir en Viena, donde estaría menos aislado y con más contacto social.  En el tiempo que había pasado aislado con los Esterházy, los músicos de su orquesta habían difundido su nombre y su buen hacer por toda Europa, así que su obra era bien conocida. Se encontró con que era un músico famoso y respetado en el mundo musical. Su estilo sinfónico se había difundido ampliamente y los compositores jóvenes escribían siguiendo su ejemplo. Había nacido la sinfonía, obra para orquesta en varias partes muy diferentes pero que forman una gran unidad.
Pronto fue solicitado por el empresario alemán Johann Peter Salomon para desplazarse a Londres, donde compuso gran parte de sus doce últimas sinfonías, que tuvieron gran éxito. Sus dos estancias en el Reino Unido (1791-1792 y 1794-1795) fueron de intensa actividad creadora, componiendo entonces algunas de sus obras más conocidas, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía Sorpresa, El Milagro, la Sinfonía Militar, El Reloj, la Sinfonía Redoble de timbal y la Sinfonía Londres) y también el Cuarteto Reiter o el Rondó gitano para trío con piano. En Londres recibió el doctorado Honoris Causa en la Universidad de Oxford en 1792 y también tuvo ocasión de escuchar varias obras de Haendel, lo que le inspiraría el oratorio La Creación (1798), su obra más ambiciosa, a la que luego siguió el oratorio Las Estaciones (1801).
Entre sus idas y venidas, dio clases de contrapunto a Ludwig van Beethoven en Viena. La relación entre ellos fue tensa entonces y Beethoven, díscolo e insatisfecho, buscó la ayuda de otros. Unos quince años más tarde, en 1808, Haydn asistió en Viena a una audición de su obra La Creación, dirigida por Antonio Salieri, con letra en versión italiana. En el teatro había una delegación de músicos entre los que se encontraba Beethoven. La acogida a Haydn fue emocionante así como todo el acto, tanto, que el anciano músico no pudo resistirlo y tuvo que marcharse durante el descanso. Beethoven salió a despedirlo y le besó las manos conmovido: Haydn había sido su gran maestro. 
A partir de 1795 Haydn ya no salió de Viena, donde se hizo construir una gran casa (hoy convertida en museo) en la que, guiado por su religiosidad, se dedicó a la composición de obras sacras para coro y orquesta, incluyendo los oratorios antes mencionados y seis misas para la familia Eszterházy. A comienzos de 1797 compuso el himno Gott erhalte Franz den Kaiser  (Dios salve a Francisco el Emperador), basándose en un texto de Lorenz Leopold Haschka, cantado el día del cumpleaños de Francisco II del Sacro Imperio Romano Germánico en presencia de su majestad en el Teatro de Viena. Fue el himno del Sacro Imperio Romano Germánico y su continuación natural: el Imperio austríaco, el Imperio austrohúngaro y a partir de 1922 pasó a ser el de Alemania, Das lied der Deutschen. Su tercera estrofa, desde la Segunda Guerra Mundial, se ha utilizado como himno nacional alemán. En los últimos años de su existencia, Haydn fue reconocido y apreciado por todo el mundo musical europeo.
A partir de 1802 su salud se fue deteriorando hasta tal punto de que ya no era capaz de componer, lo que sin duda entristeció sus últimos años de vida. En pleno asedio de Viena por las tropas napoleónicas, Haydn falleció en su casa a los 77 años.  Quince días después, en su servicio fúnebre se interpretó el Réquiem de Mozart. La aportación de Haydn fue trascendental para la historia de la música en un momento en que se asistía a la aparición y consolidación de las grandes formas instrumentales, contribuyendo a ampliar las posibilidades técnicas de la orquesta sinfónica moderna.
Misa Nelson, Misa María Teresa, Sinfonía de los adioses, Sonata para piano en do menor, La creación, Las estaciones, entre otras, son algunas de sus obras más destacadas.

... Fuente https://www.quien.net/joseph-haydn.php
El llamado "padre de la sinfonía" y de la orquestación moderna fue un hombre modesto, bondadoso, de corazón alegre y buen humor, muy apreciado por sus amigos y, pese a su nada agraciado físico, amado por muchas mujeres. Aunque era un duro negociador en cuestiones profesionales, superados sus años de pobreza y desnutrición, supo mostrarse generoso con sus familiares, sirvientes y personas necesitadas.




De los seis cuartetos de cuerda Opus 3 (1765) atribuidos a Joseph Hydn (1), el más conocido es el nº 5 en Fa mayor, conocido como Serenade o Andante cantabile, interpretado en el video por el cuarteto rumano ArtMusik en 2012.

(1)  Aún se discute sobre si el verdadero autor fue Roman Hoffstetter (1742/1815), compositor alemán y monje benedictino que admiraba a Haydn al punto de copiarlo.

viernes, 30 de marzo de 2018

Timi Yuro - Le solite cose

IO SO CHE PERDEREI IL MIO DOMANI SE VAI

Tal día como hoy en 2004 falleció la cantante estadounidense Timi Yuro, de característica y poderosa voz de contralto. Hija de padres italianos, en 1968 compitió por segundo año (ya lo hizo con dos canciones en 1965) y última vez en el Festival de Sanremo con Le solite cose, bella composición de Vito Pallavicini y Pino Donaggio, que, también interpretada por éste último, no consiguió clasificarse para la final.
 
 

Le solite cose  (parole)

Se te ne vai,
mi porti via il mondo,
la mia felicità.
Ti chiedo per pietà
di ripensarci.
Se te ne vai,
che cosa me ne faccio
di questa vita se
ho dedicato a te
ogni momento
di me.
Vedrai, vedrai
che un giorno cambierà,
son le solite cose
che si dicono sempre
ma non so dir di più,
so che sei tutto.
Se te ne vai
mi porti via il mondo,
la mia felicità.
Io so che perderei
il mio domani
se vai.
Vedrai, vedrai
che un giorno cambierà,
son le solite cose
che si dicono sempre
ma non so dir di più,
so che sei tutto.
Se te ne vai
mi porti via il mondo,
la mia felicità.
Io so che perderei
il mio domani
se vai
Io so che perderei
il mio domani
se vai.


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jueves, 29 de marzo de 2018

Maurice Jarre - Lara's theme ("Doctor Zhivago", 1965)

MAURICE JARRE (Lyon, France, 13-9-1924 / Los Angeles, US, 29-3-2009): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen nueve años de la muerte de Maurice Jarre, el más famoso compositor francés de bandas sonoras cinematográficas. En más de cuarenta años de brillante carrera internacional fue autor de partituras para una larga lista de películas de todos los géneros. En muchas de ellas integró instrumentos exóticos y, a partir de los años 80, influido por su hijo Jean-Michel Jarre, experimentó también con la música eléctrónica. Ocho de sus bandas sonoras (siete originales y una adaptada) y una canción con música suya fueron nominadas al Oscar, premio que logró por Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago y Pasaje a la India, tres films dirigidos por David Lean. También ganó en competición cuatro Globos de Oro, dos BAFTA y un Grammy, además de un César honorífico (1986) y un Oso de Oro por el conjunto de su carrera en el Festival de Berlín (2009).
Hijo de un director técnico radiofónico, no se interesó seriamente por la música hasta los últimos años de su adolescencia. Empezó a estudiar ingeniería en la Sorbonne de París pero pronto, contra la voluntad de su padre, dedicidió matricularse en el Conservatorio para estudiar armonía y composición, eligiendo la modalidad de percusión. Cuando acabó sus estudios, durante algún tiempo, fue percusionista en el teatro de Jean-Louis Barrault. Luego, a lo largo de doce años, fue director musical del Théâtre National Populaire y compuso música sinfónica.
En 1951 empezó a componer para la pantalla en un cortometraje, figurando entre los primeros largos a los que puso música La cabeza contra la pared (1959) y Los ojos sin rostro (1960), ambos de Georges Franju. Su primer trabajo para Hollywood fue La gran apuesta (1961) de Richard Fleischer, al que siguió El día más largo (1962) de Ken Annakin, Andrew Marton y Bernhard Wicki. Su carrera dio un giro espectacular cuando el productor Sam Spiegel le encargó la banda sonora de Lawrence de Arabia (1962), que supuso su primera colaboración con el director David Lean y su consagración internacional. Entre los siete Oscars que consiguió la película, uno fue a las manos de Jarre por su banda sonora original. Al año siguiente volvió a ser nominado al premio de la Academia en el apartado de mejor banda sonora adaptada por una película francesa, Sibila (1963) de Serge Bourguignon, que se alzó con el Oscar a la mejor película en lengua extranjera. Entre sus siguientes trabajos figuran Judex (1963) de Georges Franju, Y llegó el día de la venganza (1964) de Fred Zinnemann, El tren (1964) de John Frankenheimer o El coleccionista (1965) de William Wyler.
Por la banda sonora de Doctor Zhivago (1965) de David Lean, su partitura más célebre, ganó un segundo Oscar, además de un Globo de Oro. La Academia de Hollywood volvió a nominarle por ¿Arde París? (1966) de René Clément y después, entre otras, puso música a Grand Prix (1966) de John Frankenheimer, Los profesionales (1966) de Richard Brooks, La noche de los generales (1967) de Anatole Litvak, El hombre de Kiev (1968) de John Frankenheimer, Isadora (1968) de Karel Reisz, Topaz (1969) de Alfred Hitchcock, La caída de los dioses (1969) de Luchino Visconti, La hija de Ryan (1970) de David Lean, Eso del matrimonio (1971) de Arthur Hiller, El juez de la horca (1972) de John Huston, con nominación al Oscar a mejor canción para "Marmalade, molasses & honey", El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972) de Paul Newman, El hombre de Mackintosh (1973) de John Huston, El hombre que pudo reinar (1975) de John Huston, Mandingo (1975) de Richard Fleischer, El último magnate (1976) de Elia Kazan, Mahoma, el mensajero de Dios (1976) de Moustapha Akkad, por la que obtuvo una nueva candidatura al Oscar,  Jesús de Nazareth (1977) de Franco Zeffirelli, o El tambor de hojalata (1979) de Volker Schlöndorff.
Hasta el final del siglo XX prosiguió su prolífica trayectoria musicando títulos como Resurrección (1980) de Daniel Petrie, Círculo de engaños (1981) de Volker Schlöndorff, Firefox: El arma definitiva (1982) de Clint Eastwood, El año que vivimos peligrosamente (1982) de Peter Weir, su primera partitura electrónica asesorado por su hijo Jean-Michel, Pasaje a la India (1984) de David Lean, logrando por este trabajo su tercer Oscar y su segundo Globo de Oro, Unico testigo (1985) de Peter Weir, con sendas nominaciones a ambos premios además de ganar un BAFTA, La costa de los mosquitos (1986) de Peter Weir, Atracción fatal (1987) de Adrian Lyne, Gorilas en la niebla (1988) de Michael Apted, tercer Globo de Oro y séptima nominación al Oscar a la mejor banda sonora original, El club de los poetas muertos (1989), su segundo premio BAFTA, Ghost (1990) de Jerry Zucker, última candidatura al Oscar, La escalera de Jacob (1990) de Adrian Lyne, Sin miedo a la vida (1993) de Peter Weir, Un paseo por las nubes (1995) de Alfonso Arau, cuarto Globo de Oro, Sunchaser (1996) de Michael Cimino, Sunshine (1999) de István Szabó, o Soñé con Africa (2000) de Hugh Hudson. En el año 2003 anunció su retirada.
Maurice Jarre se casó en cuatro ocasiones y se divorció de sus tres primeras esposas: Francette Pejot (1946-1953), madre de su hijo Jean-Michel (también compositor y pionero de la música electrónica); la actriz Dany Saval (1965-1967), con quien tuvo a su hija Stephanie; y la actriz Laura Devon (1967-84), con la que adoptó a su hijo Kevin. Desde 1984 hasta su muerte en 2009 estuvo casado con Fong Fui Khon. El compositor falleció de cáncer a los 84 años.



El Tema de Lara de Doctor Zhivago (1965) es, sin duda, la pieza más conocida mundialmente de Maurice Jarre.

miércoles, 28 de marzo de 2018

Freddie Bartholomew (London, UK, 28-3-1924 / Sarasota, Florida, US, 23-1-1992): In memoriam

FUGAZ ESTRELLATO INFANTIL

Hoy es aniversario natal del actor anglo-estadounidense Freddie Bartholomew, que a mediados de los años 30 triunfó en Hollywood como estrella infantil. Alto, espigado, de aspecto angelical, modales delicados y exquisita dicción, cautivó al público de su tiempo y, por un breve periodo, fue una de las más populares luminarias de Metro-Goldwyn-Mayer, generalmente en películas de época. Luego, sus familiares se disputaron su fortuna en diversos pleitos judiciales y su carrera en la pantalla cayó en picado. A los veintiséis años ya era una estrella del pasado.
Freddie Bartholomew era hijo de un veterano herido de la Primera Guerra Mundial. Desde los tres años vivió en casa de sus abuelos en Warminster, pequeña localidad al sur de Inglaterra donde fue criado por su tía Millicent, hermana soltera de su padre. Actor precoz, a los cinco años destacó por sus habilidades recitativas, sabiendo también cantar y bailar. Con apenas seis debutó en el cine británico y, mientras estudiaba arte dramático, apareció en un total de cuatro películas en su país natal estrenadas entre 1930 y 1932. 
Un viaje a Londres en 1934 del productor David O. Selznick y el director George Cukor en busca de un niño que protagonizase la adaptación a la pantalla de "David Copperfield", la célebre novela de Charles Dickens que a la sazón preparaba Metro-Goldwyn-Mayer, propició el descubrimiento de Bartholomew en las pruebas de casting realizadas. Tras resultar elegido, Freddie y su tía viajaron a Hollywood, donde el estudio ofreció un contrato por siete años. Con sólo diez, Bartholomew interpretó al pequeño héroe dickensiano en impecable inglés e incluido en un reparto donde también figuraban W.C. Fields, Lionel Barrymore, Madge Evans, Maureen O'Sullivan, Edna May Oliver, Lewis Stone, Frank Lawton, Elizabeth Allan y Roland Young. El éxito de la película David Copperfield (1935) de George Cukor, estrenada a comienzos de año, consagró a éste como el principal director de M.G.M. y, de la noche a la mañana, convirtió a Bartholomew en cotizada estrella infantil.
Ese mismo año actuó en Ana Karenina (1935) de Clarence Brown, adaptación de la novela de Tolstoi que protagonizaron Greta Garbo y Fredric March, y Soldado profesional (1935) de Tay Garnett, producción de aventuras donde compartió créditos con Victor McLaglen; después en El pequeño Lord (1936) de John Cromwell, otro muy exitoso drama de época, donde interpretaba al hijo de Dolores Costello, y El demonio es un pobre diablo (1936) de W. S. Van Dyke, comedia dramática con Jackie Cooper, Mickey Rooney y Ian Hunter. Prestado a 20th Century Fox apareció en el drama de época Lloyds de Londres (1936) de Henry King, donde su nombre precedió a los de  Madeleine Carroll, Guy Standing y Tyrone Power, y luego, de nuevo en M.G.M., protagonizó Capitanes intrépidos (1937) de Victor Fleming, basada en la novela de aventuras de Rudyard Kipling, junto a Spencer Tracy, Lionel Barrymore y Melvyn Douglas. El notable éxito de todas estas películas hicieron de Bartholomew el actor infantil mejor pagado después de Shirley Temple. No obstante los problemas en su carrera no tardaron en desencadenarse: Los padres del actor presionaron a tía Millicent a exigir un aumento salarial al estudio, al tiempo que iniciaron una larga y costosa batalla legal con ella por la custodia de Freddie, a fin de controlar sus ganancias. 
Después de un año sin trabajar, Bartholomew volvió a protagonizar una producción de la Fox, Kidnapped (1938) de Alfred L. Werker, film de aventuras con Warner Baxter, regresando a la Metro en Horizontes de gloria (1938) de Sam Wood, drama sobre delincuencia juvenil con Mickey Rooney, y Listen, darling (1938) de Edwin L. Marin, comedia dramática con Judy Garland, Mary Astor y Walter Pidgeon.
Ya fuera del estudio que lo había encumbrado, protagonizó junto a Jackie Cooper los dramas The spirit of Culver (1939) y Two bright boys (1939), ambos dirigidos por Joseph Santley, La familia Robinson (1940) de Edward Ludwig, film de aventuras con Thomas Mitchell y Edna Best, Tomás Brown (1940) de Robert Stevenson, drama con Cedric Hardwicke y Jimmy Lydon, Los enemigos del honor (1941) de Erle C. Kenton, drama con Jimmy Lydon y Billy Cook, y Cadets on Parade (1942) de Lew Landers, drama con Jimmy Lydon. La languideciente carrera de Bartholomew se saldó con su última participación en una producción de M.G.M., Un yanqui en Eton (1942) de Norman Taurog, comedia dramática donde hubo de ceder el protagonismo a Mickey Rooney, el ídolo juvenil emergente del estudio, además de Junior Army (1942) de Lew Landers, modesto film bélico con Billy Halop, Huntz Hall y Bobby Jordan.
La Segunda Guera Mundial interrumpió su trayectoria fílmica, pues en enero de 1943, con dieciocho años, se alistó en las fuerzas aéreas estadounidenses, al tiempo que se le concedía la ciudadanía americana. Durante su entrenamiento, se dañó la espalda y estuvo hospitalizado durante siete meses. A comienzos de 1944 fue dispensado del servicio militar y, a continuación, volvió al cine con The town went wild (1944) de Ralph Murphy, comedia de bajo presupuesto con Jimmy Lydon. Sus esfuerzos por revitalizar su carrera resultaton infructuosos, por lo que el actor abandonó Hollywood para emprender giras en teatros regionales. También sufrió un accidente automovilístico, lo que no hizo sino confirmar que la fortuna le había dado la espalda. Su tía Millicent abandonó los Estados Unidos y regresó a Gran Bretaña cuando, contra su voluntad, el joven actor se casó en 1946 con la publicista Maely Daniele, seis años mayor que él, matrimonio que resultó infeliz y finalizaría en divorcio en 1953.
En 1948 Bartholomew emprendió un gira en solitario por Australia como cantante y pianista en nightclubs y pequeños teatros y, a su vuelta al año siguiente, trabajó como actor primero y luego como director en una cadena independiente de televisión de Nueva York. Su última película en la gran pantalla, en un papel secundario, fue San Benny el carterista (1951) de Edgar G. Ulmer, comedia con Dick Haymes, Nina Foch y Roland Young. En la televisión conoció a Aileen Paul, que se convirtió en su segunda esposa a finales de 1953, con la que tuvo dos hijos y de quien se divorciaría en 1977. Desde 1954 trabajó como productor y director televisivo para una agencia publicitaria. A finales de los años 80, enfermo de enfisema, se retiró y, con Elizabeth, su tercera esposa, trasladó su residencia a Bradenton, una población de Florida. Un fallo cardiaco acabó con su vida a los 67 años. 

martes, 27 de marzo de 2018

Sarah Vaughan - All the things you are

THE DEAREST THINGS I KNOW

All the things you are es una canción escrita por Jerome Kern (música) y Oscar Hammerstein II (letra) para el musical de Broadway Very warm for May (1939) que con el tiempo se convirtió en standard que muchos artistas grabaron. En la fecha de hoy, aniversario natal de Sarah Vaughan, recordamos la versión de la cantante estadounidense incluída en su doble álbum Sarah Vaughan sings Broadway: Great songs from hit shows (1958).

lunes, 26 de marzo de 2018

Classic FM Orchestra (Georgii Cherkin, piano) - Für Elise (Beethoven)

RECORDANDO A BEETHOVEN

El célebre compositor alemán Ludwig van Beethoven falleció tal día como hoy en 1827. Para Elisa, su pieza más conocida, es una bagatela para piano solo que no fue publicada hasta 1867. El video corresponde a una interpretación de 2013 en el Bulgaria Hall de Sofía a cargo de la Classic FM Orchestra dirigida por Grigor Palikarov, con Georgii Cherkin (asímismo autor del arreglo orquestal) al piano.

domingo, 25 de marzo de 2018

Elton John - Daniel

YOU'RE A STAR IN THE FACE OF THE SKY

El cantante británico Elton John celebra hoy su 71 cumpleaños. Uno de los mayores hits internacionales de la primera etapa de su carrera fue Daniel, composición propia con letra de Bernie Taupin incluida en su sexto álbum, Don't shoot me, I'm only the piano player (1973), y cuyo single alcanzó el nº 1 en Canadá, el nº 2 en Estados Unidos y el nº 4 en el Reino Unido e Irlanda.

Rocío Dúrcal - Don Quijote ("Rocío de La Mancha", 1963)

RECUERDO A ROCÍO DÚRCAL

Don Quijote, composición de Alfredo García Segura y Augusto Algueró presentada en 1959 al primer Festival de Benidorm en las voces de Los 5 Latinos y José Guardiola, fue recuperada cuatro años después en la película "Rocío de La Mancha" (1963) de Luis Lucia, donde la cantó Rocío Dúrcal, a quien hoy recordamos en el duodécimo aniversario de su fallecimiento.

Mina - E penso a te

NON SO CON CHI ADESSO SEI

La incomparable cantante Mina cumple hoy 78 años. En su amplísimo repertorio hay canciones tan bellas como E penso a te (1971), composición de Lucio Battisti (música) y Mogol (letra) que en el video se puede apreciar en una brillante interpretación en vivo de la diva italiana en 1972. 

sábado, 24 de marzo de 2018

Lola Beltrán - La noche de mi mal

QUÉ TRISTE ME ESPERABA EL PORVENIR

En el vigésimo segundo aniversario de su óbito recordamos a Lola Beltrán con esta secuencia de la película "Una movida chueca" (1956) de Rogelio A. González, que protagonizó el cómico Antonio Espino 'Clavillazo'. En ella la cantante mexicana interpreta la conocida ranchera La noche de mi mal de José Alfredo Jiménez.

viernes, 23 de marzo de 2018

Joan Crawford - Filmography Album (1.10)

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 "Queen Bee" (1955)

 "Queen Bee" (1955)

"Queen Bee" (1955)

"Queen Bee" (1955)

"Queen Bee" (1955)

 "Queen Bee" (1955)

 "Queen Bee" (1955)

"Queen Bee" (1955)

 "Queen Bee" (1955)

 "Queen Bee" (1955)

"Queen Bee" (1955)

 "Autumn leaves" (1956)

"Autumn leaves" (1956)

"Autumn leaves" (1956)

 "The story of Esther Costello" (1957)

"The best of everything" (1959)

"The best of everything" (1959)

"The best of everything" (1959)

"The best of everything" (1959)

"The best of everything" (1959)

"The best of everything" (1959)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"What ever happened to Baby Jane?" (1962)

"The caretakers" (1963)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

"Strait-jacket" (1964)

 "I saw what you did" (1965)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Berserk!" (1967)

"Trog" (1970)

"Trog" (1970)

"Trog" (1970)