Museo LoPiù

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miércoles, 28 de febrero de 2018

Bernadette Peters - Rose's turn ("Gypsy")

HERE SHE IS, BOYS! HERE SHE IS, WORLD!

La actriz, cantante e incomparable show-woman estadounidense Bernadette Peters celebra hoy su 70 cumpleaños. Auténtica leyenda de Broadway, en 2003 protagonizó un revival de uno de los más míticos musicales allí estrenados, Gypsy, con canciones de Jule Styne (música) y Stephen Sondheim (letra) y libreto de Arthur Laurents basado en las memorias de Gypsy Rose Lee, la famosa stripteuse estadounidense, y focalizado en el personaje de Rose, su madre.
Ethel Merman, que en 1959 estrenó con gran éxito la obra en el Broadway Theatre, estableció de forma indeleble el arquetipo del rol de Rose (uno de los más codiciados por actrices maduras del género musical), baremo referencial al que todas las figuras que lo interpretaron después han sido comparadas. Rosalind Russell (doblada en las canciones por la contralto Lisa Kirk), protagonizó junto a Natalie Wood y Karl Malden la traslación a la pantalla de este musical que en 1962 dirigió Mervyn LeRoy. En sendos revivals en el West End londinense (1973) y en el Winter Garden Theatre de Nueva York (1974), Angela Lansbury incorporó a Rose, papel por el que ganó un premio Tony. La actriz Tyne Daly también ganó un Tony por la reposición de 1989. Bette Midler ganó un Globo de Oro y un Emmy por encarnar a Mama Rose en el telefim Gypsy que en 1993 dirigió Emile Ardolino.
Un nuevo revival tuvo lugar en 2003 en el Shubert Theatre neoyorquino, dirigido por Sam Mendes y con el papel principal encomendado a Bernadette Peters. El propio Arthur Laurents alabó la elección de Peters, a quien calificó de brillante, original y totalmente distinta a las demás, mientras que la crítica señaló que Miss Peters rompió por completo el molde establecido por Merman. La producción fue candidata al premio Tony en cuatro categorías (incluída la de mejor actriz en musical) y cerró en 2004 después de 451 representaciones y 33 preestrenos. 
El video corresponde a la deslumbrante interpretación a cargo de Bernadette Peters del número Rose's turn en la 57 ceremonia de entrega de los premios Tony celebrada en 2003 en el Radio City Music Hall.

Ruby Keeler - Beat it out ("Sweetheart of the Campus", 1941)

EVOCACIÓN DE RUBY KEELER

En el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento recordamos a la actriz, bailarina y cantante Ruby Keeler con esta secuencia de la comedia musical "Sweetheart of the Campus" (1941) de Edward Dmytryk, producida por Columbia Pictures, película con la que, tras su divorcio de Al Jolson, volvió a la pantalla después de tres años de ausencia  y que asímismo supuso la despedida de su breve carrera en el cine. En ella ejecuta este número de tap dancing compuesto por Eddie Cherkose y Jacques Press.



martes, 27 de febrero de 2018

Mirella Freni - O mio babbino caro ("Gianni Schicchi", Puccini)

TRIBUTO A MIRELLA FRENI (Modena, Italia, 27-2-1935)

La soprano operística italiana Mirella Freni cumple hoy 83 años. Poseedora de una voz de extremada belleza, lirismo y fuerza, como intérprete ha podido abordar roles dramáticos y otros más ligeros con igual fortuna. Su carrera refleja su gran dedicación al canto lírico, con continuos estudios para perfeccionar tanto la técnica vocal como la interpretación escénica, desarrollando asímismo una extensa actividad discográfica. En 1990 fue nombrada Caballero de la Gran Cruz de la República Italiana y en 1993 recibió la Legión de Honor francesa.
Nacida en el seno de una familia de clase media, Mirella Fregni (su nombre real) fue una niña prodigio que a los diez años cantó el aria Un bel di vedremo de Madama Batterfly en un concurso de radio. Amiga desde la infancia y compañera de estudios en Milán de Luciano Pavarotti, debutó profesionalmente en su ciudad natal en 1955 interpretando a Micaela de la ópera Carmen de Bizet. Al poco tiempo, la gran calidad de su voz le fue abriendo puertas hacia el éxito, cantando en Turín el rol de Mimì en La bohème de Puccini en 1958.
Su lanzamiento internacional se produjo en el festival de Glyndbourne como Adina en L'elisir d'amore de Donizetti; allí también actuó con dos roles mozartianos: Susanna de Le nozze di Figaro y Zerlina de Don Giovanni, y en el Covent Garden londinense como Nannetta de Falstaff de Verdi en 1961, papel con el que un año después debutó en la Scala de Milán. Nuevamente fue Mimì en una producción de La bohème de Puccini que dirigió Herbert von Karajan, papel con el que quedó identificada y que también interpretó en Viena y en el Met neoyorquino, donde debutó en 1965. Posteriormente fue allí Liù en Turandot de Puccini, Marguerite en Faust o Juliette en Roméo et Juliette, ambas de Gounod.
En los años 70 y 80 cantó más potentes papeles verdianos: Desdemona (Otello), Elisabetta (Don Carlo), Amelia (Simon Boccanegra), Elvira (Ernani), Leonora (La forza del destino) e, incluso, Aida y también de Puccini: Madama Batterfly, Manon Lescaut, Tosca y los tres personajes de Il Trittico. En los 90 amplió su repertorio en el ámbito del verismo con Fedora de Umberto Giordano o Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea, así como diversas óperas rusas de Tchaikovsky. Ese año publicó un libro de memorias: "Mio caro teatro". En 1996 fue elegida para celebrar el centenario de La bohème en Turín junto a su amigo Luciano Pavarotti. Se retiró en 2005.
Mirella Freni se casó en dos ocasiones. Su profesor de canto Leone Magiera, pianista y director orquestal, fue su primer marido, con quien tuvo un hijo. En 1981 contrajo matrimonio con el bajo búlgaro Nicolai Ghiaurov, de quien enviudó en 2004.


 
En el video Mirella Freni interpreta O mio babbino caro, la famosa aria de Gianni Schichi de Puccini en el Palacio de Congresos de Lugano (Suiza) en 1985.

lunes, 26 de febrero de 2018

Fats Domino - Ain't that a shame

MY TEARS FELL LIKE RAIN

Recordamos el 90 aniversario natal del recientemente desaparecido pianista, compositor y cantante estadounidense Fats Domino con su interpretación de Ain't that a shame (Domino / Bartholomew) en la película "Shake, rattle and rock!" (1956) de Edward L. Cahn, canción que en 1955 supuso el primero de la larga lista de grandes hits del artista de Louisiana.

Sandie Shaw - (There's) Always something there to remind me

YOU'LL ALWAYS BE A PART OF ME

Con ocasión del 71 cumpleaños de la cantante inglesa Sandie Shaw recordamos el primero de sus tres números 1 en Gran Bretaña, (There's) Always something there to remind me, versión de la composición de Burt Bacharach y Hal David estrenada por Dionne Warwick en 1963 y que la entonces 'cantante de los pies descalzos' grabó al año siguiente. Además de suponer su primera entrada en las listas de éxitos británicas en 1964, la canción fue un hit internacional: nº 1 también en Sudáfrica y Canadá, además de escalar puestos elevados en los charts de Francia y Bélgica (en versión francesa), Irlanda, Países Bajos y Australia.

domingo, 25 de febrero de 2018

George Harrison - While my guitar gently weeps

I LOOK AT YOU ALL AND SEE THE LOVE THERE THAT'S SLEEPING

De no haber fallecido a los 58 años, el ex beatle George Harrison cumpliría hoy 75. Evocamos su memoria con While my guitar gently weeps, composición suya incluida en The White Album (1968) de Los Beatles. En el video se puede apreciar su vibrante interpretación durante el concierto benéfico The Princes Trust del año 1987, con la participacion de: George Harrison (guitarra y voz), Eric Clapton (guitarra), Jeff Lyne (guitarra), Mark King (bajo), Ringo Starr (bateria), Phil Collins (bateria), Ray Cooper (percusion), Elton John (piano) y Jool Holland (piano).

sábado, 24 de febrero de 2018

Luis Aguilé - Verde, verde

¿DE QUÉ COLOR SON TUS OJOS, QUE BRILLANDO SIEMPRE ESTÁN?

Recordamos el aniversario natal del cantante argentino Luis Aguilé con uno de sus primeros éxitos en España. Se trata de Verde, verde (1964), versión en castellano (con letra adaptada por Augusto Algueró padre) de "Green, green", composición de Barry McGuire y Randy Sparks convertida en hit en 1963 por el grupo estadounidense The New Christy Minstrels.

viernes, 23 de febrero de 2018

Augusto Algueró - Popurrí de canciones ganadoras en el Festival de Eurovision

RECORDANDO A AUGUSTO ALGUERÓ

Con ocasión de su aniversario natal recordamos al compositor español Augusto Algueró. En este caso lo hacemos en su faceta de arreglista y director orquestal con este popurrí de canciones ganadoras del Festival de Eurovisión presentado en el programa "Galas del sábado" (1969) de TVE. La selección incluye fragmentos de: Tom Pillibi (Francia, 1960), Dansevise (Dinamarca, 1963), Merci, chérie (Austria, 1966), Non ho l'età (Italia, 1964), Poupée de cire, poupée de son (Luxemburgo, 1965) y La la la (España, 1968), para acabar con unas notas del clásico Te Deum de Charpentier, himno oficial del certamen.

jueves, 22 de febrero de 2018

Joan Manuel Serrat - En Colliure

HOMENAJE A ANTONIO MACHADO

Tal día como hoy, en 1939, falleció a los 63 años el ilustre poeta español Antonio Machado. Su deceso se produjo en Colliure, pequeña localidad costera francesa a pocos kilómetros de la frontera con España, adonde él, su madre y un grupo de exilados de la Guerra Civil española habían llegado el 28 de enero y se quedaron a la espera de una ayuda que no llegaría a tiempo. Treinta años después, el exitoso álbum Dedicado a Antonio Machado, poeta (1969) del cantautor barcelonés Joan Manuel Serrat, en el que musicaba once poemas machadianos, contribuyó a la recuperación y popularización del poeta sevillano en España e Iberoamérica. Serrat añadió una composición propia, En Colliure, a modo de sentido homenaje obituario a Machado.

En Colliure  (Joan Manuel Serrat)

Soplaban vientos del sur
y el hombre emprendió viaje.
Su orgullo, un poco de fe
y un regusto amargo fue
su equipaje.
Miró hacia atrás y no vio
más que cadáveres sobre
unos campos sin color,
su jardín sin una flor
y sus bosques sin un roble.
Y viejo
y cansado,
a orillas del mar
bebióse sorbo a sorbo su pasado.
Profeta
ni mártir
quiso Antonio ser.
Y un poco de todo lo fue sin querer.
Una gruesa losa gris
vela el sueño del hermano.
La yerba crece a sus pies
y le da sombra un ciprés
en verano.
El jarrón que alguien llenó
de flores artificiales,
unos versos y un clavel
y unas ramas de laurel
son las prendas personales
del viejo
y cansado,
que a orillas del mar
bebióse sorbo a sorbo su pasado.
Profeta
ni mártir
quiso Antonio ser.
Y un poco de todo lo fue sin querer.


miércoles, 21 de febrero de 2018

Nina Simone - Ain't got no, I got life

WHY AM I ALIVE ANYWAY?

Recordamos el 85 aniversario natal de la desaparecida cantante y compositora estadounidense Nina Simone con esta interpretación en vivo en Londres de Ain't got no, I got life. Se trata de un medley de dos canciones del musical rock "Hair", con letra de James Rado / Gerome Ragni y música de Galt MacDermot. El single fue nº 1 en Holanda y nº 2 en el Reino Unido en 1968.

martes, 20 de febrero de 2018

Anthony Asquith (London, UK, 9-11-1902 / Ibid., 20-2-1968): In memoriam

EL MÁS INGLÉS DE LOS DIRECTORES BRITÁNICOS

Hoy se cumplen cincuenta años del fallecimiento del cineasta inglés Anthony Asquith. Hijo de un Primer Ministro liberal (a casusa de ello sería blanco de no pocos ataques), comenzó su carrera en las postrimerías del cine silente, mostrando una pulida técnica y mesurada estética en sus primeras obras, lo que le hizo ser comparado a Alfred Hitchcock o René Clair, con similares cualidades de observación y humor. Inteligente y de modales aristocráticos, muchas de sus películas suelen presentar a personajes de clase alta. Su filmografía, variopinta, desigual y muy británica (dotada especialmente de una gran corrección formal) se caracteriza por las frecuentes adaptaciones teatrales (George Bernard Shaw, Terence Rattigan e incluso Oscar Wilde) y la eficiente dirección de actores. Sin un estilo distintivo -no imponía una visión propia en su puesta en escena, sino que interpretaba materiales ajenos- como lo tuvieron sus contemporáneos Hitchcock o Michael Powell, más venerados por los estudiosos del séptimo arte, Asquith ha sido menospreciado por la crítica, que lo considera un director 'académico' y 'teatral'. En todo caso, también rodó producciones de varios géneros populares: comedias, películas bélicas, thrillers o melodramas de época. Aun sin reputación crítica de autor, en el último tramo de su filmografía se convirtió, con David Lean y Carol Reed, en uno de los más destacados cineastas británicos no establecidos en Hollywood y con carrera de proyección internacional en films de alto presupuesto en los que dirigió a gran número de estrellas del cine inglés, europeo o americano.
Anthony Asquith fue el menor de los dos  hijos de Herbert Henry Asquith, diputado del Partido Liberal y Conde de Oxford que en 1905 fue nombrado Ministro de Hacienda y luego Primer Ministro entre 1908 y 1916, y de Margaret Tennant, una dama de la alta sociedad. A los seis años se trasladó con su familia al nº 10 de Downing Street. Allí creció en medio de un ambiente mundano y sofisticado de lujo, riqueza y ambición de éxito. Su madre le dio el apelativo de 'Puffin' (Frailecillo) pues pensaba que su perfil y figura delgada y menuda le asemejaba a ese pájaro del Atlántico. Con ese nombre sería conocido por sus amigos el resto de su vida. Educado en Eaton, Winchester y Oxford, se apasionó por el cine mientras era estudiante, empapándose de las obras de maestros soviéticos como Pudovkin y Eisenstein o los cineastas del expresionismo alemán. Después de dejar la Universidad pasó seis meses en Los Angeles como invitado de Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Allí observó con atención los métodos de trabajo de Hollywood y se relacionó con prominentes personajes como Charles Chaplin, Ernst Lubitsch o Lillian Gish. Pero en esa época el cine no era una profesión respetable en un entorno social como el suyo, que paradójicamente no le beneficiaría para ser tomado en serio por la crítica. 
De vuelta en su país, Asquith quería escapar del corsé familiar y fue unos de los fundadores de la London Film Society, a fin de promover la apreciación artística del cine. Decidido a convertirse en director, se introdujo en la industria como ayudante de dirección y colaborador en guiones. Su primer largometraje fue Estrellas fugaces (1928), un drama romántico con Annette Benson, Brian Aherne y Donald Calthrop, al que siguieron otros tres films silentes: Un grito en el metro (1928), drama con Brian Aherne y Elissa Landi, Princesa a la fuga (1929), comedia dramática con Mady Christians y Paul Cavanagh, y Una casa en Dartmoor (1929), drama con Hans Adalbert Schlettow, Uno Henning y Norah Baring. Particularmente este último cimentó su reputación de cineasta meticuloso y artífice de efectivos encuadres. 
Su transición al sonoro se produjo con La batalla de Gallipoli (1931), drama bélico codirigido por Geoffrey Barkas, con Carl Harbord, Tony Bruce y Fay Compton, un relato histórico sobre el desembarco de las tropas franco-británicas en la península turca de Gallipoli. Sus siguientes películas obtuvieron escasa repercusión y sólo lograron alguna notoriedad Sinfonia inacabada (1934), coproducción anglo-austriaca sobre la vida de Franz Schubert, con Helen Chandler, Mártha Eggerth y Hans Jaray, y Noches de Moscú (1935), drama romántico que adaptaba una novela de Pierre Benoît, con Harry Baur, Laurence Olivier y Penelope Dudley-Ward. Su carrera parecía en punto muerto cuando el productor Gabriel Pascal convenció al dramaturgo George Bernard Shaw para llevar a la pantalla su obra "Pygmalion" de 1913, siendo éste uno de los autores del guión. La versión fílmica, Pygmalion (1938), fue codirigida por Asquith y Leslie Howard, el actor protagonista, y en ella Wendy Hiller y Wilfrid Lawson interpretaron los otros papeles principales. La película logró una clamorosa acogida internacional de crítica y público, supuso el mayor éxito de su carrera, fue candidata al Oscar en cuatro categorías y ganó en la de mejor guión adaptado. Las restantes nominaciones incluyeron mejor película, mejor actor (Howard) y mejor actriz (Hiller). En adelante Asquith explotaría a menudo la fórmula de trasladar a la pantalla piezas teatrales de éxito (lo haría después con otras dos obras de Shaw y una de Oscar Wilde). Pero más frecuentemente recurrió al dramaturgo Terence Rattigan (autor o coautor de hasta una decena de guiones para Asquith) y ambos colaborarían juntos a lo largo de veinticinco años.
En la década siguiente dirigió, entre otras, la comedia Coqueta hasta el fin (1940), la primera de sus colaboraciones en la pantalla con su íntimo amigo Terence Rattigan, que protagonizaron Ray Milland y Ellen Drew, Radio libre (1941), drama de propaganda bélica con Clive Brook, Diana Wynyard y Raymond Huntley, Boda sosegada (1941), comedia con Margaret Lockwood y Derek Farr, Casi un paraíso (1943), comedia dramática con Laurence Olivier y Penelope Dudley-Ward, Amor en las sombras (1944), drama romántico con  Phyllis Calvert, James Mason, Stewart Granger y Wilfrid Lawson, Más allá de las nubes (1945), exitoso drama bélico con Michael Redgrave, John Mills y Jean Simmons, o la mejor de ellas, Pleito de honor (1948), drama judicial de época según "El caso Winslow", la conocida obra de Rattigan, que protagonizó Robert Donat secundado por Cedric Hardwicke, Basil Radford, Kathleen Harrison, Francis L. Sullivan y Margaret Leighton.
A comienzos de los años 50 filmó varios de sus títulos más destacados: Una mujer en entredicho (1950), drama de intriga con Jean Kent, Dirk Bogarde, John McCallum y Susan Shaw, La versión Browning (1951), conmovedora adaptación del drama homónimo de Terence Rattigan que muchos consideran la obra maestra de Asquith, con Michael Redgrave, Jean Kent y Nigel Patrick presentada en el Festival de Cannes, donde obtuvo el premio al mejor guión (Rattigan) y al mejor actor (Redgrave), también ganó dos premios en el Festival de Berlín y fue nominada al BAFTA en dos categorías. La importancia de llamarse Ernesto (1952), reputada como la mejor de la adaptaciones a la pantalla de la famosa comedia de Oscar Wilde, es una fiel traslación en color que no oculta su origen teatral, con un ajustado reparto compuesto por Michel Denison, Edith Evans, Joan Greenwood, Miles Malleson, Michael Redgrave, Margaret Rutherford y Dorothy Tutin.
Más adelante rodó Los jóvenes amantes (1954), drama romántico con Odile Versois y David Knight, Consejo de guerra (1955), drama judicial militar con David Niven, Margaret Leighton y Noelle Middleton, Orden de ejecución (1958), drama bélico con Eddie Albert, Paul Massie, Lillian Gish y James Robertson-Justice, El dilema del doctor (1958), comedia dramática adaptadora de la obra homónima de George Bernard Shaw, con Leslie Caron y Dirk Bogarde, La noche es mi enemiga (1959), drama judicial de intriga con Olivia de Havilland y Dirk Bogarde, La millonaria (1960), comedia dramática que adaptó otra obra de George Bernard Shaw, con Sophia Loren y Peter Sellers, Asalto a mano armada (1961), thriller existencial con Virginia McKenna, Bill Travers y Patrick McGoohan, Al final de la noche (1962), drama con Leslie Caron y David Niven, Hotel Internacional (1963), drama con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Louis Jourdan, Elsa Martinelli, Margaret Rutherford, Maggie Smith, Rod Taylor y Orson Welles, y El Rolls-Royce amarillo (1964), comedia dramática de episodios y un reparto multiestelar que incluía a Ingrid Bergman, Rex Harrison, Alain Delon, George C. Scott, Jeanne Moreau, Omar Sharif y Shirley MacLaine. 
Anthony Asquith tuvo una vida difícil. Fue un homosexual reprimido, tuvo una  problemática relación con su madre, que era muy posesiva, y fue alcohólico desde joven. Con todo, técnicos y actores le consideraban un hombre gentil y encantador y se ha contado que dirigía más como un diplomático que como un artista. Un cáncer acabó con su vida a los 65 años de edad.