Museo LoPiù

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miércoles, 31 de enero de 2018

Eddie Cantor - Makin' whoopee

HE'S LOST HIS REASON CAUSE IT'S THE SEASON

En su aniversario natal recordamos a Eddie Cantor con esta secuencia de la película "Whoopee!" (1930), una de las primeras filmadas en Technicolor y que consagró como estrella al actor, cantante y entertainer estadounidense. La película era una adaptación de la comedia musical homónima estrenada dos años antes en Broadway con canciones de Walter Donaldson (música) y Gus Kahn (letra), producida por el legendario Florence Ziegfeld, que Cantor había protagonizado con gran éxito. El título del cantable, Makin' whoopee, es un eufemismo por intimidad sexual. Con los años se convirtió en un popularísimo standard que versionaron infinidad de famosos artistas (Bing Crosby, Nat King Cole, Doris Day, Frank Sinatra, Dinah Washington, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Marlene Dietrich, etc).

martes, 30 de enero de 2018

Stanley Holloway - With a little bit of luck (My fair Lady)

SOMEONE ELSE'LL DO THE BLINKIN' WORK

Recordamos al actor inglés Stanley Holloway en el aniversario de su fallecimiento con esta secuencia de la película My fair Lady (1964) que dirigió George Cukor y en la que encarna a Alfred Doolittle, simpático personaje que ya había representado en 1956 en el estreno en Brodway del célebre musical  homónimo de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe. En ella interpreta With a little bit of luck, primero de los dos números que le correspondieron cantar al cómico londinense tanto en la escena como en la pantalla.


lunes, 29 de enero de 2018

Sacha Distel - Mon beau chapeau

POUR AVOIR L'AIR BIEN COMME IL FAUT

En su 85 aniversario natal recordamos al desaparecido cantante y compositor francés Sacha Distel con la que fue una de sus canciones distintivas, Mon beau chapeau (1960), coescrita por él mismo y Maurice Tézé  y que en el video interpreta en una actuación televisiva de 1965.

domingo, 28 de enero de 2018

Carlos Cano - ¡Ay, Maricruz!

RECUERDO A CARLOS CANO

Recordamos el aniversario natal del cantante español de copla Carlos Cano con esta versión de ¡Ay, Maricruz!, composición con letra de Salvador Valverde y Rafael de León y música de Manuel López-Quiroga que Imperio Argentina grabó en 1935 para el sello Odeón. y que el cantautor granadino incluyó en su álbum Quédate con la copla (1987). Las imágenes corresponden al programa "Las coplas de Carlos Herrera" (1990) de Canal Sur con ocasión de un homenaje a Malena, nombre como coloquialmente fue conocida la creadora de esta inolvidable copla.

sábado, 27 de enero de 2018

Concierto Voces para la Paz 2014 - Coro di zingari ("Il trovatore", Verdi)

RECORDANDO A GIUSEPPE VERDI

El insigne compositor italiano Giuseppe Verdi falleció tal día como hoy en 1901. Para rememorar su figura hemos escogido esta famosa pieza de su ópera "Il trovatore", estrenada en Roma en 1853 y que, junto con "Rigoletto" y "La traviata", conforma la llamada 'trilogía popular' del célebre autor.  Vedi! le fosche notturne spoglie... , conocido como Coro de los gitanos o Coro del yunque, corresponde al Cuadro I del Acto II de dicha ópera y es aquí interpretado en el Auditorio Nacional de Música de Madrid durante el Concierto Voces para la Paz 2014 con orquesta y coros dirigidos por Víctor Pablo Pérez.

Classic FM Orchestra (Georgii Cherkin, piano) - Rondo alla turca (Mozart)

RECORDANDO A MOZART

Recordamos el aniversario natal del eminente compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart con su célebre Rondo alla turca (también conocido como Marcha turca), allegretto que constituye el tercer movimiento de su Sonata para piano nº 11, publicada en 1784. El video corresponde a una interpretación de 2013 en el Bulgaria Hall de Sofía a cargo de la Classic FM Orchestra dirigida por Grigor Palikarov, con Georgii Cherkin (asímismo autor del arreglo orquestal) al piano.

viernes, 26 de enero de 2018

Vintage delights (XCIX)

Lew Ayres & Raymond Griffith ("All quiet on the western front", 1930)

Marlene Dietrich, Dickie Moore & Herbert Marshall ("Blonde Venus", 1932)

Chico, Zeppo, Groucho, Harpo [Marx Brothers] ("Duck soup", 1933)

Louis Lefebvre & Michel Simon ("L'Atalante", 1934)

Robert Taylor & Greta Garbo ("Camille", 1936)

John Boles & Barbara Stanwyck ("Stella Dallas", 1937)

George Sanders, Joel McCrea & Laraine Day ("Foreign correspondent", 1940)

Cary Grant & Ginger Rogers ("Once upon a honeymoon", 1942)

Don Ameche & Gene Tierney ("Heaven can wait", 1943)

Cecil Parker, Vivien Leigh & Claude Rains ("Caesar and Cleopatra", 1945)

Louis Jourdan & Gregory Peck ("The Paradine case", 1947)

Virginia Mayo & James Cagney ("White heat", 1949)

 Margaret Sheridan, Robert Cornthwaite, Everett Glass, Paul Frees, Norbert Schiller & George Fenneman ("The thing from another world", 1951)

 Gene Kelly ("Singin' in the rain", 1952)

Audrey Hepburn & Gregory Peck ("Roman holiday", 1953)

Janet Leigh & Jerry Lewis ("Living it up", 1954)

Charlton Heston & Yul Brynner ("The ten Commandments", 1956)

Tiberio Murgia, Marcello Mastroianni, Carlo Pisacane & Vittorio Gassman ("I soliti ignoti", 1958)

Marie Laforêt & Alain Delon ("Plein soleil", 1960)

Jeanne Moreau, Henri Serre & Oskar Werner ("Jules et Jim", 1962)

 Julie Andrews ("Mary Poppins", 1964)

Philippe Leroy & Rossana Podestà ("Il grande colpo dei 7 uomini d'oro", 1966)

Jane Fonda ("Barbarella", 1968)

Julie Christie & Alan Bates ("The go-between", 1970)

jueves, 25 de enero de 2018

Virginia Woolf (London, UK, 25-1-1882 / Lewes, Sussex, UK, 28-3-1941): In memoriam

ÍNTIMA, ICONOCLASTA E INCORFORMISTA

Hoy es aniversario natal de la escritora británica Virginia Woolf, una de las principales novelistas y ensayistas del siglo XX. Su nombre figura, junto con los de James Joyce, Thomas Mann o Franz Kafka, entre los grandes renovadores de la novela moderna. Experimentando con la estructura temporal y espacial de la narración, perfeccionó en sus novelas el monólogo interior, procedimiento por el que se intenta representar los pensamientos de un personaje en su forma primigenia, en su fluir inconsciente, tal y como surgen en la mente. Llevó a cabo este recurso mediante un poderoso lenguaje narrativo en el que se equilibran el mundo racional y el irracional. Entre sus fuentes de inspiración figuran escritores como Marcel Proust, James Joyce o Henry James. Fue, además, pionera en la reflexión sobre la condición de la mujer, la identidad femenina y las relaciones de la mujer con el arte y la literatura, que desarrolló en algunos de sus ensayos. Virginia, quien padeció durante toda su existencia desequilibrios nerviosos y tendencia a la depresión, aunque nunca dejó de escribir, se suicidó a los 59 años.
Nacida Adeline Virginia Stephen, era hija de un distinguido crítico, filósofo e historiador, por lo que el ambiente que le rodeó desde niña estuvo siempre marcado por la intelectualidad. Sus padres, Leslie y Julia, eran viudos que habían contraído nuevas nupcias y aportaron sus respectivos cuatro hijos (una él, tres ella) al matrimonio y tuvieron juntos otros cuatro (dos varones y dos hembras). Debido a sus problemas de salud e inestabilidad mental, Virginia no fue a la escuela y recibió su educación dentro de su propio hogar en Kensington, un lugar frecuentado por los más importantes literatos de su época, como Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James o William Thackeray, entre otros autores, intelectuales, pintores, músicos y fotógrafos. 
La madre de Virginia murió en 1895, y dos años después una hermanastra, lo que provocó las primeras depresiones en la futura escritora. Un cáncer acabó con la vida de su padre en 1904 y Virginia sufrió una crisis nerviosa que requirió su provisional internamiento. Las etapas depresivas se sucederían a partir de entonces con creciente intensidad. A ello contribuyeron los abusos sexuales que Virginia y una de sus hermanas sufrieron por parte de sus dos hermanastros. En 1905, Virginia, que justo acababa de comenzar a escribir profesionalmente para una revista literaria semanal, y sus tres hermanos vendieron la casa y abandonaron el elegante barrio en el que vivían, trasladándose al bohemio barrio de Bloomsbury, que dio nombre a un extravagante grupo de poetas, novelistas y pintores que se formó a su alrededor y que estaba integrado, entre otros, por los escritores T.S. Eliot, Edward Morgan Forster, los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, el historiador Robert Fry, el crítico Robert Bell o el economista John Maynard Keynes. Elementos comunes de esta heterogénea elite intelectual fueron la búsqueda del conocimiento y del placer estético entendidos como la tarea más elevada a que debe tender el individuo, así como un anticonformismo político y moral. El escritor Leonard Woolf, también miembro del grupo de Bloomsbury, se convertiría en su marido en 1912, cuando Virginia contaba treinta años. Juntos crearon la editorial Hogarth en 1917, que en adelante editaría la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot o Sigmund Freud. 
Antes, Virginia había publicado su primera novela, Fin de viaje (1915) y, después, Noche y día (1919), poniendo ambas ya de manifiesto la intención de la escritora de romper los moldes narrativos heredados de la novelística inglesa anterior, en especial la subordinación de personajes y acciones al argumento general de la novela, así como las descripciones de ambientes y personajes tradicionales. Sin embargo, estos primeros títulos apenas merecieron consideración por parte de la crítica, así como la áun más experimental El cuarto de Jacob (1922). Sólo con la publicación de La señora Dalloway (1925) y Al faro (1927) comenzaron a elogiar los críticos su originalidad literaria. En estas obras llaman ya la atención la maestría técnica estilística y el afán experimental de la autora, quien, para expresar los sentimientos interiores de los personajes, introducía además en la prosa novelística imágenes, metáforas y símbolos hasta entonces más propios de la poesía. Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia. 
Influida por la filosofía de Henri Bergson, experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual, en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje, como en su relación con el tiempo histórico y colectivo. Así, Orlando (1928) constituye una fantasía libre, basada en algunos pasajes de la vida de su amiga (amante desde 1922) y también escritora Vita Sackville-West, en que la protagonista vive cinco siglos de la historia inglesa. En esta inquietante y misteriosa obra se difuminan las diferencias entre la condición masculina y la femenina encarnadas en el protagonista, un aristócrata dotado de la facultad de transformarse en mujer. En Las olas (1931) presenta el "flujo de conciencia" de seis personajes distintos, es decir, la corriente preconsciente de ideas tal como aparece en la mente, a diferencia del lógico y bien trabado monólogo tradicional. La última novela que Woolf  publicó en vida, Los años (1937), fue en su momento la más popular,  quizá debido a su factura clásica, decididamente más convencional que su obra anterior. Entre actos (1941), publicada postumamente, resume y magnifica sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre temas del flujo del tiempo y de la vida. Es el más lírico de sus libros, escrito principalmente en verso.
Virginia Woolf escribió también una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que destacó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora, como en Una habitación propia (1929), donde critica la escasa valoración de los derechos de las mujeres y pone de manifiesto su preocupación feminista por la sumisión social de sus congéneres. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush, 1933) y otra sobre el crítico Robert Fry (Fry, 1940). 
En uno de los accesos de su enfermedad mental, que había obligado a ingresarla en varias ocasiones a lo largo de su vida, el 28 de marzo de 1941 desapareció de su casa de campo, hasta que veintiún días después su cuerpo fue hallado en el río Ouse. Se había zambullido hasta ahogarse tras rellenar los bolsillos de su abrigo con piedras. 
"Estoy segura de que, de nuevo, me vuelvo loca. Creo que no puedo superar otra de aquellas terribles temporadas. No voy a curarme en esta ocasión. He empezado a oir voces y no me puedo concentrar (...) Te das cuenta, ni siquiera puedo escribir esto correctamente. No puedo leer (...) No puedo seguir destrozando tu vida por más tiempo", le escribió a su marido en su carta de despedida.




miércoles, 24 de enero de 2018

Jack Scott - My true love

TRIBUTE TO JACK SCOTT (Windsor, Ontario, Canada, 24-1-1936)

El cantante y compositor canadiense/estadounidense Jack Scott cumple hoy 82 años. Fue la primera estrella de rock and roll surgida en Detroit, Michigan, y se le considera el más importante rockero canadiense de cualquier época.
De antecedentes italianos, Giovanni Domenico Scafone, Jr. se trasladó a los diez años con su familia a Detroit, Michigan (US). Creció escuchando música country, su padre le enseñó a tocar la guitarra y desde adolescente se propuso emprender una carrera musical. A los dieciocho años formó el grupo the Southern Drifters y, después de liderarlo durante tres años, en 1957 firmó un contrato discográfico como solista con el nombre de Jack Scott. Entre sus hits mayores figuran My true love (1958), Leroy (1958), Goodbye baby (1958), What in the world's come over you (1960), o Burning bridges (1960), todas composiciones suyas excepto esta última. Por la primera y la cuarta ganó sendos discos de oro. En su periodo más triunfal (1958-1961) tuvo más singles en las listas de éxitos americanas que cualquier otro artista, exceptuando Elvis Presley, Fats Domino y Connie Francis.



Con My true love (1958), una composición propia, Jack Scott logró su primer gran hit internacional: fue nº 1 en Canadá, nº 2 en Italia, nº 3 en Estados Unidos y nº 9 en el Reino Unido. En la grabación fue respaldado por el grupo vocal the Chantones.

My true love  (lyrics)

I prayed to the Lord to send me a love
He sent me an angel from heaven above
The stars in the sky he placed in her eyes
She is my true love
The touch (my true love) of her hand (my true love)
Captured (my true love) my soul (my true love)
And the kiss (my true love) from her lips (my true love)
Set my heart (my true love) aglow (my true love)
And I know (my true love) from heaven (my true love)
From heaven (my true love) above (my true love)
Came my, my true love
Darling I love you
I'll always be true
My prayers, they were answered
And the Lord sent me you
With love and devotion
That I never knew
Until the Lord above sent me you
And I thank (my true love) the heavens (my true love)
The heavens above (my true love)
For sending my true love
(My true love)
 

Henry King (Christiansburg, Virginia, US, 24-1-1886 / Toluca Lake, California, US, 29-6-1982): In memoriam

PIONERO DE LARGA Y VERSÁTIL CARRERA EN HOLLYWOOD

Hoy es aniversario natal del director cinematográfico estadounidense Henry King. Comenzó su carrera como cineasta en los albores de Hollywood, en un momento en el que fue coetáneo de D. W. Griffith, Fred Niblo, Allan Dwan, Sam Wood y Maurice Tourneur, entre otros. Trabajó para Thomas H. Ince y se hizo un nombre en el cine silente. Es innegable su aportación al progreso del relato cinematográfico en muchas de sus películas de esa etapa. Su sólida filmografía en el sonoro fue casi en su totalidad producida en los estudios de la Fox, de los que fue un realizador puntal. Rodó gran número de films de muy diversos géneros y temáticas, muchos de ellos adaptaciones literarias, destacando particularmente sus aportaciones al cine histórico, biográfico o de aventuras en Technicolor. Descubrió a actores como Ronald Colman o Tyrone Power y, a lo largo de su exitosa y prolongada carrera, dirigió a muchas de las principales estrellas de Hollywood. La revisión de su obra fue desmontando muchos tópicos negativos que la crítica defensora del cine de autor se encargó de difundir; sus películas se sumergen en los más profundos sentimientos surgidos de la sencillez y la cotidianeidad, de la tierra en la que se arraigan sus personajes (fue un defensor del rodaje en exteriores), con una tonalidad moral y religiosa fruto de un íntimo convencimiento. Uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, sólo obtuvo candidaturas al Oscar al mejor director en dos ocasiones consecutivas y serían los actores y profesionales que trabajaron con él los más premiados por esa entidad. Fue el primero en ganar un Globo de Oro al mejor director.
Nacido en el seno de una familia sudista profundamente religiosa, Henry King era hijo de un ingeniero hidráulico. A los quince años dejó la escuela para trabajar en una empresa ferroviaria. Tiempo después, atraído desde muy joven por el mundo del espectáculo, se enroló como aprendiz de actor en una compañía teatral de repertorio, donde se curtió en géneros como el vaudeville. En una de sus giras trabó amistad con la actriz de comedia Pearl White y, en 1913, acompañándola en una visita a un estudio cinematográfico en Philadelphia, tomó contacto con el mundo del celuloide y se planteó formar parte de él, como actor en un principio, apareciendo como villano de western en diversos cortometrajes. Al año siguiente se trasladó a California y allí continuó apareciendo en otros cortos como galán romántico. Su trayectoria tras la cámara comenzó en 1915 codirigiendo seriales.
El mediometraje Little Mary Sunshine (1916) constituyó su debut como director en solitario. Luego de rodar películas de mayor extensión como El otro diamante (1918), El ardid de Mary (1918), En busca de la tranquilidad (1918), El boxeador (1919) o Un bravo pundonoroso (1919), tuvo su primer éxito importante con la comedia militar 23 horas y media de permiso (1919), a la que siguieron otros títulos como Huyendo del matrimonio (1919), La blanca paloma (1920), La castellana de Shenstone (1921) o El latigazo (1921).
David el duro (1921), drama rural con exteriores rodados en su Virginia natal y protagonizado por Richard Barthelmess, llamó la atención especialmente por su montaje, resultó un gran éxito de público y crítica y consagró a King como uno de los más importantes directores del Hollywood de la época. Después rodó Lobos de mar (1923), drama de aventuras con Richard Barthelmess, La hermana blanca (1923), drama romántico con Lillian Gish y Ronald Colman, Rómula (1924), drama histórico con las hermanas Lillian Gish y Dorothy Gish secundadas por William Powell y Ronald Colman, ¡Y supo ser madre! (1925), melodrama con Ronald Colman, Belle Bennett, Alice Joyce, Jean Hersholt, Lois Moran y Douglas Fairbanks Jr., Flor del desierto (1926), western con Ronald Colman y Vilma Bánky, La llama mágica (1927), drama con Ronald Colman y Vilma Bánky, hoy perdido, La mujer disputada (1928), drama ambientado en la I Guerra Mundial, con Norma Talmadge y Gilbert Roland, o Ella se va a la guerra (1929), drama con Eleanor Boardman, John Holland y Al St. John.
El paso del cine silente al sonoro no le afectó en demasía, ya que supo entender que el sonido iba a ayudar a la narración y a complementar la acción, enriqueciéndola, en muchos casos, en la misma medida en que lo habían conseguido los intertítulos, que habían servido de explicación a la acción en las películas del periodo anterior. Su primer trabajo sonoro fue El puerto infernal (1930), drama con Lupe Velez, Jean Hersholt y John Holland, y, después, contratado por la compañia de William Fox, dirigió Los ojos del mundo (1930), drama con Una Merkel, John Holland y Nance O'Neil, Marianita (1931), comedia romántica con Janet Gaynor y Charles Farrell, Honrarás a tu madre (1931), drama con James Dunn, Sally Eilers y Mae Marsh, La dama del 13 (1932), film de intriga con Elissa Landi, Ralph Bellamy, Neil Hamilton, Myrna Loy y Gilbert Roland, La feria de la vida (1933), comedia dramática con Janet Gaynor, Will Rogers, Lew Ayres y Sally Eilers, Te quise ayer (1933), comedia con Warner Baxter y Elissa Landi, Carolina (1934), comedia romántica con Janet Gaynor y Lionel Barrymore, María Galante (1934), thriller con Spencer Tracy, Otra primavera (1935), comedia dramática con Janet Gaynor y Warner Baxter, o A través de la tormenta (1935), drama con Rochelle Hudson y Henry Fonda
En 1935 Fox Film Corporation se fusionó con la Twentieth Century de Darryl Zanuck, pasando a llamarse 20th Century Fox. Henry King continuó bajo contrato con el estudio, dirigiendo producciones como Cinco cunitas (1936), drama rural con Jean Hersholt, Ramona (1936), drama con Loretta Young y Don Ameche, Lloyds de Londres (1936), drama de época con Freddie Bartholomew, Madeleine Carroll, Guy Standing y Tyrone Power, El séptimo cielo (1937), remake del film silente del mismo título dirigido en 1927 por Frank Borzage, un drama romántico que en esta ocasión protagonizaron Simone Simon y James Stewart, Chicago (1937), costoso drama de época donde se reconstruyó el incendio de Chicago en 1871, con Tyrone Power, Alice Faye y Don Ameche, un film que logró seis candidaturas al Oscar, La banda de Alexander (1938), musical con canciones de Irving Berlin protagonizado por Tyrone Power, Alice Faye y Don Ameche, también nominado al Oscar en seis categorías, Tierra de audaces (1939), western histórico sobre el famoso forajido Jesse James y su hermano Frank, con Tyrone Power, Henry Fonda, Nancy Kelly y Randolph Scott, El explorador perdido (1939), drama aventurero sobre el encuentro en Africa entre el explorador Stanley y el misionero Livingstone, con Spencer Tracy, Richard Greene y Nancy Kelly, El despertar de una ciudad (1940), drama histórico con Alice Faye, Fred MacMurray y Richard Greene, Maryland (1940), drama con Walter Brennan, Fay Bainter y Brenda Joyce, Pasión de amazona (1940), drama romántico con Henry Fonda, Dorothy Lamour y Linda Darnell, Un americano en la R.A.F. (1941), drama bélico con Tyrone Power y Betty Grable, Recuerda aquel día (1941), drama romántico con Claudette Colbert y John Payne, o El cisne negro (1942), clásico film de aventuras marinas en el siglo XVII que adaptaba una novela de Rafael Sabatini, con Tyrone Power y Maureen O'Hara.
A continuación sorprendieron especialmente dos dramas biográficos de King: La canción de Bernadette (1943), con Jennifer Jones, y Wilson (1944), con Alexander Knox. La primera contaba la historia de Bernadette Soubirous, la joven francesa sobre la que giró el milagro de Lourdes. Su puesta en escena mereció doce nominaciones al Oscar (incluyendo las de mejor película y director), ganando en cuatro apartados (uno de ellos a la mejor actriz protagonista). Asímismo, en la primera entrega de los Globos de Oro, fueron premiados tanto el film como Henry King y Jennifer Jones. La segunda película se centró en la vida de Woodrow Wilson, presidente estadounidense entre 1913 y 1921; fue una cara superproducción que obtuvo diez nominaciones al Oscar (incluyendo las de mejor película y director), consiguió cinco estatuillas de la Academia pero no recuperó la inversión en taquilla. Después rodó La campana de la libertad (1945), drama bélico con  Gene Tierney, John Hodiak y William Bendix, Cómo le conocí (1946), comedia romántica protagonizada por Jeanne Crain, El capitán de Castilla (1947), otro costoso film de aventuras en el siglo XVI, con Tyrone Power, Jean Peters y Cesar Romero, Sombras en el mar (1948), drama con Dana Andrews y Jean Peters, Almas en la hoguera (1949), film bélico con Gregory Peck candidato al Oscar en cuatro categorías, El príncipe de los zorros (1949), film ambientado en el Renacimiento italiano, con Tyrone Power, Orson Welles y Wanda Hendrix, El pistolero (1950), western con Gregory Peck, Escalaré la montaña más alta (1951), drama religioso con Susan Hayward y William Lundigan, David y Betsabé (1951), taquillero drama bíblico con Gregory Peck y Susan Hayward, Cabalgata de pasiones (1952), drama de época con  David Wayne, Jean Peters y Hugh Marlowe, Las nieves del Kilimanjaro (1952), adaptación de la novela corta de Ernest Hemingway, con Gregory Peck, Susan Hayward y Ava Gardner, El capitán King (1953), film de aventuras coloniales en la India, con Tyrone Power, Terry Moore y Michael Rennie, Caravana hacia el sur (1955), film de aventuras africanas con Tyrone Power, Susan Hayward y Richard Egan, La colina del adiós (1955), absorbente y conmovedor drama romántico ubicado en Hong Kong que protagonizaron William Holden y Jennifer Jones y fue nominado al Oscar en ocho apartados, ganándolo en tres, Carrusel (1956), traslación a la pantalla del musical homónimo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, con Gordon MacRae y Shirley Jones, Fiesta (1957), drama que adaptaba una novela de Hemingway ambientada en los años 20, con Tyrone Power, Ava Gardner Mel Ferrer, Errol Flynn y Eddie Albert, El vengador sin piedad (1958), western con Gregory Peck, Joan Collins y Stephen Boyd, Esta tierra es mía (1959), producción de Universal Pictures (la primera y única en veintitrés años fuera de 20th Century Fox, su estudio habitual), un drama ambientado en los últimos años de la Ley Seca, con Rock Hudson, Jean Simmons, Dorothy McGuire y Claude Rains, Días sin vida (1959), drama sobre la relación entre el escritor F. Scott Fitzgerald y la columnista Sheilah Graham, respectivamente encarnados por Gregory Peck y Deborah Kerr, finalizando su carrera con Suave es la noche (1962), drama ambientado en los años 20 que adaptaba una novela de Scott Fitzgerald, con Jennifer Jones, Jason Robards, Joan Fontaine y Tom Ewell.
Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en la Patrulla Civil Aérea con base en Brownsville, Texas, alcanzando el grado de capitán. Además de su pasión por dirigir, Henry King disfrutaba pilotando aviones y jugando al golf. En 1914 se casó con la actriz Gypsy Abbott, que le dio cuatro hijos y de la que enviudó en 1952. Se volvió a casar en 1959, con Ida Davis, su esposa el resto de su vida. El director falleció a los 96 años de un paro cardiaco mientras dormía en su casa.