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domingo, 31 de diciembre de 2017

Bringing in the New Year with classic movies

FOR AULD LANG SYNE, MY DEAR

Despedimos el año con el tradicional Auld lang syne, famosa canción escocesa cuya letra consiste en un poema escrito en 1788​ por Robert Burns. En esta ocasión podemos escucharla a cargo del grupo alemán de punk rock Die Toten Hosen en este video que recoge imágenes de treintaiséis películas clásicas, citadas con su título original: "Champagne" (1928), "Notorious" (1946), "That funny feeling" (1965), "Baby face" (1933), "Sabrina" (1954), "An affair to remember" (1957), "The yellow Rolls Royce" (1964), "The grapes of wrath" (1940), "It started in Naples" (1960), "Since you went away" (1944), "The gay divorcee" (1934), "Picnic" (1955), "Bande à part" (1964), "From here to eternity" (1953), "Citizen Kane" (1941), "Beach blanket bingo" (1965), "Boom!" (1968), "The moon spinners" (1964), "Any Wednesday" (1966), "Doctor Zhivago" (1965), "Ball of fire" (1941), "Mélodie en sous-sol" (1963), "Easy living" (1937), "Dark victory" (1939), "Le samourai" (1967), "Modesty Blaise" (1966), "Une femme est une femme" (1961), "La dolce vita" (1960), "Avanti!" (1972), "Petulia" (1968), "L'eclisse" (1962), "Les demoiselles de Rochefort" (1967), "Bells are ringing" (1960), "Indiscreet" (1958), "Gold diggers of 1933" (1933) y "Top hat" (1935).

Donna Summer - She works hard for the money

SO YOU BETTER TREAT HER RIGHT

Recordamos el 69 aniversario natal de la desaparecida Donna Summer con su interpretación en vivo de She works hard for the money (Michael Omartian / Donna Summer), uno de sus últimos Top 10 en las listas estadounidenses, que encabezó su álbum del mismo título en 1983 y cuyo single alcanzó el nº 3 en Billboard y fue asímismo un hit internacional.

sábado, 30 de diciembre de 2017

The Marcels - Blue moon

TRIBUTE TO RICHARD RODGERS (V)

Casi con toda seguridad, Blue moon es la canción más célebre y versionada de cuantas compusieron juntos Richard Rodgers y Lorenz Hart. Estrenada en la película "El enemigo público número 1" (Manhattan melodrama, 1934), como acompañamiento musical a los créditos iniciales, cambió varias veces de título y de letra. Hasta 1949 no se convirtió en un hit, respectivamente en las voces de Billy Eckstine y Mel Tormé. Luego la grabaron innumerables e importantísimos artistas, pero, en plena era del rock & roll, fueron The Marcels, un grupo vocal de doo-wop formado en 1959 en Pittsburgh, Pennsylvania, quienes más éxito lograron con ella, alcanzando el nº 1 en 1961 en las listas de Billboard durante tres semanas y también en las británicas. Su single vendió más de un millón de copias y ganó un disco de oro. Paradójicamente, a Richard Rodgers no le gustaba nada esta versión de su famosa balada. Mas de cuarenta años después, unos muy veteranos Marcels, reconstruidos y ampliados, la recrearon en vivo de forma muy similar.

Gerry & The Pacemakers - You'll never walk alone

TRIBUTE TO RICHARD RODGERS (IV)

You'll never walk alone, el número más famoso del musical Carousel (1956) de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II y uno de sus más celebrados standards, fue grabado por Gerry & The Pacemakers, grupo de Liverpool cuya versión alcanzó en 1963 el nº 1 en las listas británicas. La canción no tardó en ser adoptada como himno del equipo de fútbol de esa ciudad. Desde entonces, los hinchas del Liverpool F.C. la cantan en cada partido y, sucesivamente, los de otros equipos en Gran Bretaña y varios países europeos también lo hacen de forma habitual.

Julie Andrews - My favorite things

TRIBUTE TO RICHARD RODGERS (III)

Cuatro años antes de cantar My favorite things rodeada de niños en la película "Sonrisas y lagrimas" (The sound of music, 1965), Julie Andrews interpretó la famosa melodía de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II -procedente del musical del mismo título estrenado en Broadway en 1959- en la televisión, rodeada de un coro masculino.

Perry Como - With a song in my heart

TRIBUTE TO RICHARD RODGERS (II)

With a song in my heart, una de las más bellas composiciones de Richard Rodgers y Lorenz Hart, fue escrita para la película "Spring is here" (1930), donde la interpretaron Alexander Gray y Bernice Claire. Conocidísimo standard grabado por importantes artistas, el crooner Perry Como la cantó así, con orquesta y coros, en su show televisivo en 1957.

Judy Garland & Mickey Rooney - I wish I were in love again (Words and music, 1948)

TRIBUTE TO RICHARD RODGERS (I)

Judy Garland y Mickey Rooney, quienes habían coprotagonizado "Los hijos de la farándula" (Babes in arms, 1939) de Busby Berkeley, traslación a la pantalla del musical homónimo de Richard Rodgers y Lorenz Hart dos años anterior, fueron seleccionados por M-G-M para interpretar a dúo una popular canción de él procedente, I wish I were in love again, que fue incluída en el biopic sobre el famoso tándem de compositores "Letra y música" (Words and music, 1948), que dirigió Norman Taurog y resultó ser la última película donde ambos actuaron juntos.

Richard Rodgers (New York City, US, 28-6-1902 / Ibid. 30-12-1979): In memoriam

COMPOSITOR DE LOS MÁS TRIUNFALES MUSICALES EN BROADWAY

Hoy se cumplen treinta y ocho años del fallecimiento del insigne compositor estadounidense Richard Rodgers. Uno de los más grandes en la época de los grandes (Irving Berlin, George Gershwin, Jerome Kern, Cole Porter...), es celebre por sus colaboraciones con los letristas Lorenz Hart y Oscar Hammerstein II, la mayoría para el teatro musical y, asímismo, para el cine y la televisión. Las obras que escribió con Hart son más sofisticadas, en tanto que sus trabajos con Hammerstein son más alegres y optimistas generalmente. Autor de más de mil canciones, muchas de las cuales se convirtieron en standards (el más célebre, Blue moon) y 42 musicales, de los que 19 fueron llevados al cine, varios de ellos con sobresaliente éxito: "Amame esta noche" (1932), "Los hijos de la farándula" (1937), "Oklahoma!" (1955), "Carrusel" (1956), "El rey y yo" (1956), "Pal Joey" (1957), "Al sur del Pacífico" (1958), "Jumbo" (1962) o "Sonrisas y lágrimas" (1965). Sus composiciones han gozado de un amplísimo impacto en la musica popular y posterior influencia. Rodgers fue la primera persona en ganar premios en televisión, discos, películas y obras para Broadway (Emmy, Grammy, Oscar y Tony), a los que hay que añadir dos Pulitzer.

Richard Rodgers nació en el seno de una acaudalada familia judía (su padre era un médico de renombre). A los seis años empezó a recibir clases de piano y pronto se aficionó al teatro musical cuando sus padres lo llevaban a los espectáculos musicales y operetas que se representaban en Broadway. De adolescente, en un campamento veraniego, escribió sus primeras canciones y, al acceder a la Universidad de Columbia, ya era un compositor. Allí conoció en 1919 al letrista Lorenz Hart, con quien establecería una fructífera colaboración en 28 obras musicales y más de 500 canciones hasta la muerte de su cooperante en 1943. En 1921 cambió los estudios universitarios en Columbia por el Instituto de Artes Musicales (actualmente Juilliard School) de su ciudad natal.

Rodgers y Hart

El primer musical profesional de Rodgers y Hart fue Poor little Ritz girl (1920), en el que también había música de Sigmund Romberg,  y el primero de éxito fue Garrick gaieties (1925), que incluía la canción Manhattan, su primer standard. Entre 1925 y 1931 presentaron quince musicales en Broadway, entre ellos A Connecticut yankee (1927) o Present arms (1928), de los que respectivamente proceden las canciones Thou swell y You took advantage of me. A comienzos de los años 30, debido a la Gran Depresión y al auge del cine sonoro, se trasladaron a Hollywood, donde crearon canciones para películas como "Spring is here" (1930) de John Francis Dillon, de donde salió el famoso standard With a song in my heart, o "Amame esta noche" (Love me tonight, 1932) de Rouben Mamoulian, con Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald, quienes interpretaron, entre otras, Love me tonight, Isn't it romantic?, Mimi o Lover. La que probablemente es la canción más famosa del tándem, Blue moon, fue utilizada en los títulos de crédito de "El enemigo público número 1" (Manhattan melodrama, 1934) de W. S. Van Dyke.
A mitad de la década estaban de vuelta en Broadway escribiendo las canciones de Jumbo (1935) y On your toes (1936), musicales a los que respectivamente pertenecen My romance o Glad to be unhappy. En On your toes se introdujeron como novedad números de ballet y a partir de entonces se estableció formalmente la danza como un componente fijo de la comedia musical. Mención especial merece Babes in arms (1937), exitoso musical que dio origen a  muy conocidos standards: Where or when, I wish I were in love again, My funny Valentine, Johnny one note o The Lady is a tramp. Dos años después sería llevado a la pantalla en la película "Los hijos de la farándula" (Babes in arms, 1939) de Busby Berkeley, que protagonizaron Mickey Rooney y Judy Garland. The boys from Syracuse (1938) fue otro exitoso musical, basado en "La comedia de los errores" de Shakespeare, con canciones como This can't be love o Falling in love with love. Otra de sus obras más famosas es Pal Joey (1940), estrenada en Broadway con Gene Kelly como debutante protagonista, y que dio a conocer standards como I could write a book o Bewitched, bothered and bewildered. El musical By Jupiter (1942) supuso la última colaboración de Rodgers y Hart. Su relación creativa terminó debido a la declinante salud del último, quien finalmente falleció a finales de 1943. La película "Letra y música" (Words and music, 1948) de Norman Taurog recrea la relación entre Lorenz Hart (interpretado por Mickey Rooney) y Richards Rodgers (a quien encarnó Tom Drake) e incluye diversas canciones de ambos.

Rodgers y Hammerstein II

Su emparejamiento con Oscar Hammerstein II dio como primer fruto un musical de enorme éxito, Oklahoma! (1943), que revolucionó las formas del género hasta entonces conocidas. Siguiendo la pauta marcada años atrás en Show boat (1927), que Hammerstein había escrito junto a Jerome Kern, supuso el epítome del desarrollo del libreto musical, donde por primera vez las canciones y bailes estaban plenamente integrados en la historia y contribuían a avanzar la acción. De este musical, que obtuvo el Premio Pulitzer, se dieron 2.212 representaciones en Broadway a lo largo de cinco años. A él corresponden las canciones Oh, what a beautiful mornin', The surrey with the fringe on top, Kansas City, People will say we're in love o la que da título al musical, Oklahoma!, que se convertiría en el himno del estado del mismo nombre. Fue seguido por el también exitoso (aunque no tanto) Carousel (1945), de cuya canción You’ll never walk alone se apropiarían, a modo de himno, los hinchas británicos del Liverpool F.C. a comienzos de los años 60.
El único trabajo de la pareja escrito expresamente para el cine fue State fair (1945), película que dirigió Walter Lang y donde se podían escuchar canciones como It might as well be spring o That's for me. Otro grandísimo triunfo en Brodway supuso South Pacific (1949), musical que se mantuvo más de cinco años en cartel y que también ganó un Pulitzer. Sus canciones Some enchanted evening, Bali Ha'i o Younger than springtime asímismo devinieron standards. La producción original de El rey y yo (1951) contó con Gertrude Lawrence y Yul Brynner como protagonistas, ambos premiados con un Tony, al igual que la obra. La función se representó durante más de tres años y luego se ha repuesto multitud de veces. De ella se hicieron muy populares canciones como Hello, young lovers, We kiss in a shadow o Shall we dance?. Walter Lang dirigiría la adaptación cinematográfica en 1956, interpretada por Deborah Kerr (doblada en las canciones por Marni Nixon) y Yul Brynner, que ganó el Oscar por su encarnación del rey de Siam. Cinderella (1957) fue un musical escrito para la televisión, que protagonizó Julie Andrews. Flower drum song (1958), que en Broadway dirigió Gene Kelly, pese a tener menos repercusión, fue llevado a la pantalla en la película "Prometidas sin novio"(1961), dirigida por Henry Koster.
La última colaboración del exitoso equipo se materializó en The sound of music (1959), musical surgido después que el director escénico Vincent J. Donehue visionase las películas alemanas "La familia Trapp" (1956) y su secuela "La familia Trapp en América" (1958) y pensara que sería un proyecto perfecto para la actriz Mary Martin, amiga suya. Los productores de Broadway estuvieron de acuerdo y también tuvieron en cuenta una obra no musical de Lindsay y Crouse sobre las andanzas de la numerosa familia austriaca huída del nazismo, cuyos hijos son confiados al cuidado de una monja novicia. Con las canciones encargadas a Rodgers y Hammerstein II, el musical se mantuvo en escena casi cuatro años, llegó a 1.443 representaciones y ganó cinco premios Tony. La gran popularidad de números musicales como The sound of music, My favorite things, Do-re-mi o Edelweiss perdura hasta hoy. Oscar Hammerstein II murió de cáncer en 1960. Años después se estrenó la adaptación cinematográfica "Sonrisas y lágrimas" (The sound of music, 1965), dirigida por Robert Wise, con Julie Andrews y Christopher Plummer como protagonistas. La película cosechó un enorme éxito a escala internacional, además de lograr dos Globos de Oro y cinco Oscars. En total los musicales del tándem Rodgers / Hammerstein consiguieron 35 premios Tony, 15 Oscars, dos premios Pulizer, dos Grammy y dos Emmy.

Trabajos posteriores

En solitario Rodgers escribió letra y música para el musical No strings (1962), ganador de dos premios Tony. The sweetest sounds es su canción más conocida. Luego colaboró con Stephen Sondheim, quien había sido un protegido de Hammerstein, en Do I hear a waltz?, así como con Martin Charnin en Two by two (1970) y I remember mama (1979) y también con Sheldon Harnick en Rex (1976).

Richard Rodgers estuvo casado con Dorothy Feiner desde 1930 hasta que murió en 1979. La pareja tuvo dos hijas, Mary y Linda. El compositor fue uno de los primeros en recibir los honores del Kennedy Center en 1978. Ateo, mujeriego, propenso a la depresión y el abuso de alcohol, Rodgers falleció a los 77 años, después de pasar por un cáncer de mandíbula, un ataque cardiaco y una laringectomía. En 1990 Broadway le rindió tributo dando su nombre a un teatro de la Calle 46. En Estados Unidos hay muchos colegios que también lo llevan.

Richard Rodgers

Richard Rodgers & Lorenz Hart

Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II
 

Peter, Paul & Mary - Early morning rain

TRIBUTE TO PAUL STOOKEY (Baltimore, Maryland, US, 30-12-1937)

Hoy cumple 79 años el cantante y compositor Peter Yarrow, quien, junto a Paul Stookey y Mary Travers, formó parte del trio folk Peter, Paul and Mary entre 1961 y 1970 en una primera etapa y entre 1978 y 2008 en una segunda. Lo recordamos con Early morning rain, versión en las voces del terceto neoyorquino de una canción de Gordon Lightfoot publicada en 1966.



Early morning rain  (lyrics)

In the early morning rain
With a dollar in my hand
With an aching in my heart
And my pockets full of sand
I'm a long way from home
And I missed my loved one so
In the early morning rain
With no place to go
Out on runway number nine
Big 707 set to go
Well I'm out here on the grass
Where the pavement never grows
Where the liquor tasted good
And the women all were fast
There she goes my friend
She's rolling down at last
Hear the mighty engines roar
See the silver wing on high
She's away and westward bound
Far above the clouds she'll fly
Where the morning rain don't fall
And the sun always shines
She'll be flying over my home
In about three hours time
This ol' airport's got me down
It's no earthly good to me
'Cause I'm stuck here on the ground
Cold and drunk as I may be
You can't jump a jet plane
Like you can a freight train
So I'd best be on my way
In the early morning rain
So I'd best be on my way
In the early morning rain
 

viernes, 29 de diciembre de 2017

Marianne Faithfull - What have they done to the rain

FALLING LIKE HELPLESS TEARS

La cantante inglesa Marianne Faithfull cumple hoy 71 años. Descubierta por Andrew Loog Oldham, el manager de The Rolling Stones, comenzó su carrera musical en 1964 y un año después se publicaron simultáneamente sus dos primeros álbumes. El titulado Marianne Faithfull, que contenía canciones folk, incluía su versión de What have they done to the rain, composición de la estadounidense Malvina Reynolds escrita como parte de una campaña para detener pruebas nucleares que producían lluvias radioactivas. Tras formar parte del primer álbum en vivo de Joan Baez (1962), fue grabada en 1964 por el grupo australiano The Seekers y por el grupo británico The Searchers, quienes la llevaron a las listas de éxitos en su país y los Estados Unidos. El álbum de Faithfull llegó al nº 15 en las listas británicas y al nº 12 en las estadounidenses.

What have they done to the rain  (lyrics)

Just a little rain falling all around
The grass lifts its head to the heavenly sound
Just a little rain, just a little rain
What have they done to the rain

Just a little boy standing in the rain
The gentle rain that falls for years
And the grass is gone, the boy disappears
And rain keeps falling like helpless tears
And what have they done to the rain

Just a little breeze out of the sky
The leaves nod their head as the breeze blows by
Just a little breeze with some smoke in its eye
What have they done to the rain

Just a little boy standing in the rain
The gentle rain that falls for years
And the grass is gone, the boy disappears
And rain keeps falling like helpless tears
And what have they done to the rain
What have they done to the rain
 

Ana Curra - Una noche sin tí

LAS COSAS NO PUEDEN CAMBIAR JAMÁS

Ana Curra, cantante, teclista, compositora y referente de la movida madrileña, celebra hoy su 59 cumpleaños. Tras su paso por grupos como Pegamoides, Parálisis Permanente y Seres Vacíos, continuó su carrera en solitario con éxitos como Una noche sin tí, composición suya y de José M. Battaglio que apareció en single en 1985. El video corresponde a una actuación suya ese mismo año en el programa Tocata de RTVE.

jueves, 28 de diciembre de 2017

Debbie Reynolds - Tammy

I HEAR THE COTTONWOODS WHISPERING ABOVE

Hoy se cumple un año del fallecimiento de la actriz y cantante estadounidense Debbie Reynolds. La recordamos con esta secuencia de "Tammy, la muchacha salvaje" ("Tammy and the bachelor", 1957) de Joseph Pevney, comedia romántica donde interpretaba la canción Tammy (Livingstone / Evans) en presencia de Mildred Natwick. El single con esta sentimental melodía se hizo muy popular y alcanzó el nº 1 en las listas de Billboard y el nº 2 en el Reino Unido, siendo premiada Reynolds con un disco de oro.

Lew Ayres (Minneapolis, Minnesota, US, 28-12-1908 / Los Angeles, California, US, 30-12-1996): In memoriam

EL COMPROMISO CONSIGO MISMO

Hoy es aniversario natal del actor estadounidense Lew Ayres. Su juvenil apostura le hizo debutar en el cine silente como galán de Greta Garbo y su muy aclamada segunda película, Sin novedad en el frente, le convirtió en estrella. Este fue un título clave no sólo en su carrera interpretativa, sino también en su vida, pues a partir de él, se convirtió en un pacifista convencido, lo que casi arruinó su carrera en Hollywood al declararse objetor de conciencia durante la Segunda Guerra Mundial. En cierta ocasión declaró: "Para mí, la guerra era el mayor pecado. Yo no era capaz de matar a otros hombres". Cuando volvió rehabilitado del frente, tras servir en el Cuerpo Médico americano en el Pacífico Sur, donde cuidó de militares y civiles, prosiguió su actividad en el cine y la televisión. Llegó a estar nominado al Oscar al mejor actor en una ocasión, pero su estatus estelar decayó y pronto fue relegado a papeles secundarios.
Los padres de Lewis Frederick Ayres III se divorciaron cuando él tenía cuatro años. Ambos contrajeron respectivas nuevas nupcias y, cuando era adolescente, el pequeño Lew, que había permanecido con su madre, se trasladó con su familia a San Diego, California. Sin haber llegado a graduarse, dio sus primeros pasos artísticos como músico, tocando el banjo y la guitarra en varias orquestas. Era un joven muy bien parecido y, actuando en un night club, fue descubierto por un cazatalentos que lo llevó a Hollywood. 
Con sólo veinte años debutó en el cine con El beso (1929) de Jacques Feyder, drama romántico donde tuvo como oponente nada menos que a Greta Garbo y en el que también aparecían Conrad Nagel y Holmes Herbert. Al año siguiente se estrenó la película más importante de su carrera, Sin novedad en el frente (1930) de Lewis Milestone, mítico film antibélico basado en la novela homónima de Erich Maria Remarque que plasma los sentimientos, sensaciones y desilusiones de un grupo de jóvenes estudiantes que son enviados al frente en la Primera Guerra Mundial. Ayres interpretó en ella a un soldado alemán que descubre poco a poco los horrores de la guerra. El joven actor quedó tan impresionado de su participación en esa producción que muchos años después, cuando su país entró en la Segunda Guerra Mundial, se declararía objetor de conciencia. La película y su director ganaron sendos Oscars y la carrera de Ayres se vio propulsada al estrellato, protagonizando después, entre otros, títulos como La senda del crimen (1930) de Archie Mayo, en donde también intervino un principiante James Cagney, Acusado (1931) de Monta Bell, drama con Genevieve Tobin, Mujeres que matan (1932) de Hobart Henley, drama con Mae Clarke y Boris Karloff, La feria de la vida (1933) de Henry King, comedia dramática con Janet Gaynor, Will Rogers y Sally Eilers, Mi debilidad (1933) de David Butler, musical con Lilian Harvey, Aprendió de los marinos (1934) de George Marshall, comedia dramática con Alice Faye, o La lotería del amor (1935) de Wilhelm Thiele, comedia con Pat Paterson. Tras desempeñar un rol secundario en Vivir para gozar (1938) de George Cukor, comedia con protagonismo de Katharine Hepburn y Cary Grant, actuó junto a Lionel Barrymore en El joven Dr. Kildare (1938) de Harold S. Bucquet, popular drama médico que daría lugar a hasta siete secuelas en los años siguientes, Se llevó mi corazón (1939) de Robert Z. Leonard, drama musical con Jeanette MacDonald, Ian Hunter y Frank Morgan, y otras.
Cuando en 1942, con su país ya beligerante, se hizo pública su objeción de conciencia, América se escandalizó e indignó, los estudios hollywoodenses le boicotearon y los exhibidores se negaron a programar sus películas. El escándalo casi destruyó la reputación de Ayres hasta que se supo que el actor se había enrolado como no combatiente en el Cuerpo Médico, destacando por sus acciones en el servicio sanitario del frente en el Pacífico Sur y como ayudante del capellán en Nueva Guinea y Filipinas. Donó todo el dinero que había ganado a la Cruz Roja americana y, despues de tres años y medio de servicio, recibió tres estrellas de guerra.
Su regreso al cine se produjo con A través del espejo (1946) de Robert Siodmak, un interesante trhriller psicológico donde compartió créditos con Olivia de Havilland, actuando después en La infiel (1947) de Vincent Sherman, drama basado en una novela de Somerset Maugham, con Ann Sheridan y Zachary Scott, y Belinda (1948) de Jean Negulesco, drama rural con Jane Wyman, Charles Bickford y Agnes Moorehead, donde interpretó a un médico que ayuda a salir de su silenciosa cárcel psicológica a una sordomuda enseñándole el lenguaje de signos. Esta película fue muy exitosa y obtuvo doce nominaciones al Oscar, incluyendo a sus cuatro intérpretes principales (para Ayres supuso su primera y última candidatura como actor protagonista a los premios de la Academia). La única estatuilla lograda fue a manos de Jane Wyman, quien por esa época dejó a su marido Ronald Reagan para mantener un romance con Lew Ayres.
En todo caso, la filmografía posterior del actor no es ni abundante ni, salvo alguna excepción, demasiado destacada, pudiendo ser visto en películas como El cerebro de Donovan (1953) de Felix E. Feist, mezcla de ciencia-ficción y terror con Nancy Davis, Tempestad sobre Washington (1962) de Otto Preminger, drama denunciador de la corrupción política en las altas esferas norteamericanas, con Henry Fonda, Charles Laughton, Don Murray, Walter Pidgeon, Peter Lawford, Gene Tierney, Franchot Tone y Burgess Meredith, Los insaciables (1964) de Edward Dmytryk, drama con George Peppard, Alan Ladd, Robert Cummings, Martha Hyer y Carroll Baker, El comebollos (1972) de Vincent McEveety, producción Disney con  Earl Holliman y Pat Crowley, Batalla por el planeta de los simios (1973) de J. Lee Thompson, secuela de ciencia-ficción con Roddy McDowall, Año 1999: El fin del mundo (1977) de John Hayes, ciencia-ficción y terror de serie B con Christopher Lee, La maldición de Damien (1978) de Don Taylor, film de terror con William Holden y Lee Grant, Galáctica (1978) de Richard A. Colla, aventura espacial con Richard Hatch, Dirk Benedict y Lorne Greene, Phantasma II (1979) de Tobe Hooper, intriga de terror basada en una novela de Stephen King, con David Soul, James Mason, Lance Kerwin y Bonnie Bedelia, o Don Camilo (1983) de Terence Hill, nueva adaptación de los relatos de Giovanni Guareschi, con Terence Hill, Colin Blakely y Mimsy Farmer. Desde finales de los años 50 actuó también en la televisión. Pacifista hasta el fin, el documental por él dirigido, Altars of the world (1976), donde exponía sus creencias filosóficas orientales, fue muy bien acogido por la crítica y ganó un Globo de Oro. 
Lew Ayres se casó en tres ocasiones. Sus dos primeros matrimonios finalizaron en divorcio, siendo sus esposas las actrices Lola Lane (1931-1933) y Ginger Rogers (1934-1941). Con la joven ex azafata de vuelo Diana Hall contrajo nupcias en 1964, tuvo a su único hijo en 1968 y permaneció unido hasta 1996, año de su muerte, tras llevar varios días en coma. Su óbito se produjo dos días después de cumplir 88 años.


   

miércoles, 27 de diciembre de 2017

Мarlene Dietrich - The boys in the backroom

AND TELL THEM I DIED OF THE SAME

La inolvidable Marlene Dietrich nació tal día como hoy hace 116 años. A finales de noviembre de 1972, cuando le faltaba un mes para cumplir los 71, grabó en el New London Theatre de la capital británica el especial televisivo de una hora de duración An evening with Marlene Dietrich, que muchas televisiones del mundo retransmitieron en diferido al año siguiente. En él apareció mayestática, con un ceñido vestido semitransparente con abalorios de cristal diseñado por Jean Louis y un impresionante abrigo blanco de plumas de cisne. Una de las diecinueve canciones que interpretó en el programa fue The boys in the backroom (Loesser/Hollander), que muchos años antes había cantado en el western "Arizona" (Destry rides again, 1939), la película de mayor éxito comercial de toda su carrera. El cantable, constantemente repetido en sus recitales durante décadas, suponía un guiño paródico a los papeles de vamp que la hicieron célebre.

The boys in the backroom  (lyrics)

See what the boys in the backroom will have
And tell them I'm having the same
Go see what the boys in the backroom will have
And give them the poison they name
And when I die don't spend my money
On flowers and my picture in a frame
Just see what the boys in the backroom will have
And tell them I sighed and tell them I cried
And tell them I died of the same
And when I die don't buy a casket of silver
With the candles all aflame
Just see what the boys in the backroom will have
And tell them I sighed and tell them I cried
And tell them I died of the same
And when I die don't pay the preacher
For speaking of my glory and my fame
Just see what the boys in the backroom will have
And tell them I sighed and tell them I cried
And tell them I died of the same


martes, 26 de diciembre de 2017

Imperio Argentina - Carceleras del Puerto

RECUERDO A IMPERIO ARGENTINA

Recordamos el aniversario natal de Imperio Argentina con Carceleras del Puerto, bulerías compuestas por Enrique Vizcaino, Joaquín de la Oliva y Juan Mostazo que la gran artista interpretó en la película "Carmen la de Triana" (1938) de Florián Rey.

lunes, 25 de diciembre de 2017

Dean Martin - Send me the pillow that you dream on

I'LL SHARE YOUR LOVING DREAMS THAT ONCE WERE MINE

En el vigésimo segundo aniversario de su fallecimiento recordamos a Dean Martin con Send me the pillow that you dream on, canción que el cantante country Hank Locklin compuso y grabó en 1949. Martin la incorporó en 1965 a su repertorio de éxitos y la interpretó en su propio show televisivo.

Send me the pillow that you dream on  (lyrics)

Send me the pillow that you dream on
Don't you know that I still care for you
Send me the pillow that you dream on
So darling I can dream on it too
Each night while I'm sleeping oh so lonely
I'll share your loving dreams that once were mine
Send me the pillow that you dream on
So darling I can dream on it too
I've waited so long for you to write me
But just a memory's all that's left for me
Send me the pillow that you dream on
So darling I can dream on it too
So darling I can dream on it too


Charles Chaplin's "Limelight" (1952) - The ending

40 AÑOS SIN CHAPLIN

Hoy se conmemora el cuadragésimo aniversario del fallecimiento de Charlie Chaplin, a quien, como tantos, considero el mayor genio que ha dado el séptimo arte. Ningún actor cinematográfico cautivó tanto al mundo como lo hizo él, un londinense de origen humilde que llegó a convertirse en un artista inmortal por su hábil y efectiva humanización de los conflictos del hombre con el destino. En más de ochenta películas, filmadas entre 1914 y 1967, Chaplin, quien también era guionista y un asombrosamente imaginativo director, retrató al pequeño individuo golpeado por la vida pero galante y con la dignidad de un caballero.
Inmensamente popular fue su creación de Charlot, el personaje de comedia más emblemático de su carrera, un simpático y conmovedor vagabundo de raído y característico atuendo: chaqueta ajustada, pantalones holgados, zapatos descomunales, bombín y una caña de bambú a modo de bastón. Un corto bigote negro y las cejas remarcadas completaban su indumentaria, a la que añadió su peculiarísima forma de andar. Surgido en el cine silente, Charlot apareció en más de setenta cortometrajes hasta 1923. La técnica chapliniana de filmar incluía slapstick, mímica, pantomima y demás recursos de comedia visual. Su estilo se caracteriza por el uso del humor físico, combinado con melodrama y crítica social. A partir de 1916 Chaplin asumió también tareas de producción y desde 1918 compuso música para la mayoría de sus películas. La duración de éstas se fue incrementando y el rodaje de El chico (1921) requirió seis rollos de celuloide, mientras que El peregrino (1923) utilizó cuatro.
Tras dirigir el impresionante drama Una mujer de París (1923), su primera película de más de 90 minutos y donde no actuaba, Chaplin retomó el personaje de Charlot en muy elaborados largometrajes (llenos de momentos hilarantes pero no exentos de sentimentalismo)  por los que es más recordado: La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936). Pese a que el cine hablado había irrumpido en 1927, estas dos últimas no contenían diálogos, pero no obstante figuran, como las anteriores, entre sus obras maestras.
En El gran dictador (1940), su primer film parlante, interpretó dos personajes: un barbero judío con reminiscencias de Charlot y un gobernante de un país imaginario que no era sino una parodia de Hitler. Otros roles diferentes incorporó en Monsieur Verdoux (1947), comedia negra donde era un asesino en serie inspirado en Landru, y Candilejas (1952), subyugante y estremecedor drama con elementos cómicos que presentaba a un veterano cómico en decadencia. Tras el estreno de ésta, su última película filmada en Hollywood, Chaplin, acusado de 'comunista', fue acosado y perseguido por el Comité de Actividades Antiamericanas, lo que obligó al cómico, que nunca adoptó la ciudadanía estadounidense, a buscar refugio en Europa, donde realizó sus dos últimos films: Un rey en Nueva York (1957), personal revancha contra el país que tuvo abandonar, y La condesa de Hong Kong (1966), su único título en color y formato panorámico, donde intervenía en un breve rol y cuya comicidad se consideró anacrónica.
Retirado con su numerosa familia en Suiza, sólo volvió a América en 1972, cuando un Hollywood contrito le reclamó para hacerle entrega de un Oscar honorífico, que Chaplin recibió visiblemente emocionado en una ceremonia donde fue aplaudido durante doce minutos, la ovación más larga en la historia de los premios de la Academia. En 1929 ya se le había concedido otro honorífico, fuera de competición, como actor, guionista, director y productor de El circo, y en 1973 le premiaron como coautor de la banda sonora original de Candilejas, film retirado de los circuitos de exhibición estadounidenses en 1952 tras insidiosas campañas de prensa contra su autor -paradójicamente su mayor éxito comercial en Europa y el resto del mundo- y no estrenado en Los Angeles hasta veinte años después. Este fue su tercer Oscar y el único ganado en competición. Otros reconocimientos fueron el León de Oro en el Festival de Venecia (1972) y su nombramiento en 1976 como Caballero de la Orden del Imperio Británico con el título de Sir.  
Con su salud muy maltrecha, física y mentalmente, Chaplin falleció de una hemorragia cerebral mientras dormía el día de Navidad de 1977, cuando contaba 88 años. Dejó un legado de incalculable valor y hoy en día su inolvidable personaje del vagabundo sigue siendo validado como uno de los iconos culturales por excelencia del siglo XX.



Candilejas, la última gran obra maestra de Chaplin y probablemente su película más profunda, introspectiva y conmovedora, terminaba con esta secuencia, de las que no dejan un ojo seco: el viejo cómico Calvero muere entre bambalinas tras haber conseguido que su joven protegida, recuperada de un trastorno psicológico que le impedia caminar, vuelva a danzar en un escenario. Chaplin corroboró definitivamente aquí su gran talento dramático, más allá de sus reconocidas dotes cómicas. Inolvidable su banda sonora musical oscarizada veintiún años después.

domingo, 24 de diciembre de 2017

Golpes Bajos - Malos tiempos para la lírica

GERMÁN COPPINI (Santander, Cantabria, España, 19-11-1961 / Madrid, 24-12-2013): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen cuatro años del fallecimiento del cantante y compositor español Germán Coppini López-Tormos, conocido como voz solista de Siniestro Total (1981-1983) y Golpes Bajos (1983-1985), formaciones musicales surgidas desde la ciudad gallega de Vigo y cuyo repentino éxito le confirió a nivel nacional el carácter de icono de la movida de los años 80. Tras dejar la primera de las bandas mencionadas y disolverse la segunda, prosiguió su carrera musical, con mucha menor repercusión, grabando discos en solitario, formando nuevos grupos en los que experimentó con diversos ritmos musicales o realizando colaboraciones con otros artistas. Musicalmente audaz y comprometido ética y estéticamente, se le hizo difícil vender su atormentado universo poético.
Coppini falleció en Nochebuena de fulminante cáncer de hígado a los 52 años, dejando mujer y tres hijos. Quienes le admiramos cuando en su día cubría su propio y breve itinerario por el punk y la nueva ola, aún recordamos su personalísima forma de transmitir emociones, su poética penumbrosa y su inconfundible voz, entre plañidera, temblorosa y ahogada.





Dejando atrás el humor gamberro, genitaloide, descerebrado y casi pueril de Siniestro Total -grupo post-punk que abandonó tras recibir durante un concierto en Barcelona un botellazo en la pierna que le llevó al hospital-, Coppini enfiló otra dirección musical muy distinta, oscura, intimista y visceral, con Golpes Bajos. Esta formación combinó con acierto estilos como el funk y el tecno y, ya con su primer maxi-single, obtuvo un éxito muy notable. Canciones como No mires a los ojos de la gente o Malos tiempos para la lírica, ambas con letra suya y música de Teo Cardalda se hicieron muy populares en toda España y todavía hoy son recordadas como clásicos de la movida. De la segunda, el video recoge su interpretación en 1983 en el legendario programa de TVE "La edad de oro".

sábado, 23 de diciembre de 2017

Vintage delights XCVII

Greta Garbo & Ramon Novarro ("Mata Hari", 1931)

Binnie Barnes & Charles Laughton ("The private life of Henry VIII", 1933)

Marlene Dietrich ("The Scarlet Empress", 1934)

Helen Morgan, Hattie McDaniel & Irene Dunne ("Show boat", 1936)

David Niven & Errol Flynn ("The dawn patrol", 1938)

Leslie Howard & Ingrid Bergman ("Intermezzo", 1939)

James Stewart & Katharine Hepburn ("The Philadelphia story", 1940)

Bette Davis & Gladys Cooper ("Now voyager", 1942)

Dana Andrews & Gene Tierney ("Laura", 1944)

Joan Bennett & Dan Duryea ("Scarlet Street", 1945)

Coleen Gray & Victor Mature ("Kiss of death", 1947)

Broderick Crawford, Walter Burke, John Ireland & Shepperd Strudwick ("All the King's men", 1949)

 Sam Jaffe & Michael Rennie ("The day the earth stood still", 1951)

 Danielle Darrieux ("Madame De...", 1953)

 Walter Brennan, Spencer Tracy & John Ericson ("Bad day at Black Rock", 1955)

Bing Crosby, Grace Kelly & Louis Calhern ("High society", 1956)

Rhonda Fleming & Burt Lancaster ("Gunfight at the O.K. Corral", 1957)

Jean Seberg ("Bonjour, tristesse", 1958)

 Yvonne Furneaux & Marcello Mastroianni ("La dolce vita", 1960)

Cary Grant & Audrey Hepburn ("Charade", 1963)

Orson Welles ("Chimes at midnight", 1965)

Dustin Hoffman ("The graduate", 1967)

Omar Sharif & Barbra Streisand ("Funny girl", 1968)

Brenda Vaccaro & Jon Voight ("Midnight cowboy", 1969)

viernes, 22 de diciembre de 2017

Maria Callas - Sì, mi chiamano Mimì ("La bohème", Puccini)

RECUERDO A GIACOMO PUCCINI

Recordamos el aniversario natal del compositor italiano Giacomo Puccini con una de sus arias para soprano más conocidas, Sì, mi chiamano Mimì, correspondiente al Acto I de la ópera "La bohème", aquí en la voz impecable de Maria Callas, en una grabación de 1954 con la Philharmonia Orchestra dirigida por Tullio Serafin.

jueves, 21 de diciembre de 2017

Loquillo y Los Intocables - Autopista

UN VIEJO INSTINTO JUVENIL

El cantante español Loquillo celebra hoy su 57 cumpleaños. En 1982 publicó su último disco con Los Intocables, banda con la que se había dado a conocer. En su cara A figuraba Autopista, canción compuesta por Sabino Méndez.

Heinrich Böll (Colonia, Imperio Alemán, 21-12-1917 / Langenbroich, República Federal de Alemania, 16-7-1985): In memoriam

LA VOZ QUE SALIÓ  DE LOS ESCOMBROS

Hoy se conmemora el centenario natal del escritor alemán Heinrich Böll, figura emblemática de la literatura alemana de posguerra y uno de los autores europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, de corte realista, sentido espiritual y estilo directo y sincero, establece una visión irónica y crítica sobre la sociedad germana de la posguerra denunciando temas como el materialismo, el abuso periodístico o el excesivo militarismo, y analizando el vacío oculto bajo la recuperación económica del llamado milagro alemán. Pese a sus convicciones católicas, criticó las instituciones eclesiásticas, en una defensa de las minorías y de los valores humanos. Hombre sencillo, bondadoso, compasivo y generoso, concebía la labor del escritor como una forma de responsabilidad civil, a menudo a costa de su dedicación a la tarea propiamente literaria. Profundo humanista y convencido pacifista, su inconformismo y honradez le hicieron adherirse a múltiples causas políticas y sociales encaminadas a mejorar el mundo, aunque detestaba que lo considerasen la conciencia moral de Alemania. Tampoco le complacía que le considerasen un escritor 'cristiano' y terminaría renegando de la Iglesia, con la que se enfrentó en repetidas ocasiones, pero no de la fe, de la cual nacía su profundo compromiso de afecto y solidaridad con sus semejantes. Traducido a más de treinta idiomas, en 1972 fue reconocido con el premio Nobel de Literatura y en 1984 nombrado Comandante de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura francés Jack Lang.
Hijo de un carpintero, Heinrich Böll nació en el seno de una familia católica que en su día se opondría al nazismo. Él mismo rehusó, al contrario que su hermano, formar parte de las juventudes hitlerianas. Después de terminar sus estudios secundarios trabajó como vendedor de libros en 1937. El empleo le duró un año, pues lo dejó para marchar a un campo militar de trabajo. Después, en el verano de 1939, fue reclutado para combatir en el ejército alemán durante toda la Segunda Guerra Mundial, sirviendo en Francia, Rumanía, Hungría y la Unión Soviética. Durante un permiso, en 1942, se casó con Annemarie Cech, futura colaboradora y traductora al inglés de sus obras, con la que tendría cuatro hijos y de quien nunca se separó. Herido en cuatro ocasiones en el frente, también contrajo fiebres tifoideas antes de ser capturado por tropas estadounidenses en abril de 1945, permaneciendo en varios campos de prisioneros en Francia y Bélgica. Durante ese tiempo murió su primer hijo.
Liberado cuando acabó el conflicto bélico, volvió a Colonia y estudió lengua y literatura alemanas durante un breve periodo en la Universidad de su ciudad natal. Al tiempo que trabajaba en una ebanistería, dio inicio a su actividad literaria y en 1947 empezó a publicar en prensa y a escribir dramas radiofónicos. La escritura de Böll está marcada primero por su experiencia como soldado y, después, por la reconstrucción de Alemania enmarcada en el enfrentamiento Este-Oeste y el predominio conservador.
A una primera etapa creativa, en la que desarrolló una "literatura de guerra, ruinas y retorno a la patria", según declaraciones propias, se adscriben una serie de relatos y novelas breves que evocan la atroz experiencia del conflicto bélico, las penurias de la posguerra inmediata y el sentimiento de culpa del pueblo alemán. Su pimera novela, El tren llegó puntual (1949), donde emplea técnicas propias de la narrativa norteamericana, se enfrenta ya con el absurdo de la guerra, y supuso su primer reconocimiento como autor. Desde comienzos de los años 50 se dedicó a escribir y traducir y pasó largas temporadas en Irlanda. Obras posteriores como ¿Adónde fuiste, Adán? (1951), Y no dijo una palabra (1953) o Casa sin amo (1954) se  caracterizan por un alto grado de veracidad testimonial.  La crítica que ejercía Böll era en torno al fanatismo de los alemanes: por la religión católica, por el trabajo, por borrar los pecados nazistas, por copiar los modelos de vida estadounidenses y hasta por los muertos que ya no podían regresar a la tierra. El Diario irlandés (1957) relata un viaje de Böll a Irlanda, y ésta aparece como un lugar idílico, alejado del consumismo que, para el autor, devora a la población de su país. En Billar a las nueve y media (1960), otro de sus títulos más significativos de aquellos años, intenta simbolizar, a través de la historia de una familia renana durante tres generaciones, el destino histórico de Alemania en la primera mitad del siglo XX.
A partir de los años 60 parece iniciar una nueva etapa caracterizada por un mayor compromiso con lo que él llamó "estética de lo humano", a favor de la libertad individual y contra cualquier forma de imposición manipulada por una sociedad competitiva y alienante. El tono humorístico-grotesco presente ya en el volumen de relatos Los silencios del Dr. Murke y otras sátiras (1958), gana terreno y virulencia en una de las novelas más populares de Heinrich Böll: Opiniones de un payaso (1963), cuyo protagonista, hijo de un magnate renano, acaba integrándose en la galería de personajes marginales, rechazados e incomprendidos que pueblan buena parte de su narrativa. Su protagonista es un payaso que ha cometido la peor acción que un cómico puede llevar a cabo: provocar compasión, cuando su mujer le abandona, y ésto precipita el fin de su carrera y la ruina económica.
Tras ella aparecieron dos grandes títulos novelescos de su período de madurez: Retrato de grupo con señora (1971), donde el candor y la ingenuidad individuales se enfrentan al convencionalismo hipócrita del entorno social, y El honor perdido de Katharina Blum (1974), lúcido alegato contra el clima de violencia antidemocrática imperante a la sazón en Alemania y contra los abusos e intrigas de la prensa sensacionalista, formulado por un Böll que se atrevió a publicar Ulrike Meinhof: Un artículo y sus consecuencias (1975), en defensa de la joven integrante de la banda terrorista Baader-Meinhof, y no vaciló en brindar hospitalidad a Alexander Solzhenitzin tras su expulsión de la Unión Soviética. En torno al tema del terrorismo y la inseguridad ciudadana se articula asímismo Asedio preventivo (1979), novela a la que siguieron El legado (1982), La herida (1983) y, póstumamente, Mujeres ante un paisaje fluvial (1985). De su vasta producción crítica y ensayística dan testimonio numerosos títulos, entre los que cabe destacar Artículos, críticas y otros escritos (1967) y Más allá de la literatura, ensayos políticos y literarios (1979). En 1972 fue galardonado con el premio Nobel de Literatura, cuya concesión, además de consagrarlo como escritor a escala mundial, le confirió una especie de autoridad intelectual que él puso al servicio de distintas causas sociales.
Böll expresó en su obra narrativa el desasosiego que le producía una sociedad marcada por la incomprensión y fanatizada por el peso de las ideologías y los presupuestos morales. Frente a ella, se yerguen los protagonistas de sus novelas: seres siempre desvalidos, a quienes esa sociedad aplasta de una manera tan cruel como arbitraria en nombre de principios abstractos que se convierten en algo inhumano y carente de sentido. La aplicación de estos principios constituye para ellos una singular versión del destino que aciertan a percibir, pero no a comprender.
Las doctrinas políticas, la religión oficializada, la opinión pública, las reglas externas de moralidad, se transforman en manos de la masa en armas que destruyen a las criaturas sencillas. Böll aboga por la solidaridad entre los seres humanos, por la autenticidad de las relaciones más allá de toda norma positiva. Así entiende él la religión católica que profesa, cosa que no le impide criticar lo que de excluyente puedan tener determinadas actitudes de los católicos. Pero la denuncia que plantea alcanza también a toda una sociedad cómplice del nazismo que se oculta vergonzosamente tras aparatosas manifestaciones de civismo: Un mundo obsesionado por el poder, la eficacia o el dinero, que olvida los aspectos verdaderamente esenciales del ser humano.
Heinrich Böll falleció a los 67 años tras una operación vascular. Su entierro fue multitudinario, con una nutrida representación de políticos. Los Verdes, a los que se acercó en el tramo final de su vida, se acordaron tiempo después de él y pusieron el nombre del escritor a su fundación. Autor habitualmente incómodo para las instancias oficiales, una tenue niebla de olvido envuelve hoy día su figura. Es rara en Alemania la mención de sus obras en el debate de las ideas, no obstante existir un Archivo Heinrich Böll consagrado a preservar su memoria.