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lunes, 29 de febrero de 2016

Michèle Morgan (Neuilly-sur-Seine, France, 29-2-1920)

LOS OJOS MÁS BELLOS DEL MUNDO

La actriz francesa Michèle Morgan cumple hoy 96 años. Rubia belleza clásica, enigmática y lejana, de límpidos ojos azules, en su día calificados como "los más bellos del mundo", fue una de las principales grandes damas del cine francés durante tres décadas, también apreciada como luminaria con carrera internacional.
De nombre real Simone Roussell, se trasladó en 1933 con su familia, empobrecida por la depresión económica, a Dieppe, una población de Normandía, en cuyo casino descubrió su fascinación por el mundo del espectáculo. En 1935, marchó a París junto a su hermano para residir con sus abuelos. Decidida a ser actriz, comenzó a participar como figurante en el cine con el nombre de Simone Morgan para pagarse las clases de arte dramático. Ya con el nombre de Michèle Morgan fue descubierta por el realizador Marc Allégret, quien la dirigió en Natalia (1937), comedia dramática junto a Raimu, y Tormenta (1938), drama con Charles Boyer y se consagra con El muelle de las brumas (1938) de Marcel Carné, notable ejemplo de realismo poético, que coprotagonizó al lado de Jean Gabin y Michel Simon. Ya una estrella en Francia, repite con Jean Gabin en el drama de aventuras Sendas borrascosas (1939) y protagoniza Angeles del arroyo (1940) de Georges Lacombe, drama con Michel Simon y René Lefèvre, o Remordimientos (1941) de Jean Grémillon, drama romántico con Jean Gabin y Madeleine Renaud. 
La II Guerra Mundial le hace emigrar a Estados Unidos, donde rodará cinco películas: Juana de París (1942) de Robert Stevenson, drama bélico con Paul Henreid, Prisionera por una noche (1943) de Edwin L. Marin, drama bélico con Alan Curtis, Cada vez más alto (1943) de Tim Whelan, musical con Jack Haley y Frank Sinatra (en su debut cinematográfico), Pasaje a Marsella (1944) de Michael Curtiz, drama bélico con Humphrey Bogart y Claude Rains, y Acosados (1946) de Arthur Ripley, noir con Robert Cummings.
Poco satisfecha con su experiencia en Hollywood, acabada la guerra, regresa a Francia, donde triunfa con Sinfonía pastoral (1946) de Jean Delannoy, drama junto a Pierre Blanchar basado en una novela de André Gide, por el que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Después aparece en títulos como El ídolo caído (1948) de Carol Reed, producción británica que adaptaba un relato corto de Graham Greene, con Ralph Richardson, S.O.S. Dakar (1948) de Jean Delannoy, drama aeronáutico con Jean Marais, Fabiola (1949) de Alessandro Blasetti, producción italiana ambientada en la antigua Roma, con Michel Simon, Louis Salou y Henri Vidal, Maria Chapdelaine (1950) de Marc Allégret, drama con Kieron Moore y Françoise Rosay, El destino de Juana Morell (1950) de Jean-Paul Le Chanois, drama con Henri Vidal, El minuto de la verdad (1952) de Jean Delannoy, drama con Jean Gabin y Daniel Gélin, Los orgullosos (1953) de Yves Allégret, drama basado en una historia de Jean-Paul Sartre, con Gérard Philipe, Falsa obsesión (1954) de Jean Delannoy, drama circense con Raf Vallone, Margarita de la noche (1955) de Claude Autant-Lara, drama fantástico con Yves Montand, Oasis (1955) de Yves Allégret, aventuras en Marruecos con Pierre Brasseur y Cornell Borchers, Las maniobras del amor (1955) de René Clair, comedia dramática de época con Gérard Philipe, María Antonieta (1956) de Jean Delannoy, drama histórico con Richard Todd, El espejo tiene dos caras (1958) de André Cayatte, drama con Bourvil, Bello amor (1958) de Henri Verneuil, comedia dramática con Charles Boyer, Sirenas en sociedad (1958) de Gianni Franciolini, comedia italiana con Alberto Sordi, Marcello Mastroianni y Sylva Koscina, Vacaciones en Cortina D'Ampezzo (1959) de Camillo Mastrocinque, comedia italiana con Alberto Sordi, Vittorio De Sica y Eleonora Rossi Drago, Gran hotel, habitación X (1959) de Gottfried Reinhardt, drama con O.W. Fischer, Fortunato (1960) de Alex Joffé, comedia bélica con Bourvil, Los leones andan sueltos (1961) de Henri Verneuil, comedia con Jean-Claude Brialy, Claudia Cardinale, Danielle Darrieux y Lino Ventura, El pozo de las tres verdades (1961) de François Villiers, comedia con Jean-Claude Brialy y Catherine Spaak, o El crimen se paga (1962) de Gérard Oury, con Danielle Darrieux y Pierre Brasseur.
Actriz poco apreciada por los nuevos realizadores de la nouvelle vague, que la ven demasiado representativa de las peliculas literarias que tratan de combatir, sólo trabaja con Claude Chabrol en Landrú (1963), drama sobre el famoso asesino de mujeres, con Charles Denner, Danielle Darrieux y Hildegarde Kneff. También interviene en Proceso en Venecia (1963) de Duccio Tessari, drama medieval con Enrico Maria Salerno, Sylva Koscina, Jacques Perrin y Stefania Sandrelli, ¡Caramba con las señoras! (1963) de André Hunebelle, comedia con  Danielle Darrieux, Sandra Milo y Paul Meurisse, Un balcón sobre el infierno (1964) de François Villiers, thriller con Dany Saval y Simón Andreu, Mando perdido (1966) de Mark Robson, drama bélico con Anthony Quinn, Alain Delon, George Segal, Maurice Ronet y Claudia Cardinale, y Benjamin, diario de un joven inocente (1968) de Michel Deville, comedia erótica de época con Michel Piccoli, Pierre Clémenti y Catherine Deneuve. Alejada del cine, trabaja en televisión y teatro, volviendo a la gran pantalla sólo en puntuales ocasiones: El gato, el ratón, el amor y el miedo (1975) de Claude Lelouch, comedia criminal con Serge Reggiani, y Están todos bien (1990) de Giuseppe Tornatore, drama con Marcello Mastroianni. En 1969 fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, en 1975 Oficial de la Orden Nacional del Mérito, y en 1992 fue premiada con un César especial por el conjunto de su carrera, al igual que recibió un León de Oro en Venecia en 1996.
Mientras estaba en Hollywood, Michèle Morgan se casó con el actor y director William Marshall, con quien tuvo un hijo. El matrimonio duró de 1942 a 1948. Luego ella se casó en 1950 con el actor francés Henri Vidal, con quien permaneció hasta la inesperada muerte de él en 1959. Su último marido fue el director Gérard Oury, desde 1960 hasta su fallecimiento en 2006.


ADDENDA

Michèle Morgan falleció por causas naturales el 20-12-2016 a la edad de 96 años.

Claudio Abbado & Orchestra del Teatro alla Scala - "Il barbiere di Siviglia" (Ouverture), Rossini

GIOACCHINO ROSSINI (Pesaro, Estados Pontificios, actual Italia, 29-2-1792 / Passy, Francia, 13-11-1868): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor italiano Gioacchino Rossini, conocido especialmente por sus óperas cómicas. Fue uno de los máximos exponentes del bel canto del siglo XIX, estilo (opuesto al verismo) que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y que Rossini utilizó para crear melodías alegres de gran brillantez y emotividad. Autor de casi cuarenta óperas, es para muchos el eslabón operístico que une el siglo XVIII y XIX, el Clasicismo con el Romanticismo, y uno de los compositores más importantes del género.
Hijo de un trompetista que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera, la existencia de Gioacchino Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.
Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L'inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino. Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa: Tancredi (1813), L'italiana in Algeri (1813), Il turco in Italia (1814) o Il barbiere di Siviglia (1916). Esta última, su obra más famosa, basada en la obra teatral del barón francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, es considerada la mejor de todas las óperas bufas y fue una de las primeras óperas italianas que se representaron en los Estados Unidos de América, estrenándose allí en el Park Theater de Nueva York el 29 de noviembre de 1825. Los aciertos continuaron con La Cenerentola (1817), La gazza ladra (1817), Armida (1817), Mosè in Egitto (1818)...
Su última ópera presentada en Italia fue Semiramide (1823). En París, ciudad en la que se estableció en 1824, compuso su última ópera bufa, Le Comte Ory (1828) y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829), basada en el drama de Schiller. A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo -cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas- el cultivo de la ópera. Durante el resto de su vida tan sólo escribió dos obras importantes, las composiciones religiosas Stabat Mater (1842) y Petite Messe Solennelle (1863).
En 1822 se casó con la cantante española Isabel Colbran, que interpretó varias de sus primeras óperas. Se separaron en 1837 y Rossini se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, tras la muerte de Isabel en 1845. Entre las condecoraciones que recibió Rossini figuran la prusiana Caballero de la Orden del Mérito y la francesa Gran Oficial de la Orden de la Legión de Honor. Alejado de la composición en su última época por problemas de salud física y mental, falleció de una neumonía a los 76 años en su casa de campo cercana a París.

Gioacchino Rossini, 1820

Prueba del dominio orquestal de Rossini, llamado el Mozart italiano, es su ópera más popular, Il barbiere di Siviglia, que nunca ha desaparecido de los escenarios. El video ofrece su conocido preludio interpretado por la Orchestra del Teatro alla Scala con dirección de Claudio Abbado en 1972.
  

domingo, 28 de febrero de 2016

Leslie Caron, Louis Jourdan & Hermione Gingold - The night they invented champagne (Gigi, 1958)

MUSICAL MINNELLI (V)

Considerado como el último gran musical de MGM, "Gigi" (1958) fue una costosa y elegante producción basada en una novela de Colette de 1944, anteriormente adaptada a los escenarios por Anita Loos y estrenada en  Broadway por Audrey Hepburn. La idea de musicalizarla surgió del brillante productor Arthur Freed. El guión y las canciones se encargaron a Alan Jay Lerner y la música a Frederick Loewe para la lujosa película resultante, que ganó los nueve Oscars a los que fue candidata (incluyendo los de mejor película y director) y tres Globos de Oro (uno de ellos también para Minnelli). He aquí uno de sus números más divertidos.

 

Fred Astaire & Cyd Charisse - Dancing in the dark (The Band Wagon, 1953)

MUSICAL MINNELLI (IV)

A día de hoy muchos críticos consideran "Melodías de Broadway 1955", absurdo título con que "The Band Wagon" (1953) fue estrenado en España, no ya el mejor musical de Minnelli, sino de toda la historia del género (junto a "Cantando bajo la lluvia"). Traslación a la pantalla de un musical del mismo título de Schwartz/Dietz estrenado en Broadway en 1931, entre sus secuencias más recordadas figura este inmejorable Dancing in the dark a cargo de Fred Astaire y Cyd Charisse.

Gene Kelly & Leslie Caron - Our love is here to stay (An American in Paris, 1951)

MUSICAL MINNELLI (III)

"Un americano en París" (1951), inspirado en la composición orquestal de George Gershwin de 1928 fue un suntuoso musical de Minnelli que ganó seis Oscars, entre ellos el de mejor película, y también un Globo de Oro. En una de sus secuencias más románticas, Gene Kelly y Leslie Caron bailaron Our love is here to stay.

Judy Garland - Mack the Black (The pirate, 1948)

MUSICAL MINNELLI (II)

"El pirata" (1948), musical con Judy Garland y Gene Kelly como protagonistas y canciones de Cole Porter, fue un musical incomprendido en su momento (demasiado sofisticado e innovador para el público de su época), a pesar de que la banda sonora original fue nominada al Oscar. Judy Garland se soltaba la melena (en todos los sentidos) interpretando Mack the Black, y demostró en números como éste que, pese a sus problemáticas adicciones, aún era la mayor estrella del género.
 

Judy Garland - The trolley song (Meet me in St. Louis, 1944)

MUSICAL MINNELLI (I)

Vincente Minnelli tuvo con "Cita en St Louis" (1944) su primer gran éxito como director para musicales MGM, todos ellos producidos por Arthur Freed. Durante el rodaje se enamoró de Judy Garland, su estrella protagonista y ambos se casaron al año siguiente. Uno de los números más destacados de la película fue The trolley song, composición de Hugh Martin y Ralph Blane que fue candidata al Oscar a la mejor canción.

sábado, 27 de febrero de 2016

John Steinbeck (Salinas, California, US, 27-2-1902 / New York City, US, 20-12-1968): In memoriam

CRONISTA DE LA AMÉRICA MÁS DESFAVORECIDA

Hoy es aniversario natal del escritor estadounidense John Steinbeck, inscrito en la corriente naturalista o del realismo social americano. Una de las principales figuras literarias desde la década de los años 30, describió la eterna lucha de las gentes que dependen de la tierra para sobrevivir y convirtió la dignidad de los pobres y los oprimidos en tema central de su obra. En 1962 le fue concedido el Premio Nobel de Literatura.
Hijo de un tesorero del condado y de una maestra de escuela, John Ernst Steinbeck, Jr., después de graduarse, emprendió estudios de Literatura en la Universidad de Stanford, que abandonó en 1925 para marchar a Nueva York con la intención de escribir. Allí hubo de mantenerse con trabajos ocasionales y no consiguió publicar, por lo que volvió a California en 1928 y se empleó durante algún tiempo como guía turístico y guarda en el Lago Tahoe.
Su primer libro publicado, La copa de oro (1929) narra la vida y hazañas del famoso pirata galés del siglo XVII Henry Morgan. Con la llegada de la Gan Depresión cambió su temática y en los tres años siguientes publica Las praderas del cielo (1932), colección de relatos que describe la vida en una comunidad de rancheros del sur de California, El pony rojo (1933), sobre recuerdos de su infancia, y A un Dios desconocido (1933), historia de un granjero cuyas creencias en el culto de la fertilidad pagano le llevan a sacrificar su propia vida durante una época de terrible sequía. Su primer éxito crítico le llegó con Tortilla Flat (1935), relato entre picaresco y romántico sobre los emigrantes mexicanos establecidos en los alrededores de Monterrey, California. También publicó En lucha incierta (1936), sobre una huelga de recolectores de fruta, y De ratones y hombres (1937), la patética historia de dos braceros itinerantes que luchan por conseguir su propia granja, una de sus mejores novelas, llevada al cine por Lewis Milestone dos años después.
Su novela más famosa, Las uvas de la ira (1939), surgió de los artículos que Steinbeck había escrito sobre las nuevas oleadas de trabajadores que llegaban a California, y desató polémicas encendidas en el plano político y en la crítica, ya que su autor fue acusado de socialista y perturbador. El argumento de esta novela narra la migración de familias de Texas y Oklahoma que huían de la sequía y la miseria, en busca de la californiana Tierra Prometida. La novela, hoy uno de los mayores clásicos de la literatura americana, ganó el premio Pulitzer en 1940 y ese mismo año fue llevada al cine en una memorable pelicula de John Ford.
Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, John Steinbeck trabajó como corresponsal de guerra para el New York Herald Tribune. Otras novelas fueron La luna se ha puesto (1942), Los arrabales de Cannery (1944) o El autobus perdido (1947). Sobre México, la conquista y la revolución mexicana escribió la novela La perla (1947) y el ensayo Por el mar de Cortés (1951). Al este del edén (1952), su novela más compleja y ambiciosa, narra la historia de dos familias en el periodo comprendido entre la Guerra de Secesión y la Primera Guerra Mundial y sitúa el núcleo de su trama en el californiano valle de Salinas, lugar de origen del autor. Construida a modo de monumental epopeya de evidentes referentes bíblicos, gira alrededor del problema de la naturaleza del mal y de su relación con el libre albedrío y destaca por su magnificencia épica y profundidad psicológica. Estilísticamente, representa una evolución en el autor, que sin abandonar el naturalismo de sus obras precedentes, pretende, simultáneamente, dotar de un evidente sentido alegórico a tramas y personajes, lo que confiere a la obra un sentido idealista. Tres años después fue adaptada (en su tercio final) al cine por Elia Kazan, director para el que había escrito el guión de ¡Viva Zapata! (1952). Su última novela, El invierno de nuestro descontento (1961), examina el declive moral en América y Viajando con mi perro (1962) es un relato autobiográfico de un viaje por Estados Unidos en compañía de su perro Charley. En 1962 ganó el Premio Nobel de Literatura. Entre sus últimas obras figuran Norteamérica y los norteamericanos (1968), colección de artículos periodísticos, y Los hechos del Rey Arturo y sus nobles caballeros (1976, interpretación moderna de las leyendas artúricas publicada postumamente.
John Steinbeck estuvo casado con Carol Henning (1930-1943), Gwyndolyn Conger (1943-1948), con quien tuvo dos hijos varones, y Elaine Anderson (1950-1968), su viuda. El escritor falleció de una oclusión coronaria a los 66 años.



viernes, 26 de febrero de 2016

Sandie Shaw - Tomorrow

AND I DON'T LIKE WHAT I MUST DO TOMORROW

Recordamos el 69 cumpleaños de Sandie Shaw con Tomorrow, canción de Chris Andrews aparecida a comienzos de 1966 y que supuso uno de los éxitos europeos de la entonces 'cantante de los pies descalzos'.

jueves, 25 de febrero de 2016

George Harrison - Here comes the sun

IT SEEMS LIKE YEARS SINCE IT'S BEEN HERE

Recordamos el  73 aniversario natal de George Harrison con este fragmento correspondiente al famoso Concierto por Bangla Desh, organizado por el ex-beatle y Ravi Shankar y celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York el 1 de agosto de 1971 (el primer concierto benéfico en la historia del rock). La de Harrison supuso su primera actuación pública en solitario tras la disolución del mítico grupo al que había pertenecido. En el video se le puede contemplar en dúo acústico con Pete Ham, miembro de Badfinger, interpretando Here comes the sun, canción de Harrison incluída en el álbum Abbey Road (1969) de The Beatles.

miércoles, 24 de febrero de 2016

Luis Aguilé - Cuando salí de Cuba

LUIS AGUILÉ (Buenos Aires, Argentina, 24-2-1936 / Madrid, España, 10-10-2009): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen 80 años del nacimiento del cantante argentino Luis Aguilé. Establecido desde 1963 en España, que le otorgó la nacionalidad en 1990, encontró a su mejor aliada en la televisión de los años 60 y pronto destacó tanto por sus temas pegadizos como por su personal estilo, humor y simpatía. Su vestuario, y en especial las corbatas multicolores con estampados imposibles, fueron siempre su sello de identidad. Uno de los impulsores del género conocido como "la canción del verano", grabó unas 800 canciones, la mitad composiciones propias.
De nombre real Luis María Aguilera, consiguió su primer contrato profesional a los quince años, y a los veinte grabó su primer disco. En los años siguientes continuó editado discos sencillos y álbumes que le dieron a conocer en el mundo hispanoamericano. Uno de sus éxitos de entonces fue La pachanga (1960), que interpretó en sus primeras actuaciones en España, donde residió desde 1963, consiguiendo éxitos tan populares como Dame felicidad (1963), Dile (1963), Santa Margarita (1963), Decí por qué no querés (1964), Fanny (1964), Verde verde (1964), No leas mi carta (1964), Sabor a nada (1964), Un chico yeyé (1965), Noche de estrellas (1965), Sábado y domingo (1965), En verano (1965), Juanita Banana (1966), La banda borracha (1966), Miguel e Isabel (1966), ¡Oh, cuanto amor! (1967), La Chatunga (1967), El Serafino (1967), Cuando salí de Cuba (1967), Es el sol español (1968), El tío Calambres (1968), Te quiero (1968), Ven a mi casa esta Navidad (1969), En el amor (1969), Con amor o sin amor (1970), Otra vez en la ruina (1970) o La vida pasa felizmente (1973).
En 1972 estrenó la comedia musical Una gran noche y en los dos años siguientes presentó en televisión el programa de variedades Llegada Internacional. En 1976 se casó con la española Ana Rodríguez Ruiz. Entre 1978 y 1979 volvió a televisión, presentando El hotel de las mil y una estrellas. En los años 80 fue asesor musical del programa Un, dos, tres... responda otra vez. En 1992 estrenó el espectáculo Por las calles de Madrid, que mezclaba música y baile y en el que demostró una vez más su calidad como showman. El espectáculo, que posteriormente se denominaría España es una fiesta, se representó en Buenos Aires durante toda la década siguiente. También escribió libros infantiles y novelas.
Luis Aguilé falleció en un hospital madrileño a los 73 años a consecuencia de un cáncer de estómago.



Cuando salí de Cuba, una composición propia, supuso el mayor exito internacional de Luis Aguilé, que también grabaron artistas como The Sandpipers, Los Tres Sudamericanos, Los Rivero, Milva o Celia Cruz.

Michel Legrand's Theme from "Summer of 42"

TRIBUTE TO MICHEL LEGRAND (Paris, France, 24-2-1932)

El músico y compositor francés Michel Legrand cumple hoy 84 años. Autor de más de doscientas bandas sonoras para cine y televisión, ha ganado tres Oscars (entre trece candidaturas) y cinco Grammys. El 31 de diciembre de 2015 fue nombrado Comandante de la Legión de Honor francesa.
Michel Legrand es hijo del compositor Raymond Legrand. Cuando sólo tenía once años, en el período de 1943 a 1950, estudió piano en el Conservatorio de París y después amplió estudios varios años con Nadia Boulanger y Henri Challan, entre otros músicos de reconocido prestigio, licenciándose con la máxima puntuación como compositor, armonía, piano, fuga y contrapunto. Atraído desde siempre por la música de jazz, al principio de los años 50 trabajó con Dizzy Gillespie y Stan Getz. Como músico y director Legrand se convirtió en una estrella después de lanzar su álbum I love París (1954), al que siguieron álbumes de éxito como Roman holiday (1955), Castles in Spain (1956), Bonjour Paris (1957), C'est magnifique (1957), Legrand in Rio (1958) o The Columbia Album of Cole Porter (1958). En 1958 fue invitado a tocar en el Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Moscú.
A principios de los años 60, Legrand se vio envuelto en la Nueva Ola francesa. Compuso música para varias películas de Jean-Luc Godard y también para varias de Jacques Demy, convirtiéndose en el responsable de crear el género músical en el cine francés. Los paraguas de Cherburgo (1964) de Demy, la primera película musical cantada por completo, fue un gran éxito internacional y Legrand recibió tres nominaciones a los Oscars (mejor banda sonora original, mejor banda sonora adaptada y mejor canción a su tema principal: "I will wait for you"). Las señoritas de Rochefort (1967), también dirigida por Jacques Demy, fue asímismo candidata al Oscar a la mejor banda sonora adaptada. Junto a Alan y Marilyn Bergman, Legrand ganó su primer Oscar y un Globo de Oro por la canción "The windmills of your mind", escrita para la película El caso de Thomas Crown (1968) de Norman Jewison, también candidata por su banda sonora original. "What are you doing the rest of your life?" (igualmente con letra de Alan y Marilyn Bergman), de la película Con los ojos cerrados (1969) de Richard Brooks, fue asímismo nominada al Oscar a la mejor canción. Ya asentado en Hollywood con su mujer Christine Bouchard y sus cuatro hijos, completó trece candidaturas al Oscar, ganando el de mejor banda sonora original por Verano del 42 (1971) y el de mejor banda sonora adaptada por Yentl (1983), éste de nuevo compartido con Alan y Marilyn Bergman. También fue nominado para los Premios Grammy veintisiete veces, ganándolo en cinco ocasiones y al premio Tony teatral por la música de Amour (2002).
En los años 80 y 90 ofreció conciertos en vivo con su trío de jazz y también llevó a su big band en varias giras internacionales acompañando a estrellas como Ray Charles, Diana Ross, Bjork o Stéphane Grappelli, colaborando también con cantantes de ópera como Jessye Norman o Kiri Te Kanawa.
En 2005 una recopilación de los mejores temas de bandas sonoras de Legrand fue lanzado bajo el título Le Cinema de Michel Legrand, que incluye 90 piezas compuestas en el transcurso de su carrera para  películas como Los paraguas de Cherburgo (1964), Esposa ingenua (1966), Las señoritas de Rochefort (1967), El caso de Thomas Crown (1968), La piscina (1969), El mensajero (1970), Piel de asno (1970), Verano del 42 (1971), Los tres Mosqueteros (1973), Los unos y los otros (1981), Nunca digas nunca jamás (1983), Yentl (1983), Prêt-à-porter (1994) o Cena de Navidad (1999).
Legrand tuvo a Isabelle Rondon como segunda esposa. Desde septiembre de 2014 está casado con la actriz Macha Méril.



Una de las composiciones más recordadas de Michel Legrand es "The summer knows", tema principal de la romántica película Verano del 42 (1971) de Robert Mulligan, de la que el video siguiente ofrece una secuencia en la que intervienen sus protagonistas Jennifer O'Neill y Gary Grimes.

martes, 23 de febrero de 2016

Vintage delights (LVI)

Orson Welles & Charlie Chaplin

Robert Wagner & Natalie Wood

The Supremes

Fred Astaire & Bing Crosby

 Julie Andrews & Richard Burton ("Camelot", 1961)

Jean Cocteau & Jean Marais

Richard Chamberlain & Gloria Swanson (Dr. Kildare episode, 1963)

The Andrews Sisters

Liberace & Elvis

Goldie Hawn & Liza Minnelli

Marilyn coiffeur

Tony Curtis & Burt Lancaster on the set of "Trapeze", 1956

Ava Gardner & Mickey Rooney wedding

Brad Davis & Billy Hayes on the set of "Midnight Express"

Mary Tyler Moore & Dick Van Dyke

Grace Kelly & Alfred Hitchcock

Adam West as Batman

Audrey Hepburn & George Peppard

The Munsters

Jackie and Caroline Kennedy on the phone, 1960

David Bowie

The Rolling Stones rock'n'roll circus

Andy Warhol & Jean Michel Basquiat

Grace Jones

lunes, 22 de febrero de 2016

John Mills (North Elmham, UK, 22-2-1908 / Denham, UK, 23-4-2005): In memoriam

EL HÉROE SENSATO

Hoy es aniversario natal del actor inglés John Mills, uno de los más populares en su país en los años 40 y 50. Intérprete de gran versatilidad, en su larguísima carrera, que abarcó más de setenta años y superó las ciento veinte películas, actuó en títulos de todos los géneros. Resulta llamativo que en su muy extensa filmografía, la inmensa mayoría de sus trabajos fueron producciones británicas y en pocas ocasiones trabajó para Hollywood. Especializado en principio en militares valerosos de carácter obstinado y tenaz, a menudo interpretó personajes que no eran excepcionales, pero se convertían en héroes por su sentido común, generosidad y buen juicio. En 1960 fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico y en 1976 Caballero de la misma con el título de Sir. Ganó un Oscar y un Globo de Oro al mejor actor secundario por La hija de Ryan en 1971 y un BAFTA honorífico en 2002.
John Mills (nacido Lewis Ernest Watts Mills) era hijo de un profesor de matemáticas y la tesorera de un teatro. Después de una exquisita educación en diversas escuelas, encontró empleo en Londres como viajante de comercio de un desinfectante sanitario. Por su privilegiada voz, consigue trabajo en el teatro, donde debuta en 1929. Durante una gira alrededor del mundo con su compañía se encontró con el dramaturgo Noël Coward, que le ayudó en sus comienzos. Especialmente aplaudida fue su interpretación de "Hamlet" en el Old Vic londinense, que le abrió el camino del cine británico, emergente en los años 30. Entre 1932 y 1935 apareció en más de una docena de películas. Destacó en títulos como Cachorro de mar (1935) de Walter Forde, La rosa de los Tudor (1936) de Robert Stevenson, O.H.M.S. (1937) de Raoul Walsh, o Adiós, Mr. Chips (1939) de Sam Wood. En septiembre de 1939, al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, se alistó en el ejército británico, donde obtuvo al grado de lugarteniente segundo en el cuerpo de ingenieros, aunque a causa de una úlcera de estómago fue licenciado en 1942.
La película que propulsó su carrera fue Sangre, sudor y lágrimas (1942), dirigida por Noël Coward y David Lean (cineasta con el que colaboraría en diversas ocasiones futuras), film de propaganda bélica que logró un gran éxito, apareciendo después en La vida manda (1944) de David Lean, adaptación de una obra de Coward, con Celia Johnson, Robert Newton y Stanley Holloway, Más allá de las nubes (1945) de Anthony Asquith, drama bélico con Michael Redgrave y Jean Simmons, Cadenas rotas (1946) de David Lean, adaptación de la novela "Grandes esperanzas" de Charles Dickens, donde encarnaba a Pip, el protagonista de joven, con Valerie Hobson, film nominado a cinco Oscars, Vivo en el recuerdo (1947) de Edward Dmytryk, melodrama con Martha Scott, Scott en la Antártida (1948), historia del explorador Robert Falcon Scott y su intento de ser el primero en llegar al Polo Sur, Salida al amanecer (1950) de Roy Ward Baker, drama naval con Richard Attenborough, Mister Denning, asesino (1952) de Anthony Kimmins, drama criminal con Phyllis Calvert y Sam Wanamaker, El déspota (1954) de David Lean, comedia dramática con Charles Laughton, La fuga de Colditz (1955) de Guy Hamilton, drama bélico con Eric Portman, Vivir un gran amor (1955) de Edward Dmytryk, drama romántico con Deborah Kerr y Van Johnson, Operación Tirpitz (1955) de Ralph Thomas, bélico con John Gregson y Donald Sinden, El bebé y el acorazado (1956) de Jay Lewis, comedia militar con Richard Attenborough y Lisa Gastoni, Guerra y paz (1956) de King Vidor, superproducción sobre la novela de Tolstoi, con Audrey Hepburn, Henry Fonda y Mel Ferrer, Es grande ser joven (1956) de Cyril Frankel, comedia musical con Cecil Parker, El candelabro de bronce (1957) de Gerald Thomas, thriller con Derek Farr, Fugitivos del desierto (1958) de J. Lee Thompson, drama bélico con Sylvia Syms, Anthony Quayle y Harry Andrews, Dunquerque (1958) de Leslie Norman, bélico con Richard Attenborough y Bernard Lee, La bahía del tigre (1959) de J. Lee Thompson, drama criminal con Horst Buchholz y su hija Hayley Mills, o Los robinsones de los mares del Sur (1960) de Ken Annakin, producción Disney de aventuras con Dorothy McGuire, James MacArthur y Janet Munro, que en USA fue el mayor éxito recaudatorio del año superando a películas como Psicosis, Espartaco o Exodo. Por su protagonismo en Whisky y gloria (1960) de Ronald Neame, drama militar con Alec Guinness, Mills ganó la copa Volpi al mejor actor en Venecia.
En la siguiente década, Mills continuó rodando una película tras otra: El demonio, la carne y el perdón (1961) de Roy Ward Baker, drama británico ambientado en México con Dirk Bogarde y Mylène Demongeot, Fuego en las calles (1961) de Roy Ward Baker, drama sobre tensiones raciales, con Sylvia Syms y Brenda De Banzie, Tiara Tahití (1962) de Ted Kotcheff, comedia satírica con James Mason, Mujer sin pasado (1964) de Ronald Neame, drama con Deborah Kerr y Hayley Mills, La verdad sobre Spring (1965) de Richard Thorpe, comedia de aventuras con Hayley Mills y James MacArthur, Operación Crossbow (1965) de Michael Anderson, thriller de espionaje con Sophia Loren, George Peppard y Trevor Howard, Luna de miel en familia (1966) de Roy Boulting, comedia dramática con Hayley Mills por la que fue premiado en San Sebastián, La caja de las sorpresas (1966) de Bryan Forbes, comedia negra con  Ralph Richardson y Michael Caine, Dos tejanos en la selva (1967) de Andrew Marton, aventuras en Kenia con Hugh O'Brian, Chuka (1967) de Gordon Douglas, western con Rod Taylor y Ernest Borgnine, La muerte no tiene sexo (1968) de Massimo Dallamano, giallo italiano con Luciana Paluzzi y Robert Hoffmann, Los amores de Lady Hamilton (1968) de Christian-Jaque, drama histórico sobre la amante de Horatio Nelson, con Michèle Mercier y Richard Johnson, ¡Oh, qué guerra tan bonita! (1969) de Richard Attenborough, musical satírico con reparto multiestelar, o Salvaje y libre (1969) de Richard C. Sarafian, drama familiar con Sylvia Syms, Bernard Miles y Mark Lester.
Por su histriónica composición del alucinante idiota desdentado de La hija de Ryan (1970) de David Lean, drama de época con Robert Mitchum, Trevor Howard, Christopher Jones y Sarah Miles, ganó el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor secundario. Después intervino en El zorro y la raposa (1971) de Frank Nesbitt, drama rural con Carol White, El joven Winston (1972) de Richard Attenborough, drama basado en los primeros años de Churchill, con Robert Shaw, Anne Bancroft y Simon Ward, Lady Caroline Lamb (1972) de Robert Bolt, drama de época con Jon Finch y Richard Chamberlain, Oklahoma, año 10 (1973) de Stanley Kramer, drama de aventuras con George C. Scott, Faye Dunaway y Jack Palance, Víctimas del terrorismo (1975) de Edward Dmytryk, adaptación de una novela de Graham Greene, con George Kennedy, El abogado del diablo (1977) de Guy Green, drama basado en la novela de Morris West, con  Stéphane Audran, Jason Miller, Paola Pitagora, Daniel Massey y Raf Vallone, Detective privado (1978) de Michael Winner, remake de El sueño eterno (1946) de Howard Hawks, según la novela de Raymond Chandler, con Robert Mitchum, Sarah Miles, Richard Boone, Candy Clark, Joan Collins, Edward Fox y  James Stewart, 39 escalones (1978) de Don Sharp, nueva versión de la novela de John Buchan, con Robert Powell, Doctor Quatermass (1979) de Piers Haggard, título de ciencia-ficción con Simon MacCorkindale y Barbara Kellerman, Gandhi (1982) de Richard Attenborough, drama biográfico con Ben Kingsley, Aventuras en el Sahara (1983) de Andrew V. McLaglen, drama ambientado en los años 20, con Brooke Shields, ¿Quién es esa chica? (1987) de James Foley, comedia romántica con Madonna y Griffin Dunne, Consejos mortales (1994) de Mandie Fletcher, comedia dramática con Jane Horrocks, Brenda Fricker, Imelda Staunton y Jonathan Pryce, donde Mills interpretaba a Jack el Destripador, Perverso (1995) de John Paul Davidson, comedia de intriga con Alan Bates, Theresa Russell y Sting, Hamlet (1996) de Kenneth Branagh, adaptación del drama de Shakespeare con reparto multiestelar, Bean, lo último en cine catastrófico (1997) de Mel Smith, comedia absurda con Rowan Atkinson, o Escándalo con clase (2003) de Stephen Fry, traslación de una novela de Evelyn Waugh. En muchas ocasiones, Mills trabajó también en teatro y televisión.
John Mills contrajo matrimonio en 1927 con Aileen Raymond, de la que se divorció en 1941, año en que volvió a casarse con Mary Hayley Bell, madre de sus tres hijos, Juliet, Hayley y Jonathan. Sus dos hijas son actrices. Este segundo matrimonio duró 64 años, hasta la muerte del actor a los 97.

  

Giulietta Masina (San Giorgio di Piano, Italia, 22-2-1921 / Roma, Italia, 23-3-1994): In memoriam

ESPOSA Y MUSA DE FELLINI

Hoy es aniversario natal de la actriz italiana Giulietta Masina, uno de los rostros más carismáticos y expresivos del cine italiano. Con gran humanidad y candidez, casi siempre interpretó a mujeres con un corazón de oro que mantienen el optimismo frente a la adversidad. Su fragilidad y su humor, un tanto lunático, fueron características que aprovecharon todos sus directores. Sus siete películas con su marido Federico Fellini le aseguran un puesto de honor en la historia del cine.
Giulia Anna Masina era hija de un violinista y profesor de música y de una maestra. De niña y adolescente pasó la mayor parte del tiempo con una tía viuda en Roma, donde recibió una educación religiosa en el Liceo de las Hermanas Ursulinas. Estudió en la Universidad La Sapienza, de la capital italiana, donde se licenció en Filosofía y Letras. Allí nació su vocación interpretativa, por lo que se integró en el teatro universitario, donde participó en espectáculos como cantante y bailarina. En 1942 se unió a la Compagnia del Teatro Comico Musicale, actuando en varias obras en escena. Un año después, compatibilizaba el teatro con su participación como actriz del serial radiofónico "Terziglio", escrito por Federico Fellini. Ambos se enamoraron y se casaron en octubre de 1943. Meses después Giulietta sufrió un aborto tras una desafortunada caída por las escaleras. El 22 de marzo de 1945 dio a luz al único hijo de la pareja, Pierfederico, pero éste falleció de encefalitis con un mes de vida. Masina y Fellini no tuvieron más hijos.
Giulietta debutó en el cine con un papel sin acreditar en la película de episodios Paisà (1946) de Roberto Rossellini. Después intervino en Sin piedad (1948) de Alberto Lattuada, drama protagonizado por Carla Del Poggio por el que Masina obtuvo el Nastro d'argento a la mejor actriz secundaria, y Luces de variedades (1950) de Alberto Lattuada y Federico Fellini, drama sobre el mundo del teatro ambulante protagonizado por Peppino De Filippo y Carla Del Poggio. Lattuada y Fellini (en su debut como director) hicieron de Masina un personaje brillante y patético que contenía ya lo mejor de su talento, por el que ganó un segundo Nastro d'argento a la mejor actriz secundaria. Tras actuar en varias películas de otros directores como Una doncella en apuros (1951) de Giorgio Pastina, comedia con Gino Cervi y Alberto Sordi, o Europa '51 (1952) de Roberto Rossellini, drama con Ingrid Bergman y Alexander Knox, apareció brevemente como Cabiria, prostituta de nobles sentimientos, en El jeque blanco (1952), primer film en solitario de Fellini, con Alberto Sordi, Brunella Bovo y Leopoldo Trieste. Después, el realizador tuvo el acierto de brindarle a Masina un personaje que aprovechaba al máximo su potencialidad, la ingenua Gelsomina de La strada (1954). El guión estaba inspirado en la historia real de una disminuida psíquica que se quedó embarazada de un rudo vendedor ambulante. En la cinta, el protagonista era el colérico forzudo Zampanò (Anthony Quinn en el mejor papel de su extensísima carrera), que compra a su paupérrima familia a la dulce y sumisa Gelsomina. Esta acaba actuando en su espectáculo como payasa, y soportará estoicamente sus continuas humillaciones. La actriz fue calificada por esta película como una versión femenina de Charles Chaplin. El film, que obtuvo un gran éxito internacional y ganó el Oscar a la mejor película en lengua extranjera, lanzó la carrera de Fellini y Masina. La pareja continuó su colaboración en Almas sin conciencia (1955), drama sobre un grupo de estafadores, con Broderick Crawford, Richard Basehart y Franco Fabrizi, donde Masina es capaz de expresar como nadie con la mirada que está enamorada de su esposo, aunque éste se haya vuelto un delincuente, y Las noches de Cabiria (1957), estremecedor drama con François Périer y Amedeo Nazzari, una de las cumbres del cine europeo de los 50, donde la actriz retoma su papel de ingenua y bondadosa prostituta, víctima propicia de sucesivos vividores que se aprovechan de ella, le roban y la maltratan, aunque siempre conserva la sonrisa y la ilusión de encontrar al amor de su vida. Pocas veces se ha visto en la pantalla a una intérprete capaz de expresar todo el complejo trasfondo de su personaje con una simple mirada. Masina realizó un trabajo extraordinario y recibió el premio a la mejor actriz en los festivales de Cannes y San Sebastián y ganó el Nastro d'argento a la mejor protagonista. Con esta obra maestra, ganadora del Oscar a la mejor película en lengua extranjera, Fellini y Masina alcanzaron el punto álgido de sus respectivas carreras. A continuación Masina protagonizó Fortunella (1958) de Eduardo De Filippo, comedia con Paul Douglas y Alberto Sordi, Infierno en la ciudad (1959) de Renato Castellani, drama carcelario donde compartió protagonismo con Anna Magnani, y La grande vie (1960) de Julien Duvivier, drama de coproducción europea.
Tras varios años de pausa, regresó al cine con Giulietta de los espíritus (1965) de Federico Fellini, barroca aproximación al universo femenino donde era una burguesa hastiada por la falta de interés de su marido. Como sospecha que éste tiene una amante, buscará respuestas en reuniones espiritistas. Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa, Masina consiguió con su interpretación un David di Donatello a la mejor actriz. También se la pudo ver en El gran amante (1966), comedia dirigida y protagonizada por Alberto Sordi, y La loca de Chaillot (1969) de Bryan Forbes, adaptación de la obra de Jean Giraudoux, como una de las amigas anacrónicas de la condesa Aurelia (Katharine Hepburn). Su última película con Fellini fue Ginger y Fred (1985), comedia satírica sobre el mundo de la televisión, donde ella y Marcello Mastroianni interpretan a una pareja de imitadores de Fred Astaire y Ginger Rogers, que muchos años después de haber logrado la popularidad, se reúnen para un especial televisivo. Este papel le supuso su cuarto Nastro d'argento y un Globo de Oro. Su última aparición en la gran pantalla se produjo con Hoy, quizá (1991) de Jean-Louis Bertuccelli, drama en el que una mujer mayor reúne a toda su familia para darles una sorprendente noticia. Giulietta también obtuvo un gran éxito en la televisión, con las series Eleonora (1973) y Camilla (1976).
Justo un día después de cumplir las bodas de oro, Giulietta tuvo que decirle adiós a su querido esposo, Federico Fellini, que fallecía el 31 de octubre de 1993. Sólo le sobrevivió cinco meses, pues ella dejaba este mundo como consecuencia de un cáncer el 23 de marzo de 1994, a la edad de 73 años. Ambos fueron enterrados juntos, también con los restos de su bebé fallecido, en Rímini, la localidad natal del realizador.


domingo, 21 de febrero de 2016

José Zorrilla (Valladolid, España, 21-2-1817 / Madrid, España, 23-1-1893): In memoriam

EL ROMÁNTICO TRADICIONAL

Hoy es aniversario natal del dramaturgo y poeta español José Zorrilla, una de las figuras más importantes del romanticismo. Escritor muy prolífico, imaginativo y de temperamento sensual, abordó todos los géneros, destacando como autor de poemas épicos, leyendas y dramas en verso. Su obra más popular, Don Juan Tenorio, quizá la única pieza dramática conocida por la mayoría de los españoles, suele reponerse tradicionalmente todos los años el 1º de noviembre.
José Zorrilla y Moral era hijo de un magistrado de la corte del rey Fernando VII. Estudió con los jesuitas en el seminario de Nobles de Madrid. Allí inició su tarea literaria escribiendo sus primeros textos con influencia de la literatura de Chateubriand y Víctor Hugo. Entre 1833 y 1836 estudió leyes en las universidades de Toledo y Valladolid con nulo aprovechamiento. Sus preferencias iban por la literatura, el dibujo y las mujeres (se enamoró de una prima durante unas vacaciones). Huyendo del castigo de su despótico e intransigente padre, marchó a Madrid donde llevó una vida bohemia, oscura y llena de privaciones. Un año después se reveló como poeta al pie del sepulcro de Mariano José de Larra, leyendo emocionadamente una composición en honor del suicida, cuando toda la capital se hallaba reunida en el cementerio para rendirle el último tributo. Ocupó el cargo de éste en la redacción de El Español, donde publicó la serie de poemas titulada Poesías (1837), primero de una serie de ocho volúmenes que acabaría en 1840. El segundo volumen incluía las leyendas en verso A buen juez mejor testigo y Para verdades el tiempo y para justicias Dios. En Cantos del trovador (1840-1841) aparecen otras leyendas como Margarita la tornera o El capitán Montoya, en las que evoca la España medieval y renacentista.
Simultáneamente Zorrilla inició su producción teatral con Vivir loco y morir más (1937), y alcanzó su primer éxito con El zapatero y el rey (1840), a la que siguieron El eco del torrente (1842), Sancho García (1842), El molino de Guadalajara (1843), El puñal del godo (1843), Don Juan Tenorio (1844) y Traidor, inconfeso y mártir (1849). En estas obras trata temas tradicionales o del Siglo de Oro.
Con la desprobación paterna, en 1838 se casó con Florentina O'Reilly, una viuda irlandesa arruinada mucho mayor que él y con un hijo, pero el matrimonio fue infeliz; una hija que tuvieron murió, y él tuvo varias amantes. En 1845 abandonó a su esposa y marchó a París, donde conoció a Alexandre Dumas, George Sand, Théophile Gautier y Alfred de Musset, que dejarían en él una gran huella.
Regresó a Madrid en 1846 al morir su madre. En 1849 recibió varios honores: fue hecho miembro de la junta del recién fundado Teatro Español; el Liceo organizó una sesión para exaltarle públicamente y la Real Academia lo admitió en su seno, si bien no tomaría posesión de su sillón hasta 1885. La muerte de su padre ese mismo año le supuso un duro golpe: su progenitor se negó a perdonarle la boda y la huída, dejando un enorme peso en la conciencia de su hijo, además de considerables deudas económicas. Volvió a París en 1851, donde endulzó sus penas su amante Leila, a la que se entregó apasionadamente, y viajó a Londres en 1853, donde le acompañaron sus inseparables apuros económicos. El próspero relojero Losada le ayudó y Zorrilla embarcó, por fin, rumbo a México, donde permaneció entre 1854 y 1866, salvo un año en Cuba (1858). Aislado y empobrecido, al margen de la guerra civil, su suerte cambió con el ascenso al poder del Emperador Maximiliano I (1864), quien le nombró director del Teatro Nacional. Poco le duró el cargo, pues a la muerte de su esposa, regresó en 1866 a España, donde comprobó que pese a la extraordinaria fama de su obra no podía cobrar derechos de autor. También se enteró del fusilamiento de Maximiliano, abandonado a su suerte por el Papa y Napoleón III, lo que le produjo una profunda crisis religiosa. Se recuperó casándose con la actriz Juana Pacheco en 1869. Vivió en la pobreza hasta que recibió una modesta pensión del Gobierno. En 1873 formó parte de una comisión gubernamental en Roma. En años posteriores publicó Recuerdos del tiempo viejo (1880-1883), La leyenda del Cid (1882), El cantar del romero (1883) y Mi última brega (1888). En olor de multitudes, fue coronado como poeta nacional en el Alcázar de Granada (1889) por el duque de Rivas, en representación de la reina regente Isabel II. Cuatro años después falleció en Madrid a consecuencia de una operación efectuada para extraerle un tumor cerebral. Contaba 75 años de edad.


sábado, 20 de febrero de 2016

El hombre que lo sabía todo

UMBERTO ECO  (Alessandria, Italia, 5-1-1932 / Milano, Italia, 19-2-2016): R.I.P.

Enfermo de cáncer desde hace tiempo, ayer falleció en su casa a los 84 años el escritor, semiólogo, filósofo, pensador y erudito italiano Umberto Eco. Fue un intelectual humanista y lúcido de reconocido prestigio internacional. A lo largo de su vida criticó la manipulación en el periodismo y la corrupción. Autor de novelas históricas superventas como "El nombre de la rosa" o "El péndulo de Foucault", también escribió numerosos ensayos sobre semiótica, estética medieval, lingüística y filosofía. Su presencia en la vida cultural y política italiana ha sido fundamental. Amaba los libros: «Quien no lee, a los 70 años habrá vivido una sola vida. Quien lee habrá vivido 5000 años». Implacable con la estupidez humana, sobre las redes sociales en internet afirmó que «dan derecho de palabra a legiones de imbéciles». Doctor honoris causa por cuarenta universidades europeas y americanas, entre sus innumerables premios figuran: Comendador de la Orden de las Artes y las Letras en Francia (1985), Gran Cruz de Caballero de la Orden del Mérito de la República Italiana (1996), Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en España (2000), Oficial de la Legión de Honor francesa (2003), Gran Cruz de la Orden del Mérito de Alemania (2009) y Comendador de la Legión de Honor francesa (2012).

Reseña a partir de la página Buscabiografías:
Umberto Eco fue uno de los trece hijos de Giulio, un contable que sirvió en tres guerras. Durante la Segunda Guerra Mundial, Umberto y su madre Giovanna se trasladaron a un pequeño pueblo de montaña piamontés. Eco, su apellido, supuestamente es un acrónimo de ex caelis oblatus (en latín: un regalo de los cielos), que le fue dado a su abuelo (un expósito) por un funcionario de la ciudad. Su padre le instó a convertirse en abogado pero entró en la Universidad de Turín para estudiar filosofía y literatura medieval. Doctorado con la tesis El problema estético de Santo Tomás, sobre Tomás de Aquino, durante sus estudios universitarios, dejó de creer en Dios y se apartó de la Iglesia Católica Romana.
Después trabajó como editor cultural para la emisora estatal Radiotelevisión Italiana (RAI) y y fue profesor de Estética entre 1956 y 1964. En 1962 contrajo matrimonio con la especialista en arte alemana Renate Ramge, con quien tendría un hijo y una hija. Algún tiempo después, ejerció en la Universidad de Milán durante dos años, antes de convertirse en profesor de Comunicación visual en Florencia en 1966. Formó parte de Gruppo 63, junto a artistas, pintores, músicos y escritores, con los que había hecho amistad en la RAI, y que se convirtió en una importante influencia en su carrera como escritor. Fue durante este periodo cuando publicó sus estudios Obra abierta (1962) y La estructura ausente (1968). Entre 1969 y 1971 dio clases en la Universidad Politécnica de Milán y en 1971, pasó a ser profesor de Semiótica en Bolonia. Su libro más completo sobre el tema fue Tratado de Semiótica General (1975).
Se hizo popular con dos novelas, El nombre de la rosa (1980), historia detectivesca que se desarrolla en un monasterio benedictino en el año 1327, y El péndulo de Foucault (1988), fantasía acerca de una conspiración secreta de sabios en torno a temas esotéricos. La primera fue adaptada con éxito al cine por el director francés Jean-Jacques Annaud en 1986. Otras novelas suyas son La isla del día de antes (1994), Baudolino (2000), La misteriosa llama de la Reina Loana (2004), y El cementerio de Praga (2010. La última de sus novelas fue Numero cero (2015).
Al margen de sus libros, Umberto Eco colaboró como columnista en múltiples periódicos y revistas, entre ellos Il Corriere della Sera, L’Espresso o La Repubblica. En febrero de 2000 creó en Bolonia la Escuela Superior de Estudios Humanísticos: La 'Superescuela', como se la conoce en Italia, iniciativa académica sólo para licenciados de altísimo nivel destinada a difundir la cultura universal. También fue secretario (y fundador desde 1969) de la Asociación Internacional de Semiótica. Inquieto hasta el fin, acababa de lanzar una nueva editorial, La Nave de Teseo.

Tribute to Mike Leigh (Welwyn, Hertfordshire, UK, 20-2-1943)

AUTOR TESTIMONIAL
 
El director y guionista británico Mike Leigh cumple hoy 73 años. Curtido durante décadas como realizador teatral, se reveló en films de temática social a finales de los años 80 y en los 90 como uno de los cineastas británicos más destacados. Suele improvisar los guiones con sus propios actores en los rodajes, en especial en la creación de los personajes, a los que todo el conjunto da forma tras varios meses de ensayos. Aclamado en los principales festivales europeos, ha obtenido multitud de reconocimientos. Es Oficial de la Orden del Imperio Británico.
Hijo de un médico judío, estudió en la Royal Academic of Dramatic Art, la Camberwell School of Art, la Central School of Art and Design, y la London International Film School, debutando como director teatral en 1965. Su inicio en la gran pantalla se produjo con Bleak moments (1971), en donde ejemplificó su usual temática cinematográfica, eminentemente social y urbana con afán de testimonio y sátira, centrando la acción, por lo general, en las vicisitudes reales de familias británicas comunes. En los años siguientes continuó dirigiendo en teatro y televisión, no volviendo al cine hasta Grandes ambiciones (1988), sátira de la Inglaterra thatcheriana a través de tres diferentes parejas que viven en Londres, por la que Mike Leigh obtuvo el premio FIPRESCI en el Festival de Venecia.
Sus trabajos en la siguiente década, La vida es dulce (1990), comedia dramática urbana con Alison Steadman y Jim Broadbent, Indefenso (1993), comedia negra por la que Mike Leigh consiguió el premio al mejor director y su protagonista, David Thewlis, el de mejor actor en Festival de Cannes, y Secretos y mentiras (1996), drama familiar sobre una mujer negra (Marianne Jean-Baptiste) que descubre a su madre biológica, una blanca de clase obrera (Brenda Blethyn), confirmaron al autor inglés como uno de los mejores cineastas de su país. Especialmente gracias este último film, que logró la Palma de Oro en Cannes y el premio a Brenda Blethyn como mejor actriz, además de tres premios BAFTA, el Goya a la mejor película europea y cinco nominaciones al Oscar, entre ellos los de mejor película y director. El decenio se cerró con Dos chicas de hoy (1997), comedia dramática sobre el encuentro entre dos antiguas amigas universitarias (Katrin Cartlidge y Lynda Steadman), y Topsy-Turvy (1999), biopic sobre los compositores W. S. Gilbert y Arthur Sullivan que ganó dos Oscar, uno al mejor maquillaje y otro a la mejor dirección artística. Leigh fue nominado como mejor guionista. Uno de sus principales protagonistas, Jim Broadbent, logró la Copa Volpi en Venecia.
Más tarde estrenó Todo o nada (2002), drama social ambientado en el Londres actual con Timothy Spall como protagonista, y El secreto de Vera Drake (2004), drama sobre los abortos ilegales practicados por una mujer humilde en el Londres de los años 50, que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y la Copa Volpi para su protagonista, Imelda Staunton, quien también fue galardonada en los premios del Cine Europeo. El film también fue candidato a once premios BAFTA, ganando los de mejor director, actriz protagonista y vestuario, y nominado al Oscar en tres apartados (director, guión original y actriz protagonista). Happy: Un cuento sobre la felicidad (2008), comedia dramática con el protagonismo de Sally Hawkins, narra la historia de una maestra de primaria caracterizada por su optimismo que decide sacarse el carnet de conducir, otra candidatura de Leigh al Oscar al mejor guión original. Another year (2010), comedia dramática con Jim Broadbent, Lesley Manville y Ruth Sheen, se centra en un matrimonio feliz que intenta ayudar a su hijo y sus amigos, con nueva nominación al Oscar para Leigh como guionista. Mr. Turner (2014) biografió al célebre pintor inglés J. M. W. Turner interpretado por Timothy Spall.
Mike Leigh se casó en 1973 con Alison Steadman, actriz habitual en sus películas, con la que tuvo dos hijos. En 2001 se divorciaron. Su actual pareja es la actriz Marion Bailey.


viernes, 19 de febrero de 2016

John Frankenheimer (New York, US, 19-2-1930 / Los Angeles, California, US, 6-7-2002): In memoriam

ENERGÍA Y EFICACIA DRAMÁTICA

Hoy es aniversario natal del cineasta estadounidense John Frankenheimer. Procedente de la considerada 'edad de oro de la televisión americana', alcanzó el cénit de su carrera en los años 60, década de sus más ambiciosos y mejores logros, no exentos de compromiso político y social. Su enérgica dirección es reconocible, caracterizada por un montaje rápido, utilización de planos muy anchos y gran angular, estética que recuerda su deuda hacia Orson Welles. Sin ver reconocidos sus méritos en su propio país (nunca fue nominado al Oscar al mejor director), muchos de sus films fueron mal distribuidos y acabó por convertirse en director de segunda fila.
John Michael Frankenheimer era hijo de un agente de cambio judío de ascendencia alemana y de una irlandesa. Cursó estudios en la Academia Militar de La Salle, donde participó en espectáculos escolares y se graduó en inglés en el Williams College en Williamstown, Massachusetts. Entre 1951 y 1953 cumple servicio militar en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos. Es ahí donde aprende la técnica cinematográfica y realiza sus promeros cortos documentales. Después se convierte en ayudante de dirección para la CBS en Nueva York, donde realizará numerosos programas dramáticos en directo y series de televisión. De hecho Frankenheimer está considerado un realizador clave de la llamada Generación de la Televisión, junto con Robert Mulligan, Arthur Penn, Sidney Lumet, Martin Ritt o Delbert Mann.
Su debut en el cine se produjo con Un joven extraño (1957) drama con James MacArthur, Kim Hunter y James Daly, que, aun elogiado por la crítica, no tuvo éxito, por lo que Frankenheimer volvió a la televisión. Cuatro años más tarde regresó al cine gracias al apoyo del actor Burt Lancaster con Los jóvenes salvajes (1961), drama criminal con Lancaster, Dina Merrill y Shelley Winters, adaptación de una novela de Evan Hunter que trataba el controvertido tema de la aplicación de la pena de muerte a los adolescentes. Lancaster quedó impresionado por la imaginación visual del cineasta. En cierta ocasión el actor se encontró con la cámara en el suelo e intentó recogerla, pero el cineasta le dijo que la había puesto ahí adrede para rodar una toma. Lancaster se dio cuenta de la capacidad de riesgo de Frankenheimer, y quedó tan impresionado que volvería a estar a sus órdenes en otras cuatro ocasiones. Su siguiente película, Su propio infierno (1962), adaptación de una novela de William Inge, con Eva Marie Saint, Warren Beatty, Karl Malden, Angela Lansbury y Brandon de Wilde, no tuvo éxito, al contrario que El hombre de Alcatraz (1962), drama carcelario con Burt Lancaster, Karl Malden, Thelma Ritter, Neville Brand y Edmond O'Brien, posiblemente el film más redondo del director, con cuatro candidaturas al Oscar. Lancaster realiza un trabajo memorable como condenado a 43 años de prisión al que los pájaros le cambian la vida hasta el punto de que se convierte en un respetado ornitólogo. Ese mismo año rodó El mensajero del miedo (1962), thriller político durante la guerra fría, con Frank Sinatra, Laurence Harvey, Janet Leigh y Angela Lansbury, sobre un sargento y un comandante que son capturados en Corea y sometidos a un lavado de cerebro. El segundo sufre pesadillas y recibe la orden de asesinar a uno de los candidatos a la presidencia. Otro thriller político de gran interés fue Siete días de mayo (1964), con Burt Lancaster, Kirk Douglas, Fredric March y Ava Gardner, sobre un grupo de militares desencantados que, temerosos del predominio soviético, deciden dar un golpe de estado. El Presidente dispone sólo de siete días para encontrar pruebas que le permitan abortar el golpe. Después llegó el vibrante film bélico El tren (1964), con Burt Lancaster como héroe de la resistencia que, con la ayuda de la propietaria de un hotel (Jeanne Moreau), trata de impedir que un coronel alemán (Paul Scofield) se lleve de París valiosas obras de arte. Plan diabólico (1966), thriller de ciencia-ficción con Rock Hudson, aunque no tuvo gran acogida comercial, asienta la reputación de su autor como agudo observador de la sociedad americana de los años 60. Grand Prix (1966) fue una enérgica, espectacular y exitosa superproducción sobre el mundo del automovilismo, con James Garner, Eva Marie Saint e Yves Montand. El hombre de Kiev (1968), adaptación de "The fixer" de Bernard Malamud, novela ganadora del premio Pulitzer en 1967, muestra la vida de un campesino judío (Alan Bates) que trata de ocultar su origen para evitar la represión en la Rusia zarista del cambio de siglo; de nuevo la historia de la transformación de un hombre frente a la adversidad. Frankenheimer finalizó su mejor década como cineasta con Los temerarios del aire (1969), con Burt Lancaster y Deborah Kerr, su película favorita, historia de tres paracaidistas de diferentes edades, que viajan juntos con su espectáculo aéreo de caída libre, haciendo frente a los riesgos de su profesión.
Más valorado por la crítica europea que la de su país, el cineasta prosigue su carrera con Yo vigilo el camino (1970), drama rural intimista con Gregory Peck, Tuesday Weld y Estelle Parsons, Orgullo de estirpe (1971), film de aventuras en Afganistán, con Omar Sharif, Leigh Taylor-Young y Jack Palance, El repartidor de hielo (1973), según la obra teatral de Eugene O'Neill, con Lee Marvin, Fredric March, Robert Ryan, Jeff Bridges y Bradford Dillman, Sueños prohibidos (1973), drama de producción francesa con Alan Bates y Dominique Sanda, 99,44% muerto (1974), thriller con Richard Harris, French Connection II (1975), secuela del film de William Friedkin de 1971, con Gene Hackman, Fernando Rey y Bernard Fresson, Domingo negro (1977), thriller basado en una novela de Thomas Harris sobre una terrorista palestina que prepara un atentado en la Super Bowl, con Robert Shaw, Bruce Dern y Marthe Keller, o Profecía maldita (1979), comercial film de terror con Talia Shire, Robert Foxworth y Armand Assante, de éxito comercial pero críticas adversas. Durante la preparación de esta película el realizador tuvo graves problemas con el alcohol, hasta el punto de que redujo su actividad profesional.
A estas alturas de su trayectoria, Frankenheimer, perdida su valoración como autor, sólo realiza películas de encargo: El reto del samurai (1982), drama de acción con Scott Glenn y Toshiro Mifune, El pacto de Berlín (1985), thriller de espionaje con Michael Caine, 52 vive o muere (1986), thriller criminal con Roy Scheider y Ann-Margret, Tiro mortal (1989), film de acción con Don Johnson, La cuarta guerra (1990), nueva y tardía incursión en el tema de la guerra fría, con los conflictos entre OTAN y Pacto de Varsovia, con Roy Scheider y Jürgen Prochnow, o El año de las armas (1991), revisión a la Italia de 1978 con las Brigadas Rojas en acción y Andrew McCarthy, Sharon Stone y Valeria Golino como protagonistas. Su carrera llegó a su punto más bajo con La isla del Dr. Moreau (1996), adaptación de la novela de ciencia-ficción de H.G. Wells, con  Marlon Brando y Val Kilmer, masacrada por la crítica.
Al final de su carrera, se aprecia en Frankenheimer la voluntad de redimirse, de demostrar que no está acabado, a pesar del alcoholismo que le había destruido la vida. La oportunidad le llega cuando le ponen al frente de Ronin (1998) un thriller de espionaje con Robert De Niro, con guión escrito por David Mamet (bajo pseudónimo), al que Frankenheimer dota de persecuciones y secuencias de acción de primera línea, recuperando el entusiasmo de los más cinéfilos. Su última realización para la gran pantalla fue Operación Reno (2000), título de acción con Ben Affleck, Gary Sinise y Charlize Theron.
Frankenheimer estuvo casado entre 1954 y 1962 con Carolyn Miller, con la que tuvo dos hijos. Tras el divorcio contrajo matrimonio en 1963 con la actriz Evans Evans, con la que convivió casi cuarenta años. El director falleció a los 72 años por complicaciones después de una operación de columna vertebral.