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sábado, 31 de enero de 2015

Tallulah Bankhead (Huntsville, Alabama, US, 31-1-1902 / New York City, 12-12-1968): In memoriam

I'LL TAKE TALLULAH

Hoy es aniversario natal de la actriz de teatro, cine y televisión estadounidense Tallulah Bankhead. Heredera de una rica familia de políticos sureños, se hizo actriz por espíritu de contradicción, convirtiendose en un fenómeno eminentemente teatral que en la pantalla apenas encontró el medio adecuado a su personalidad explosiva. Exuberante y carismática, con voz ronca resultante de su bronquitis crónica de fumadora compulsiva y un personalísimo sentido del humor que no rehuía la autoparodia, Tallulah Bankhead fue un icono de la provocación. Una mujer de los años 20, no sujeta a las reglas que dictaban los hombres. Una actriz que vivió de forma extrema y nunca tuvo problemas para expresarlo, haciendo apología de sus diversos vicios. Suya es la frase "La cocaína no crea adiccion, lo sé porque llevo tomándola desde hace años" y la no menos popular "Si volviera a nacer cometería los mismos errores, pero mucho antes". Tras esa frívola imagen de mujer fatal había una mujer de pasiones irrefrenables, a la que no pudo vencer su educación en un convento ni los tabúes de una sociedad hipócrita, dispuesta a vivir y amar más allá, con toda la intensidad necesaria, no privándose del uso de substancias artificiales que le proporcionasen el ansiado y probablemente nunca saciado placer. 
El hecho de ganar varios concursos de belleza en su juventud la llevó a pensar en el mundo del espectáculo como salida para un futuro profesional. Debutante en la pantalla en 1918, apareció en cuatro películas silentes que pasaron desapercibidas. No destacó por su carrera en el cine (Marlon Brando diría que fue debido a sus adicciones al alcohol y al sexo), ya que no quiso ceder a la presión y el acoso de estrellas como John Barrymore, por quien perdió su primer papel importante, en El Doctor Jekyll y Mr. Hyde (Dr. Jekyll & Mr. Hyde, 1920), al no querer acostarse con él. Entre 1918 y 1922 intentó triunfar en Broadway, pero fue en Londres donde consiguió convertirse en una estrella durante su estancia de 1923 a 1931. De vuelta a los Estados Unidos, en su corta carrera cinematográfica destacan títulos como Honor mancillado (Tarnished Lady, 1931) de George Cukor, Redimida (My sin, 1931) y El fraude (The cheat, 1931), ambas de George Abbott, Entre la espada y la pared (Devil and the deep, 1932) de Marion Gering, con un reparto que incluía a Gary Cooper, Charles Laughton y Cary Grant, o Infiel (1932) de Harry Beaumont. Tras ésta película tardaría más de 10 años en volver a Hollywood, centrándose en su carrera teatral. Entre 1937 y 1941 estuvo casada con el actor John Emery. A su retorno a la meca del cine protagonizó Náufragos (Lifeboat, 1944) de Alfred Hitchcock, su película más importante, y La Zarina (A Royal scandal, 1945) de Otto Preminger, donde encarnó a Catalina la Grande de Rusia. Hizo parodia de sí misma en Main street to Broadway (1953) de Tay Garnett y secuestraba a Stefanie Powers en la producción británica Te espera la muerte, querida (1965) de Silvio Narizzano. Su último papel fue en la serie televisiva Batman (1967) como la villana Viuda Negra.
Pero lo más jugoso de Tallulah sigue siendo su deliciosa lengua de víbora y las perlas que nos regaló. En una ocasión en que un periodista le preguntó qué habría sido de no ser actriz, ella respondió “Dudaba entre madre superiora, puta y presidente de los Estados Unidos. ¡Espero que pongas en tu libreta que habría hecho de maravilla las tres cosas!”. En otra ocasión un doctor le recomendó para superar su alcoholismo que tomara una manzana cada vez que sintiera la necesidad de agarrar la botella, a lo que Tallulah respondió: "¡Pero doctor!, ¿sesenta manzanas al día?". También son multitud las anécdotas que forman la mitología de la estrella: en una fiesta a la que acudió como invitado Truman Capote propuso que todos los invitados se bañaran en la piscina. Ella apareció vestida sólo con sus perlas, decía que lo hacía para demostrar que era una rubia natural. Solía acudir a los rodajes de sus películas sin ropa interior, lo que generaba gran alborozo. En el rodaje de Náufragos el equipo se quejó del desmesurado exhibicionismo de Tallulah, a quien le gustaba dejar ver lo que escondía bajo la falda. Hitchcock, con su iniguable flema británica, repuso no poder resolverlo porque no sabía a qué departamento acudir, vestuario o peluquería. Entre los muchos amantes de Tallulah hubo hombres y mujeres de todos los credos y razas. Entre los varones: Gary Cooper, Douglas Fairbanks Jr., Groucho Marx, Montgomery Clift, Marlon Brando y Paul Newman (también se dice que mientras vivió en Londres compartió lecho con Winston Churchill) y entre ellas: las actrices Eva Le Gallienne, Katherine Cornell, Helen Menken, Beatrice Lillie, Alla Nazimova, Greta Garbo, Marlene Dietrich, Joan Crawford, Barbara Stanwyck, Patsy Kelly, sin olvidar a la escritora Mercedes de Acosta, la más conocida de las amantes de las estrellas (quien también tuvo affairs con Garbo y Dietrich). Se cuenta que también tuvo una relación con una actriz más joven, la bella Lizabeth Scott, que inspiró la que mantienen Ann Baxter y Bette Davis en Eva al desnudo. Tenía asímismo fijación por las mujeres negras, tuvo romances con Hattie McDaniel, la inolvidable Mammy de Lo que el viento se llevó y con las cantantes Gladys Bentley y Billie Holiday.
Perdió grandes papeles de Hollywood debido a sus adicciones; es el caso de Encuentro en la Noche (Clash by night, 1952), que en su adaptación al cine por Fritz Lang contó con Barbara Stanwyck para el papel principal pese a que Tallulah lo había interpretado en Broadway. Tampoco consiguió el papel de la versión cinematográfica de Eva al desnudo (All about Eve, 1950) de Joseph L. Mankiewicz, a pesar de haber bordado el papel en la versión teatral. En este caso el papel fue a manos de la genial Bette Davis, una de sus mayores rivales. Bette también le "robó" el papel de La loba (The little foxes, 1941) de William Wyler. Refiriéndose a ella Bankhead dijo: "no créais que no se quién ha estado contando cotilleos sobre mí... después de todas las cosas buenas que he hecho por esa arpía, ¡cuando la coja, voy a arrancarle cada pelo de su bigote!". Independientemente de su escandalosa vida privada, o tal vez gracias a ella, Tallulah fue un personaje muy popular. De hecho existe un pueblo en Louisiana llamado Tallulah porque en los años 30 ella pasó una noche allí. Su último e involuntario legado fue inspirar uno de los personajes más bizarros y demoníacos de la animación, la Cruella De Vil de 101 Dálmatas. Pero ningún homenaje es suficiente para la mujer que manifestó "Decid cualquier cosa de mí, mientras no sea aburrida".
Tallulah Bankhead falleció en un hospital de Manhattan a los 66 años a consecuencia de una neumonía. Sus últimas palabras coherentes fueron: "Codeína... bourbon."

Otras frases atribuídas a Tallulah: 
"Nadie puede ser exactamente como yo. Hasta yo tengo problemas para conseguirlo".
"Sólo las buenas chicas llevan diarios. Las chicas malas no tienen tiempo para eso".
"Hay una regla que yo recomiendo seguir: nunca practicar dos vicios al mismo tiempo".
"Mi padre me advirtió sobre los hombres y el alcohol, pero nunca dijo nada sobre las mujeres y la cocaína". 
"Tengo tres fobias: Odio ir a la cama, odio levantarme y odio estar sola".  
"Me han llamado muchas cosas, pero nunca intelectual." 
 "Querida, si de verdad quieres ayudar al teatro americano, no te hagas actriz, hazte espectadora".



























"Tarnished Lady" (1931)

"My sin" (1931)

"My sin" (1931)

"The cheat" (1931)

"Thunder below" (1932)

"Thunder below" (1932)

"Devil and the deep" (1932), with Gary Cooper

"Devil and the deep" (1932), with Gary Cooper

 "Faithless" (1932), with Robert Montgomery

"Faithless" (1932)

"Lifeboat" (1944)

"Lifeboat" (1944), with John Hodiak, Mary Anderson, Hume Cronyn & Henry Hull

"Lifeboat" (1944), with John Hodiak, Walter Slezak & Mary Anderson

"A royal scandal" (1945), with Anne Baxter

Jean Simmons (Londres, UK, 31-1-1929 / Santa Monica, California, US, 22-1-2010): In memoriam

BELLEZA CLÁSICA, TALENTO DIVERSIFICADO

Tal día como hoy hace 86 años nació la actriz británica Jean Simmons. Tan adaptable a papeles de ingenua como de femme fatale, hizo carrera en el Hollywod de los años 50 y 60 dando muestras de versatilidad interpretativa y fue asímismo la percha ideal en muchas películas de época. Candidata en dos ocasiones al Oscar, ganó un Globo de Oro y un Emmy televisivo.

Reseña biográfica a partir de la página El Criticón:

Belleza morena y talentosa intérprete, desde niña dirigió sus pasos hacia el mundo de la actuación, logrando debutar en el cine en su adolescencia con una aparición en la película Give us the moon (1944), comedia dirigida por Val Guest, a la que siguieron el drama bélico Más allá de las nubes (1945) de Anthony Asquith y César y Cleopatra (1945) de Gabriel Pascal, adaptación de la obra de Bernard Shaw. La revelación británica de Jean Simmons se produjo gracias a su intervención en la película Cadenas rotas (1946) de David Lean, Basada en la novela "Grandes esperanzas" de Dickens. A partir de ese momento se convirtió en una estrella del cine de su país, destacando en producciones como Narciso negro (1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo Hamlet (1948), adaptación de la obra homónima de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier. Jean fue nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por su interpretación de Ofelia. En el futuro, el hecho de ser candidata al premio serviría para que la actriz fuese considerada como posible fichaje por las productoras de Hollywood.
En 1950 se casó con el actor Stewart Granger, con quien había coincidido por primera vez en César y Cleopatra y con el que volvió a compartir créditos en Adán y... ella (1949) de Harold French. De esta unión nació una hija en 1956, año en que la pareja adoptó la ciudadanía americana. Simmons y Granger se divorciarían en 1960. Otros títulos británicos fueron Extraño suceso (1950) de Terence Fisher y Antony Darnborough, thriller de época con Dirk Bogarde, o Trágica obsesión (1951) de Ralph Thomas, film de misterio con Trevor Howard.
La llegada de Simmons a los Estados Unidos reforzó su estrellato a nivel internacional con películas como Cara de ángel (1952) de Otto Preminger, excelente noir con Robert Mitchum, Androcles y el león (1952) de Chester Erskine, peplum con Victor Mature y Alan Young, La reina virgen (1953) de George Sidney, drama histórico sobre la juventud de la princesa Isabel Tudor, con Stewart Granger, Deborah Kerr y Charles Laughton, La túnica sagrada (1953) de Henry Koster, peplum con Richard Burton y Victor Mature, La actriz (1953) de George Cukor, comedia dramática basada en la vida de Ruth Gordon, con Spencer Tracy y Teresa Wright, Guapa pero peligrosa (1954) de Lloyd Bacon, comedia romántica con Robert Mitchum, Sinuhé el egipcio (1954) de Michael Curtiz, adaptación de la novela de Mika Waltari sobre el antiguo Egipto, con Edmund Purdom, Victor Mature y Gene Tierney, Desirée (1954) de Henry Koster, drama histórico con Marlon Brando en el papel de Napoleón Bonaparte, Pasos en la niebla (1955) de Arthur Lubin, thriller británico con su marido Stewart Granger, Ellos y ellas (1955) de Joseph L. Mankiewicz, musical con Marlon Brando, Frank Sinatra y Vivian Blaine, Hilda Crane (1956) de Philip Dunne, melodrama con Guy Madison y Jean-Pierre Aumont, This could be the night (1957) de Robert Wise, comedia con Paul Douglas y Anthony Franciosa, Mujeres culpables (1957) de Robert Wise, drama judicial con Joan Fontaine, Paul Newman y Piper Laurie, Horizontes de grandeza (1958) de William Wyler, magnífico western con Gregory Peck, Carroll Baker, Charlton Heston y Burl Ives, o Esta tierra es mía (1959) de Henry King, drama ambientado en los años 30, con Rock Hudson, Dorothy McGuire y Claude Rains.
En 1960 y tras el divorcio de Stewart Granger, Jean Simmons se casó con Richard Brooks, con quien tuvo a su segunda hija en 1961 y que la dirigió en una de sus mejores películas, El fuego y la palabra (1960), drama religioso con Burt Lancaster y Shirley Jones. Los años 60 le depararon buenos papeles en películas como Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, drama épico en el que hacía pareja con Kirk Douglas, Página en blanco (1960) de Stanley Donen, comedia con Cary Grant, Deborah Kerr y Robert Mitchum, Vivir en la cumbre (1965) de Ted Kotcheff, drama con Laurence Harvey, La mujer sin rostro (1966) de Delbert Mann, drama con James Garner, Suzanne Pleshette y Angela Lansbury, El novio de mi mujer (1967) de Bud Yorkin, comedia con Dick Van Dyke, Debbie Reynolds, Jason Robards y Van Johnson o Noche de titanes (1967) de Arnold Laven, western con Dean Martin y George Peppard. Volvió a ser dirigida por su marido Richard Brooks en Con los ojos cerrados (1969), trabajo por el que Jean volvió a ser nominada al Oscar, ahora en la categoría de mejor actriz principal.
Con posterioridad Jean fue apartándose del cine, interviniendo en pocas películas: El joven y la cuarentona (1971) de Alvin Rakoff, comedia dramática con Leonard Whiting, Mr. Sycamore (1975) de Pancho Kohner, adaptación de la obra teatral del mismo título, con Jason Robards y Sandy Dennis, o Dominique (1980) de Michael Anderson, thriller sobrenatural con Cliff Robertson. Simmons fue encontrando acomodo en la televisión, apareciendo en conocidas series como "El pájaro espino" o "Norte y Sur". Por su interpretación en la primera ganó un premio Emmy.
Jean Simmons continuó casada con Richard Brooks hasta la muerte de éste en 1992. La actriz londinense falleció a causa de un cáncer de pulmón a comienzos de 2010. Tenía 80 años.


Franz Schubert - Serenade

FRANZ SCHUBERT (Viena, 31-1-1797, actual Austria / Viena, 19-11-1828): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor austriaco Franz Schubert, cuyas canciones (lieder) están entre las obras maestras del género y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música. El lied para canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Gustav Mahler.
Hijo de un modesto maestro de escuela, fue el duodécimo de trece hermanos, de los que sólo sobrevivieron cinco. Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor, Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la Capilla Imperial de Viena como miembro del coro y alumno de la escuela municipal Stadtkonvikt, institución ésta en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.
Tras su salida de este centro en 1813, Schubert, a instancias de su padre, empezó a trabajar como asistente en la escuela de éste, a pesar del poco interés demostrado por el músico hacia la labor pedagógica. Alentado por el éxito de su Misa en Fa (1814), Schubert compuso abundante música litúrgica a lo largo de toda su vida, tanto misas (ocho en total) como motetes, antífonas y salmos. Destacan entre ellas la Misa Alemana (1815), la Salve Regina (de la que compuso tres antífonas y un ofertorio entre 1812 y 1816), los oratorios Stabat Mater (1816) y Lazarus (1920, incompleto) o las Seis Antífonas para el Domingo de Ramos (1820). Con esta obra religiosa se adentra Schubert en el siglo XIX, apartándose del modelo clásico de la misa de Haydn o Mozart, e incluso de las misas de Beethoven.
Es asímismo en estos años cuando ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied El rey de los elfos (1815), inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores más frecuentados. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito en su empresa.
El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era el teatro, la ópera, y aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático, nunca consiguió destacar en él. Sus óperas, entre las que merecen citarse Los amigos de Salamanca (1815) Alfonso y Estrella (1822), Los conjurados o La guerra doméstica (1923) y Fierabrás (1823), ninguna de las cuales pudo estrenar en vida (como tampoco sus composiciones orquestales), continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.
Si Schubert no consiguió sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el lied. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta lieder, sin que pueda decirse de ellos que la cantidad vaya en detrimento de la calidad. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas con el elocuente nombre de «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones.
Los ciclos de canciones La bella molinera (1823), Viaje de invierno (1827) y El canto del cisne (1928, póstuma) constituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como El caminante (1816), La muerte y la doncella (1816), La trucha (1817), A la música (1817) o el celebérrimo Ave Maria (1825). A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre su círculo de amistades de clase media intelectual, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica, agravada considerablemente a partir de 1824 por los primeros síntomas de la sífilis, enfermedad que acabaría prematuramente con su existencia.
La obra instrumental de Schubert abarca tanto obras sinfónicas como de cámara. Dentro de las primeras destacan la Octava Sinfonía (Inacabada) en Si menor (1922) y la Novena Sinfonía (La Grande) en Do mayor (1926). Entre las segundas figuran sonatas, fantasías, tríos y cuartetos, en muchas ocasiones basados en obras vocales previas. Aunque en su estructura, las sinfonías y las sonatas toman la forma clásica, en el desarrollo, las armonías evocadoras y la amplitud de la melodía, profunda pero sin la tensión dramática clásica, adquieren el papel principal.
Schubert, que nunca pudo mantenerse a sí mismo, vivió solo o hospedado en casa de sus amigos. Se cuenta que su aspecto era muy descuidado y desaliñado, pues siendo un febril compositor, no estaba en los problemas menores de la existencia. En general, era un hombre taciturno. Fue extremadamente bohemio y tampoco mantuvo una relación sentimental duradera. Sensual y aficionado al alcohol, tenía relaciones con mujeres, pero se mostraba reservado y ni siquiera los amigos conocían los detalles. Su mal estado de salud, complicado finalmente con una fiebre tifoidea, lo condujo a una temprana muerte a los 31 años. Fue enterrrado cerca de Beethoven, a quien siempre consideró su maestro.
Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar, empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven. Asímismo, su reputación como padre del lied alemán se basa en las más de seiscientas canciones que compuso. Su obra completa se publicó entre 1884 y 1887.

(Texto básico procedente -con abundantes modificaciones- de la página Biografías y Vidas)

Franz Peter Schubert by Wilhelm August Rieder, 1825

Entre la muy prolífica obra de su autor, la Serenata (Ständchen) de Schubert es una de las piezas más atractivas y populares: sensual y lírico lied perteneciente al ciclo El canto del cisne (1928), publicado postumamente en 1929, con el que alcanza la cumbre de su arte.

viernes, 30 de enero de 2015

Tribute to Gene Hackman (San Bernardino, California, US, 30-1-1930)

EL ACTOR VIVO MÁS IMPORTANTE
El actor estadounidense Gene Hackman cumple hoy 85 años. Aunque debutó en la gran pantalla con 34, en la época de relevo del cine clásico al moderno, su carrera ha sido muy remarcable en cantidad (80 films en todos los géneros) y calidad (le dirigieron los más destacados cineastas de su época: Penn, Frankenheimer, Friedkin, Coppola, Donen, Brooks, Lumet, Allen, Nichols, Eastwood, Pollack, Mamet, etc.) y ha obtenido gran cantidad de reconocimientos entre los que se cuentan dos Oscars (de entre cinco candidaturas), cuatro Globos de Oro y dos BAFTA. Para muchos es el actor vivo más importante en nuestros días.

Reseña biográfica a partir de la página El Criticón:

Eugene Allen Hackman, hijo de un periodista, vivió el divorcio de sus padres cuando tenía 13 años y creció con su abuela. Tras una adolescencia problemática se enroló en los marines después de la Segunda Guerra Mundial. En los inicios de los años 50 se ocupó en diversos oficios, como vendedor o camionero, y trabajó en la radio antes de descubrir la interpretación teatral. Estudió en el Pasadena Playhouse de California, se hizo amigo de Dustin Hoffman y logró sus primeros papeles en el teatro neoyorquino antes de llegar a la televisión en la década de los 60. En 1956 se casó con Fay Maltese, con quien tuvo tres hijos: Christopher, Elizabeth y Leslie Anne. La pareja se divorciaría en 1986.
Debutó en el cine participando en el drama psicológico Lilith (1964) de Robert Rosssen, un film con el protagonismo de Warren Beatty y Jean Seberg, al que siguió Hawaii (1966) de George Roy Hill. Volvió a coincidir con Beatty en su película revelación, Bonnie & Clyde (1967) de Arthur Penn, andanzas criminales en la Gran Depresión con el co-protagonismo de Faye Dunaway. Gene, que interpretaba al hermano de Warren Beatty en el film, fue nominado al Oscar como mejor actor secundario. En los años 60 también compartió créditos con Burt Lancaster en la cinta de paracaidistas Los temerarios del aire (1969) de John Frankenheimer, con Robert Redford en El descenso de la muerte (1969) de Michael Ritchie, film sobre campeonatos de esquí, y con Gregory Peck en Atrapados en el espacio (1969) de John Sturges, título de ciencia-ficción.
En la década de los 70 alcanza el estrellato con películas como Nunca canté para mi padre (1970) de Gilbert Cates, basada en una obra de Robert Anderson, donde era el hijo de Melvyn Douglas, papel por el que opta por segunda vez al Oscar como mejor actor secundario, Caza implacable (1971) de Don Medford, con Oliver Reed y Candice Bergen, logrando el Oscar como mejor actor principal por el thriller Contra el imperio de la droga (1971) de William Friedkin. Además de los títulos citados, Hackman intervino en Carne viva (1972) de Michael Ritchie, thriller con Lee Marvin, La aventura del Poseidón (1972) de Ronald Neame, exitoso film de catástrofes con reparto multiestelar, El espantapájaros (1973) de Jerry Schatzberg, road movie con Al Pacino, La conversación (1974) de Francis Ford Coppola, intenso thriller psicológico que ganó la Palma de Oro en Cannes, formó parte del reparto de la parodia de las películas de terror de la Universal El jovencito Frankenstein (1974) de Mel Brooks, fue el marido de Liv Ullmann en La esposa comprada (1974) de Jan Troell, repitió su personaje de Jimmy "Popeye" Doyle en la secuela French Connection II (1975) de John Frankenheimer, fue uno de los dos amantes de Liza Minnelli (el otro, Burt Reynolds) en Los aventureros de Lucky Lady (1975) de Stanley Donen, compartió protagonismo con una joven Melanie Griffith en el neo noir La noche se mueve (1975) de Arthur Penn, volvió a irse al Oeste con Candice Bergen en Muerde la bala (1975) de Richard Brooks, encabezó el reparto del thriller De presidio a primera página (1977) de Stanley Kramer, se convirtió en Lex Luthor junto a Christopher Reeve en Superman (1978) de Richard Donner y su secuela Superman II (1980) de Richard Lester.
A partir de los años 80, dentro de una carrera muy prolífica, Gene apareció en títulos como Rojos (1981) de Warren Beatty, Eureka (1983) de Nicolas Roeg, Bajo el fuego (1983) de Roger Spottiswoode, Más allá del valor (1983) de Ted Kotcheff, La vida puede continuar (1985) de Bud Yorkin, Power (1986) de Sidney Lumet, Hoosiers: más que ídolos (1986) de David Anspaugh, No hay salida (1987) de Roger Donaldson, Arde Mississippi (1988), drama de Alan Parker por el que fue candidato al Oscar por cuarta vez, Otra mujer (1988), el film más dramático de Woody Allen, Postales desde el filo (1990) de Mike Nichols, Testigo accidental (1990) de Peter Hyams, Acción judicial (1991) de Michael Apted, Sin perdón (1992), western crepuscular de Clint Eastwood por el que ganó un segundo Oscar, ahora al mejor actor secundario, La tapadera (1993) de Sydney Pollack, Geronimo, una leyenda (1993) de Walter Hill, Wyatt Earp (1994) de Lawrence Kasdan, Marea roja (1995) de Tony Scott, Cómo conquistar Hollywood (1995) de Barry Sonnenfeld, Una jaula de grillos (1996) de Mike Nichols, Al cruzar el límite (1996) de Michael Apted, Cámara sellada (1996) de James Foley, Poder absoluto (1996) de Clint Eastwood, Al caer el sol (1998) de Robert Benton, Enemigo público (1998) de Tony Scott, Bajo sospecha (2000) de Stephen Hopkins, Equipo a la fuerza (2000) de Howard Deutch, El último golpe (2001) de David Mamet, Los Tenenbaums: Una familia de genios (2001) de Wes Anderson, Tras la línea enemiga (2001) de John Moore o El jurado (2003) de Gary Fleder. Se retiró en 2004.
En 1991 se casó con Betsy Arakawa, con quien vive en Santa Fe, New Mexico.

  

Tribute to Dorothy Malone (Chicago, Illinois, US, 30-1-1925)

ACTRIZ DE (MUCHO) CARÁCTER

La actriz estadounidense Dorothy Malone cumple hoy 90 años. Debutante en 1943, después de actuar mayormente en pequeños papeles en producciones modestas, intervino en varios clásicos y consiguió labrarse una reputación como intérprete que la llevó a ganar un Oscar a la mejor actriz secundaria.

Reseña biográfica a partir de la página El Criticón:

De morena o de rubia, Dorothy Malone fue una de las presencias femeninas más atractivas del Hollywood de los años 40 y 50. Nacida Dorothy Eloise Maloney, desde niña apareció en anuncios publicitarios y en su etapa estudiantil ya protagonizaba funciones teatrales. Debutó sin acreditar en pequeños papeles cinematográficos en producciones RKO: Gildersleeve on Broadway (1943), The falcon and the co-eds (1943), Higher & higher (1943). A los 20 años de edad firmó un contrato con la Warner y recortó su apellido, convirtiéndose definitivamente en Dorothy Malone. En Warner comenzó a alcanzar notoriedad gracias a sus apariciones secundarias en Noche y día (1946) de Michael Curtiz, biopic sobre Cole Porter protagonizado por Cary Grant, El sueño eterno (1946) de Howard Hawks (película de cine negro en la que mantenía un inolvidable diálogo con Humphrey Bogart en una librería), o Juntos hasta la muerte (1949), western de Raoul Walsh con Joel McCrea y Virginia Mayo en los papeles principales.
En los años 50 fue adquiriendo mayor estatus como intérprete gracias a su participación en títulos como Nevada (1950) de Gordon Douglas, western con Randolph Scott, Drama en presidio (1950) de Henry Levin, con Glenn Ford y Broderick Crawford, Una herencia de miedo (1953) de George Marshall, comedia protagonizada por Dean Martin y Jerry Lewis, La casa número 322 (1954) de Richard Quine, thriller con Fred MacMurray y Kim Novak, Infierno 36 (1954) de Don Siegel, noir con Ida Lupino y Steve Cochran, Siempre tú y yo (1954) de Gordon Douglas, comedia sentimental con Doris Day y Frank Sinatra, Más allá de las lágrimas (1955) de Raoul Walsh, destacada adaptación de la novela "Battle cry" de Leon Uris, con un estupendo reparto que incluía a Van Heflin, Aldo Ray, James Whitmore, Raymond Massey y Tab Hunter en los papeles masculinos y a Mona Freeman, Nancy Olson y Anne Francis en los femeninos, Cinco pistolas (1955) de Roger Corman, western con John Lund, Artistas y modelos (1955), comedia musical de Frank Tashlin en la que volvió a coincidir con Martin y Lewis y donde también aparecía Shirley MacLaine, Así mueren los valientes (1955) de Alfred L. Werker, western con Fred MacMurray o Las columnas del cielo (1956) de George Marshall, western con Jeff Chandler. Gracias a su participación en el melodrama Escrito sobre el viento (1956) de Douglas Sirk, junto a Rock Hudson, Lauren Bacall y Robert Stack, alcanzó el punto más alto de su carrera y Dorothy ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria. Siguieron El hombre de las mil caras (1957) de Joseph Pevney, biopic sobre el actor Lon Chaney interpretado por James Cagney, Apuesta por un jinete (1957) de Richard Torpe, drama criminal con Robert Taylor, Ángeles sin brillo (1958) de Douglas Sirk, otro melodrama donde vuelve a coincidir con Rock Hudson y Robert Stack o El hombre de las pistolas de oro (1959) de Edward Dmytryk, western coprotagonizado por Richard Widmark, Henry Fonda y Anthony Quinn.
Los trabajos cinematográficos en las siguientes décadas escasearon; entre ellos filmó El último viaje (1960) de Andrew L. Stone, drama de aventuras marinas con Robert Stack, El último atardecer (1961) de Robert Aldrich, excelente western con Rock Hudson y Kirk Douglas, o Escándalo en la playa (1963) de William Asher, con Robert Cummings. En los años 60 Dorothy Malone se volcó en la televisión con apariciones estelares en series de éxito como Dr. Kildare o Los intocables e  intervenciones regulares en la serie Peyton Place. En los 70 fue reclamada para episodios de Ironside, Hombre rico, hombre pobre o Las calles de San Francisco. Su última aparición en la gran pantalla se produjo en Instinto básico (1992) de Paul Verhoeven.
Dorothy Malone se casó en tres ocasiones. La primera en 1959 con el actor Jacques Bergerac, ex marido de Ginger Rogers, de quien se divorció en 1964. Tuvieron dos hijas: Mimi y Diane. Su segundo esposo fue el empresario Robert Tomarkin, con quien contrajo matrimonio en 1969. Esta boda, celebrada en Las Vegas, se anuló cuatro semanas después. Su último marido fue el empresario de hostelería Charles Huston Bell, con quien se casó en 1971 y de quien se divorció tres años después. En la actualidad disfruta sus últimos años de vida en su mansión radicada en la ciudad de Dallas.


Tibute to Vanessa Redgrave (Londres, UK, 30-1-1937)

LA MÁS PRESTIGIOSA ACTRIZ BRITÁNICA

La actriz británica Vanessa Redgrave cumple hoy 78 años. Seis veces candidata al Oscar, ganadora de uno, además de dos Globos de Oro, dos Emmy televisivos, un Tony y un BAFTA honorífico entre otros muchos reconocimientos, su nombre es sinónimo de prestigio en cualquier producción donde aparezca. También se ha distinguido como contumaz activista en diversas causas políticas.

Vanessa Redgrave es hija de los actores Michael Redgrave y Rachel Kempson. Sus dos hermanos menores Corin y Lynn, ya fallecidos, también se dedicaron a la actuación. Tras estudiar interpretación en la Central School of Speech and Drama de Londres así como en la Royal Shakespeary Company, debutó en el cine junto a su padre en Behind the mask (1958), aunque no volvió a la gran pantalla hasta ocho años después, dedicándose en este período con mayor profusión a la televisión y al teatro.
Vuelve con fuerza al cine en la comedia Morgan, un caso clínico (1966) de Karel Reisz, que le reporta el premio a la mejor actriz en Cannes y su primera candidatura al Oscar, el drama histórico Un hombre para la eternidad (1966) de Fred Zinnemann, donde interpreta a Ana Bolena, el thriller vanguardista Blow up (1966) de Michelangelo Antonioni y el musical artúrico Camelot (1967) de Joshua Logan, películas que la convierten en estrella internacional de la noche a la mañana. Casada con el cineasta inglés Tony Richardson desde 1962, con quien tuvo dos hijas, las futuras actrices Natasha (1963 / 2009) y Joely (1965), durante el rodaje de Camelot se enamora de su compañero de reparto, el actor italiano Franco Nero, romance fugaz del que nacería Carlo Gabriel Nero (1969), fututo guionista y director. A su vez, su marido Tony Richardson, tras dirigirla en el drama romántico El marinero de Gibraltar (1967), coprotagonizada por Ian Bannen y Jeanne Moreau, la deja por ésta última. Divorciados en 1967, Redgrave y Richardson vuelven a trabajar juntos en el costoso drama bélico histórico La última carga (1968) que fracasa en taquilla. Después protagoniza La gaviota (1968) de Sidney Lumet, según la obra de Antón Chejov, y el drama biográfico Isadora (1968) de Karel Reisz, donde da vida a la célebre bailarina Isadora Duncan, brillante interpretación por la que vuelve a conseguir el premio a la mejor actriz en Cannes y su segunda candidatura al Oscar. Redgrave termina la década interviniendo en el musical satírico ¡Oh, qué guerra tan bonita! (1969) de Richard Attenborough y en el fántastico italiano de terror Un lugar tranquilo en el campo (1969) de Elio Petri, coprotagonizado por Franco Nero.
Comienza la década siguiente protagonizando junto a Nero Al margen de la sociedad (1970), olvidado título de Tinto Brass, al que siguieron el drama histórico María, Reina de Escocia (1971) de Charles Jarrott, junto a Glenda Jackson como Isabel I de Inglaterra, papel que le supone una tercera nominación al Oscar, el controvertido drama histórico-religioso de horror Los demonios (1971) de Ken Russell, La vacanza (1971), donde vuelve a coincidir con Brass y Nero, y Las troyanas (1971) de Michael Cacoyannis, drama clásico adaptando la obra de Eurípides con un reparto que incluía a Katharine Hepburn, Geneviève Bujold e Irene Papas. Después de tres años sin aparecer en la gran pantalla, regresa con Asesinato en el Orient Express (1974) de Sidney Lumet, producción multiestelar basada en una novela de Agatha Christie. Otros trabajos fueron Elemental, doctor Freud (1976) de Herbert Ross, intrigante trama de aventuras que reúne a Sherlock Holmes con Sigmund Freud, Julia (1977) de Fred Zinnemann, adaptación de "Pentimento", libro autobiográfico de Lillian Hellman, que coprotagonizó junto a Jane Fonda y Jason Robards, por la que ganó el Oscar y el Globo de Oro como actriz secundaria, Agatha (1978) de Michael Apted, con Dustin Hoffman y Timothy Dalton, donde incorporaba a la famosa escritora inglesa, Yanquis (1979) de John Schlesinger, drama bélico con Richard Gere, y Operación Isla del Oso (1979) de Don Sharp, thriller de aventuras con Donald Sutherland y Richard Widmark. Desde 1971 hasta 1986 mantuvo una relación sentimental con el actor galés Timothy Dalton, su compañero de reparto en María, Reina de Escocia.
A comienzos de la década siguiente realiza una interpretación memorable como una prisionera en el campo de concentración nazi de Auschwitz en la producción televisiva Música para sobrevivir (1980). A partir de estos años compagina trabajos en cine y televisión, destacando en miniseries como Wagner (1983), telefilms como Orpheus descending (1990) o películas como Las bostonianas (1984) de James Ivory, a partir de la novela de Henry James, su quinta nominación al Oscar, Un pasado en sombras (1985) de David Hare, Los baños turcos (1985) de Joseph Losey, Ábrete de orejas (1987) de Stephen Frears, drama biográfico sobre el dramaturgo británico Joe Orton, con Gary Oldman y Alfred Molina, La balada del café triste (1991) de Simon Callow, Regreso a Howards End (1992) de James Ivory, drama de época basado en una novela de E. M. Forster por el que opta al Oscar por sexta vez, en esta ocasión como actriz secundaria, La casa de los espíritus (1993) de Bille August, Cuestión de sangre (1994) de James Gray, Un mes en el lago (1994) de John Irvin, Misión imposible (1996) de Brian De Palma, Mrs. Dalloway (1997) de Marleen Gorris, Wilde (1997) de Brian Gilbert, Deep impact (1998) de Mimi Leder, Lulu on the bridge (1998) de Paul Auster, Sin invitación (1999), thriller dirigido por su hijo Carlo Gabriel Nero, en el que también aparecía Franco Nero, Inocencia interrumpida (1999) de James Mangold, El juramento (2001) de Sean Penn, The fever (2004) de Carlo Gabriel Nero, La condesa rusa (2005) de James Ivory, Venus (2006) de Roger Michell, Expiación (2007) de Joe Wright, Cartas a Julieta (2010) de Gary Winick, Coriolanus (2011) de Ralph Fiennes o El mayordomo (2013) de Lee Daniels. Asímismo, con una importante carrera teatral a su espaldas, ganó un Tony por su representación en Broadway del drama Larga jornada del día hacia la noche (2003).
En 1967 fue nombrada Comandante de la Orden del Imperio Británico, aunque en 1999 rechazó el título de Dama. Después de una larga separación de Franco Nero, ambos contrajeron matrimonio el 31 de diciembre de 2006. Entre 2009 y 2010 perdió a su hija Natasha (casada con el actor Liam Neeson), fallecida a causa de un accidente mientras esquiaba en Canadá, y a sus hermanos Corin y Lynn.


Tribute to Christian Bale (Haverfordwest, Pembrokeshire, UK, 30-1-1974)

ACTOR METAMORFÓSICO

El actor inglés Christian Bale cumple hoy 41 años. Ganador de un Oscar (de dos candidaturas) y un Globo de Oro, popular como protagonista de tres títulos de la serie Batman, en sus casi treinta años en la profesión se ha convertido en uno de los mejores actores de su generación

Reseña biográfica a partir de la página El Criticón:

Christian Charles Philip Bale es hijo de David Bale, piloto de aviación, y de Jenny James, una bailarina circense. Su padre se casó en segundas nupcias con la feminista Gloria Steinem. Tiene tres hermanas mayores llamadas Sharon, Erin y Louise. El pequeño Christian debutó en el año 1984 en el teatro representando la obra "The nerd" junto a Rowan Atkinson, posteriormente famoso con el personaje cómico de Mr. Bean. En 1987, cuando contaba trece años de edad, saltó a la fama al interpretar la película El imperio del sol (1987), basada en una novela de J. G. Ballard con dirección de Steven Spielberg. Posteriormente intervino en Enrique V (1989), adaptación de William Shakespeare dirigida por Kenneth Branagh, La isla del tesoro (1990), de Fraser C. Heston adaptando a Robert Louis Stevenson, Rebeldes del swing (1993) de Thomas Carter, La verdadera historia de Hamlet, príncipe de Dinamarca (1994) de Gabriel Axel, o Mujercitas (1994), adaptación de Louisa May Alcott que dirigió Gilliam Armstrong.
El progreso de actor adolescente a adulto resultó satisfactorio ya que Bale ha impulsado su trayectoria cinematográfica con películas como Retrato de una dama (1996), film basado en una novela de Henry James dirigido por Jane Campion, Metroland (1997) de Philip Saville, Velvet goldmine (1998) de Todd Haynes, El sueño de una noche de verano (1999) de Michael Hoffman, Shaft (2000) de John Singleton, American psycho (2000), sátira y comedia negra de Mary Harron basada en una novela de Bret Easton Ellis en la que Bale interpretó el personaje de Patrick Bateman, un asesino en serie, o La mandolina del capitán Corelli (2001) de John Madden, con Nicolas Cage y Penélope Cruz.
Otros títulos importantes de su filmografía son El maquinista (2004) de Brad Anderson, thriller psicológico para el que perdió casi 30 Kg de peso, siendo muy elogiada su actuación, Batman begins (2005) de Christopher Nolan, con Christian como hombre murciélago, El nuevo mundo (2005) de Terrence Malick, El truco final: El prestigio (2006) de Christopher Nolan, coprotagonizado por Hugh Jackman, Scarlett Johansson y Michael Caine, o el western El tren de las 3:10 (2007) de James Mangold, donde compartió protagonismo con Russell Crowe. Volviería a encarnar con dirección de Christopher Nolan a Batman/Bruce Wayne en El caballero oscuro (2008) y en El caballero oscuro: La leyenda renace (2012), dos grandes éxitos de taquilla. 
Christian protagonizó Terminator salvation (2009), cuarta entrega de la saga Terminator que dirigió McG. En Enemigos públicos (2009) de Michael Mann, película de gángsters centrada en la figura real de John Dillinger, compartió protagonismo con Johnny Depp. Ganó un Oscar y un Globo de Oro como mejor actor secundario por la película de boxeo The fighter (2010) de David O. Russell. Después encabezó el reparto del drama bélico Las flores de la guerra (2011) de Zhang Yimou.
En La gran estafa americana (2013), comedia negra de David O. Russell interpretó a un estafador junto a Bradley Cooper, Amy Adams, Jeremy Renner y Jennifer Lawrence. Su interpretación, que requirió otra notable transformación física, le valió una segunda candidatura al Oscar, ahora como actor principal. Ultimament se convirtió en Moisés en la épica bíblica Exodus (2014) de Ridley Scott.
En enero del año 2000 Bale se casó con Sibi Blasic, modelo y asistente personal de la actriz Winona Ryder. Ambos residen en los Angeles y tienen dos hijos, Emmeline, una niña nacida en 2005 y Joseph, un niño en 2014. Le encantan los animales y la lectura. Además es un activo defensor de la naturaleza y el medio ambiente.


jueves, 29 de enero de 2015

Sacha Distel - La belle vie

SACHA DISTEL (París, Francia, 29-1-1933 / Rayol-Canadel-sur-Mer, Francia, 22-7-2004): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del cantante francés Sacha Distel, uno de los iconos de la música popular francesa en los años 60 y 70.
Hijo de un ruso blanco emigrado a París tras la revolución de 1917 y de una pianista francesa, fue bautizado como Alexandre Sacha Distel. Sobrino del músico y promotor de jazz Ray Ventura, se interesó progresivamente por ese tipo de música, formó parte de una banda de bebop y llegó a ser guitarrista profesional. A fines de los años 50 trabajó con Dizzy Gillespie y Tony Bennett y apareció en "The Ed Sullivan Show" después de establecerse como crooner francés.
Sus primeros exitos en solitario como cantante fueron Oui, oui, oui, oui (1959) y Scoubidou (1959), a los que siguieron otros títulos que grabó en diversas lenguas como inglés, alemán, italiano o español: Mon beau chapeau (1960), Adiós amigo (1962), La belle vie (1964), Scandale dans la famille (1965), L'incendie a Rio (1966), Monsieur Cannibale (1966), Les moustaches (1967), Raindrops keep fallin' on my head (1969), Le soleil de ma vie (1973, a dúo con Brigitte Bardot) o Je t'appelle pour te dire que je t'aime (1984). Actuó frecuentemente en televisiones europeas y tuvo su propios shows en la francesa.
Entre 1958 y 1959 tuvo un muy publicitado romance con Brigitte Bardot. Se casó con la esquiadora Francine Bréaud en 1963, con la que tuvo dos hijos, Laurent (1964) y Julien (1967), y junto a la que permaneció hasta su muerte.
En 1985, al volante de su coche, sufrió un accidente junto a la actriz televisiva Chantal Nobel. Distel resultó herido levemente en la cabeza, pero ella quedó discapacitada. El cantante fue condenado a un año de prisión por heridas causadas involuntariamente. En 2001, obtuvo en Londres el papel principal de la comedia musical Chicago.
Sacha Distel falleció de cáncer a los 71 años.



La belle vie es una canción compuesta por Sacha Distel con el título de "Marina" para la película Los siete pecados capitales (1962) de Roger Vadim. Con letra inglesa de Jack Reardon fue grabada como "The good life" por Tonny Bennett , que la convirtió en un hit en 1963. Distel la incluyó un año después (con letra francesa de Jean Broussolle) en uno de sus singles y el tema acabó por convertirse en su canción insignia. "The good life", fue grabada asímismo por Sarah Vaughan, Frank Sinatra, Nancy Wilson, Bobby Darin, Sammy Davis Jr. y otros muchos artistas famosos.

Ernst Lubitsch (Berlín, Imperio alemán, 29-1-1892 / Hollywood, Los Angeles, California, 30-11-1947): In memoriam

GRAN MAESTRO DE LA COMEDIA SOFISTICADA

Hoy es aniversario natal del genial cineasta alemán Ernst Lubitsch. A pesar de su repentino fallecimiento a los 55 años, tuvo una prolífica y brillante carrera desde sus inicios en el cine silente de su país hasta su consolidación en el sonoro en Hollywood. Refinado, hedonista y cosmopolita, en sus películas alemanas recalcó sus raíces judías y en las americanas, sus raices europeas. Alcanzó enorme prestigio como elegante director de inteligentes y sofisticadas comedias, en las que se distinguió por su mirada sutil, delicada y benigna hacia las aspiraciones y conflictos de sus personajes y, sobre todo, por 'el toque Lubitsch', consistente en la sabia y recurrente utilización de inesperadas alusiones, sugerencias o elipsis (generalmente de velado carácter sexual) en las que desempeña un papel fundamental el inconsciente humano, los deseos ocultos, la mirada cautiva, propiciando así que la imaginación del espectador cubra los huecos de la narración y los tránsitos de una acción a otra. Después de tres candidaturas sin premio al Oscar, la Academia reconoció su trayectoria con uno honorífico meses antes de su muerte. Maestro de la estilización, en su filmografía hay un buen número de clásicos de la historia del cine. Su discípulo, el guionista y director austríaco Billy Wilder tenía un rótulo en su despacho de trabajo donde se podía leer "¿Cómo lo haría Lubitsch?".

Semblanza biográfica procedente (con retoques) de la página decine21:

Un toque de maestro
 
Nadie ha logrado la mitad de elegancia que él a la hora de lanzar torpedos en la línea de flotación de los diversos regímenes políticos que conoció. A la hora de usar la ironía fina y con gracia, Ernst Lubitsch es el maestro de los otros maestros, como Billy Wilder, que empezó su carrera con él. Aprovechó su celebérrimo “toque” para componer una serie de películas que permanecen inalterables con el paso del tiempo, y que se pueden ver una y otra vez sin cansar.
Nacido en la capital alemana, Ernst Lubitsch era hijo de un sastre judío de procedencia rusa. Desde muy joven fue un apasionado del cabaret, y de todo lo relacionado con la interpretación, hasta tal punto que a los 16 años decide dejar los estudios y probar fortuna como actor en diversos locales nocturnos de music hall. A su padre no le hizo mucha gracia, pero se lo permitió a cambio de que también se ocupase de la contabilidad en la sastrería familiar.
En 1911, Ernst Lubitsch se une a la compañía teatral del ilustre Max Reinhardt, figura fundamental del teatro alemán. Llegó a ser protagonista de alguna de sus obras, al tiempo que, para sacarse un dinero extra, entra en el mundo del cine, primero como chico para todo, en los estudios Bioscope. Pasa a interpretar alguna película, y aparece en una serie de comedias interpretando a un personaje que viste a la manera tradicional judía. Desde 1914, decide escribir y dirigir sus propios filmes.
Su primer éxito fue el mediometraje de terror Los ojos de la momia (1918), con Pola Negri, que se convertiría de su mano en una gran estrella. A continuación vuelve a dirigirla en el largometraje Carmen (1918), que obtiene repercusión internacional. Cuando el gobierno y la banca alemana apoyan a la compañía UFA para producir grandes superproducciones que puedan competir con las películas de Hollywood, Lubitsch se convierte en el director más destacado de la compañía, sobre todo a raíz del éxito de Madame DuBarry (1919), muy crítica con Francia, pues muestra la violencia de la “idealizada” Revolución Francesa. Y es que UFA tenía como principal objetivo que sus películas atacaran a los enemigos de Alemania, por lo que Lubitsch dirige también Ana Bolena (1920), que recrea el oscuro episodio de la historia de Inglaterra.
Tras otros importantes títulos como El gato montés (1921) con Pola Negri y La mujer del Faraón (1922) con Emil Jannings, fue la celebérrima actriz Mary Pickford quien se llevó a Lubitsch a Estados Unidos, para que dirigiera Rosita, la cantante callejera (1923), un film que ella iba a protagonizar y producir. Aunque la cinta tuvo mucho éxito, su falta de entendimiento con Pickford impidió nuevas colaboraciones y una compañía modesta, que por aquel entonces iniciaba poco a poco su andadura, Warner, le ofreció un contrato.
Pronto se ve que Lubitsch destaca especialmente en el terreno de la comedia, así en Los peligros del flirt (1924), con Adolphe Menjou o La frivolidad de una dama (1924), de nuevo con Menjou y con Pola Negri. Ya en los años 20 se hizo célebre el término “toque Lubitsch” para referirse a un estilo de rodar basado en sugerir más que en mostrar, como ocurría con las célebres puertas entreabiertas en El abanico de Lady Windermere (1925) o el juego de equívocos en La locura del charlestón (1926). Pero el cine del realizador también se distingue por su enorme capacidad para tratar temas dramáticos bajo una apariencia de comedia desenfadada. Asímismo sobresalen la comedia romántica El príncipe estudiante (1927), con Ramon Novarro y Norma Shearer, y el drama histórico El patriota (1928), con Emil Jannings.
Fue con la llegada del sonoro cuando Lubitsch empezó a deslumbrar de verdad, por su brillante utilización de los diálogos, en títulos como El desfile del amor (1929), con Maurice Chevalier y Jeanette MacDonald. Destaca también en el terreno del musical con tres episodios dirigidos en Galas de la Paramount (1930) y Montecarlo (1930), con Jack Buchanan y Jeanette MacDonald. Tras El teniente seductor (1931), otro gran éxito con Chevalier, fracasa espectacularmente en taquilla, aun con críticas respetuosas, con el drama Remordimiento (1932), por lo que decide centrarse en comedias como las especialmente memorables Un ladrón en la alcoba (1932), con Miriam Hopkins, Kay Francis y Herbert Marshall, y Una mujer para dos (1933), con Fredric March, Gary Cooper y Miriam Hopkins, y las operetas musicales Una hora contigo (1932) y La viuda alegre (1934), ambas una vez más con Chevalier y MacDonald.
Entre 1922 y 1930 estuvo casado con Helene Kraus. En 1935 contrae matrimonio con la actriz británica Vivian Gaye (con la que tendrá una hija en 1938). Tras la llegada de los nazis al poder, Lubitsch acabará nacionalizándose estadounidense en 1936. Desde el año anterior fue nombrado supervisor de Paramount, cargo que aprovechó para dar trabajo a algunos compañeros que tuvieron que huir de Alemania. Enseguida deja el cargo y entra en su etapa de plenitud creativa, con sus películas más redondas, como Ángel (1937), con Marlene Dietrich como una mujer que tiene una aventura extraconyugal en París, La octava mujer de Barba Azul (1938), redondísima comedia con Claudette Colbert y Gary Cooper, que tenía como coguionista a Billy Wilder, al igual que Ninotchka (1939), ingeniosa comedia protagonizada por Greta Garbo y Melvyn Douglas, en la que los sólidos ideales de una joven comunista llegan a derrumbarse, simplemente tras su fascinación por un curioso sombrero.
En los años 40, Lubitsch acumula títulos memorables como El bazar de las sorpresas (1940), con Margaret Sullavan y James Stewart, Lo que piensan las mujeres (1941), con Merle Oberon, Melvyn Douglas y Burgess Meredith o El diablo dijo no (1943), con Gene Tierney, Don Ameche y James Coburn. Aunque su gran especialidad siguen siendo las críticas políticas, a través de ingeniosas sátiras. Le dan juego especialmente los totalitarismos: tal y como ocurrió con el comunismo en Ninotchka, así con el nacionalsocialismo en Ser o no ser (1942), protagonizada por Carole Lombard y Jack Benny, donde el teatro traspasa su espacio para integrarse plenamente en la vida, confusión que configura buena parte de la obra del director alemán, en la que siempre se intenta restar importancia a las acciones más comprometidas y dramatismo a las visiones más duras de los acontecimientos que se plasman. También le sacó mucha punta a las costumbres tradicionales británicas en El pecado de Cluny Brown (1946), con Charles Boyer y Jennifer Jones. Esta fue la última película que terminó, pues Lubitsch murió prematuramente, a consecuencia de un paro cardiaco, tras ocho días del rodaje de La dama de armiño (1948), que terminaría Otto Preminger. Éste había acabado tres años atrás La zarina (1945), otra obra inconclusa de Lubitsch.
“Nos hemos quedado sin Lubitsch”, le dijo Billy Wilder a William Wyler en su funeral. “Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch”, replicó éste. Por desgracia, tenía razón y ya no se hacen películas como las suyas.

miércoles, 28 de enero de 2015

That's entertainment - Classic film montage

THE WORLD IS A STAGE, THE STAGE IS A WORLD OF ENTERTAINMENT!

Aunque éste no es un video de M-G-M e incluye pequeños fragmentos de títulos memorables de otras compañías, merece verse por coincidir con el famoso lema del estudio de león, pues nos permite ver "más estrellas que en el firmamento", todo ello acompasado al son del himno por excelencia del showbiz en la voz de la gran luminaria del género musical, Judy Garland: "That's entertainment!".
Sirva asímismo para conmemorar el primer aniversario de este blog y como su entrada nº 1.500. He aquí mi brindis de celebración con todos los seguidores del Museo LoPiù! Gracias por vuestra atención.
Salud, Salut, Osasuna, Saúde, Santé, Salute, Cheers, Prost, Skål, Noroc, Na zdorovje, Lechaym, Ganbei, Kampai .............. etc !!!!!!!!!!!!!!


That's entertainment (lyrics)
(Dietz, Howard/Schwartz, Arthur)

The clown with his pants falling down
Or the dance that's a dream of romance
Or the scene where the villain is mean.
That's entertainment!
The lights on the lady in tights
Or the bride with the guy on her side
Or the ball where she gives it her all.
That's entertainment!
The plot can be hot, simply teeming with sex
A gay divorcee who is after her ex
It can be Oedipus Rex
Where a chap kills his father and causes a lot of bother.
The clerk who is thrown out of work
By the boss who is thrown for a loss
By the skirt who is doing him dirt
The world is a stage, the stage is a world of entertainment!
...........................................................................................................
It might be a fight like you see on the screen
A swain getting slain for the love of a queen
Some great Shakespearean scene
Where a ghost and a prince meet, and everyone ends in mincemeat.
The guy maybe waving the flag
That began with the mystical hand
Hip hooray! The American way
The world is a stage; the stage is a world of entertainment!

martes, 27 de enero de 2015

Ingrid Thulin (Sollefteå, Suecia, 27-1-1926 / Estocolmo, Suecia, 7-1-2004): In memoriam

FUERZA E INTENSIDAD NÓRDICA

Hoy es aniversario natal de la actriz sueca Ingrid Thulin, una de las más asiduas en la filmografía del cineasta Ingmar Bergman, que la dirigió en nueve películas. Rubia, de mirada fría y misteriosa, personificaba la belleza nórdica. Tras Greta Garbo e Ingrid Bergman, ella fue la estrella sueca más internacional. Se la recuerda como una intérprete que supo dotar a sus personajes de una gran fuerza e intensidad dramática.
Ingrid Thulin será recordada como una actriz que supo dotar a todos sus papeles de una fuerza magistral - See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/6/ingrid-thulin/biografia#sthash.QV458mLn.dpuf
Ingrid Thulin será recordada como una actriz que supo dotar a todos sus papeles de una fuerza magistral - See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/6/ingrid-thulin/biografia#sthash.QV458mLn.dpuf
Ingrid Thulin será recordada como una actriz que supo dotar a todos sus papeles de una fuerza magistral - See more at: http://catalogo.artium.org/dossieres/6/ingrid-thulin/biografia#sthash.QV458mLn.dpuf
A los 19 años, abandonó su ciudad natal para tomar cursos de danza y teatro en Estocolmo, donde debuta en los escenarios con "Ardèle o la Margarita" (1949) de Jean Anouilh, y luego en el cine en El hijo del mar (1949) de Rolf Husberg. Años después, con el nombre de Ingrid Tulean, llegó a aparecer en una película de Hollywood, Intriga extranjera (1956) de Sheldon Reynolds, con Robert Mitchum.
Cuando Bergman la descubre en el teatro municipal de Malmö, donde actúa en la obra "La guerra de Troya no tendrá lugar" de Giraudoux, su vida cambia por completo. El gran director sueco la incluye de inmediato en el reparto de Fresas salvajes (1957), junto a Victor Sjöström, Bibi Andersson y Gunnar Björnstrand, lanzando una carrera cinematográfica que había comenzado con papeles secundarios en una quincena de películas. Al año siguiente rueda con Bergman En el umbral de la vida (1958), película por la cual comparte el premio de interpretación femenina en Cannes con Eva Dahlbeck, Bibi Andersson y Barbro Hiort af Ornäs. Siempre con Bergman, Ingrid Thulin interpretará a la compañera de un charlatán (Max von Sydow) en El rostro (1958), a una maestra atea enamorada de un pastor que duda de Dios en Los comulgantes (1962), con Gunnar Björnstrand, Max von Sydow y Gunnel Lindblom, a una alcohólica que se libra a los placeres solitarios en El silencio (1963), con Gunnel Lindblom, a la examante que obsesiona al protagonista de La hora del lobo (1968), con Max von Sydow y Liv Ullmann, a una actriz en El rito (1969), con Anders Ek, Gunnar Björnstrand y Erik Hell, a una de las tres hermanas de Gritos y susurros (1972), con Harriet Andersson, Liv Ullmann y Kari Sylwan, todas ellas premiadas con un David di Donatello compartido, y a una mujer neurótica y alcohólica en Tras el ensayo (1984), con Erland Josephson y Lena Olin. 
La actriz también tuvo papeles importantes en otras producciones suecas: El juez (1960) de Alf Sjöberg, Juegos de noche (1966) de Mai Zetterling, Un puñado de amor (1974) de Vilgot Sjöman, e internacionales a partir de los años 60, por ejemplo en Los cuatro jinetes del apocalipsis (1962) de Vincente Minelli, con Glenn Ford y Charles Boyer, Agostino (1962) de Mauro Bolognini, Una llamada a las doce (1965) de J. Lee Thompson, con Maximilian Schell y Samantha Eggar, La guerra ha terminado (1966) de Alain Resnais, con Yves Montand, La caída de los dioses (1969) de Luchino Viscont, con Dirk Bogarde y Helmut Berger, o El puente de Cassandra (1976) de George Pan Cosmatos, con un reparto que incluía a Richard Harris, Sophia Loren, Burt Lancaster y Ava Gardner. Ingrid Thulin estuvo casada entre 1952 y 1955 con el actor sueco Claes Sylwander y luego durante más de treinta años (1956-1989) con Harry Schein, el cofundador del Instituto de Cine Sueco. Tras haberse instalado en Italia con Schein a mediados de los 60, permaneció en ese país tras su divorcio. Precisamente fue en Italia donde actuó por última vez en un film, La casa de la sonrisa (1990) de Marco Ferreri. En 1992 publicó sus memorias. Enferma de cáncer, Ingrid Thulin regresó a Suecia para ser tratada en su país natal, eligiendo finalmente morir cerca de sus familiares y amigos. Contaba 77 años.