Museo LoPiù

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viernes, 31 de octubre de 2014

Alaska y Dinarama - Mi novio es un zombi

MI VIDA YA TIENE SENTIDO...

En la etapa más gloriosa de Alaska y Dinarama, "Fan fatal", éste fue el primer single. Ahí estaban el gran Luis Miguélez y el supersexy Juan Tormento como el novio-zombie (él mismo me lo confesó).

Alaska y Dinarama - Vampirella

EN EL INFIERNO SE HABLA DE TI...

Una de las canciones estrella del último álbum de Alaska y Dinarama en 1989, muy ad hoc para esta fechas con tanta mordiente.

Vintage Halloween

Pirate flag

Theda Bara

 Werner Kraus & Conrad Veidt (Das Kabinett der Dr. Caligari, 1920)

Max Schreck (Nosferatu, 1922)

Conrad Veidt (Orlacs hände, 1924)

Lon Chaney (The Phantom of the Opera, 1925)

Conrad Veidt (Laughing man, 1928)

Bela Lugosi (Dracula, 1931)

Freaks, 1932

Boris Karloff (The Mummy, 1932)

Claude Rains (The invisible man, 1933)

Boris Karloff (The bride of Frankenstein, 1935)

Elsa Lanchester (The bride of Frankenstein, 1935)

Margaret Hamilton (The Wizard of Oz, 1939)

Lon Chaney (The wolf man, 1941)

Simone Simon (Cat people, 1942)

 I walked with a zombie, 1943

Vincent Price (House of wax, 1953)

Creature from the Black Lagoon, 1954

Vampira

Anthony Perkins (Psycho, 1960)

Village of the damned, 1960

Alfred Hitchcock

The Munsters

Elizabeth Montgomery, Agnes Moorehead & Dick York (Bewitched)

Katyna Ranieri - Amarcord

AMARCORD, CON QUANTA SIMPATIA M'INSEGNÒ A FAR L'AMOR

La cantante italiana Katyna Ranieri publicó en 1987 "Chansons pour Fellini", un extraordinario álbum homenaje al genial director, en el que daba un repaso vocal a los más famosos temas compuestos por otro genio, Nino Rota, para los films del cineasta de Rimini.

Federico Fellini (Rimini, Italia, 20-1-1920 / Roma, 31-10-1993): In memoriam

EL CREADOR VISIONARIO

Hace hoy 21 años falleció el director y guionista italiano Federico Fellini, famoso por su estilo distintivo que combina barrocas imágenes de fantasía con humanismo terrenal. En algo más de una veintena de títulos dejó constancia de su talento creador para formular visualmente un mundo absolutamente personal, lo que le llevó a ser considerado uno de los mayores y más influyentes cineastas del siglo XX. Cuatro películas suyas (La strada, Las noches de Cabiria, Fellini: Ocho y medio y Amarcord) ganaron el Oscar a la mejor película en lengua extranjera y él fue premiado con uno honorífico en 1993, el mismo año de su muerte a los 73 años.

Informe biográfico a partir de la página Videomaniáticos:

Es un director humanista intensamente autobiográfico. Desde niño lo fascinaron los circos y los actores de vaudeville característicos de su ciudad de nacimiento. Su educación en colegios católicos también influyó en su obra, ya que si bien era muy crítico de la iglesia, sus primeros trabajos están embebidos de una profunda dimensión espiritual. Comenzó trabajando en periodismo y dibujando caricaturas. Luego se dedicó a escribir gags para el actor Aldo Fabrizi. En 1943 conoció y se casó con la actriz Giulietta Masina, que apareció en varias de sus películas y fue una de las mayores influencias de su trabajo. En 1945 tuvo una importante contribución al cine, cuando fue invitado a colaborar en el guión de Roma, ciudad abierta (1945), la simiente del neorrealismo italiano de Roberto Rossellini. L'amore (1948) con la actuación de Anna Magnani y Fellini, dirigida por Rossellini, está basada en una historia original suya. Debutó como director, colaborando con Alberto Lattuada en Luces de variedades (1950) y continuó ya en solitario con El jeque blanco (1951), parodia del mundo de las fotonovelas, que aunque fracasó en su estreno, marcó el inicio de una larga y fecunda colaboración entre Fellini y el músico Nino Rota, sólo interrumpida por la muerte de Rota en 1979, y Los inútiles (1953), sobre un grupo de jóvenes atrapados en la mediocridad provinciana, León de Plata en Venecia y su primer éxito dentro y fuera de Italia. Aunque las películas iniciales de Fellini están claramente dentro de la tradición neorrealista, se distinguen por su simpatía hacia los personajes excéntricos y por su humor absurdo.
Su amplio reconocimiento internacional se produjo con La strada (1954), pintoresco drama con una luminosa actuación de Giulietta Masina junto a Anthony Quinn. Como incluyó algunas escenas surrealistas, fue acusado de violar los preceptos del neorrealismo. Su impacto es aumentado por la música inolvidable de Nino Rota.  Después de Almas sin conciencia (1955), fábula moral sobre unos estafadores y Las noches de Cabiria (1957), que cuenta las desventuras de una prostituta bondadosa e ingenua, víctima propicia de sucesivos vividores que se aprovechan de ella, un personaje en el que vuelve a brillar Giulietta Masina, dirigió sus dos obras maestras más influyentes: La dolce vita (1960), una iconoclasta visión de la sociedad italiana contemporánea, con Marcello Mastroianni y Anita Ekberg, cinta que ganó la Palma de Oro en Cannes y causó escándalo en su día, siendo condenada por la Iglesia Católica por su retrato de los temas sexuales y del suicidio, y por el gobierno italiano, no obstante llegar a convertirse en un gran éxito internacional y Fellini: Ocho y medio (1963), sobre un aclamado director que no sabe qué película hacer a continuación (su propia situación en ese momento), en la que desarrolla variaciones sobre sus angustias y dudas creativas. Entre ambas rodó un sketch del film de episodios Boccaccio '70 (1962). Su siguiente película fue Giulietta de los espíritus (1965), la primera que realizara en color, nuevamente con Masina, inventario de sueños y pesadillas donde abunda en su creciente estética barroca en un film muy feminista para la época. Con Toby Dammit, el episodio que dirigió para el film colectivo Historias extraordinarias (1968), fue autor del mejor segmentto del mismo. Satiricón (1969), basada en la obra de Petronio, es uno de sus trabajos más fantasmagóricos, siguiendo las aventuras de los personajes bisexuales del mundo pre-cristiano. Él mismo lo ha descrito como ciencia ficción en el pasado. Toda la película se mueve con la lógica de un sueño, fragmentaria y abandonando totalmente la narrativa convencional. También es inusualmente sensual, con una constante tensión entre el placer superficial y los elementos perturbadores subyacentes, que incluyen desnudez, sexo, enanos, un temblor de tierra, hermafroditas, una decapitación, una orgía, suicidios, criaturas mitológicas y violencia. En la década de los 60, Fellini fue nominado tres veces al Oscar al mejor director por las películas La dolce vita, Fellini: Ocho y medio y Satiricón.
Sus trabajos posteriores fueron películas más modestas en general, todas con llamativa imaginación, como Los clowns (1971), rodada para televisión pero exhibida en cines, Roma (1972), retrato multiforme de la capital italiana entre el lirismo y la sátira, Amarcord (1973), evocación de su adolescencia en Rimini a base de nostalgia, ironía, extravagancia, poesía y tono de farsa, Casanova (1976), personal y delirante recreación de las estrafalarias andanzas eróticas del célebre amante italiano, Ensayo de orquesta (1978), tomando a la orquesta como una metáfora de la política italiana, La ciudad de las mujeres (1980), relato de un hombre soñador en un mundo poblado de mujeres de toda condición, Y la nave va (1983), donde capta la decadencia y superficialidad de la alta sociedad del fin de la Belle Epoque durante un lujoso viaje marítimo, Ginger y Fred (1986), sarcástica mirada al cada vez más bizarro mundo de la televisión, Entrevista (1987), recapitulación sobre su carrera cinematográfica y La voz de la luna (1990), su lúgubre y desolada despedida del cine. En la última etapa de su carrera, Federico Fellini pecó de exceso de grandilocuencia, lo que le supuso no pocas dificultades a la hora de encontrar productores que se hicieran cargo de sus proyectos y una acusada tendencia a la baja en la apreciación de su cine por el público. En la ceremonia de entrega de los Premios Oscar de marzo de 1993 le fue entregado un premio especial por sus aportes y logros como realizador, que dedicó a Masina en su discurso de aceptación. En agosto de ese año tuvo un infarto y luego quedó postrado en coma hasta su muerte el 31 de octubre. Cinco meses después fallecía Masina afectada de cáncer.

Federico Fellini

"I vitelloni" (1953)

 "La strada" (1954)

"Le notti di Cabiria" (1957)

 "La dolce vita" (1960)

"Otto e mezzo" (1963)

"Satyricon" (1969)

"Roma" (1972)

"Amarcord" (1973)

"Casanova" (1976)

"E la nave va" (1983)

"Ginger e Fred" (1986)

jueves, 30 de octubre de 2014

Agustín Lara - Piensa en mí

TRIBUTO AL "FLACO DE ORO"

Agustín Lara, el Músico Poeta, nació tal día como hoy en el año 1897. En su memoria, he aquí un famoso tema del universal autor mexicano interpretado por él mismo. Banda sonora extraída de un viejo disco de pasta del año 1943; fue editada y ecualizada para mejorar su calidad sonora.

Pío Baroja (San Sebastián, España, 28-12-1872 / Madrid, 30-10-1956): In memoriam

EL PESIMISTA ERRANTE

Pío Baroja y Nessi, escritor vasco de la llamada Generación del 98, falleció un día como hoy en 1956 a los 83 años. Autor de más de cien novelas, fue un hombre solitario, desencantado, independiente, sincero, crítico casi nihilista, no adscrito a ninguna tendencia política y agnóstico.

Perfil biográfico procedente de la página El poder de la palabra:

Novelista español, considerado por la crítica el novelista español más importante del siglo XX. Nació en San Sebastián (País Vasco) y estudió Medicina en Madrid, ciudad en la que vivió la mayor parte de su vida. Su primera novela fue Vidas sombrías (1900), a la que siguió el mismo año La casa de Aizgorri. Esta novela forma parte de la primera de las trilogías de Baroja, Tierra vasca, que también incluye El mayorazgo de Labraz (1903), una de sus novelas más admiradas, y Zalacaín el aventurero (1909). Con Aventuras y mixtificaciones de Silvestre Paradox (1901), inició la trilogía La vida fantástica, expresión de su individualismo anarquista y su filosofía pesimista, integrada además por Camino de perfección (1902) y Paradox Rey (1906). La obra por la que se hizo más conocido fuera de España es la trilogía La lucha por la vida, una conmovedora descripción de los bajos fondos de Madrid, que forman La busca (1904), La mala hierba (1904) y Aurora roja (1905). Realizó viajes por España, Italia, Francia, Inglaterra, los Países Bajos y Suiza, y en 1911 publicó El árbol de la ciencia, posiblemente su novela más perfecta. Entre 1913 y 1935 aparecieron los 22 volúmenes de una novela histórica, Memorias de un hombre de acción, basada en el conspirador Eugenio de Aviraneta, uno de los antepasados del autor que vivió en el País Vasco en la época de las Guerras carlistas. Ingresó en la Real Academia Española en 1935, y pasó la Guerra Civil española en Francia, de donde regresó en 1940. A su regreso, se instaló en Madrid, donde llevó una vida alejada de cualquier actividad pública, hasta su muerte. Entre 1944 y 1948 aparecieron sus Memorias, subtituladas Desde la última vuelta del camino, de máximo interés para el estudio de su vida y su obra. Baroja publicó en total más de cien libros. Usando elementos de la tradición de la novela picaresca, Baroja eligió como protagonistas a marginados de la sociedad. Sus novelas están llenas de incidentes y personajes muy bien trazados, y destacan por la fluidez de sus diálogos y las descripciones impresionistas. Maestro del retrato realista, en especial cuando se centra en su País Vasco natal, tiene un estilo abrupto, vívido e impersonal, aunque se ha señalado que la aparente limitación de registros es una consecuencia de su deseo de exactitud y sobriedad. Ha influido mucho en los escritores españoles posteriores a él, como Camilo José Cela o Juan Benet, y en muchos extranjeros entre los que destaca Ernest Hemingway.


Parálisis Permanente - Nacidos para dominar

EDUARDO BENAVENTE, ICONO DE LA MOVIDA MADRILEÑA

De no haber muerto tragicamente en 1983, Eduardo Benavente habría cumplido hoy 52 años.


Una de las últimas actuaciones televisivas del grupo Parálisis Permanente con "Nacidos para dominar", cara A de su último single, editado el mismo año de la muerte de Eduardo Benavente.

miércoles, 29 de octubre de 2014

Frida Boccara - Cent mille chansons

FRIDA BOCCARA (Casablanca, Protectorat français du Maroc, 29-10-1940 / Paris, 1-8-1996): IN MEMORIAM

Aniversario natal de la cantante francesa Frida Boccara, ganadora del Festival de Eurovisión en 1969 representando a la ORTF con la canción Un jour, un enfant, premio que compartió ex-aequo con los temas presentados por las televisiones de Reino Unido, Países Bajos y España, al arrojar finalmente un cuádruple empate las votaciones de los jurados.
Su familia, originaria de Livorno, una población italiana de la Toscana, se instaló en Túnez y después en Marruecos, viniendo al mundo ella en la ciudad de Casablanca. Creció en un ambiente familiar inmerso en la cultura musical y la pequeña Frida no tardó en manifestar sus aptitudes para la música y el canto. Presenciar de adolescente una actuación del grupo The Platters la entusiasmó y, a instancias de Buck Ram, mánager de la formación, decidió estudiar música y trasladarse junto a sus hermanos a París, donde se estableció, inscribiéndose en el Auditorio de jóvenes artistas y después en un Conservatorio, además de obtener una licenciatura en Filología clásica.
Comenzó su carrera participando en el Festival de la Rose d'Or de Antibes en 1960, donde repetiría en 1964 con Autrefois y en 1965 con Aujourd'hui. Tuvo su primer éxito discográfico en 1961 con la canción Cherbourg avait raison, que se mantuvo 24 semanas en la Maratón de la canción francesa en competición con grandes estrellas del momento como Charles Aznavour o Gilbert Bécaud. En 1963 participó en el Festival de la Canción Mediterránea, celebrado en Barcelona, representando a Israel con Mediterranean skies y a Francia con Qu'en as-tu fais, clasificándose respectivamente sus temas en cuarta y sexta posición. En 1964 volvió a estar en la final de ese concurso con las canciones Tout ce que tu sais por Francia y Et tu n'etais plus là por Mónaco y aun regresaría una tercera vez en 1967 representando a Francia con Le ciel et l'oiseau sin pasar de la semifinal. Tampoco consiguió alcanzar la finalissima de Sanremo 1964, a pesar de ser muy ovacionada su interpretación de L'ultimo tram, que cantó a doble versión junto a Milva. En cambio, fue ganadora del I Festival de Mallorca en 1964 junto a Luis Recatero con la canción Quand Palma chantait. En esos años también grabó magníficas versiones de exitos internacionales como Johnny Guitar (1963), La casa del sol naciente (1965) o Venecia sin tí (1965)
Curtida en muchos otros festivales internacionales como Sopot (Polonia) o Split (Yugoslavia) y tras el sobresaliente éxito de Cent mille chansons en 1968, es designada para representar a Francia en el Eurofestival de 1969 celebrado en Madrid, que venció junto a Lulu, Lenny Kuhr y Salomé. Ese mismo año recibe el Gran Premio del Disco de la Academia Charles Cros. Un jour, un enfant no deja de sonar en las emisoras de radio francesas, su triunfo engrandece su carrera internacional y le abre aún más fronteras, merced a lo cual Frida es aplaudida en Sudamérica, Rusia o Paises Bajos y se prodiga en los mejores teatros del mundo, de la Opera de Sydney a la Place des Arts en Montréal. Grabó discos en francés, inglés, italiano, español, alemán y ruso. Con Pour vivre ensamble (1971) incide de nuevo en listas de éxitos internacionales y recoge dos discos de oro y uno de platino. En 1980 es nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras francesas.
A consecuencia de un infección pulmonar muere en París en 1996 a los 55 años, siendo destacada su memoria por el Ministro de Cultura francés. Entre otras artistas que han grabado éxitos de Frida Boccara están Céline Dion, Agnetha Faltskog (del grupo Abba), Anne-Marie David y Lenny Kuhr.



En 1968 Frida Boccara grabó uno de sus temás más exitosos, Cent mille chansons, escrito por Michel Magne y Eddy Marnay para la película "Le repos du guerrier" (1962) de Roger Vadim basándose en el aria nº 65 de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach. En el video se puede apreciar su interpretación en una Gala de Unicef celebrada en 1971 en La Haya.

Cent mille chansons  (paroles)

Il y aura cent mille chansons
Quand viendra le temps des cent mille saisons
Cent mille amoureux

Pareils à nous deux
Dans le lit tout bleu de la terre
Cent mille chansons rien qu'à nous
Cent mille horizons devant nous
Partagés de bonheur
Tout étalé de nos coeurs
Et des châteaux insensés
Et des bateaux étoilés
Et des étoiles oubliées
Et tes yeux et mes yeux
Dans un océan d'amour

Il y aura cent mille chansons
Quand viendra le temps des cent mille saisons
Cent mille maisons
Gravées à ton nom
Parmi les moissons de la terre
Cent mille chansons rien qu'à nous
Cent mille horizons devant nous
Partagés de bonheur
Tout étalé de nos coeurs
Et des pays reconnus
Et des forêts éperdues
Et des chagrins défendus
Et tes yeux et mes yeux
Dans un océan d'amour

 

martes, 28 de octubre de 2014

Tribute to Julia Roberts (Smyrna, Georgia, US, 28-10-1967)

EX NOVIA DE AMÉRICA

La actriz estadounidense Julia Roberts cumple hoy 47 años. Estrella de enorme popularidad desde su lanzamiento en Pretty woman (1990), los resultados en taquilla de la mayoría de sus películas la convirtieron diez años después en la mujer mejor pagada de Hollywood. Ha ganado un Oscar, tres Globos de Oro y un BAFTA entre otros premios.

Reseña biográfica a partir de la página El Criticón:

Julie Fiona Roberts es la hija menor de Walter Roberts, actor y vendedor de aspiradoras, y Betty Lou, trabajadora de una agencia inmobiliaria y actriz. Tiene dos hermanos mayores, Eric (nacido en 1956) y Lisa (nacida en 1965), quienes también se dedican a la interpretación. Sus padres se divorciaron en el año 1971, yendo a convivir Lisa y Julia con su madre y Eric con su padre, que falleció en 1977. La pequeña Julia creció en Smyrna con su madre, su hermana y Michael Motes, convertido en su padrastro tras contraer matrimonio con Betty Lou. En 1976 ambos tuvieron una hija llamada Nancy.
El deseo de Julia en su infancia era convertirse en veterinaria. Estudió su instrucción primaria en la Fitzhugh Elementary School de Smyrna. Posteriormente acudió al Griffin Middle School y al Campbell High School. En el año 1985, y con la intención de emular la carrera en Hollywood de su hermano Eric, abandonó su deseo de estudiar veterinaria y se trasladó con Lisa a Nueva York para acudir a clases de interpretación, ciudad en la que también trabajó como modelo.
Después de aparecer en episodios de series televisivas como “Corrupción en Miami”, Julia debutó en el cine sin acreditar en la comedia Firehouse (1987). Un año después se reveló como actriz en Mystic pizza (1988), una comedia romántica dirigida por Donald Petrie, y confirmó su talento como actriz con Magnolias de acero (1989), film de Herbert Ross por el que logró el Globo de Oro y una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria. La carrera de la actriz de Georgia alcanzó su cenit con Pretty woman (1990), comedia romántica con reminiscencias del cuento de la Cenicienta dirigida por Garry Marshall y co-protagonizada por Richard Gere que le valió el ascenso definitivo al estrellato en Hollywood. Por su interpretación recibió otro Globo de Oro, ahora en la categoría de mejor actriz principal y también volvió a ser nominada al Oscar en dicho apartado.
La década de los 90 confirmó el estatus estelar de Julia Roberts, convirtiéndose en la nueva novia de América. Entre sus películas más conocidas del período se encuentran Línea mortal (1990) de Joel Schumacher, Durmiendo con su enemigo (1991) de Joseph Ruben, Elegir un amor (1991) de Joel Schumacher, Hook (1991) de Steven Spielberg, El informe Pelícano (1993) de Alan J. Pakula, Prêt-à-porter (1994) de Robert Altman, Algo de que hablar (1995) de Lasse Hallström, Mary Reilly (1996) de Stephen Frears, Michael Collins (1996) de Neil Jordan, Todos dicen I love you (1996) de Woody Allen, La boda de mi mejor amigo (1997) de P. J. Hogan, Conspiración (1997) de Richard Donner, Quédate a mi lado (1998) de Chris Columbus, Notting Hill (1999), una comedia romántica dirigida por Roger Michell y co-protagonizada por el británico Hugh Grant, y Novia a la fuga (1999), donde volvió a compartir cartel con Richard Gere bajo dirección de Garry Marshall.
El cambio de década se inició con el rodaje de Erin Brockovich (2000) de Steven Soderbergh, drama basado en una historia real que le valió el Globo de Oro y el Oscar como mejor actriz principal. Con ese director también rodaría Ocean’s eleven (2001), Full frontal (2002) y Ocean’s twelve (2004). Otros títulos fueron The Mexican (2001) de Gore Verbinsski, junto a Brad Pitt, La pareja del año (2001) de Joe Roth, La sonrisa de Mona Lisa (2003) de Mike Newell, Closer (2004) y La guerra de Charlie Wilson (2007), ambas de Mike Nichols, Duplicity (2009) de Tony Gilroy, Historias de San Valentín (2010) de Garry Marshall, Come, reza, ama (2010) de Ryan Murphy, Larry Crowne (2011), que Tom Hanks dirigió y protagonizó junto a ella, Blancanieves (2012) de Tarsem Singh, donde interpretó a la malvada reina madrastra o Agosto (2013) de John Wells, drama donde era la hija de Meryl Streep.
Después de mantener mediáticos romances con los actores Liam Neeson, Dylan McDermott, Kiefer Sutherland, Jason Patric y Daniel Day-Lewis, se casó en 1993 con el cantante de country Lyle Lovett, de quien se divorció dos años más tarde. Tras nuevas relaciones con Matthew Perry o Benjamin Bratt, volvió a casarse en 2002 con el cámara Danny Moder, con quien ha tenido tres hijos.


Tribute to Joaquin Phoenix (San Juan, Puerto Rico, 28-10-1974)

EL TALENTO DEPRESIVO

El actor estadounidense Joaquin Phoenix cumple hoy 40 años. Especializado en personajes oscuros y tres veces candidato al Oscar, su papel más aclamado ha sido en la película En la cuerda floja ("Walk the line"), por la que ganó un Globo de Oro además de un Grammy por su banda sonora. Es también activista de diversas asociaciones humanitarias.

Perfil biográfico a partir de la página El Criticón:

Joaquin Rafael Phoenix es hijo de los misioneros de la "Iglesia de Dios", John Bottom Amram y Arlyn Dunitz Jochebed, que cambiaron su apellido por Phoenix al establecerse en los Estados Unidos. Su hermano era el famoso y fallecido actor River Phoenix. Además de River, Joaquin tiene tres hermanos más, todos ellos dedicados a la interpretación, un chico llamado Rain (Lluvia) y dos chicas llamadas Liberty (Libertad) y Summer (Verano), quienes, al igual que Joaquin, que comenzó su carrera con el nombre de Leaf (Hoja) Phoenix, dieron inicio a su trayectoria profesional apareciendo en anuncios publicitarios y en series de televisión.
Phoenix debutó en el cine a mediados de la década de los 80, interviniendo en la película S.O.S.: Equipo Azul (1986) de Harry Winer. Destacó en Dulce hogar...¡a veces! (1989) de Ron Howard y Todo por un sueño (1995) de Gus Van Sant. Durante cuatro años fue novio de Liv Tyler, con quien coincidió en El secreto de los Abbott (1997) de Pat O'Connor y en Giro al infierno (1997) de Oliver Stone. Compartió cartel con Nicolas Cage en Asesinato en 8 mm (1999) de Joel Schumacher y con Russell Crowe en Gladiator (2000) de Ridley Scott, por la que fue nominado al Oscar y al Globo de Oro como mejor actor secundario, lo que supuso su despegue estelar. Otros títulos de su filmografía son las películas La otra cara del crimen (2000) de James Gray, Quills (2000) de Philip Kaufman, Señales (2002) y El bosque (2004), ambas de M. Night Shyamalan.
Ganó el Globo de Oro y fue candidato al Oscar al mejor actor principal por En la cuerda floja (2005) de James Mangold, película en la que encarnaba al músico country Johnny Cash. Siguieron La noche es nuestra (2007) y Two lovers (2008), interesantes dramas ambos dirigidos por James Gray, I'm still here (2010), aparente falso documental dirigido por su cuñado y amigo Cassey Affleck, The master (2012) de Paul Thomas Anderson, que le valió la Copa Volpi en Venecia y su tercera candidatura al Oscar, Her (2013) de Spike Jonze o El sueño de Ellis (2013) de James Gray.


Ramón del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, España, 28-10-1866 / Santiago de Compostela, 5-1-1936): In memoriam

EL CREADOR DEL ESPERPENTO

Tal día como hoy hace 148 años vino al mundo el gran escritor español Ramón María del Valle-Inclán, dramaturgo, poeta y novelista que formó parte de la corriente literaria denominada modernismo en España y se encuentra próximo, en sus últimas obras, a la denominada generación del 98. Se le considera uno de los autores clave de la literatura española del siglo XX.

Texto biográfico procedente de la página El poder de la palabra:

Novelista, poeta y autor dramático español, además de cuentista, ensayista y periodista. Destacó en todos los géneros que cultivó y fue un modernista de primera hora que satirizó amargamente la sociedad española de su época. Nació en Villanueva de Arosa, Pontevedra, y estudió Derecho en Santiago de Compostela, pero interrumpió sus estudios para viajar a México, donde trabajó de periodista en El Correo Español y El Universal. A su regreso a Madrid llevó una vida literaria, adoptando una imagen que parece encarnar algunos de sus personajes. Actor de sí mismo, profesó un auténtico culto a la literatura, por la que sacrificó todo, llevando una vida bohemia de la que corrieron muchas anécdotas. Perdió un brazo durante una pelea. En 1916 visitó el frente francés de la I Guerra Mundial, y en 1922 volvió a viajar a México. Al proclamarse la República, en 1931, desempeñó varios cargos oficiales, entre ellos el de Director de la Escuela de Bellas Artes de Roma. Posteriormente regresó a Santiago de Compostela, donde murió en enero de 1936. Su primer libro fue Femeninas, de 1895, con el relato 'La niña chole' de inspiración mexicana, al que siguieron obras de inspiración gallega, donde destaca la estilización lírica del ambiente campesino y popular, como Flor de santidad (1904), la poesía de Aromas de leyenda (1907), y al mismo tiempo el arte erótico refinado, evocador y musical de las cuatro Sonatas (de otoño, estío, primavera e invierno), aparecidas entre 1902 y 1905, y que constituyen la biografía galante del marqués de Bradomín, y suponen la culminación del modernismo español. En 1907 se casó con la actriz Josefina Blanco, y publicó la primera de sus llamadas comedias bárbaras, Aguila de blasón, a la que siguió Romance de lobos (1908), obras de gran estilización dramática en un ambiente violento de resonancias medievales. En Cara de plata (1922), tercer volumen de esta trilogía teatral, vuelve a observarse el giro hacia las consideraciones de crítica social, como también ocurre en sus tres novelas ambientadas en la guerra carlista, Los cruzados de la causa (1908), El resplandor de la hoguera (1909) y Gerifaltes de antaño (1909), que ofrecen una amplia visión de carácter histórico de la época. En las obras dramáticas Cuento de abril (1910) y La marquesa Rosalinda (1913), retoma el modernismo. Lo mismo que ocurre en Voces de gesta (1911). A partir de entonces, la tragedia resulta escueta, desnuda, aunque en La lámpara maravillosa (1916), todavía utilice un lenguaje hermético para exponer ideas originales acerca del misticismo y la creación. Probablemente su segundo viaje a México le inspiró la escritura de Tirano Banderas (1926), considerada su mejor novela, síntesis del mundo americano, de muchos personajes y caudillos, que antecede a las llamadas novelas de tiranos cultivadas, entre otros, por Miguel Ángel Asturias, Alejo Carpentier o García Márquez. Su obra teatral Luces de bohemia (1920), estableció una estética de la deformación, por medio de la que estiliza lo bajo, lo feo, con una especie de expresionismo gestual y caricaturesco que él mismo llama -del héroe reflejado en el espejo cóncavo- y que llamará esperpento y tiene antecedentes en Quevedo y Goya. Probablemente sea su obra teatral más lograda. Los cuernos de don Friolera (1921), y Las galas del difunto (1926), inciden en esta estética, mientras que en Divinas palabras (1920), la virtud de la palabra sagrada se impone a las pasiones carnales en unos ambientes de pesadilla. Valle-Inclán volvió a escribir novela histórica en El ruedo ibérico, una serie de novelas que se basan en el reinado de Isabel II, donde aparece una amarga visión satírica de la realidad española, y que consta de La corte de los milagros (1927), Viva mi dueño (1928) y Baza de espadas, que apareció póstumamente.

 

lunes, 27 de octubre de 2014

Lou Reed - Walk on the wild side

HEY BABE!
Tributo al  emblemático cantante y compositor de rock fallecido hace un año hoy, con este video en el que suena su canción de mayor éxito y que muestra la historia detrás de la música y lo que fue de ese gran circo de llamativos personajes.

Lou Reed (Brooklyn, New York, 2-3-1942 / Southampton, New York, 27-10-2013): In memoriam

LOU READ: DEAD OR ALIVE

Hoy se cumple un año de la muerte del cantante estadounidense y compositor de rock Lewis Allan Reed, conocido como Lou Reed. A tal efecto reproducimos aquí el artículo de Diego A. Manrique publicado en EL PAÍS el 1-11-2013.

Lou Reed: muere el poeta eléctrico

Parecía indestructible: un neoyorquino agresivo, dispuesto a defender su parcela. Lou Reed presumía de una fortaleza de ánimo que le permitió superar todas las adversidades. Aguantó el electrochoque al que le empujaron sus preocupados padres. Se dio a conocer con The Velvet Underground, un grupo que, a pesar de su actual inmensa reputación, apenas vendió discos. De hecho, sus dos únicas canciones universales, Walk on the wild side y Perfect day, salieron en 1972, en el elepé Transformer, que produjo su admirador Bowie. Y parecía haber sobrevivido al transplante de hígado al que se sometió en abril, que al final ha causado su muerte ayer en Long Island.
Con todo, mantuvo una alta productividad hasta tiempos recientes: se peleaba con las discográficas, cambiaba de productores y seguía adelante, sin grandes ventas. Aparte de la vituperada colaboración con Metallica (Lulu, 2011), se había apartado del rock y el formato canción. Casi de tapadillo, lanzaba grabaciones instrumentales, ocasionalmente con un grupo —el Metal Machine Trio— que evocaba su máxima expresión de libertad creativa: el doble Metal machine music (1975), una colección de feedback y otros extremismos sonoros.
De alguna manera, Lewis Allan Reed (1942-2013) se deleitaba en llevar la contra a lo que esperaban de él. Eran muy celebrados sus encuentros con el periodista musical Lester Bangs, que exigía cierta moralidad a sus ídolos. Reed arguía la sacrosanta libertad del creador. Se burlaba del (indudable) daño que hizo aquella parte de su espectáculo en que parecía inyectarse con heroína: “¿es que no saben distinguir entre el teatro y la realidad?”.
Y añadía, con sorna: “¿Cómo sabían que en la jeringuilla había heroína?”. Tenía razón, aunque olvidaba oportunamente su monumental Heroin (1967), que tan atractiva hacía la opción de la vida opiácea, también evocada ese mismo año en I'm waiting for the man. En realidad, se supone que la droga que más le atraía era la anfetamina, en su versión inyectable muy usada en el círculo del vampírico Andy Warhol. Y que nadie vea aquí un insulto a Warhol: Lou, en compañía del sufrido John Cale, sacaría en 1990 Songs for Drella, recordando su apodo entre los íntimos, un cruce de Drácula y Cinderella (Cenicienta).
Aparte de haber frecuentado un ambiente tan enrarecido como el de The Factory, donde se desarrollaba una competencia mortal por ser la fiera más cool del bestiario, se me ocurren otras razones para su agresiva altivez. Aunque Lou había pasado una temporada en los margenes del Brill Building, la industria del pop juvenil, grabando discos baratos como The Primitives, sus primeros álbumes reventaron los límites de lo que se podía contar en una canción pop. Sin embargo, se le escatimaron los elogios.
Bob Dylan o John Lennon podían relatar sus transgresiones de forma elíptica; Reed era directo y contundente, como Raymond Chandler y otros autores de su querida novela negra. En vez del clásico conflicto de chico-chica, el cancionero de Lou introducía a homosexuales, travestidos y otras criaturas exóticas. Sus protagonistas podían odiarse, practicar el sadomasoquismo e incluso matar. En medio del ensueño jipi de los sesenta, aquello sonaba a aberración neoyorquina.
Esa falta de sincronía generacional explica que Lou Reed nunca llegara a gran estrella en Estados Unidos. Pude comprobarlo en 1986, viajando a Atlanta (Georgia) para entrevistarle. El fotógrafo se mostraba escéptico: no creía que mereciera tal desplazamiento. Como una broma, fuimos preguntando a todos los estadounidenses que nos cruzábamos si conocían a Lou Reed. Y no, no les sonaba. Si mencionábamos que cantaba, le confundían con el vocalista negro Lou Rawls. Sólo en Atlanta, un taxista hirsuto le pudo identificar: “Claro, el de The Velvet Underground. ¿Sigue vivo?”.
Felizmente para Lou, Europa se mostró encantada ante semejante outsider. El patrocinio de David Bowie le permitió encajar fugazmente en un movimiento popular, el glam rock. Con todo, la leyenda pesaba más que la realidad de su obra: mitificado por nuestros dibujantes de tebeos underground, Nazario terminaría demandándole por plagiar un dibujo suyo para un disco en directo.
En la mente popular, era un connoisseur de todos los vicios posibles, la excusa para desmadrarse en público. Lou Reed se enfrentó con levantiscas multitudes europeas que peleaban con la policía o —caso de Madrid— asaltaban y saqueaban su escenario. Con el tiempo, Lou actuó en recintos más refinados, donde pudo demostrar su fascinación por el sonido en compañía de instrumentistas de primera, alternando sus melodías más sigilosas con las exhibiciones de decibelios.
A la vez, exigía implícitamente que se reconociera su categoría literaria. De alguna manera, gracias en parte a su matrimonio con la artista Laurie Anderson, consiguió ser aceptado en los ambientes de la alta cultura de Nueva York: se atrevía con Edgar Allan Poe en The raven, su Berlin fue filmado en directo por Julian Schnabel, el Metal machine music fue adaptado para orquesta de cámara, se publicó la integral de sus letras. Uno confía en que Lou, tan huraño y tan desconfiado, disfrutara de ese beneplácito tardío.

Cartel de "Wanted" que refleja su antagonismo con la prensa musical USA, que era su principal valedora, la que facilitaba que saltara de compañía en compañía a pesar de vender poco.

Conchita Bautista - ¡Qué bueno, qué bueno! (ESC 1965)

TRIBUTE TO CONCHITA BAUTISTA (Sevilla, 27-10-1936)

La cantante española Conchita Bautista cumple hoy 78 años. Se la recuerda fundamentalmente por las  dos veces que representó a TVE en el Festival de Eurovisión: en 1961 (la primera vez que España compitió en dicho certamen) con Estando contigo y en 1965 con ¡Qué bueno, qué bueno!, canciones poco o nada apreciadas por los jurados europeos, pero ambas exitosas a escala nacional. Fue una pionera del en su día llamado flamenco-pop, aunque también grabó discos de otros estilos.

Perfil biográfico procedente de la página eurovision-spain:

María Concepción Bautista Fernández (Sevilla, 27 de octubre de 1936) es la segunda de cinco hermanos, hija de un agente comercial y una ama de casa. Hizo su primera actuación con sólo 7 años, cobrando 25 pesetas. Tras pasar por varias academias de flamenco y estudiar interpretación, pasó a formar parte del Grupo de Cante y Baile de Educación y Descanso. Debutó en el teatro Álvarez Quintero en una serie de galas dominicales dirigidas al público infantil y comenzó a ser una voz conocida en varios concursos y programas radiofónicos de variedades, como Conozca usted a sus vecinos y, sobre todo, Cabalgata de fin de semana. Su integración en las compañías de Pepe Pinto y Angelillo la permitieron recorren primero Andalucía y después toda España a lo largo de la década de los cincuenta.
Tras asentarse en Madrid en 1953, el cine fue su siguiente paso debutando en Fuego en la sangre (1953), de Ignacio F. Iquino, rodando siete películas en la década de los 50, siendo de destacar La reina mora (1955), adaptación de la zarzuela homónima situada en su Sevilla natal y La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem, que fue la primera película española nominada a los Oscar. A la vez empieza a grabar en 1958 singles y ep’s de canción andaluza que la hacen una voz muy conocida a través de la radio y también de la televisión, medio en el que debuta como presentadora del programa Musical 14:05.
En 1961 gana en Barcelona el concurso organizado por RNE para designar el primer representante español en Eurovisión, papel que desempeña muy dignamente en Cannes consiguiendo un noveno puesto con Estando contigo, que más tarde será un gran éxito en la voz de Marisol. A partir de este momento su estilo derivo un poco hacia el pop sin perder sus raíces en la copla y la canción andaluza, especialmente tras su fichaje con la discográfica Belter en 1965, compañía con la que seguirá durante muchos años. Así, empieza a promocionarse por América, debutando en este continente en Caracas en 1961 y visitando también México, Argentina y muchos otros países latinoamericanos en los siguientes años, así como Estados unidos, donde trabaja por tres meses seguidos con constantes apariciones en televisión. En 1962 protagoniza la película Escuela de seductoras, más en la línea de la comedia que del cine folklórico que había sido su tónica hasta entonces.
En 1965 triunfa en Gran Parada, programa que designa su segunda participación eurovisiva con Qué bueno, qué bueno, que se queda a cero puntos en Nápoles. Ello no influye en absoluto en su carrera posterior: sigue grabando discos hasta bien entrados los 90 (su último disco sin contar recopilatorios es Por ti, de 1992), continúa su trabajo como actriz hasta la película A mi las mujeres ni fu ni fa de 1971 o la serie de la televisión catalana Mare i fill societat anónima (1980) y, sobre todo, aparece constantemente en Television, ganando un premio Ondas en 1969 como presentadora del programa Esta noche con… También forma parte del “Equipo” que obtiene el primer premio para España en Singing Europa 1969 en Holanda, junto a Los Mismos y  Cristina. Repetirá triunfo con el tándem formado por Peret, Guillermina Motta, Nuria Feliù y Pedro Gené en el Festival de Knokke, Bélgica, al año siguiente. Su éxito en el Festival de Sopot, Polonia, es tal que se convertirá en una de las cantantes españolas más conocidas en el país eslavo, regresando muchas veces a dar recitales allí. También ha actuado en lugares como Grecia, Italia y Turquía.
Retirada de los escenarios desde finales de los 90, no ha dejado de aparecer en televisión desde entonces. Tuvo una hija, María del Mar, fallecida a los 14 años en 1975 a causa de un tumor cerebral.


En el Eurofestival 1965 celebrado en Nápoles, Conchita Bautista se clasíficó en ultimo lugar (compartido con Alemania, Bélgica y Finlandia) y cero votos. No obstante la canción fue un éxito aquel año en España y ella cantó así de bien en el concurso la pegadiza canción de Antonio Figueroa Egea.

domingo, 26 de octubre de 2014

Mahalia Jackson - Summertime

MAHALIA JACKSON (New Orleans, Louisiana, US, 26-10-1911 / Evergreen Park, Illinois, US, 27-1-1972): IN MEMORIAM

Aniversario natal de Mahalia Jackson, cantante estadounidense de gospel con poderosa tesitura vocálica de contralto y activista por los derechos civiles. Grabó alrededor de 30 álbumes y una docena de sus discos de 45 r.p.m. fueron millonarios en ventas, ganando ella cuatro premios Grammy. Falleció a los 60 años siendo considerada la Reina del gospel.

Este es su perfil según la página mcnbiografías:

Cantante estadounidense de gospel, nacida en 1911 en uno de los barrios más pobres de Nueva Orleans, y fallecida en 1972. Fue, tal vez, la voz más grande de este estilo musical y su primera gran estrella, e introdujo en el gospel elementos del blues que contribuyeron a enriquecer con otros matices la música negra espiritual. Su voz y su manera de cantar han influido en innumerables vocalistas.
Debutó como cantante a los cuatro años en el coro infantil de la iglesia baptista de Plymouth Rock. Sólo unos años después, ya era un destacado miembro del coro de Mount Moriah, otra iglesia baptista. A pesar de su afición al gospel, Mahalia estuvo en su juventud muy influida por el blues, concretamente por las voces de Bessie Smith y Ma Rainey.
En 1927 se trasladó a Chicago, donde trabajó como doncella y lavandera mientras cantaba en la Greater Salem Baptist Church y con los tres hijos del pastor de dicha iglesia en The Johnson Brothers. En aquella época, Mahalia rechazó una invitación de Earl Hines para cantar blues, y siguió colaborando con The Johnson Brothers, probablemente, uno de los primeros grupos de gospel profesionales que actuaron por el área de Chicago con asiduidad. A mitad de los años treinta, el grupo se disolvió, y Mahalia Jackson empezó a actuar junto a Evelyn Gay al piano, al tiempo que abría su propio salón de belleza.
En 1937 inició su relación con el sello Decca Records, para el que grabó sus primeros temas; “God separate the wheat from the tares” fue uno de los más conocidos de esta primera época. A partir de entonces, pasó casi diez años de su vida actuando en directo con Thomas A. Dorsey, la figura más importante del gospel en aquellos momentos. Reanudó su carrera discográfica en 1946, cuando grabó para Apollo unos temas junto a Mildred Falls, la pianista que le acompañaría durante los siguientes veinte años. Con esta discográfica obtuvo logros como el primer single gospel que vendió más de un millón de copias, “Move on up a little higher”, o “Dig a little deeper”, otro gran éxito. En 1951 ganó un disco de oro en Francia por el tema “I can put my trust in Jesus”, y un año más tarde inició una gira por toda Europa, donde logró otros éxitos como el conseguido con su versión del tema “Silent night”.
La fama de Mahalia había traspasado las fronteras de su país, donde ya era una gran estrella y contaba incluso con un programa semanal de radio dedicado al gospel en la cadena CBS, algo inusual en este estilo de música. En medio de todo este auge, Mahalia tuvo que cambiar de sello discográfico debido a unas disputas sobre royalties, y pasó entonces a engrosar la nómina de Columbia Records. Esto ocurría en el año 1954, y con esta discográfica grabó a partir de entonces un total de quince álbumes, entre ellos el clásico The Great Mahalia Jackson. Debe señalarse que, nada más fichar por Columbia, editó el single “Rusty old Halo”, que entró en el top cuarenta estadounidense, y que conforme avanzaban los años, su música fue adquiriendo matices pop que propiciaron su apertura a otros públicos. (What the world needs now es tal vez el título del álbum más pop de Mahalia Jackson)
En 1958, Mahalia actuó en el Festival de Jazz de Newport en un concierto memorable, esta vez con un estilo más clásico. Pero conforme llegaban los sesenta, se dedicó con más fuerza a su carrera empresarial: abrió la "Mahalia Jackson Chicken Dinners", una cadena de restaurantes, parte de cuyos beneficios estaban destinados a obras benéficas para la gente de color. Muy activa políticamente hablando, fue gran soporte y confidente de Martin Luther King, pero su actividad política decreció mucho a finales de los sesenta, después de los asesinatos de este último y de los Kennedy. En el funeral de su querido Martin Luther King, Mahalia cantó “Precious Lord”.
Los largos y penosos trámites de su divorcio, al que se dio una exagerada publicidad, trajeron como consecuencia para Mahalia varios ataques al corazón y una desmejora física notable. De constitución voluminosa, después de todo aquello perdió varias decenas de kilos; no obstante, en el año 1971 todavía actuó en un concierto de despedida en Alemania. A comienzos del año 1972, falleció en la ciudad de Chicago y, en su sepelio, una de sus más grandes discípulas, Aretha Franklin, cantó aquel “Precious Lord” que Mahalia había entonado en su día ante la tumba de Martin Luther King.



En el video, Mahalia Jackson canta de forma estremecedora la canción más conocida de la ópera "Porgy and Bess", con música de George Gershwin y libreto en inglés de Ira Gershwin y DuBose Heyward.

Vintage delights (XXII)

Lost in music

Friendship

Jealousy

Huile de foie de morue

Planet of the apes: Seymour Koenig, Zabo, Jerry Trailer, Steve Merjanian

A soup line forming during the recession era

Brighton dandies

Dempsey & Firpo

 Naples, Italy, 1960

Hombres de Barro Asaro de Papúa, Nueva Guinea

Crab hat

Sailors on shore leave talking to local girls, San Diego, 1937

Nautical tradition: Whenever someone yells, 'Nipple train!'

 Max Factor and his beauty micrometer

Boxing 1955

Horseman from Jean Cocteau film 'Testament of Orpheus', 1960

 Actor Burr McIntosh as Father Neptune with bathing beauties

Begging on the streets of Madrid, 1940

Cuban vedette, 1960s

Football player, 1930s

Flapper, 1920s

Dancing in the streets of NY, 1945, by Weegee

Ziegfeld girl with Indian headdress

Columbia player