Museo LoPiù

Museo LoPiù
(Logo designed by Juan Carlos Cuba)

Translate

jueves, 31 de julio de 2014

Riccardo Del Turco - Luglio

LUGLIO COL BENE CHE TI VOGLIO...

"Luglio" (Julio) fue la canción del verano en Italia en 1968. Con ella el cantautor Riccardo Del Turco consiguió el mayor hit de su carrera, que se hizo enormemente popular tras vencer el concurso 'Un disco per l'estate'.

Luglio
(Bigazzi - Del Turco)

Luglio col bene che ti voglio
vedrai non finirà ia ia ia ia
luglio m'ha fatto una promessa
l'amore porterà ia ia ia ia
anche tu
in riva al mare
tempo fa
amore amore
mi dicevi luglio
ci porterà fortuna
poi non ti ho vista più
vieni da me c'è tanto sole
ma ho tanto freddo al cuore
se tu non sei con me.
luglio si veste di novembre
se non arrivi tu ia ia ia ia
luglio sarebbe un grosso sbaglio
non rivedersi più ia ia ia ia
ma perchè
in riva al mare
non ci sei
amore amore
ma perchè non torni
è luglio da tre giorni
e ancora non sei qui
vieni da me c'è tanto sole
ma ho tanto freddo al cuore
se tu non sei con me
luglio stamane al mio risveglio
non ci speravo più ia ia ia ia
luglio credevo ad un abbaglio
e invece ci sei tu ia ia ia ia
ci sei tu
in riva al mare
solo tu
amore amore
e mi corri incontro
ti scusi del ritardo
ma non m'importa più
luglio ha ritrovato il sole
non ho più freddo al cuore
perchè tu sei con me
du du duru ru ru ru du du
duru ru ru ru du ai ai ai ai
du du duru ru ru ru du du
duru ru ru ru du ai ai ai ai
ci sei tu
in riva al mare
solo tu
amore amore
e mi corri incontro
ti scusi del ritardo
ma non m'importa più
luglio ha ritrovato il sole
non ho più freddo al cuore
perchè tu sei con me.


Pasodoble "El gato montés"

MANUEL PENELLA MORENO (Valencia, 31-7-1880 / Cuernavaca, México, 24-1-1939): IN MEMORIAM
Hace 134 años, tal día como hoy, nacía en Valencia el maestro Manuel Penella, autor de este celebérrimo y españolísimo pasodoble, que formaba parte de una obra del mismo título estrenada en 1917 en Valencia y en 1919 en Nueva York con gran éxito. El compositor la quiso estructurar como una ópera, proyecto que no pudo concluir. En Barcelona estrenó en 1932 la ópera de cámara "Don Gil de Alcalá", su otra obra más conocida. Además de sus 80 obras escénicas, entre óperas, zarzuelas, revistas y comedias musicales, también escribió canciones, alguna tan famosa como "En tierra extraña", popularizada por Concha Piquer. Es abuelo de las actrices Emma Penella, Elisa Montés y Terele Pávez, y bisabuelo de Emma Ozores.
 

miércoles, 30 de julio de 2014

Paul Anka - Diana

HIS WAY

El cantante, compositor y actor canadiense Paul Anka (Ottawa, 30-7-1941), nacionalizado estadounidense a partir de 1990, cumple hoy 73 años. Con apenas 16 años accedió a la fama internacional con Diana, uno de los discos de 45 r.p.m. más vendidos de toda la historia. De ídolo adolescente se recicló en crooner en la línea de Frank Sinatra o Tony Bennett y ha tenido una carrera desigual pero larga.

Perfil extraído (con retoques y añadidos) de la página Biografías y Vidas:

Hijo de inmigrantes libaneses, ya en el colegio destacaban sus aptitudes como showman. A los quince años pasó unas vacaciones con un tío suyo introducido en el mundo del espectáculo que vivía en Los Angeles, con la idea de darse a conocer. En septiembre de 1956 grabó su primer disco, I confess, y al año siguiente, en un viaje a Nueva York, recorrió diversas discográficas hasta que Don Costa, de ABC Records, quedó impresionado por su potencial.
En julio de 1957 lanzó al mercado Diana, una canción suya dedicada a su antigua niñera que alcanzó casi de inmediato el número uno a ambos lados del Atlántico. Diana es un tema récord en muchos aspectos: permaneció nueve semanas en el número uno de las listas inglesas, se vendieron nueve millones de copias en poco más de un mes en todo el mundo y ha sido versionada en trescientas ocasiones por distintos artistas. Con dieciséis años, Paul Anka se erigió en el precursor y líder del movimiento teen de los cincuenta, cosechando ventas millonarias de sus baladas You are my destiny (1958) o Lonely boy (1959). Hasta principios de los sesenta siguió obteniendo grandes éxitos como el recordado Put your head on my shoulder (1959) o Puppy love (1960), sin que influyera en ello el cambio de discográfica (en 1962 dejó ABC para fichar por RCA, llevándose consigo los derechos de todo su catálogo). Participó también en diversas películas, la más conocida El día más largo (1962), para la que además compuso su famoso tema principal. Con los cambios en los gustos musicales, su popularidad remitió, pero siguió editando discos de relativo éxito. En Italia obtuvo un gran éxito en Sanremo con la canción Ogni volta (1964), que vendió un millón de copias y fue disco de oro. La adquisición de los derechos del tema Comme d'habitude del francés Claude François, que Paul Anka tradujo al inglés titulándolo My way, le devolvió al primer plano de la actualidad en 1969, especialmente después de que la canción se hiciera mundialmente famosa en la versión de Frank Sinatra. Asímismo en 1971 Anka proporcionó a Tom Jones uno de sus mayores hits con She's a Lady.
En los setenta firmó por United Artists, y en 1974 volvió a llegar al número uno con You're having my baby, a dúo con su protegida Odia Coates. A finales de la década, Paul Anka se estableció en el circuito de Las Vegas, en el que actuaban regularmente glorias pretéritas como Tom Jones o Johny Cash. En 1983 fichó por CBS y editó el álbum Walk a fine line. Desde entonces su actividad discográfica inició un declive; dedicó más tiempo a actuar y a su vida privada, pero todavía editó trabajos como Freedom for the world (1987) y nuevas versiones de sus antiguos éxitos en Five decades greatest hits (1991), álbum para el que contó con la colaboración especial de la vocalista Ofra Haza en un par de temas.
Anka se casó con Anne de Zogheb, hija de un diplomático libanés, en 1963. La relación llegó a su fin en el año 2001. De este matrimonio tuvo cinco hijas: Amelia, Anthea, Alicia, Amanda y Alexandra. Desde 2008 está casado con la sueca Anna Aberg.


 

Movie Legends - Claudette Colbert

CLAUDETTE COLBERT (Saint Mandé, Francia, 13-9-1903 / Speightstown, Barbados, 30-7-1996) : IN MEMORIAM

Esta actriz americana de origen francés era hija de un banquero y fue trasladada a E.E.U.U. cuando contaba tres años. Estudió Arte Dramático y debutó en el teatro en 1923. Cuatro años más tarde comenzó en el cine a las órdenes de Frank Capra, quien en 1934 le daría su papel más recordado en Sucedió una noche, comedia con Clark Gable por la que ganó un Oscar, premio al que fue candidata otras dos veces. Destacó en la comedia sofisticada; incluso en las situaciones más extravagantes, mantenía la elegancia, el refinamiento aristocrático y la moderación. Con la madurez sus personajes se hicieron más profundos y graves, pero sin perder la compostura, la sonrisa y su mirada maliciosa. Realizó trabajos memorables en: El teniente seductor (1931) de Ernst Lubitsch, comedia con Maurice Chevalier, El signo de la cruz (1932), con Fredric March, y Cleopatra (1934), con
Warren William y Henry Wilcoxon, producciones épico-históricas ambas dirigidas por Cecil B. DeMille, Imitación de la vida (1934) de John M. Stahl, melodrama con Warren William, Mundos privados (1935) de Gregory La Cava, comedia con Charles Boyer por la que obtuvo su segunda nominación al Oscar, Bajo dos banderas (1936) de Frank Lloyd, melodrama de aventuras coloniales con Ronald Colman,  Tovarich (1937) de Anatole Litvak, comedia con Charles Boyer, La octava mujer de Barbazul (1938) de Ernst Lubitsch, brillantísima comedia sofisticada con Gary Cooper, Zaza (1939) de George Cukor, drama con Herbert Marshall, Medianoche (1939) de Mitchell Leisen, genial comedia con Don Ameche y John Barrymore,  Corazones indomables (1939) de John Ford, histórica exaltación patriótica ambientada en la  Guerra de la Independencia Norteamericana, con Henry Fonda, Fruto dorado (1940) de Jack Conway, título de aventuras con Clark Gable, Spencer Tracy y Hedy Lamarr, Adelante mi amor (1940) de Mitchell Leisen, comedia romántica con Ray Milland, Un marido rico (1942) de Preston Sturges, deliciosa comedia con  Joel McCrea, Mary Astor y Rudy Vallee, No hay tiempo para amar (1943) de Mitchell Leisen, comedia romántica con  Fred MacMurray, Sangre en Filipinas (1943) de Mark Sandrich, drama bélico con Paulette Goddard y Veronica Lake, Desde que te fuiste (1944) de John Cromwell, drama romántico con  Jennifer Jones, Joseph Cotten y Shirley Temple que le supuso su tercera nominación al Oscar, Bodas blancas (1944) de Mitchell Leisen, comedia romántica con Fred MacMurray, Lo que desea toda mujer (1945) de Sam Wood, comedia romántica con Don Ameche, El huevo y yo (1947) de Chester Erskine, comedia romántica con Fred MacMurray, Pacto tenebroso (1948) de Douglas Sirk, thriller psicológico con  Robert Cummings y Don Ameche, Regresaron tres (1950) de Jean Negulesco, drama bélico con Patric Knowles, Tempestad en la cumbre (1951) de Douglas Sirk, drama de intriga con Ann Blyth, o Parrish (1961) de Delmer Daves, drama con Troy Donahue y Karl Malden. Cuando a mediados de los años 50 el cine dejó de contar con ella, continuó trabajando en teatro y televisión, donde ganó un Globo de Oro en 1988. Entre 1930 y 1935 estuvo casada con el actor y director Norman Foster y, tras el divorcio, ese mismo año se casó con el médico y cirujano Joel Pressman, matrimonio que duró hasta la muerte de él en 1968. Claudette Colbert falleció a los 92 años, dejando atrás una espléndida carrera en la que actuó en peliculas de muchos de los mejores directores de Hollywood. Hoy hace 18 años que murió.



Tribute to Peter Bogdanovich (Kingston, New York, 30-7-1939)

EL CINEASTA MÁS CINÉFILO

El director, productor, actor, guionista, escritor y crítico estadounidense Peter Bogdanovich celebra hoy su 75 cumpleaños. De formación clásica, parte en su día del llamado 'nuevo Hollywood' junto a George Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Brian de Palma, Michael Cimino o William Friedkin, pasó de su triunfo inicial a una lenta decadencia de la que nunca se ha recuperado, aunque para algunos ha permanecido como autor de culto.
Su padre era un pintor y pianista serbio, y su madre era descendiente de una rica familia judía austriaca. Fue concebido en Europa pero nació en Estados Unidos ya que sus padres tuvieron que huir de la ocupación nazi.
Estudió actuación con Stella Adler y comenzó su carrera como actor off Broadway en la década de los 50. A principios de los 60 comenzó a trabajar como programador de películas en el museo MOMA de Nueva York, y este trabajo, sumado a su obsesión por el cine, lo llevó a convertirse en director, aunque previo a esto también se dedicó a escribir artículos como crítico de cine para la revista Esquire. Fanático de directores estadounidenses como John Ford y Howard Hawks, Bogdanovich también sintió atracción hacia olvidados pioneros del cine estadounidense como Allan Dwan y fue fuertemente influenciado por el director francés François Truffaut.
En 1968, siguiendo el ejemplo de los críticos creadores de la Nouvelle Vague que comenzaron escribiendo para Cahiers du Cinéma, Bogdanovich decidió hacerse director. Se mudó con su esposa Polly Platt a Los Angeles, donde comenzó a asistir asiduamente a fiestas y estrenos de películas gracias a su persistente contacto con los publicistas. El productor Roger Corman fue quien le propuso su primer trabajo como director a Bogdanovich, hecho que aceptó sin parpadear. De ahí surgieron Targets. El héroe anda suelto (1968), un excelente thriller protagonizado por Boris Karloff y Las mujeres prehistóricas (1968), film de ciencia ficción que firmó con el nombre de Derek Thomas. Su siguiente estreno fue el documental Directed by John Ford (1971). Ese mismo año consigue un gran éxito con La última sesión (The last picture show, 1971), su obra maestra, mirada nostálgica en blanco y negro a una pequeña ciudad americana de los años cincuenta basada en una novela de Larry McMurtry. Aclamado por la crítica, la película recibió ocho nominaciones a los premios Oscar, entre ellas las de mejor película y director. Sus secundarios Ben Johnson y Cloris Leachman ganaron sendas doradas estatuillas. En 1998 este film fue incluído en el registro cinematográfico nacional por la Junta Nacional de Preservación de la Librería del Congreso. Este honor es concedido sólo a los filmes más prominentes y representativos culturalmente. Durante el rodaje de este film, Bogdanovich se enamoró de la actriz Cybill Shepherd, quien fue una de las protagonistas, y este asunto lo llevó a su divorcio de la diseñadora de decorados Polly Platt, su colaboradora artística durante muchos años y madre de sus dos hijos, con la que estuvo casado entre 1962 y 1971. Shepherd fue su pareja entre 1971 y 1978.
Tras La última sesión, obtuvo otros dos grandes triunfos con ¿Qué me pasa, doctor? (1972), comedia de enredo protagonizada por Barbra Streisand y Ryan O'Neal, un homenaje a las screwball comedies de los años 30 así como a los cartoons de Bugs Bunny y Luna de papel (1973), otra nostálgica comedia en blanco y negro que rememora los años de la Gran Depresión, con Ryan O'Neal y su hija Tatum, que a la sazón contaba con nueve años. Tatum O'Neal ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto, convirtiéndose en la intérprete más joven de la historia en ganar tal premio en competición.
Pero a estos tres éxitos encadenados sucedieron otros tantos fracasos consecutivos con Daisy Miller (1974), drama basado en la novela de Henry James, At long last love (1975), musical romántico y estilizado con canciones de Cole Porter que homenajeaba a clásicos del género en los años 30, y Nickelodeon (1976), cómica revisitación de los pioneros del cine norteamericano que, a pesar del protagonismo de dos importantes estrellas del momento como Ryan O'Neal y Burt Reynolds, supuso su (inmerecido) tercer flop en taquilla. Con estos y otros trabajos posteriores, la imagen pública de Bogdanovich pasó a ser la de un director arrogante ensimismado en su propia presunción.
Tras una pausa de tres años Bogdanovich volvió a las carteleras con Saint Jack (1979), un film de discreta acogida tras su limitada distribución comercial. Algo parecido ocurrió con Todos rieron (1981), modesta comedia romántica que constituyó el último papel protagonista de Audrey Hepburn en una película. En ella también aparecía Dorothy Stratten, una playmate de la famosa revista de Hefner. Durante el rodaje, Bogdanovich se enamoró de Stratten, que estaba casada entonces con Paul Snider, quien dependía financieramente de ella. Cuando Stratten le contó a su marido que le abandonaba para irse a vivir con el director, éste la mató y se suicidó a continuación. La película no atrajo a los distribuidores debido al asesinato de Stratten y el destrozado Bogdanovich compró los derechos del film para estrenarlo al público, pero tuvo un limitado lanzamiento con flojas críticas e hizo a Bogdanovich perder millones de dólares, llevando al desolado director a la bancarrota.
Aunque ya nunca más volvió a ser un director puntero, Bogdanovich regresó con Máscara (1985), drama protagonizado por Cher, que por fin obtuvo un buen recibimiento. Su siguiente título Illegally yours (1988) resultó otro fiasco, mientras que Texasville (1990), secuela en color de La última sesión, al menos le reconcilió con parte de la crítica. ¡Qué ruina de función! (1992), una excéntrica comedia con vistoso reparto que incluía a Michael Caine, Carol Burnett y Christopher Reeve hizo honor a su título obteniendo baja recaudación. Esa cosa llamada amor (1993) tampoco tuvo suerte en su distribución comercial y Bogdanovich dejó de rodar para la gran pantalla durante ocho años, pasando a la televisión como director y actor. En 2001 estrenó El maullido del gato, un modesto éxito de crítica pero un nuevo fracaso en taquilla.
En lo que respecta a su vida personal, luego de los incidentes ya mencionados, estuvo casado por 13 años con la hermana menor de Dorothy Stratten, Louise Stratten, 29 años menor que él. La pareja se casó en 1988 y se divorció en 2001.


Siete años sin Bergman

INGMAR BERGMAN: PASIÓN
Hoy se cumplen 7 años de la muerte de Ingmar Bergman, director sueco de cine y teatro. Inspirado en Ibsen y Strindberg en sus comienzos, nadie como él ha sabido desnudar el alma humana y hurgar en sus heridas con mayor precisión, profundidad y belleza. A ello contribuyeron sus inmensos actores: Gunnar Björnstrand, Ingrid Thulin, Max Von Sydow, Harriet Andersson, Erland Josephson, Bibi Andersson, Liv Ullmann (por citar los más conocidos) y su fotógrafo habitual Sven Nykvist. Sus alrededor de cincuenta films conforman un legado a la Humanidad de valor inestimable. Un gigante de la cultura del siglo XX a la altura de Beethoven o Dostoievski.


(Con motivo de su aniversario natal ya se publicó en este blog un monográfico conmemorativo, al que remito al visitante interesado)

Ingmar Bergman (1918/2007)


"Un verano con Mónica" (1953)

"Sonrisas de una noche de verano" (1955)

"El séptimo sello" (1957)

"Fresas salvajes" (1957)

"El manantial de la doncella" (1960)

"Los comulgantes" (1963)

"La vergüenza" (1968)

"Pasión" (1969)

"Gritos y susurros" (1972)

"Sonata de otoño· (1978)

Fanny y Alexander (1982)

martes, 29 de julio de 2014

Famous Vincent Van Gogh paintings

EL TRANSGRESOR VISIONARIO

Hace hoy 124 años murió a los 37 el celebérrimo pintor holandés Vincent Van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30-3-1853 / Auvers-sur-Oise, 29-7-1890), considerado uno de los máximos exponentes del postimpresionismo. Trabajó incansablemente la dimensión expresiva del color y la luz como vehículo reflector de sus estados de ánimo. Trascendió su dificultad para representar el espacio mediante el dibujo, haciendo de sus pinceladas líneas, esto es, dibujaba pintando. Se sirvió de la pintura como empaste de relieves plásticos, dejando impresas en sus telas formas casi siempre onduladas que operan como elementos dinámica y vigorosamente comunicativos de la visión procedente del alma del pintor. De carácter difícil y temperamento fuerte e indomable, fue un artista solitario y autodidacta de infortunada vida sentimental y recurrentes trastornos psicóticos. Enfermo de sífilis desde 1885, ávido bebedor de absenta y constantemente en precaria situación económica, hubo de ser mantenido por su hermano Theo, con quien sostuvo una estrecha pero conflictiva relación. En sus últimos tiempos, sus accesos de melancolía, ira ,angustia, terror y alucinaciones se volvieron cada vez más intensos a la vez que su producción se hizo más copiosa. Pocos meses después de pasar por un manicomio, desesperado por lo que percibía como un insoportable fracaso existencial, se quitó la vida. "Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": éstas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo tras expirar en brazos de su hermano Theo. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, considerandosele en la actualidad uno de los grandes y más influyentes maestros de la pintura. Dejó a la posteridad 900 cuadros, entre ellos 27 autorretratos, 148 acuarelas y 1600 dibujos. La sorprendente vitalidad física y espiritual que reflejan sus obras lo han hecho inmortal. Picasso lo consideró como el pintor que abrió la puerta al arte moderno.

Esta semblanza del pintor está tomada de la página Biografías y Vidas:

Vincent Van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de toda la vida es el testimonio de la intensidad de esta relación.
Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon.
El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señaló el inicio de una primera etapa creativa. Tras un rechazo amoroso, se volvió cada vez más solitario, hasta que en 1878 se vio impelido por la necesidad de entregarse a sus semejantes y, tras intentar estudiar teología, decidió satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realizó una serie de dibujos de los mineros.
Hacia 1880, tras ser expulsado por su excesiva implicación, descubrió en la pintura su auténtica vocación, considerándola una vía para consolar a la humanidad. En los primeros años de la década de 1880 estudió con diversos pintores, entre los que cabe destacar a Anton Mauve. Su rápida evolución y el conocimiento de los impresionistas lo llevaron a abandonar la enseñanza académica y a reunirse con Theo en París en 1876.
Su hermano le presentó a Pissarro, Seurat y Gauguin, y esta situación coincidiría con la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo. Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujo a trasladarse a Arlés, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.
Con la pretensión de crear el grupo de los «impresionistas del sur», Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses y en la que Gauguin pasaría dos meses. La primera crisis mental, en la que se cortó parte de la oreja izquierda, tuvo lugar en la Navidad del mismo año 1888.
En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet.
La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arlés.
Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste, viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor, y pintor aficionado, Paul-Ferdinand Gachet.
En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde.

Vincent Van Gogh, Selfportait (1899)


Mama Cass Elliot - Dream a little dream of me

CASS ELLIOT (Baltimore, Maryland, US, 19-9-1941 / London, UK, 29-7-1974): IN MEMORIAM

Tal día como hoy hace cuarenta años falleció a los 32 de un infarto la cantante estadounidense Ellen Naomi Cohen, popularmente conocida como Cass Elliot, integrante del grupo vocal The Mamas & The Papas entre 1965 y 1968, año a partir del cual continuó su carrera en solitario.



Con su versión de "Dream a little dream of me" de 1968 -una canción escrita por Fabian Andre y Wilbur Scwandt con letra de Gus Kahn- que supuso su mayor hit, Cass Elliot vendió un millón de copias. Desde que esta melodía  fue grabada por la Orquesta de Wayne King en 1931, ha conocido un auténtico alud de versiones de famosos artistas: Nat King Cole, Frankie Lane, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Dinah Shore, Doris Day, Bing Crosby y muchísimos más. Un auténtico standard en toda regla.

Clara Bow (Brooklyn, New York, 29-7-1905 / Los Angeles California, 27-9-1965): In memoriam

"THE IT GIRL"

Hace hoy 109 años nació la actriz estadounidense Clara Bow, hija de una prostituta ocasional que sufría epilepsia y de un disminuido psíquico. De una infancia miserable en una familia disfuncional pasaría a convertirse, desde su debut en el cine silente a los 16 años en 1922, en popularísimo arquetipo de flapper durante la segunda mitad de los años 20, aportando un erotismo campechano y sin complejos. Fue una gran estrella que en doce años rodó cerca de sesenta títulos, aunque una tercera parte de ellos se han perdido. Cuando estuvo en la cima de su carrera atrajo a las salas de cine a más espectadores que Greta Garbo o Lillian Gish. Se retiró del cine a los 28 años.

Perfil biográfico (retocado) procedente de la página El Criticón:

Clara Gordon Bow fue una de las grandes personalidades femeninas del cine mudo de Hollywood. Nació el 29 de julio de 1905 en Nueva York, concretamente en el barrio de Brooklyn. Su familia vivía en una situación económica precaria. Su padre trabajaba de camarero y su madre sufría de continuos problemas mentales. El destino de Clara dio un giro cuando consiguió ganar un concurso de belleza organizado por una revista neoyorquina. El premio fue acudir a un estudio de la gran ciudad y aparecer como figurante en algún título cinematográfico menor.
Su fortuna cambió tras conocer al productor B. P. Schulberg, quien se convirtió en su mentor. Cuando Schulberg se alió con la poderosa Paramount, Clara también voló hacia la costa Oeste e inició su carrera en Hollywood. A mediados de los años 20 la Paramount volcó su publicidad en la nueva actriz, consiguiendo que se convirtiese en una gran estrella gracias a títulos como Días de colegial (1925) de Wesley Ruggles, Dancing mothers (1926) de Herbert Brenon, Flor de capricho (1926) de Victor Fleming, y sobre todo Ello (1927), película dirigida por Clarence Badger que le consagró como diva del cine mudo. El film se llamó en su versión original "It" y Clara fue conocida a partir de ese momento como "The it girl". Otra cinta importante protagonizada por Bow en la etapa de su máximo estrellato fue Alas (1927), film de William Wellman que se convirtió en la primera producción cinematográfica en conseguir el Oscar a la mejor película. Títulos posteriores de su filmografía incluyen No lo dejes escapar (1927) de Dorothy Arzner, La pelirroja (1928) de  Clarence G. Badger,  Una de tantas (1928) de William Wellman, The wild party (1929) de Dorothy Arzner, su primer film sonoro,  La chica de la noche del sábado (1929) de A. Edward Sutherland, o Su noche de bodas (1930) de Frank Tutle.
La gran popularidad de la actriz neoyorquina se fue desvaneciendo poco a poco con el paso de los años debido a sus incesantes escándalos públicos, principalmente de corte sexual, y también a causa de sus cuantiosas deudas derivadas del juego. A Clara Bow, a la que muchos tachaban de ninfómana, se le adjudicaron infinidad de romances, entre los que se encontraban los actores Gary Cooper, John Gilbert, John Wayne, Eddie Cantor e incluso Bela Lugosi. Estos sucesos provocaron la pérdida de conexión entre el público y la actriz. Si a ello le añadimos la inferior calidad de sus últimas películas, sus complejos de peso, la inestabilidad emocional y su escasa adaptación al cine sonoro, entenderemos su abandono de la industria cinematográfica en el año 1933.
En 1931 Clara se casó con el actor especialista en westerns Rex Bell (y posterior Gobernador de Nevada), al que había conocido cuando ambos rodaban la película Fiel a la marina (1930), realizada por Frank Tuttle. Con Bell tuvo dos hijos y el matrimonio no se disolvió hasta que él murió en 1962. Aquejada de problemas psíquicos, en 1944 tuvo un intento de suicidio y cinco años más tarde se le diagnosticó esquizofrenia. Al dejar la institución mental, Clara Bow vivió sola hasta su muerte en un bungalow de Culver City del que raramente salía y bajo el cuidado constante de una enfermera. Falleció en 1965 a causa de un ataque al corazón. Tenía 60 años.

 

Theda Bara (Cincinnati, Ohio, 29-7-1885 / Los Angeles, 17-4-1955): In memoriam

LA PRIMERA VAMP DEL CINE

Aniversario natal de la actriz estadounidense del cine silente Theda Bara, la primera vamp convertida en estrella del celuloide y un icono de las artistas del cine mudo. De piel muy blanca y grandes ojos oscuros, en su tiempo se la consideró un sex symbol por la fascinación que ejercía en el público con su halo misteriosamente seductor e impúdico. Solía aparecer con maquillaje dramático y buenas dosis de khol en los párpados, velos, túnicas, plumas, joyas y pieles abundantes y tenía una suite de hotel especial alquilada por los Estudios Fox y exoticamente decorada para entretener a la prensa. Carmen (1915), Romeo y Julieta (1916), Camille (1917), Cleopatra (1917), Madame DuBarry (1917) o Salomé (1918) fueron algunos de los títulos que rodaría para la Fox, ninguno de los cuales se ha conservado. Encasillada en papeles de mujer fatal, su estética quedó obsoleta en la década de los años 20 con la aparición de las flappers. A pesar de su imagen de devoradora de hombres, sólo estuvo casada con uno, el director Charles Brabin, desde 1921 hasta su muerte en 1955. No tuvieron hijos.

Información procedente de la web 20minutos:

La Vamp
Antes de ella el término no existía. Theda Bara (1885-1955) fue la primera depredadora sexual del cine, la mujer fatal que condenaba a los hombres a la perdición, la vampira.
Nació en Cincinnati-Ohio como Theodosia Burr Goodman, hija de un sastre de éxito (judio de origen polaco), fue a la universidad y se fogueó en muchas compañías de teatro antes de conseguir meterse en el cine, al que llegó muy tarde para el canon de la época, a los 30 años.
Fue la primera actriz prefabricada de la historia: la Fox le inventó un nombre, Theda Bara, haciendo notar que se trata del anagrama de arab death (muerte árabe); un lugar de nacimiento tan éxotico como improbable (el desierto del Sahara); unos padres bohemios: un artista francés y su concubina, y, para añadir morbo, aseguraban que Theda tenía “poderes sobrenaturales” y que su apodo como maga era La Serpiente del Nilo.
Actuó en más de cuarenta películas entre 1914 y 1926, pero la mayoría se han perdido (como otros centenares de films mudos) y sólo quedan versiones completas de seis.
Sus grandes éxitos de taquilla fueron Cleopatra (J. Gordon Edwards, 1917) y The soul of Budha (J. Gordon Edwards, 1918). De la primera sólo han sobrevivido unos segundos y de la otra no hay constancia de que exitan copias.
Cansada de que sólo le ofreciesen papeles de vamp, no prorrogó el contrato con la Fox, partipó en la comedia paródica The unchastened woman (James Young, 1925) y se retiró a los 41 años. Era una de las actrices más deseadas por el público y mejor pagadas (4.000 dólares por semana, sólo por debajo de Charlie Chaplin).
Murió de un cáncer de estómago a los 69 años sin haber participado jamás en una película con sonido.

Theda Bara as "Cleopatra"

lunes, 28 de julio de 2014

Iva Zanicchi - Non pensare a me

LA VITA CONTINUERÀ, IL MONDO NON SI FERMERÀ

En 1967 Iva Zanicchi y Claudio Villa vencieron el festival de Sanremo con esta bellísima canción de Testa/Sciorilli. Para Iva supuso la primera de las tres victorias que obtuvo en el certamen (también ganó en 1969 y 1974) y para Claudio la cuarta y última (después de haber sido vencedor en 1955, 1957 y 1962).

Non pensare a me
(Alberto Testa / Eros Sciorilli)

Non pensare a me,
Continua pure la tua strada senza mai pensare a me.
Tanto, cosa vuoi, c'è stata solo una parentesi fra noi.
Forse piangerò ma in qualche modo, bene o male, tu vedrai,
Mi arrangerò
Anche se mai più sarò felice come quando c'eri tu.
La vita continuerà, il mondo non si fermerà.
Non pensare a me,
Il sole non si spegnerà con te.
................................................................................................
Forse piangerò ma in qualche modo, bene o male, tu vedrai,
Mi arrangerò
Anche se mai più sarò felice come quando c'eri tu.
La vita continuerà, il mondo non si fermerà.
Non pensare a me,
Il sole non si spegnerà con te.